Альфапедия

История живописи

редактировать
Историческое развитие живописи

Наскальная живопись зубров (Bos primigenius primigenius), Ласко, Франция, доисторическое искусство

История живописи уходит корнями в прошлое к артефактам доисторических людей и охватывает все культуры. Он представляет собой непрерывную, хотя и периодически прерываемую, традицию античности. В разных культурах, на континентах и ​​тысячелетиях история история творчества, которая продолжается в 21 веке. До начала 20 века он опирался в основном на репрезентативные, религиозные и классические мотивы, после чего более чисто абстрактные и концептуальные подходы завоевали популярность.

Развитие восточной живописи исторически аналогично развитию западной живописи, в целом, использовании веками ранее. африканское искусство, еврейское искусство, исламское искусство, индийское искусство, китайское искусство и японское искусство - каждое из них оказало значительное влияние на западное искусство, и наоборот.

Первоначально служившая утилитарным целям, а затем имперскому, частному, гражданскому и религиозному покровительству, восточная и западная живопись позже нашла аудиторию в аристократии и среднем классе. С эпохи Нового времени, Средневековья до Возрождения художники работали на церковь и богатую аристократию. Начало с эпохи бар художники частные заказы от образованного и зажиточного среднего класса. Наконец, на Западе идея «искусства для искусства » начала находить выражение в работах художников-романтиков, таких как Франсиско де Гойя, Джон Констебл и Дж. М. В. Тернер. В 19 веке появилась коммерческая художественная галерея, которая оказывала покровительство в 20 веке.

Содержание
  • 1 Предыстория
  • 2 Восточная
    • 2.1 Восточная Азия
      • 2.1.1 Китайский
        • 2.1.1.1 Китайские картины маслом
      • 2.1.2 Японский
      • 2.1.3 Корейский
    • 2.2 Южноазиатский
    • 2.3 Индийский
      • 2.3.1 История
        • 2.3.1.1 Моголы
        • 2.3.1.2 Раджпут
        • 2.3.1.3 Танджор
        • 2.3.1.4 Мадрасская школа
        • 2.3.1.5 Бенгальская школа
        • 2.3.1.6 Современные индейцы
    • 2.4 Филиппинцы
    • 2,5 Юго-Восточная Азия
  • 3 Западная
    • 3,1 Египет, Греция и Рим
    • 3,2 Средние века
    • 3,3 Возрождение и маньеризм
    • 3,4 Барокко и рококо
    • 3,5 XIX век: неоклассицизм, история живописи, романтизм, импрессионизм, постимпрессионизм, символизм
    • 3.6 Модерн и современность 20 века
      • 3.6.1 Пионеры XX века
      • 3.6.2 Пионеры современного искусства
      • 3.6.3 Пионеры современного искусства абстракция
      • 3.6.4 Дада и сюрреализм
      • 3.6.5 До и после войны
      • 3.6.6 Итак сознание
      • 3.6.7 Мировой конфликт
      • 3.6.8 К серед ине века
      • 3.6.9 Абстрактный экспрессионизм
      • 3.6.10 Поп-арт
      • 3.6.11 Фигуративность, пейзаж, натюрморт, морской пейзаж и реализм
      • 3.6.12 Art brut, новый реализм, фигуративное движение в в районе залива, нео-дада, фотореализм
      • 3.6.13 Новая абстракция с 1950-х по 1980-е
      • 3.6.14 Вашингтонская школа цвета, Формованный холст, абстрактный иллюзионизм, лирическая абстракция
      • 3.6.15 Жесткая живопись, минимализм, постминимализм, монохромная живопись
      • 3.6.16 Неоэкспрессионизм
      • 3.6.17 Современная живопись в 21 веке
  • 4 Америка
    • 4.1 Мексика и Центральная Америка
    • 4.2 Южная Америка
    • 4.3 Северная Америка
      • 4.3.1 Соединенные Штаты
      • 4.3.2 Канада
    • 4.4 Карибский бассейн
  • 5 Исламский
    • 5.1 Иран
    • 5.2 Пакистан
  • 6 Океания
    • 6.1 Австралия
    • 6.2 Новая Зеландия
  • 7 Африка
    • 7.1 Судан
    • 7.2 Эфиопия
    • 7.3 Влияние на западное искусство
  • 8 См.
  • 9 Ссылки
  • 10 Мех Чтение
  • 11 Также Внешние ссылки
Предыстория

Самым старым из известных картин приблизительно 40 000 лет. Хосе Луис Санчидриан из Университета Кордовы, Испания, считает, что картины, скорее всего, были написаны неандертальцами, чем первыми современными людьми. Считается, что изображениям из пещеры Шове во Франции около 32000 лет. Они выгравированы и раскрашены с использованием красной охры и черного пигмента и изображают лошадей, носорогов, львов, буйволов, мамонтов или людей, часто охотящихся. Примеры наскальных рисунков есть во всем мире - во Франции, Индии, Испании, Южной Африке, Китае, Австралии и т. Д.

Были высказаны предположения, как значение этих картин для людей, которые сделали их предположения. Доисторические художники могли рисовать животных, чтобы «поймать» их душу или дух, чтобы легче было охотиться на них анимистическое видение и дань уважения окружающая окружающая среда природа. Они могут быть представлены языком, которая врожденная для людей, которые могут быть для передачи практической информации.

В палеолите изображения людей наскальных рисунках были редкостью. В основном раскрашивались животные, не только животные, которые использовали в пищу, но и животные, олицетворявшие силу, такие как носорог или большие Felidae, как в пещере Шове. Иногда рисовали такие знаки, как точки. Редкие изображения людей включают отпечатки рук и трафареты, а также фигуры, изображающие гибриды человека / животного. Пещера Шове в Ардеше Департаменты Франции содержат важные наиболее сохранившиеся наскальные рисунки эпохи палеолита, написанные около 31000 г. до н.э. Наскальные рисунки Альтамира в Испании были выполнены с 14000 по 12000 до н.э. и показывают, среди прочего, зубров. Зал быков в Ласко, Дордонь, Франция, является одним из самых известных наскальных рисунков и датируется примерно 15–10 000 лет до нашей эры.

Если в картине есть смысл, он остается неизвестным. Пещеры не находились в населенных пунктах, поэтому они объявились для сезонных ритуалов. Животные сопровождаются знаками, указывающими на возможное использование магии. Стрелочные символы в Ласко иногда используются как используемые как календари или альманахи, но остаются доказательства неубедительными. Самым важным произведением эпохи мезолита были марширующие воины, наскальная живопись в Чингл-де-ла-Мола, Кастельон,, Испания, датируемая примерно 7000-4000 гг. До н.э. Используемая техника, вероятно, заключалась в том, чтобы плевать или выдувать пигменты на камень. Картины вполне натуралистичны, хотя и стилизованы. Фигуры не трехмерные, хотя и перекрываются.

Самыми ранними известными индийскими рисунками были наскальные рисунки доисторических времен, петроглифы, найденные в таких местах, как скальные убежища Бхимбетки, и некоторые из них старше 5500 г. до н.э. Такие работы продолжались, и спустя несколько тысячелетий, в VII веке, резные столбы Аджанты, штат Махараштра, представил собой прекрасный образец индийской живописи. Цвета, в основном различные оттенки красного и оранжевого, были получены из минералов.

Восток
Фрески, изображающие придворную жизнь в гробнице Сюй Сяньсю, династия Северная Ци, 571 г. н.э., расположенная в Тайюане, Шаньси провинция, Китай Роспись по шелку, изображающая человека верхом на драконе, живопись на шелке, датируется 5–3 веками до нашей эры, период Воюющих царств, из гробницы Зиданку №. 1 в Чанша, Хунань Провинция

История восточной живописи включает широкий спектр влияний различных культур и религий. Развитие восточной живописи исторически аналогично развитию западной живописи, в совокупности территории веками ранее. африканское искусство, еврейское искусство, Исламское искусство, индийское искусство, китайское искусство, корейское искусство и японское искусство - все они оказали значительное влияние на западное искусство., и наоборот.

Китайская живопись - одна из старейших непрерывных художественных традиций в мире. Самые ранние картины были не репрезентативными, орнаментальными; они состояли из узоров или рисунков, а не из изображений. Раннюю керамику расписывали спиралями, зигзагами, точками или животными. Только в период Сражающихся царств (403–221 до н.э.) художники начали изображать окружающий мир. Японская живопись - одно из старейших и наиболее изысканных из японского искусства, охватывающее самые разные жанры и стили. История японской живописи - это долгая история конкуренции между исконной японской эстетикой и адаптацией заимствованных идей. Корейская живопись как самостоятельная форма зародилась около 108 г. до н.э., около осени Годжосона, что сделало ее одной из старейших в мире. Произведения искусства этого периода эволюционировали в различные стили, характерные для периода Трех Корейских королевств, в первую очередь картины и фрески, украшающие гробницы королевской Когурё. В период Троецарствия и на протяжении династии Корё корейская живопись характеризовалась в первую очередь сочетанием пейзажей в корейском стиле, черт лица, буддийских тем и акцента на наблюдении за небом, которые способствовали развитию корейской астрономии.

Восточноазиатский

См. Также Китайская живопись, Японская живопись, Корейская живопись.

Кувшин с китайской росписью из эпохи Западной Хань (202 г до н.э. - 9 г. н.э.)

Китай, Япония и Корея имеют сильные традиции в живописи, а именно очень привязан к искусству каллиграфии и гравюры (настолько, что это обычно как живопись). Для традиционной живописи Дальнего Востока характерны техники, основанные на воде, меньший реализм, «элегантность» и стилизация предметов, графический подход к изображению, важность белого пространства (или отрицательного пространства ) и предпочтение пейзажи (вместо фигуры) в качестве предмета. Помимо чернил и цвета на шелке или бумажных свитках, золото на лаке также было обычным рисовальным средством восточноазиатских произведений искусства. Цай Лун Цай Лун не только дешевый и широко распространенный материал для письма, но и дешевая и широко распространенная среда для живописи (в прошлом шелк был довольно дорогим средством для рисования, изобретением бумаги в истории нашей эры ханьским придворным евнухом что делает ее более доступной для публики).

Идеологии конфуцианства, даосизма и буддизма сыграли важную роль в восточноазиатском искусстве. Средневековые художники династии Сун, такие как Линь Тингуи и его Луохань отмывка (размещенная в смитсоновской Галерее искусств Фриер ) 12 века являются прекрасными примерами буддийских идей, слитых с классических произведений китайского искусства. На последней картине на шелке (изображение и описание даны по ссылке) лысый буддист Луохань изображен в практической обстановке стирки одежды у реки. Однако сама картина визуально ошеломительна: луохань изображен с богатыми деталями и яркими непрозрачными цветами в отличие от туманной, коричневой и мягкой лесной среды. Кроме того, верхушки деревьев окутаны клубящимся туманом, создаваемое «негативное пространство», общее выше того в восточноазиатском искусстве.

В японизме, конец 19 века постимпрессионисты, такие как Ван Гог и Анри де Тулуз-Лотрек, и тоналисты, такие как Джеймс Макнил Уистлер, восхищались японцами начала XIX века укиё-э художниками, такими как Хокусай (1760–1849) и Хиросигэ (1797–1858) и находился под их местами.

Панорама вдоль реки во время фестиваля Цин Мин, римейк XVIII века династии Сун XII века, оригинал китайского художника Чжан Цзэдуаня. Оригинальная картина Чжана почитается учеными как «один из величайших шедевров китайской цивилизации». Примечание: свиток начинается справа.

Китайское

Весеннее утро во дворце Хань, художник эпохи Мин Цю Инь (1494–1552 гг. Н.э.)

Самые ранние сохранившиеся образцы китайского роспись произведений искусства относится к периоду Воюющих царств (481 - 221 гг. до н.э.), с росписями на шелке или гробницами на скале, кирпиче или камне. Часто они были в упрощенном стилизованном формате и в более или менее рудиментарных геометрических узорах. На них часто изображались мифологические существа, домашние сцены, сцены труда или дворцовые сцены, заполненные чиновниками при дворе. Произведения искусства в этот период и последующие династия Цинь (221-207 гг. До н.э.) и династия Хань (202 г. до н.э. - 220 г. н.э.) были созданы не как средство само по себе или для более высоких личное самовыражение; скорее произведения искусства были созданы, чтобы символизировать и почтить погребальные обряды, изображения мифологических божеств или духов предков и т. д. Картины на шелке с изображением придворных чиновников и домашних сцен можно было найти во время династии Хань, наряду со сценами людей, охотящихся верхом на лошадях или принимающихучастие в военный парад. Также была живопись на трехмерных произведениях искусства, таких как фигурки и статуи, например, оригинальные цвета, покрывающие статуи солдат и лошадей Терракотовой армии. В социальном и культурном климате древней Восточной династии Цзинь (316 - 420 гг. Н.э.), базировавшейся в Нанкине на юге, живопись стала одной из официальных развлечений конфуцианских бюрократических чиновников. и аристократы (вместе с музыкой, играет гуцинь цитра, написанием причудливой каллиграфии, а также написанием и чтением стихов). Живопись стала формой художественного самовыражения, и в этот период художников при дворе или среди элитных кругов судили и оценивали их сверстники.

Будда Шакьямуни, Чжан Шэнвэнь, 1173–1176 гг., период династии Сун.

Создание классической китайской пейзажной живописи признано в основном художнику Восточной династии Цзинь художнику Гу Кайчжи (344–406 гг. Н.э.), одному из самых художников известных в истории Китая. Подобно сценам с удлиненными свитками Кайчжи, династии Тан (618 - 907 гг.), Китайские художники, такие как У Даоцзы, рисовали яркие и очень подробные изображения на длинных горизонтальных ручных свитках (которые были очень популярны во время Тан), например, его восемьдесят семь небесных людей. Живописные работы периода Танцы отражают эффекты идеализированной пейзажной среды с редким набором предметов, людей или активности, а также были монохромными по своей природе (например, фрески гробницы Прайса Йидэ в мавзолее Цяньлин). Были также такие фигуры, как художник ранней эпохи Тан Чжан Цзыцянь, который рисовал великолепные пейзажные картины, которые значительно опередили его время в изображении реализма. Однако пейзажное искусство не достигло большей зрелости и реализма в целом до периода династий и десяти царств (907 - 960 гг. Н.э.). В то время были выдающиеся художники-пейзажисты, такие как Дун Юань (см. Эту статью для примера его работ), и те, кто рисовал более яркие и реалистичные изображения домашних сцен, например Гу Хунчжун и его ночные пирушки Хань Сицзая.

мушмулы и горная птица, анонимный художник из династии Южной Сун ; такие картины в стиле альбомных листов были популярны в Южной Сун (1127–1279).

Во время китайской династии Сун (960 - 1279 н.э.) не только пейзажное искусство было улучшено, но и портретная живопись стала более стандартизированной и сложной, чем раньше (например, см. император Хуэйцзун из Сун ), и достигла своей классической возрастной зрелости во время династии Мин (1368–1644 нашей эры). В конце 13 века и в первой половине 14 века китайцам под монгольской контролируемой династией Юань не разрешалось занимать более высокие посты в правительстве (зарезервировано для монголов или других этнических групп). из Средней Азии), а Императорский экзамен был временно прекращен. Многие китайцы с конфуцианским образованием, которым не хватало профессии, вместо этого обратились к искусству живописи и театра, поскольку период Юань стал одной из самых ярких и богатых эпох для китайского искусства. Примером может быть Цянь Сюань (1235–1305 гг. Н.э.), который был чиновником династии Сун, но из патриотизма отказался служить двору Юань и посвятил себя живописи. Примеры превосходного искусства этого периода включают богатые и детально расписанные фрески дворца Юнлэ или «Дворца долголетия Дачуньян» 1262 года нашей эры, объекта Всемирного наследия ЮНЕСКО. Внутри дворца картины занимают площадь более 1000 квадратных метров и содержат в основном даосские темы. Во времена династии, чтобы обсудить свое искусство или произведения искусства других людей, восхваление часто приводило к принудению торговать и продавать драгоценные произведения искусства. Тем не менее, было также много резких критиков другого искусства, структура менее в стилех и вкусах разных художников. В 1088 г. н.э., ученый-эрудит и государственный деятель Шен Куо однажды написал о работе некоего Ли Чэна, которого он критиковал следующим образом:

... Затем был Ли Ченг, который, когда он изображал павильоны и хижины среди гор, многоэтажных зданий, пагоды и т.п., всегда рисовал карнизы, как это видно снизу. Его идея заключалась в том, что «нужно смотреть снизу вверх, как человек, стоящий на ровной поверхности и смотрящий на карниз пагоды, может видеть ее стропила и консольные стропила». Это все неправильно. В общем, правильный способ рисования пейзажа - это видеть маленькое с точки зрения большого... так же, как человек смотрит на искусственные горы в садух (когда человек гуляет). Если применить (метод Ли) к изображению настоящих гор, глядя на них снизу, можно увидеть только один профиль за раз, а не богатство их типов склонов и профилей, не говоря уже обо всем, что происходит. в долинах и каньонах, а также в переулках и дворах с их жилищами и домами. Если мы встанем к востоку от горы, ее западные части будут на конечной границе далекого расстояния, и наоборот. Разве это нельзя было назвать удачной картиной? Г-н Ли не понимал принципа «смотреть на малое с точки зрения большого». Он определенно был великолепен в точном уменьшении высоты и расстояния, но стоит ли придавать такое значение углам и углам зданий?

Император Цяньлун Занимался каллиграфией, середина 18 века.

Хотя высокий уровень стилизации, мистическая привлекательность и сюрреалистическая элегантность часто предпочитаются реализму (например, в стиле шань-шуй ), начиная со средневековой династии Сун, тогда и имеет много китайских художников, которые изображали сцены природы, которые были очень реальными. Позднее художники династии Мин переняли акцент на сложные детали и реалистичность объектов в природе, особенно изображения в животных (таких как утки, лебеди, воробьи, тигры и т. Д.) Среди пятен ярких цветов и зарослей кисти. и дерево (примером может служить анонимная картина династии Мин «Птицы и цветы сливы», размещенная в галерее Фриера Смитсоновского музея в Вашингтоне, Колумбия). Было много известных художников династии Мин; Цю Ин - отличный пример выдающегося эпохи Мин (известного даже в свое время), использующего в своих произведениях домашние сцены, шумные дворцовые пейзажи и природные пейзажи речных долин и крутых гор, окутанных туманом. и кружащиеся облака. Во времена династии Миновали существовали также разные и соперничающие школы искусства, связанные с живописью, такие как школа У и школа Чжэ.

Классическая китайская живопись продолжалась в раннем модерне Династия Цин, с очень реалистичными портретными картинами, подобными тем, что видели в конце династии Мин в начале 17 века. Портреты императора Канси, императора Юнчжэна и императора Цяньлуна являются прекрасными примерами реалистичной китайской портретной живописи. В период правления Цяньлуна и в продолжение XIX века европейские стили живописи барокко оказали заметное влияние на китайскую портретную живопись, особенно с визуальными эффектами освещения и затенения. Точно так же восточноазиатские картины и другие произведения искусства (такие как фарфор и лаковая посуда) высоко ценились в Европе с момента первого контакта с ними в 16 веке.

Китайская живопись маслом

Западные методы масляной живописи начали проникать в Китай в 19 веке, становясь распространенными среди китайских художников и студентов-искусствоведов в начале 20 века, что совпало с растущим соглашением Китая с Западом. Художники, такие как Ли Тифу, Хун И, Сюй Бэйхун, Ян Вэньлян, Линь Фэнмянь, Фан Ганьминь, Пан Юлян уехал за границу, преимущественно в Париж и Токио, чтобы изучать западное искусство. Благодаря им в Китае росли и процветали такие художественные движения, как импрессионизм, кубизм, фовизм, постимпрессионизм, но остановили Вторая мировая война и рождение Китайской Народной Республики, когда модернистские художественные стили рассматривались как несовместимые с преобладающими политическими идеалами, а реализм был единственно приемлемой художественной формой. Тем не менее, наследие тесного взаимодействия с западным искусством начала 20 века сохранилось. Картины маслом сохранились как важное средство в китайских художественных сценах; в результате изменились и традиционные китайские рисунки тушью.

  • Портрет мадам Лю, (1942) Ли Тифу холст, масло

  • Портрет Кан Ювэя (1904) Ли Тифу холст, масло

  • Портрет мадам Чэн (1941) Картон, масло Сюй Бэйхун

период Муромати, Сингэй (1431–1485), осмотр водопада, музей Нэдзу, Токио.

Японский

Японская живопись (絵 画) - одно из древнейших и наиболее изысканных видов японского искусства, охватывающее самые разные жанры и стили. Как и японское искусство в целом, японская живопись развивалась на протяжении долгой истории и конкуренции между исконной японской эстетикой и адаптацией заимствованных идей. Укиё-э, или «картины парящего мира», - это жанр японских гравюр на дереве (или «гравюры на дереве ») и картин, созданных между 17 -м годом. и ХХ века с использованием мотивов пейзажей, театров и куртизанок. Это художественный жанр японской ксилографии. Японская гравюра, особенно с периода Эдо, оказала огромное влияние на французскую живопись XIX века.

Корейская

Корейская живопись как самостоятельная форма зародилась около 108 г. до н.э., около осени Годосон, что сделало ее одной из старейших в мире. Произведения искусства этого периода эволюционировали в различные стили, характерные для периода Трех Корейских королевств, в первую очередь картины и фрески, украшающие гробницы королевской Когурё. В период Троецарствия и на протяжении династии Корё корейская живопись характеризовалась в первую очередь сочетанием пейзажей в корейском стиле, черт лица, буддийских тем и акцента на наблюдении за небом, которые способствовали развитию корейской астрономии. Только в династии Чосон конфуцианские темы начали укореняться в корейских картинах, использовавшихся в гармонии с местными аспектами.

История корейской живописи показывает использование монохромных работ черной бумаги или шелке. Этот стиль очевиден в «Мин-Хва», красочном народном искусстве, росписи надгробий, а также в ритуальном и фестивальном искусстве, оба из которых включают широкое использование цвета.

Южная Азия

Индия

Скальные убежища в Бхимбетке, наскальные рисунки, каменный век, Индия

Индийская живопись исторически вращалась вокруг религиозные божества и короли. Индийское искусство - собирательный термин для нескольких различных школ искусства, существовавших на Индийском субконтиненте. Картины варьировались от больших фресок Аджанты до замысловатых миниатюрных картин Моголов и украшенных металлом произведений школы Танджора. Картины из Гандхара - Таксила созданы под влиянием персидских западных работ. Восточный стиль живописи в основном развивался вокруг художественной школы Наланды. Работы в основном вдохновлены различными сценами из индийской мифологии.

истории

Самыми ранними индийскими картинами были наскальные рисунки доисторических времен, петроглифы найдены в таких местах, как скальные убежища Бхимбетки, а некоторые из них старше 5500 г. до н.э. Такие работы продолжались, и спустя несколько тысячелетий, в VII веке, резные столбы Аджанты, штат Махараштра, представляют собой прекрасный образец индийской живописи, а цвета, в основном различные оттенки красного и оранжевого, были получены из минералов..

Пещеры Аджанта в Махараштре, Индия - это высеченные в скале пещерные памятники, относящиеся ко II веку до н.э. и содержащие картины и скульптуры, которые считаются шедеврами буддийской религии. искусство и универсальное изобразительное искусство.

фреска из пещеры 1 в Аджанте.
живопись мадхубани

живопись мадхубани - стиль индийской живописи, распространенный в регионе Митхила штата Бихар, Индия. Истоки живописи Мадхубани - это разбитый в древности.

Богиня-Мать Миниатюрная картина в стиле Пахари, датируемая восемнадцатым веком. Миниатюры Пахари и Раджпутов много имеют общих черт.
Моголы
Два писца, сидящие с книгами и письменным столом. Фрагмент декоративного поля Северная Индия (школа Великих Моголов), ок. 1640–1650

Живопись Великих Моголов - это особый стиль индийской живописи, обычно ограничивающийся иллюстрациями к книге и выполненный в миниатюрах, возник, развился и сформировался в период Империя Великих Моголов 16-19 вв.

Раджпут

Живопись раджпутов развивался и процветал в течение 18 при королевских дворах Раджпутана, Индия. Каждое королевство раджпутов развивало свой стиль, но с некоторыми общими чертами. Картины раджпутов изображают ряд тем, такие эпические события, как Рамаяна и Махабхарата, жизнь Кришны, красивые пейзажи и людей. Миниатюры были использованы средство живописи раджпутов, но некоторые манускрипты также написаны на стенах дворцов, внутренних покоях фортов, хавели, в особенности, гавели Шехавейта.

Использовались цвета, извлеченные из минералов, растительных источников, раковин, и даже путем обработки драгоценных камней, золота и серебра. Подготовка желаемых цветов была длительным процессом, иногда занимавшим недели. Используемые кисти были очень хорошими.

Танджор

Живопись Танджора - важная форма классической южно-индийской живописи, родиной которой является город Танджор в Тамил Наду. Этот вид искусства восходит к началу 9 века, когда доминировали правители Чола, которые использовали искусство и литературу. Эти картины известны своей элегантностью, насыщенными цветами и вниманием к деталям. Темами этих картинок являются индуистские боги и богини и сцены из индуистской мифологии. В наше время эти картины стали очень популярным сувениром на праздниках в Индии.

Процесс создания картины Танджора включает в себя много этапов. На первом этапе предварительный набросок изображения на основе. Основа состоит из ткани, наклеенной на деревянную основу. Затем порошок мела или оксида цинка смешивают с водорастворимым клеем и наносят на основу. Чтобы сделать основу более гладкой, иногда используется мягкий абразив . После того, как рисунок нанесен, украшение и одежда на изображении декорируются полудрагоценными камнями. Также для украшений использованные шнурки или нитки. Сверху наклеивается золотая фольга. Наконец, красители используются для добавления цвета к фигурам на картинах.

Школа Мадраса

Во время британского правления в Индии корона обнаружила, что Мадрас обладает одними из самых талантливых и интеллектуальных художественных умов в мире. Британцы также предоставили британское медицинское учреждение в Лондоне. Это стало известно как Мадрасская школа. Сначала традиционные художники использовались для производства изысканной мебели, изделий из металла и диковинок, а их работы отправлялись в королевские дворцы королевы.

В отличие от Бенгальской школы, где «копирование» является нормой преподавания, Мадрасская школа процветает благодаря «созданию» новых стилей, аргументов и тенденций.

Бенгальская школа
Бхарат Мата Абаниндранат Тагор (1871–1951), племянник поэта Рабиндранат Тагор и пионер движения

Бенгальская художественная школа была влиятельным стилем искусства, который процветал в Индии во время британского владычества в начале 20 века. Это было связано с индийским национализмом, но также продвигалось и поддерживалось британскими администраторами искусств.

Бенгальская школа возникла как авангард и националистическое движение, выступившее против академического искусства стилей, ранее продвигавшихся в Индии такими, как Раджа Рави Варма и в британских художественных школах. Следуя за широким индийских духовных идей на Западе, британский учитель искусств Эрнест Бинфилд Хавел попытался реформировать методы обучения в Калькуттской школе искусств, побуждая студентов подражать Моголы миниатюры. Это вызвало огромные споры, вызванные забастовку студентов и жалобы местные прессы, в том числе националистов, которыеали это регрессивным шагом. Гавела поддерживал художник Абаниндранат Тагор, племянник поэта Рабиндранат Тагор. Моголов, он и Гавел считали особенными духовными качеств Индии, в отличие от «материализма» Запада. Самая известная картина Тагора, Бхарат Мата (Индия), изображала молодую женщину, изображенную с помощью четырьмя руками в стиле индуистских божеств, предметную, символизирующих национальных чаяния Индии. Позже Тагорался установить связи с японскими художниками в стремлении построить паназиатскую модель искусства.

Влияние бенгальской школы в Индии уменьшилось с распространением модернистских идей в 1920-х годах. В период после обретения независимости индийские художники проявили их приспособляемость, поскольку они свободно заимствовали европейские стили и свободно объединяли с индийскими мотивами в новые искусства формы. В то время как такие художники, как Фрэнсис Ньютон Соуза и Тайеб Мета были более западными в своем подходе, были и другие, такие как Ганеш Пайн и Макбул Фида Хусейн разработали полностью местные стили работы. Сегодня, после процесса либерализации рынка в Индии, художники все больше знакомятся с международной арт-сценой, которая им в освоении новых форм искусства, которые до сих пор не встречались в Индии. Джитиш Каллат прославился в конце 1990-х своими картинами, которые были одновременно современными и выходными за рамки общих определений. Новые стили, темы и метафоры, которые сейчас появляются в сферу, как никогда раньше, невозможно..

Современный индиец

Амрита Шер-Гил была индийской художницей, иногда известная как индийская Фрида Кало, и сегодня считается известной женщиной-художницей Индии 20-го века, чей наследие стоит на одном уровне с мастерами Бенгальского Возрождения ; она также «самая дорогая» женщина-художник Индии.

Сегодня она входит в число Девяти мастеров, чьи работы были объявлены сокровищами искусства Археологической службой Индии в 1976 и 1979 г., и более 100 ее картин сейчас выставлены в Национальной галерее современного искусства, Нью-Дели.

В колониальную эпоху западные влияния начали оказывать влияние на индийское искусство. Некоторые художники разработали стиль, в котором использовались западные идеи композиции, перспективы и реализма для индийских тем. Другие, такие как Джамини Рой, сознательно черпали вдохновение из народного искусства.

Ко времени провозглашения независимости в 1947 году нескольких школ искусства в Индии предоставили доступ к современным методам и идеям. Для демонстрации этих художников были созданы галереи. Современное индийское искусство обычно демонстрирует влияние западных стилей, но часто вдохновляется индийскими темами и образами. Крупные артисты начинают международное признание, среди индийской диаспоры, но также и среди неиндийской публики.

Группа прогрессивных художников, созданная вскоре после обретения Индией независимости в 1947 году, была создана среда для новых способов выражения Индии в постколониальную эпоху. Основоположниками были шесть выдающихся художников - К. Х. Ара, С. К. Бакре, Х. А. Гаде, М.Ф. Хусейн, С.Х. Раза и Ф. Н. Соуза, хотя группа была распущена в 1956 году, она оказала огромное влияние на изменение идиомы индийского искусства. Почти все ведущие художники Индии 1950-х годов были связаны с группой. Некоторые из тех, кто сегодня хорошо известен, - это Бал Чабда, Маниши Дей, Мукул Дей, В. С. Гайтонд, Рам Кумар, Тайеб Мехта и Акбар Падамси. Другие известные художники, такие как Джахар Дасгупта, Прокаш Кармакар, Джон Уилкинс, Нараянан Рамачандран и Биджон Чоудхури, обогатили художественную культуру Индии. Они стали иконами современного индийского искусства. Историки искусства, такие как профессор Рай Ананд Кришна, также Заявлены на те произведения современных художников, которые отражают индийский дух. Гита Вадхера получила признание в переводе сложных индийских духовных тем на холст, таких как суфийская мысль, Упанишады и Бхагавад Гита.

Индийское искусство получило подъем с экономической либерализацией страны с начала 1990-х годов. Художники из разных областей теперь начали использовать разные стили работы. В постлиберализации Индии многие художники утвердились на международном рынке искусства, например художник-абстракционист Натвар Бхавсар, фигуративный художник Деваджьоти Рэй и скульптор Аниш Капур, чьи мамонт постминималистические произведения искусства привлекли внимание своим размером. Многие художественные дома и галереи также открылись в США и Европе для демонстрации индийских произведений искусства.

Филиппинец

Хуан Луна, Парижская жизнь, 1892 Фабиан де ла Роса, Женщины, работающие на рисовом поле, 1902

Филиппинская живопись в целом его можно рассматривать как влияние многих факторов влияния, хотя оно имеет тенденцию быть более западным в нынешней форме с восточными корнями.

Раннюю филиппинскую живопись можно найти в красных накладках (глина, смешанная с водой), украшающих ритуальную керамику Филиппин, такую ​​знаменитый Манунггул Джар. Свидетельства филиппинского гончарного дела, датируемые 6000 г. до н.э., были обнаружены в пещерах Санга-санга, Сулу и Лауренте, Кагаян. Было доказано, что к 5000 году до нашей эры гончарное дело практиковалось по всей стране. Ранние филиппинцы начали изготавливать керамику раньше своих камбоджийских соседей и примерно в то же время, что и тайцы, как часть того, что, по-видимому, широко распространенным развитием гончарных технологий в ледниковый период. Дальнейшие свидетельства живописи проявляются в традиции татуировки ранних филиппинцев, которых португальский исследователь называл пинтадо или «раскрашенными людьми» Висайских островов. Различные рисунки, изображающие флору и фауну с небесными телами, украшают их тела разной цветовой пигментацией. Возможно, некоторые из наиболее сложных рисунков ранних филиппинцев, сохранившихся до наших дней, можно найти в искусстве и архитектуре маранао, которые хорошо известны нага Драконами и Сариманок, вырезанные и расписанные на прекрасном Панолонге их Торогана или Дома Короля.

Филиппинцы начали создавать картины в европейских традициях в период Испании 17 века. Самыми ранними из этих картин были церковные фрески, религиозные образы из библейских источников, а также гравюры, скульптуры и литографии с изображением христианских икон и европейских знати. Большинство картин и скульптур между 19 и 20 веками представляли собой смесь произведений религиозного, политического и ландшафтного искусства с качествомми сладости, темноты и света. Ранние модернисты художники, такие как Дамиан Доминго, были связаны с религиозными и светскими картинами. Искусство Хуана Луны и Феликса Идальго поведениеало тенденций к политическим заявлениям. Такой художник, как Фернандо Аморсоло, использовал постмодернизм для создания картин, которые иллюстрировали филиппинскую культуру, природу и гармонию. В то время как другие художники, такие как Фернандо Зобель, использовали реалии и абстрактные в своих работах.

Юго-Восточная Азия

Западная

Египет, Греция и Рим

Греческий эллинист терракота погребальная роспись стен, 3 век до н.э.

Древний Египет, цивилизация с очень сильными традициями архитектуры и скульптуры (обе изначально окрашены в яркие цвета) много фресок в храмах и зданиях, а также нарисованные иллюстрации на папирусе рукописи. Египетская настенная и декоративная роспись часто бывает графической, иногда скорее символической, чем реалистичной. В египетской живописи фигуры изображены жирным контуром. Египетская живопись имеет тесную связь со своей письменностью - так называемые египетские иероглифы. Раскрашенные символы встречаются среди форм первых письменностей. Египтяне также рисовали на полотне, остатки которого сохранились до наших дней. Древние египетские картины сохранились благодаря высокому сухому климату. Древние египтяне создавали картины, чтобы сделать загробную жизнь умершего приятным местом. Темы включали путешествие по загробному миру или их защитные божества, знакомящие умерших с богами подземного мира. Некоторыми примерами таких картин являются изображения богов и богинь Ra, Гора, Анубиса, Нут, Осириса и Исиды <1286.>. Некоторые рисунки на гробницах показывают действия, которые были задействованы в умеренных количествах, когда были задействованы. В Новом Царстве и позже, Книга Мертвых была похоронена вместе с погребенным. Это считалось важным знакомством с загробной жизнью.

К северу от Египта находился Минойская цивилизация с центром на острове Крит. Настенные росписи, найденные во дворце Кносса, похожи на росписи египтян, но имеют гораздо более свободный стиль. Микенская Греция, начиная примерно с 1600 г. до н.э., создавала искусство, аналогичное минойскому Криту. Древнегреческое искусство во время греческой темной эпохи стало гораздо менее сложным, но обновление греческой цивилизации по Средиземноморью во время архаической Греции принесло о новых формах греческого искусства с ориентацией стилем.

Фреска с изображением Аида и Персефоны верхом на колеснице из гробницы царицы Эвридика I Македонская в Вергина, Греция, 4 век до н.э.

Древняя Греция опытных художников и скульпторов рассматривались как простой ручной труд) и архитекторов. Парфенон является примером их архитектуры, сохранившейся до наших дней. Греческая мраморная скульптура часто описывается как высшая форма классического искусства. Живопись на керамике Древней Греции и керамике дает особенно информативный взгляд на то, как функционировало общество в Древней Греции. Чернофигурная вазная живопись и Краснофигурная вазная живопись дает множество сохранившихся примеров, чем была греческая живопись. Некоторые известные греческие живописцы на деревянных панелях, которые упоминаются в текстах, - это Апеллес, Зевксис и Парразий, однако не сохранились образцы древнегреческой живописи панно, только письменные описания их современников или более поздних римлян.. Зевксис жил в 5–6 годах до нашей эры и, как говорят, был первым, кто использовал сфумато. Согласно Плинию Старшему, реализм его картин был таков, что птицы пытались съесть нарисованный виноград. Апеллеса называют величайшим художником античности за совершенную технику рисования, блестящие цвета и моделирование.

Римское искусство находилось под влиянием Греции и отчасти может считаться потомком древнегреческой живописи. Однако римская живопись имеет важные уникальные характеристики. К сохранившимся римским картинам относятся настенные росписи и фрески, многие из которых были сняты на виллах в Кампании, в южной Италии, в таких местах, как Помпеи и Геркуланум. Такую живопись можно сгруппировать в четыре основных «стиля» или периодов, и они могут содержать первые примеры trompe-l'œil, псевдоперспективы и чистого пейзажа. Практически единственные сохранившиеся живописные портреты Древнего мира - это большое количество портретов-гробов в форме бюста, найденных на Позднеантичном кладбище Аль-Фаюм. Хотя они были не самого лучшего периода и не самого высокого качества, они впечатляют сами по себе и дают представление о качестве, которым должны были обладать лучшие древние произведения. Сохранилось также очень небольшое количество миниатюр из позднеантичных иллюстрированных книг, и гораздо большее количество их копий из раннесредневекового периода.

Средневековье

Возникновение христианства придало иной дух и направленность стилям живописи. Византийское искусство, когда его стиль был установлен в VI веке, уделял большое внимание сохранению традиционной иконографии и стиля и постепенно развивался в течение тысячи лет Византийской Империи и живые традиции греческой и русской православной иконы - живописи. Византийская живопись имеет иератическое чувство, и иконы считались и до сих пор рассматриваются как изображение божественного откровения. Было много фресок, но их меньше сохранилось, чем мозаик. Византийское искусство сравнивают с современной абстракцией в его плоскостности и сильно стилизованном изображении фигур и пейзажа. Некоторые периоды византийского искусства, особенно так называемое македонское искусство примерно X века, более гибкие в подходах. Фрески палеологического Возрождения начала 14 века сохранились в церкви Хора в Стамбуле.

Книга часов

В постантичной католической Европе первым возникшим самобытным художественным стилем, включающим живопись, было островное искусство Британских островов, где единственными сохранившимися образцами являются миниатюры в Иллюминированные рукописи, такие как Келлская книга. Они наиболее известны своим абстрактным декором, хотя фигуры, а иногда и сцены, также изображались, особенно на портретах евангелистов. Каролингское и оттоновское искусство также сохранилось в основном в рукописях, хотя некоторые настенные росписи сохранились, и другие задокументированы. Искусство этого периода сочетает в себе островное и «варварское» влияние с сильным византийским влиянием и стремлением восстановить классическую монументальность и равновесие.

Стены романских и готических церквей были украшены фресками, а также скульптурой и многими из немногих оставшихся фресок обладают большой интенсивностью и сочетают в себе декоративную энергию островного искусства с новой монументальностью в обработке фигур. Гораздо больше миниатюр в иллюминированных рукописях сохранилось с того периода, демонстрируя те же характеристики, которые продолжаются в готический период.

Панельная живопись становится более распространенной в романский период, под сильным влиянием византийских икон. К середине 13 века средневековое искусство и готическая живопись стали более реалистичными, с началом интереса к изображению объема и перспективы в Италии с Чимабуэ, а затем его ученик Джотто. Начиная с Джотто, обработка композиции лучшими художниками также стала намного более свободной и инновационной. В западной культуре они считаются двумя великими средневековыми мастерами живописи. Чимабуэ в византийской традиции использовал более реалистичный и драматический подход к своему искусству. Его ученик Джотто поднял эти нововведения на более высокий уровень, что, в свою очередь, заложило основы западной традиции живописи. Оба художника были пионерами в движении к натурализму.

В церквях было все больше и больше окон, а использование цветных витражей стало основным элементом декора. Один из самых известных примеров этого - собор Нотр-Дам-де-Пари. К XIV веку западные общества стали богаче и культурнее, и художники нашли новых покровителей среди знати и даже буржуазии. Иллюминированные рукописи приобрели новый характер, и в их пейзажах были показаны стройные, модно одетые придворные женщины. Этот стиль вскоре стал известен как международный стиль, и темпера панно и алтарь приобрели значение.

Ренессанс и маньеризм

Возрождение (по -франски «возрождение»), культурное движение, охватывающее примерно с XIV по середину XVII века, возвестило изучение классических источников, а также достижения науки, которые оказали глубокое влияние на интеллектуальную и художественную жизнь Европы. В Нидерландах, особенно в современной Фландрии, новый способ живописи был установлен в начале 15 века. По стопам разработок, сделанных в иллюминации рукописей, особенно братьями Лимбург, художники были очарованы материальным в видимом мире и начали изображать объекты очень натуралистично.. Принятие масляной живописи, которое традиционно, но ошибочно приписывали Яну ван Эйку, сделало возможное новое правдоподобие в изображении этого натурализма. Масляная краска уже присутствовала в работах Мельхиора Бродерлама, но такие художники, как Ян ван Эйк и Роберт Кампин, вывели его на новый уровень и использовали его, чтобы представить натурализм. стремились к. С помощью этой новой среды искусства этого периода создавать более богатые цвета с интенсивной тональностью. Иллюзия сияющего света с отделкой, напоминающая фарфор, характеризовала раннюю нидерландскую живопись и была основным отличием от матовой поверхности темперной краски, используемой в Италии. В отличие от итальянцев, чьи работы во многом опираются на искусство Древней Греции и Рима, северяне сохранили стилистический остаток скульптуры и иллюминированных рукописей средневековья (особенно его натурализма). Самым выдающимся художником того времени был Ян ван Эйк, чьи работы считаются одними из лучших созданных художниками, которые теперь известны как ранние нидерландские художники или фламандские примитивы (поскольку большинство художников были активны в городах современной Фландрии). Первым художником этого периода был мастер Флемаль, ныне известный как Роберт Кампен, чьи работы следует искусству международной готики. Другим важным художником этого периода был Рогир ван дер Вейден, используемые, например, в его Спуске с креста, входит в число самых известных работ 15 века и была самой влиятельной нидерландской картиной распятия Христа. Другими важными художниками этого периода являются Хуго ван дер Гус (чьи работы имели большое влияние в Италии), Диерик Баутс (который был одним из первых северных художников, использовавших одну точку схода), Петрус Христос, Ганс Мемлинг и Джерард Давид.

В Италии искусство классической древности вдохновило стиль живописи разреши идеал. Художники, такие как Паоло Уччелло, Мазаччо, Фра Анджелико, Пьеро делла Франческа, Андреа Мантенья, Филиппо Липпи, Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти и Рафаэль подняли живопись на более высокий уровень благодаря использование , изучение анатомии человека и пропорций, и благодаря их развитию беспрецедентное совершенство перспективы в рисовании и живописи. Несколько более натуралистический стиль возник в Венеции. Художники венецианской школы, такие как Джованни Беллини, Джорджоне, Тициан, Тинторетто и Веронезе меньше заботились о точности своего рисунка, чем о богатстве цвета и единственном эффекте, которые были достигнуты с помощью более спонтанного подхода к живописи.

фламандские, голландские и немецкие художники эпохи Возрождения, такие как Ганс Гольбейн Младший, Альбрехт Дюрер, Лукас Кранах, Маттиас Грюневальд, Иеронимус Бош и Питер Брейгель предложил подход, отличный от своих итальянских коллег, более реалистичный и менее идеализированный. Жанровая живопись стала популярной идиомой среди северных художников, например, Питер Брейгель.

Ренессансная живопись отражает революцию идей и науки (астрономия, география ), произошедшие в этот период, Реформация и изобретение печатного станка. Дюрер, считающийся одним из величайших мастеров гравюры, утверждает, что художники - это не только ремесленники, но и мыслители. С развития станковой живописи в эпоху Возрождения живопись обрела независимость от архитектуры. Станковые картины - подвижные картины, которые можно было легко повесить на стены - стали популярной альтернативой картиной, прикрепленным к мебели, стенам или другим конструкциям. После столетий преобладания религиозных светская тематика вернулась в западную живопись. Художники включаются в свои картины видения окружающего мира или продукты собственного воображения. Те, кто мог семьи себе такие расходы, могли стать покровителями и заказать портреты себя или своей своей.

Высокий ренессанс создал стилизованное искусство, известное как маньеризм. Вместо уравновешенных композиций и рационального подхода к перспективе, которые характеризуют искусство на заре XVI века, маньеристы искали нестабильность, уловку и сомнения. Невозмутимые лица и жесты Пьеро делла Франческа и спокойные Девы Рафаэля сменяются тревожным выражением лица Понтормо и эмоциональной напряженностью Эль Греко. Неугомонные и нестабильные композиции, часто экстремальные или дизъюнктивные эффекты и стилизованные позы характерны для итальянских маньеристов, таких как Тинторетто, Понтормо и Бронзино, появились в творчестве Северные маньеристы, например, Хендрик Гольциус, Бартоломеус Шпрангер и Иоахим Втевал.

Барокко и рококо

живопись в стиле барокко связана с барокко культурным движением, движением, часто идентифицируемым с абсолютизмом и контрреформацией или католической Возрождение; Однако существование важной живописи в стиле барокко в неабсолютистских и протестантских государствах также подчеркивает ее популярность, поскольку стиль распространился по всей Западной Европе.

Живопись барокко характеризуется большой драматичностью, богатством, глубоким цветом и интенсивностью светлые и темные тени. Искусство барокко призвано вызывать эмоции и страсть вместо спокойной рациональности, которая ценилась в эпоху Возрождения. В период с 1600 года по 17 век живопись характеризуется как барокко. Среди величайших художников барокко Караваджо, Рембрандт, Франс Хальс, Рубенс, Веласкес, Пуссен и Йоханнес Вермеер. Караваджо - наследник гуманистической картины Высокого Возрождения. Его реалистический подход к человеческой фигуре, нарисованной прямо с натуры и драматически освещенной на темном фоне, потряс современников и открыл новую главу в истории живописи. Живопись в стиле барокко часто драматизирует сцены с помощью световых эффектов; это можно увидеть в работах Рембрандта, Вермеера, Ле Нена, Ла Тура и Джузепе де Рибера.

Рембрандта ван Рейна, Еврейская невеста, ок. 1665–1669

В Италии стиль барокко олицетворяют религиозные и мифологические картины в Великих манерах таких художников, как Карраччи, Гвидо Рени и Лука Джордано. Иллюзионистские фрески потолка церкви Пьетро да Кортона казались открытыми небу. Гораздо более спокойный тип барокко возник в Голландской республике, где станковые картины повседневных предметов были популярны среди коллекционеров среднего класса, и многие художники стали специалистами в жанрах, другие в пейзажах или морской пейзаж или натюрморт. Вермеер, Герард тер Борх и Питер де Хох внесли большую техническую изысканность в живопись домашними сценами, как и Виллем Клас. Хеда до натюрморта. Напротив, Рембрандт преуспел в рисовании всех типов предметов и разработал индивидуальный живописный стиль, в котором светотень и темный фон, заимствованные у Караваджо и утрехт караваджистов, теряют свою театральность.

В течение 18 века рококо был более легким продолжением барокко, часто легкомысленным и эротичным. Рококо впервые развился в декоративном искусстве и дизайне интерьеров во Франции. Людовик XV стал правопреемником придворных художников и общей художественной моды. 1730-е годы представляли собой рококо во Франции, примером развития растений работы Антуана Ватто и Франсуа Буше. Рококо по-прежнему сохраняет барочный вкус к сложным формам и замысловатым узорам, но к этому моменту он начал объединять множество разнообразных характеристик, включая вкус к восточному дизайну и асимметричным композициям.

Стиль рококо распространился французскими художниками и гравированными изданиями. Его охотно приняли в католических частях Германии, Богемии и Австрии, где он был слит с живыми традициями немецкого барокко. Немецкое рококо с энтузиазмом применялось в церквях и дворцах, особенно на юге, в то время как Фридрих рококо развивался в Прусском королевстве.

французские мастера Ватто, Буше и Фрагонар представьте стиль, как и Джованни Баттиста Тьеполо и Жан-Батист-Симеон Шарден, которого некоторые считали лучшими французами. художник 18 века - анти-рококо. Портретная живопись была важным компонентом живописи во всех, но особенно в Англии где лидерами были Уильям Хогарт в стиле резкого ре и Фрэнсис Хейман, Анжеликауфман (которая была швейцаркой), Томас Гейнсборо и Джошуа Рейнольдс в более лестных стилях под мест Энтони ван Дейка. Во Франции в эпоху рококо Жан-Батист Грез (любимый художник Дени Дидро ) преуспел в портретах и ​​исторической живописи, и Морис Квентин де Ла Тур и Элизабет Виже-Лебрен были выдающимися портретистами. Ла Тур специализировался на пастели живописи, которая стала популярной в этот период.

Уильям Хогарт помог теоретические теоретические основы красоты рококо. Хотя и не намеренно на движение, он утверждал в своем «Анализе красоты» (1753 г.), что волнистые линии и S-образные изгибы, образные в рококо, использовались изящества и красоты в искусстве или природе (в отличие от прямой линии или круга в <2347 г.>Классицизм ). Начало конца рококо наступило в начале 1760-х годов, когда такие деятели, как Вольтер и Жак-Франсуа Блондель, начали критиковать поверхность и вырождение этого искусства. Блондель осуждал «смехотворное нагромождение ракушек, драконов, тростника, пальм и растений» в современном интерьере.

К 1785 году рококо во Франции вышло из моды, его сменили порядок и серьезность Неоклассические художники, такие как Жак-Луи Давид.

XIX век: неоклассицизм, историческая живопись, романтизм, импрессионизм, постимпрессионизм, символизм

После рококо в конце 18 век, в области, а затем в живописи суровый неоклассицизм, лучше всего представленный такими художниками, как Давид и его наследник Энгр. В работах Энгра уже есть много чувственности, но никакой спонтанности, которая соответствует романтизм. Это движение обратило свое внимание на пейзаж и природу, а также на человеческую фигуру и превосходство естественного порядка над волей человечества. В рамках этой концепции существует пантеистическая философия (см. Спиноза и Гегель ), которая противостоит идеалам Просвещения, видя судьбу человечества в более трагической или пессимистический свет. Идея о том, что люди не выше сил Природы, противоречит древнегреческим и идеалам эпохи Возрождения, согласно которому человечество было превыше всего и владело своей судьбой. Это мышление художников-романтиков к изображению возвышенного, разрушенных церквей, кораблекрушений, резни и безумия.

К середине 19 века художники освободились от требований своего покровительства и изображали только сцены из религии, мифологии, портретной живописи или истории. Идея «искусство ради» начала находить выражение в работах таких художников, как Франсиско де Гойя, Джон Констебл и Дж. М. У. Тернер. Художники-романтики пейзажем важным жанром, выражающим тщеславие человечества в противовес величию природы. До тех пор пейзажная живопись не считалась самым важным жанром для художников (например, портретная или историческая живопись). Но такие художники, как J.M.W. Тернеру и Каспару Давиду Фридриху удалось поднять пейзажную живопись до уровня, соперничающего с исторической живописью. Некоторые из систем этого периода: Эжен Делакруа, Теодор Жерико, Ж. М. В. Тернер, Каспар Дэвид Фридрих и Джон Констебл. Поздняя работа Франсиско де Гойя демонстрирует романтический интерес к иррациональному, в то время как работа Арнольда Бёклина вызывает тайну, а картины Эстетического движения художника Джеймс Макнил Уистлер вызывает одновременно утонченность и декаданс. В наших Штатах романтическая традиция пейзажной живописи была известна как Школа реки Гудзон : экспонентами являются Томас Коул, Фредерик Эдвинч, Альберт Бирштадт., Томас Моран и Джон Фредерик Кенсетт. Люминизм был движением в американской пейзажной живописи школы с школой реки Гудзон.

шитьем молодой матери Мэри Кассат

ведущим художником барбизонской 1446>Камиль Коро писал и романтично, и реалистично ; его работа прообразует импрессионизм, как и картины Эжена Будена, который был одним из первых французских пейзажистов, рисовавших на открытом воздухе. Буден также оказал большое влияние на молодого Клода Моне, которого в 1857 году он познакомил с пленэром живописью. Главной силой поворота к реализму в середине века был Гюстав Курбе. Во второй трети века импрессионисты, такие как Эдуард Мане, Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, Мэри Кассат и Эдгар Дега работали в более прямом подходе, чем ранее демонстрировалось публично. Они избегали аллегории и повествования в использовании индивидуальных ответов на современный мир, иногда нарисованных с предварительным предварительным предварительным анализом или без полагаясь на ловкость рисунка и очень хроматичную палитру. Мане, Дега, Ренуар, Моризо и Кассат сосредоточили свое внимание прежде всего на человеке. И Мане, и Дега переосмыслили классические образные каноны в современных ситуациях; в случае с Мане переосмысление было встречено враждебно общественностью. Ренуар, Моризо и Кассат обратились за вдохновением к семейной жизни, а Ренуар сосредоточился на женской обнаженной натуре. Моне, Писсарро и Сислей использовали пейзаж в качестве основного мотива, быстротечность света и играли роль в их работах. В то же время как Сислей строго придерживается принципов импрессионистского восприятия ландшафта, кульминацией которой стала серия монументальных работ Водяные лилии, написанные в Живерни.

Эдвард Мунк, 1893 год, ранний пример экспрессионизма

Писсарро перенял некоторые эксперименты постимпрессионизма. Немного более молодых постимпрессионистов, такие как Винсент Ван Гог, Поль Гоген и Жорж Сёра вместе с Полем Сезанном созданном искусством к краю. модернизма ; для Гогена импрессионизм уступил место личному символизму; Сёра превратил ломанный цвет импрессионизма в научное оптическое исследование, структурированное на фризовых композициях; Бурный метод нанесения краски Ван Гога в сочетании с использованием цвета предсказал экспрессионизм и фовизм, а Сезанн, желающий объединить классическую композицию с революционной абстракцией природных форм, стал рассматриваться как предшественник искусства ХХ века. Очарование импрессионизма ощущалось во всем мире, в том числе в других странах, где он стал неотъемлемой частью живописи американских импрессионистов, таких как Чайльд Хассам, Джон Твахтман и Теодор Робинсон ; и в Австралии, где художники Гейдельбергской школы, такие как Артур Стритон, Фредерик Маккаббин и Чарльз Кондер рисовали на пленэре. и особенно интересовались австралийским пейзажем и светом. Это также оказало влияние на художников, которые не были в первую очередь импрессионистами в теории, таких как портретист и пейзажист Джон Сингер Сарджент. В то же время в Америке существует местный и почти островной реализм, который богат воплощением в своих работах Томаса Икинса, школы ашкан пейзажи и морские пейзажи Уинслоу Гомера, все картины которого были глубоко вложены в твердость природных форм. Визионерский пейзаж, мотив, во многом зависящий от двусмысленности ноктюрна, нашел своих сторонников в Альберте Пинхэме Райдере и Ральфе, Альберте Блейклоке.

. В конце 19-го века также было несколько весьма несхожих, группы художников-символистов, чьи работы находили отклик у молодых художников 20-го века, особенно у фовистов и сюрреалистов. Среди них были Гюстав Моро, Одилон Редон, Пьер Пюви де Шаванн, Анри Фантен-Латур, Арнольд Бёклин, Эдвард Мунк, Фелисьен Ропс и Ян Тороп, и Гюстав Климт среди других, включая русских символистов например, Михаил Врубель.

Художники-символисты разрабатывали мифологию и образы сновидений для визуального языка души, ища вызывающие воспоминания картины, напоминающие статичный мир тишины. Символы, используемые в символизме, не являются знакомыми эмблемами мейнстрима иконографии, являются личными, частными, неясными и двусмысленными ссылками. Скорее философия, чем реальный стиль искусства, художники-символисты повлияли на современное движение ар-нуво и Ле Наби. В своем исследовании сказочных предметов художники-символисты встречаются через века и культуры, как и сегодня; Бернар Дельвай описал сюрреализм Рене Магритта как «Символизм плюс Фрейд ".

модерн и современность 20-го века

Наследие таких художников, как Ван Гог, Сезанн, Гоген и Сёра имели важное значение для развития современного искусства. В начале 20 века Анри Матисс и несколько других молодых художников произвели революцию в мире искусства Парижа, создав «дикие», разноцветные, выразительные пейзажи и рисунки, которые критики назвали фовизмом. Пабло Пикассо создал свои первые кубистические картины, основанные на идее Сезанна о том, что все изображения природы можно свести к трем твердым телам: куб, сфера и конус.

Пионеры 20 века

Анри Матисс 1909, поздний Фовизм

Наследие таких художников, как Ван Гог, Сезанн, Гоген и Сёра имел важное значение для развития современного искусства. В начале 20 века Анри Матисс и несколько других молодых художников, в том числе докубистский Жорж Брак, Андре Дерен, Рауль Дюфи и Морис де Вламинк произвел революцию в мире искусства Парижа, создаваемые «дикие», разноцветные, выразительные пейзажи и фигурные картины, которые критики назвали фовизмом. Вторая версия Анри Матисса Танец знаменует ключевой момент в его карьере и развитии современной живописи. Он отражает зарождающееся увлечение Матисса примитивным искусством : интенсивные теплые цвета на холодном сине-зеленом фоне и ритмическая последовательность танцующих обнажженных тел передают чувство эмоционального освобождения и гедонизма. Пабло Пикассо создал свои первые кубистические картины, основанные на идее Сезанна о том, что все изображения природы можно свести к трем телам: куб, сфера и конус. В картине Les Demoiselles d'Avignon 1907 года Пикассо драматически создал и радикальную картину, изображающую грубую и примитивную сцену публичного дома с пятью проститутками, сильно раскрашенными женщинами, напоминающими маски африканских и его племен собственные новые кубистские изобретения. аналитический кубический анализ совместно разработан Пабло Пикассо и Жоржем Браком на примере скрипки и подсвечника, Париж, примерно с 1908 по 1912 год. После этого последовал аналитический кубизм, первое явное проявление кубизма. синтетический кубизм, практикуемый Браком, Пикассо, Фернаном Леже, Хуаном Грисом, Альбертом Глейзом, Марселем Дюшаном И бесчисленное множество других художников в 1920-е годы. Синтетический кубизм представлен различными текстурами, поверхностями, элементами коллажа, papier collé и большим разнообразием объединенных предметов.

Пьер Боннар, 1913, европейский модернист. Повествовательная живопись Джорджо де Кирико 1914, до сюрреализм

Les Fauves (французское название «Дикие звери») были ранними Художниками 20-го века, экспериментирующие со свободой выражения с помощью цвета. Название было дано группе юмористически, а не в качестве комплимента искусствоведом Луи Воксель. Фовизм представляет собой недолговечную и рыхлую группу художников начала 20-го века, чьи работы подчеркивали живописные качества и творческое использование глубокого цвета над репрезентативными ценностями. Фовисты сделали сюжет картины легко читаемым, преувеличенные перспективы и интересное пророческое предсказание фовистов было высказано в 1888 году от Поль Гоген до Поль Серюзье,

«Как вы видите эти деревья? «Они желтые. Итак, вставьте желтый; эту тень, скорее синюю, нарисуйте чистым ультрамарином ; эти красные листья? Поместите киноварь ».

Лидерами движения были Анри Матисс и Андре Дерен - своего рода дружественные соперники, каждый со своими последователями. В итоге Матисс стал янь для инь Пикассо в 20 веке. Среди художников-фовистов Альбер Марке, Шарль Камуан, Морис де Вламинк, Рауль Дюфи, Отон Фрис, Голландский художник Кеес ван Донген и партнер Пикассо по кубизму, Жорж Брак и другие. Фовизм как движение не имело конкретных теорий и просуществовал недолго, начиная с 1905 года и заканчивая 1907 годом, у них было всего три выставки. Матисс считался лидером движения из-за его старшинства в предшествующем самоутверждении в академическом мире искусства. Его портрет г-жи 1905 года. Матисс «Зеленая линия» (вверху) произвела фурор в Париже, когда была представлена. Он сказал, что хочет создать искусство, доставляющее удовольствие; искусство как украшение было его целью, и можно сказать, что использование ярких цветов сохраняет спокойствие композиции. В 1906 году по предложению своего дилера Амбруаза Воллара, Андре Дерен отправился в Лондон и создал серию картин, таких как мост Чаринг-Кросс, Лондон (вверху) в фовистах, перефразируя знаменитую серию импрессиониста художника Клода Моне. Такие мастера, как Анри Матисс и Пьер Боннар, продолжали развивать свои повествовательные стили независимо от каких-либо движений на протяжении всего 20 века.

К 1907 году фовизм больше не был шокирующим новым движением, вскоре он был заменен на кубизм на экране радаров критиков как последняя разработка в современном искусстве время. В 1907 году Апполинер, комментируя Матисса в статье, опубликованной в La Falange, сказал: «Мы здесь не в присутствии экстравагантного или экстремистского предприятия: искусство Матисса в высшей степени разумно». Аналитика. кубизм был совместно разработан Пабло Пикассо и Жоржем Браком примерно с 1908 по 1912 год. За аналитическим кубизмом, первым явным проявлением кубизма, последовал синтетический кубизм, практикуемый Браком., Пикассо, Фернан Леже, Хуан Грис, Альберт Глейз, Марсель Дюшан и бесчисленное множество других художников в 1920-е годы. Синтетический кубизм характеризуется введением различных текстур, поверхностей, элементов коллажа, papier collé и большого разнообразия объединенных предметов.

В период с 1910 года до конца Первой мировой войны и после периода расцвета кубизма в Париже возникло несколько движений. Джорджо Де Кирико переехал в Париж в июле 1911 года, где он присоединился к своему брату Андреа (поэт и художник, известный как Альберто Савинио ). Через своего брата он встретил Пьера Лапрада, члена жюри Осеннего салона, где он выставил три свои сказочные работы: «Загадка оракула», «Загадка полудня» и «Автопортрет». В течение 1913 года он выставлял свои работы в Салоне Независимых и Осеннем салоне, его работы были замечены Пабло Пикассо и Гийомом Аполлинером и некоторыми другими. Его неотразимые и загадочные картины считаются инструментами к началу сюрреализма. В первой половине 20-го века в Европе такие мастера, как Жорж Брак, Андре Дерен и Джорджо Де Кирико, продолжали рисовать независимо от какого-либо движения.

Пионеры современного искусства

Первые два десятилетия 20-го века и после кубизма возникло несколько других важных движений; футуризм (Балла ), абстрактное искусство (Кандинский ), Der Blaue Reiter ), Баухаус, (Кандинский ) и (Клее ), Орфизм, (Роберт Делоне и Франтишек Купка ), Синхромизм (Морган Рассел ), Де Стейл (Мондриан ), Супрематизм (Малевич ), Конструктивизм (Татлин ), Дадаизм (Дюшан, Пикабиа, Арп ) и сюрреализм (Де Кирико, Андре Бретон, Миро, Магритт, Дали, Эрнст ). Современная живопись повлияла на все изобразительное искусство, от модернистской архитектуры и дизайна до авангарда кино, театра и современного танца, и стала экспериментальной лабораторией выражения. визуального опыта, от фотографии и конкретной поэзии до рекламного искусства и моды. Живопись Ван Гога оказала большое влияние на экспрессионизм 20-го века, что можно увидеть в работах фовистов, Die Brücke (группа под руководством немецкого художника Эрнст Кирхнер ) и экспрессионизм Эдварда Мунка, Эгона Шиле, Марка Шагала, Амедео Модильяни, Хаим Сутин и другие.

Василий Кандинский русский живописец, гравер и теоретик искусства, один из самых известных художников 20-го века обычно считается первым значительным художник современного абстрактного искусства. Будучи ранним модернистом, в поисках новых способов визуального выражения и духовного выражения, он, как и современные оккультисты и теософы, теоретизировал, что чистая визуальная абстракция имеет следственные вибрации со звуком и музыкой.. Они утверждали, что чистая абстракция может выражать чистую духовность. Его самые ранние абстракции обычно назывались образцом в (галерее выше) Композиции VII, что связано с творчеством композиторов музыки. Кандинский включил многие из своих теорий об абстрактном искусстве в свою книгу «О духовном в искусстве». Робер Делоне был французским художником, связанным с орфизмом (что напоминает связь между чистой абстракцией и кубизмом). Его более поздние работы были более абстрактными, напоминающими Пауля Клее. Его ключевой вклад в абстрактную живопись связан с его смелым использованием цвета и явной любовью к экспериментированию как с глубиной, так и с тоном. По приглашению Василия Кандинского Делоне и его жена художница Соня Делоне присоединились к The Blue Rider (Der Blaue Reiter ), Мюнхен в 1911 году, и его искусство превратилось в абстрактное.

Среди других крупных пионеров ранней абстракции - русский художник Казимир Малевич, который после Русская революция в 1917 году и после давления сталинского режима в 1924 году вернулась к живописи изображений и крестьян и рабочих в поле, а швейцарский художник Пауль Клее, чье мастерство Цветовые эксперименты сделали его важным пионером абстрактной живописи в Баухаусе. К другим важным пионерам абстрактной живописи относятся шведская художница Хильма аф Клинт, чешский художник Франтишек Купка, а также американские художники Стэнтон Макдональд-Райт и Морган Рассел, который в 1912 году основал Synchromism, художественное направление, которое очень похоже на орфизм,.

экспрессионизм и символизм - это широкие рубрики, включающие несколько важные и связанные с ними направления в живописи 20-го века, которые доминировали в авангардном искусстве Западной, Восточной и Северной Европы. Экспрессионистские работы были написаны в основном в период между Первой и Второй мировой войнами, в основном во Франции, Германии, Норвегии, России, Бельгии и Австрии. Художники-экспрессионисты связаны как с сюрреализмом, так и с символизмом, и каждый из них уникален и несколько эксцентрично личен. Фовизм, Die Brücke и Der Blaue Reiter - три наиболее известных группы художников-экспрессионистов и символистов.

Художники, столь же интересные и разнообразные, как Марк Шагал, чья картина Я и деревня (вверху) рассказывает автобиографическую историю, в которой исследуются отношения между художником и его происхождения, с лексикой художественного символизма. Густав Климт, Эгон Шиле, Эдвард Мунк, Эмиль Нольде, Хаим Сутин, Джеймс Энсор, Оскар Кокошка, Эрнст Людвиг Кирхнер, Макс Бекманн, Франц Марк, Кете Шмидт Коллвиц, Жорж Руо, Амедео Модильяни и некоторые американцы за границей, такие как Марсден Хартли и Стюарт Дэвис, считались влиятельными художниками-экспрессионистами. Хотя Альберто Джакометти в первую очередь считается сильным сюрреалистом скульптором, он также писал интенсивные экспрессионистские картины.

Пионеры абстракции

Искусство Пита Мондриана также было связано с его духовным и духовным развитием. философские исследования. В 1908 году он заинтересовался теософским движением, начатым Еленой Петровной Блаватской в конце 19 века. Блаватская считала, что можно достичь более глубоких знаний о природе, чем те, которые предоставляются эмпирическими средствами, и большая часть работы Мондриана до конца его жизни была вдохновлена ​​его поиском этого духовного знания.

Пит Мондриан, «Композиция № 10» 1939–42, Де Стейл Морган Рассел, Космическая Синхромия (1913–14), Синхромизм

Де Стиджл, также известный как неопластицизм, было голландским художественным движением, основанным в 1917 году. Термин De Stijl используется для обозначения произведений с 1917 по 1931 год, основанных в Нидерландах..

De Stijl - это также название журнала, который издавал голландский художник, дизайнер, писатель и критик Тео ван Дусбург, пропагандирующий теории группы. Рядом с ван Дусбургом основными членами группы были художники Пит Мондриан, Вилмос Хусар и Барт ван дер Лек, а также архитекторы Геррит Ритвельд., Роберт ван 'т Хофф и Дж. Дж. П. Уд. Художественная философия, которая легла в основу работы группы, известна как неопластицизм - новое пластическое искусство (или Nieuwe Beelding на голландском языке).

Сторонники Де Стиджла стремились выразить новый утопический идеал духовной гармонии и порядка. Они отстаивали чистую абстракцию и универсальность путем сведения к основам формы и цвета; они упростили визуальные композиции до вертикального и горизонтального направлений и использовали только основные цвета вместе с черным и белым. Действительно, согласно онлайн-статье Tate Gallery о неопластицизме, сам Мондриан излагает эти разграничения в своем эссе «Неопластизм в живописном искусстве». Он пишет: «... эта новая пластическая идея будет игнорировать особенности внешнего вида, то есть естественную форму и цвет. Напротив, она должна найти свое выражение в абстракции формы и цвета, т. Е. по прямой линии и с четко определенным основным цветом ». В статье Тейт далее резюмируется, что это искусство допускает «только основные цвета и не цвета, только квадраты и прямоугольники, только прямые и горизонтальные или вертикальные линии». Интернет-статья Музея Гуггенхайма о Де Стейле резюмирует эти черты сходным образом: «Он [Де Стейл] был основан на фундаментальном принципе геометрии прямой линии, квадрата и прямоугольника, в сочетании с сильной асимметричностью; преобладающим использованием чистых основных цветов с черным и белым; и взаимосвязью между положительными и отрицательными элементами в расположении беспредметных форм и линий ».

На движение Де Стиджа повлияли Кубистическая живопись, а также мистицизм и идеи об «идеальных» геометрических формах (например, «идеальная прямая линия») в неоплатонической философии математика М. Х. Дж. Шенмакерс. Работы Де Стейла повлияли на стиль Баухаус и международный стиль в архитектуре, а также в дизайне одежды и интерьеров. Однако он не следовал общим принципам «изма» (кубизм, футуризм, сюрреализм) и не придерживалсяпринципов художественных школ, таких как Баухаус; это был коллективный проект, совместное предприятие.

Дада и сюрреализм

Франсис Пикабиа, (слева) Le saint des saints c'est de moi qu'il s'agit dans ce portrait 1 июля 1915 г.; (в центре) Portrait d'une fille americaine dans l'état de nudité, 5 июля 1915 г.: (справа) J'ai vu et c'est de toi qu'il s'agit, De Zayas! Де Заяс! Je suis venu sur les rivages du Pont-Euxin, Нью-Йорк, 1915 Марсель Дюшан, Обнаженная, спускающаяся по лестнице, № 2, 1912, Художественный музей Филадельфии Жоан Миро, Лошадь, трубка и красный цветок, 1920, абстрактный сюрреализм, Художественный музей Филадельфии

Марсель Дюшан приобрел международную известность после своего печально известного успеха в Нью-Йорке. Городская оружейная выставка в 1913 году (вскоре после того, как он осудил искусство создания шахмат ). После того, как картина Дюшана «Обнаженная, спускающаяся по лестнице» стала всемирно известной на выставке Armory в 1913 году в Нью-Йорке, он создал «Невесту, обнаженную обнаженной ее холостяками», «Даже, Большое стекло <1286».>. Большое стекло подтолкнуло искусство живописи к радикально новым ограничениям, включая частичное рисование, отчасти коллаж, отчасти конструирование. Дюшан стал тесно связан с движением Дада, которое зародилось в нейтральном Цюрихе, Швейцария, во время Первой мировой войны и достигло своего пика с 1916 по 1920 год. Движение в основном касалось изобразительного искусства, литературы (поэзия, художественные манифесты, теория искусства), театр и графический дизайн, и сконцентрировал свою антивоенную политику за счет отказа от господствующих стандартов в искусстве посредством антиискусственных произведений культуры. Фрэнсис Пикабиа, Ман Рэй, Курт Швиттерс, Тристан Цара, Ганс Рихтер, Жан Арп, Софи Таубер-Арп вместе с Дюшаном и многими другими связаны с движением дадаистов. Дюшан и несколько дадаистов также связаны с сюрреализмом, движением, которое доминировало в европейской живописи в 1920-х и 1930-х годах.

В 1924 Андре Бретон опубликовал Манифест сюрреализма. Сюрреалистическое движение в живописи стало синонимом авангарда, и в нем участвовали художники, чьи работы варьировались от абстрактных до сверхреалистичных. С такими работами на бумаге, как Machine Turn Quickly (вверху), Фрэнсис Пикабиа продолжал свое участие в движении Дада до 1919 года в Цюрихе и Париже, прежде чем оторваться от него после того, как проявил интерес к Сюрреалист арт. Ив Танги, Рене Магритт и Сальвадор Дали особенно известны своими реалистичными изображениями сновидений и фантастическими проявлениями воображения. Жоана Миро «Пашня» 1923–1924 гг., Граничащая с абстракцией, это раннее изображение комплекса предметов и фигур и аранжировок сексуально активных персонажей; был первым сюрреалистическим шедевром Миро. «Возделываемое поле» Миро также содержит несколько параллелей с Садом земных наслаждений Босха: подобные стаи птиц; бассейны, из которых выходят живые существа; и негабаритные бестелесные уши - все это перекликается с работой голландского мастера, которого Миро видел молодым художником в Прадо. Более абстрактные Жоан Миро, Жан Арп, Андре Массон и Макс Эрнст были очень влиятельными, особенно в Соединенных Штатах во время 1940-е годы. На протяжении 1930-х годов сюрреализм продолжал становиться все более заметным для общественности в целом. Группа сюрреалистов развивалась в Великобритании, и, по словам Бретона, их Лондонская международная выставка сюрреалистов в 1936 году была высшей точкой того периода и стала образцом для международных выставок. Группы сюрреалистов в Японии, особенно в Латинской Америке, Карибском бассейне и Мексике, создавали новаторские и оригинальные работы.

Дали и Магритт создали одни из наиболее широко известных образовательных движений. Картина 1928/1929 «Это не трубка» автора Магритта является предметом книги Мишеля Фуко 1973 года «Это не трубка» (английское издание, 1991 г.), в которой обсуждается живопись и ее парадокс. Дали присоединился к группе в 1929 году и участвовал в быстром создании визуального стиля между 1930 и 1935 годами.

Сюрреализм как визуальное движение нашел метод: раскрыть психологическую правду, лишив обычные предметы их нормального значения., чтобы создать убедительный образ, выходящий за рамки обычной формальной организации и восприятия, иногда вызывающий сочувствие у зрителя, иногда смех, а иногда негодование и недоумение.

1931 год ознаменовался годом, когда несколько художников-сюрреалистов создали работы с пометкой t. Когда его спросили, почему он был вынужден так часто возвращаться к этой теме, Бэкон ответил, что он ничего не хочет оправдания. Используйте эти цвета, и вы не введете их в качестве формального материала. fauve образ ».Папа в этой версии кипит гневом и агрессией, а темные цвета придают изображению гротескно-кошмарный вид. Итальянский художник Джорджо Моранди был важным пионером минимализма 20-го века, родился в Болонье, Италия в 1890 году. С большой чувствительностью к тону, цвету и композиционному балансу он снова и снова представлен одним и тем же знакомым бутылкам и вазы на картинах, отличающихся простотой. Моранди выполнил 133 гравюры, значительный объем работ сам по себе, а его рисунки и акварели часто приближаются к абстракции в своей экономии. я своим мотивам и экономным использованием цвета, ценности и поверхности, Моранди стал дальновидным и важным предшественником минимализма. Он умер в Болонье в 1964 году.

После Второй мировой войны термин Парижская школа часто относился к ташизму, европейскому эквиваленту американского абстрактного экспрессионизма, и эти художники также относится к Cobra. Важными сторонниками являются Жан Дюбюффе, Пьер Сулаж, Николас де Сталь, Ганс Хартунг, Серж Поляков и Жорж Матье и многие другие. В начале 1950-х годов Дюбюффе (который всегда был фигуративным художником) и де Сталь отказались от абстракции и вернулись к образности через фигурацию и пейзаж. Работы де Стаэля быстро получили признание в послевоенном мире искусства, и он стал одним из самых влиятельных художников 1950-х годов. В начале 1950-х годов можно рассматривать как влиятельный прецедент для американской Фигуративного движения области залива, как и многих абстрактных художников, таких как Ричард Дибенкорн, Дэвид Парк, Элмер Бишофф, Уэйн Тибо, Натан Оливейра, Джоан Браун и другие сделали аналогичный шаг; возвращение к изображениям в середине 1950-х годов. Большая часть поздних работ де Стэля, в частности его разбавленные маслом на холсте абстрактные пейзажи середины 1950-х, предсказывают живопись Цветового поля годов и Лирическую абстракцию 1960-х и 1970-х годов. Смелый и очень яркий цвет Николя де Сталь в его последних картинах предсказывает направление большей части современной живописи, пришедшей после него, включая поп-арт 1960-х годов.

Арт-брют, новый реализм, фигуративное движение в районе залива, нео-дада, фотореализм

В 1950-х и 1960-х годах как абстрактная живопись в Америке превратилась в такие движения, как Цветовое поле живопись, пост-живописная абстракция, оп-арт, живопись резкими краями, минимал искусство, фигурный холст, живопись, Лирическая абстракция и продолжение абстрактного экспрессионизма. Другие художники отреагировали на тенденцию к абстракции с помощью art brut, как это видно из дела Court les rues, 1962, Jean Dubuffet, fluxus, нео -дада, новый реализм, позволяя образам возродиться в различных новых контекстах, таких как поп-арт, образное движение в районе залива (ярким примером «Городской пейзаж I» Дибенкорна (Пейзаж № 1), 1963 год, холст, масло, 60 1/4 x 50 1/2 дюйма, коллекция: Музей современного искусства Сан-Франциско ), а в 1970 г. -е Неоэкспрессионизм. Фигуративное движение в районе залива: Дэвид Парк, Элмер Бишофф, Натан Оливейра и Ричард Дибенкорн, чья картина «Городской пейзаж 1», 1963 г. Типичный пример - влиятельные члены, процветавшие в 1950-х и 1960-х годах в Калифорнии. Хотя на протяжении всего 20 века художники продолжали практиковать реализм и использовать образы, практикуя пейзажную и фигуративную живопись с современными предметами и твердой техникой, а также уникальную выразительность, такую ​​как Милтон Эйвери, Эдвард Хоппер, Жан Дюбюффе, Фрэнсис Бэкон, Франк Ауэрбах, Люсьен Фрейд, Филип Перлштейн и другие. Молодые художники практиковали использование новых и радикальных средств. Ив Кляйн, Martial Raysse, Ники де Сен-Фалль, Вольф Фостелл, Дэвид Хокни, Алекс Кац, Малкольм Морли, Ральф Гоингс, Одри Флэк, Ричард Эстес, Чак Клоуз, Сьюзан Ротенберг, Эрик Фишл, Джон Бэдер и Вия Целминс - вот некоторые из тех, кто стал заметным в период с 1960 -х по 1980-е годы. Фэрфилд Портер был в основном самоучкой и создавал репрезентативные работы в разгар движения абстрактного экспрессионизма. Его предметами в основном были пейзажи, домашние интерьеры и портреты семьи, друзей и коллег, многие из которых были связаны с Нью-Йоркской школой писателей, в том числе Джон Эшбери, Франк О'Хара и Джеймс Шайлер. Многие из его картин были установлены в семейном летнем доме или вокруг него на Грейт-Спрус-Хед-Айленд, штат Мэн.

Также в 1960-х и 1970-х годах была реакция против живописи. Критики, подобные Дугласу Кримпу, рассматривали работы таких художников, как Эд Рейнхардт, и заявляли о смерти «живописи». Художники начали практиковать новые способы создания искусства. Получили известность новые движения, некоторые из которых: Fluxus, Happening, Видеоарт, Искусство инсталляции Mail art, ситуационисты, концептуальное искусство, постминимализм, земное искусство, arte povera, перформанс и боди-арт и др.

Нео-дада - это также движение, начавшееся в 1950-х и 1960-х годах и связанное с абстрактным экспрессионизмом только с образов. Благодаря появлению комбинированных произведений и материалов художников, отойдя от прежних традиций живописи. Примером этого направления в искусстве являются работы Джаспера Джонса и Роберта Раушенберга, чьи «комбайны» в 1950-х годах были предшественниками поп-арта и инсталляционного искусства, и использовала совокупность физических объектов, включая чучела животных, птиц и коммерческую. Роберт Раушенберг, Джаспер Джонс, Ларри Риверс, Джон Чемберлен, Клас Ольденбург, Джордж Сигал, Джим Дайн и Эдвард Кинхольц среди других были важными пионерами как абстракции, так и поп-арта; создание новых традиций художественного творчества; они сделали приемлемым в серьезных кругах современного радикального искусства включение маловероятных материалов в свои искусства искусства.

Новая абстракция с 1950-х по 1980-е.

Картина цветового поля явно указала на новое направление в американской живописи, далеко из абстрактный экспрессионизм. Живопись Цветового поля связана с пост-живописной абстракцией, супрематизмом, абстрактным экспрессионизмом, резкой краской и лирической абстракцией.. В течение 1960-х и 1970-х годов абстрактная живопись продолжала развиваться в Америке в различныхх. Геометрическая абстракция, оп-арт, живопись резкими краями, живопись цветового поля и минимальная живопись - вот некоторые связанные направления для продвинутой абстрактной живописи, а также некоторые другие новые движения. Моррис Луи был важным пионером в продвинутой живописи Цветового поля, его работы могут служить мостом между абстрактным экспрессионизмом, живописью Цветового поля и минималом. искусство. Два влиятельных учителя Йозеф Альберс и Ханс Хофманн познакомили новое поколение американских художников с их передовыми теориями цвета и пространства. Йозефа Альберса больше всего помнят за его работу как геометрического абстракциониста художника и теоретика. Наиболее известны картин и гравюр из серии «Посвящение площади». В этой строгой серии, начатой ​​в 1949 году Альберс исследовал хроматические результаты с плоскими цветными квадратами, расположенными концентрически на холсте. Теории Альберса об искусстве и образовании стали определяющими для следующего поколения художников. Его собственные картины составляют основу как жесткой живописи, так и оп-арта.

Йозеф Альберс, Ханс Хофманн, Илья Болотовски, Бургойн Диллер, Виктор Вазарели, Бриджит Райли, Ричард Анушкевич, Фрэнк Стелла, Моррис Луис, Кеннет Ноланд, Элсворт Келли, Барнетт Ньюман, Ларри Пунс, Рональд Дэвис, Ларри Зокс, Эл Хелд и некоторые другие, например Мино Ардженто - художники, связанные с геометрической абстракцией, оп-артом, живописью цветового поля, в случае с Хофманном и Ньюманом - также с абстрактным экспрессионизмом.

В 1965 году выставка под названием The Responsive Eye, которую курировал Уильям К. Зейтц, проходила в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Представленные работы были разнообразными, включая Минимализм Фрэнка Стеллы, оп-арт Ларри Пуна, работы Александра Либермана, а также мастер движения Op Art: Виктор Вазарели, Ричард Анушкевич, Бриджит Райли и другие. Выставка была посвящена перцептивным аспектам искусства, которые занимаются как из иллюзии движения, так и из взаимодействия цветовых отношений. Оп-арт, также известный как оптическое искусство, - это стиль, присутствующий в некоторых картинах и других произведений искусства, в которых используются оптические иллюзии. Оп-арт также близок к геометрической абстракции и живописи с резкими краями. Хотя иногда для этого используется термин перцептивная абстракция.

Оп-арт - это метод живописи, касающийся контакта между иллюзией и картинной плоскостью, между пониманием и видением. Произведения оп-арта абстрактны, многие из наиболее известных произведений выполнены только в черно-белых тонах. Когда зритель смотрит на них, создается впечатление движения, скрытых изображений, вибрации, узоров или альтернативно, вздутия или деформации.

Живопись цветового поля стремилась избавить искусство от лишней риторики. Художники, такие как Клиффорд Стилл, Марк Ротко, Ганс Хофманн, Моррис Луи, Жюль Олицки, Кеннет Ноланд, Хелен Франкенталер, Джон Хойланд, Ларри Зокс и другие часто использовали сильно сокращенные отсылки к природе, и они рисовали с помощью четко сформулированных и психологическое использование цвета. В целом эти художники устранили узнаваемые образы. Некоторые художники цитировали ссылки на прошлое или настоящее искусство, но в целом живопись цветового поля представляет абстракцию как самоцель. Преследуя это направление современного искусства, художники хотели представить каждую картину как единый, сплоченный, монолитный образ.

Фрэнк Стелла, Кеннет Ноланд, Элсворт Келли, Барнетт Ньюман, Рональд Дэвис, Нил Уильямс, Роберт Мангольд, Чарльз Хинман, Ричард Таттл, Дэвид Новрос и Эл Ловинг - примеры художников, связанных с использованием фасонное полотно в период начала 1960-х гг. Многие геометрические абстрактные художники, минималисты и художники с жесткими краями предпочитают использовать края изображения для определения картины, а не принимать прямоугольные форматы. Фактически, использование холста формы в первую очередь ассоциируется с картинами 1960-х и 1970-х, которые холодно абстрактны, формалистичны, геометрически, объективны, рационалистичны, четкими линиями, дерзко резкими. -кромный, или минималистский по характеру. Галерея Андре Эммериха, галерея Лео Кастелли, галерея Ричарда Фейгена и Галерея Парк-Плейс были важными витринами для живописи Цветового поля формы. холст живопись и Лирическая абстракция в Нью-Йорке в 1960-е годы. Существует связь с пост-живописной абстракцией, которая отреагировала на абстрактные экспрессионизмы, мистицизм, чтобы гипер-субъективность и акцент на том, сделать сам акт живописи драматически видимым, а также торжественное принятие плоского прямоугольника как почти ритуального условия серьезной живописи. В течение 1960-х годов живопись Цветового поля минимальное искусство часто были связаны друг с другом. На самом деле к началу 1970-х оба движения стали явно разнообразными.

Вашингтонская школа цвета, фасонный холст, абстрактный иллюзионизм, лирическая абстракция

Другое родственное движение конца 1960-х, Лирическая абстракция (термин, придуманный Ларри Олдричем, основателем Музея современного искусства Олдрича, Риджфилд, Коннектикут), охватывает то, что сказал Олдрич он видел в мастерских многих художников того времени. Это также название выставки, которая зародилась в музее Олдрича и с 1969 по 1971 г. побывала в Музее американского искусства Уитни и других музеях США.

Лирическая абстракция в конец 1960-х годов характеризуется картинами Дэна Кристенсена, Ронни Лэндфилда, Питера Янга и других, а также движения fluxus и постминимализм (термин, впервые введенный Робертом Пинкусом-Виттеном на страницах Artforum в 1969 году) стремился расширить границы абстрактной живописи и минимализма, сосредоточив внимание на о процессе, новых материалах и новых способах выражения. Постминимализм часто включает промышленные материалы, сырье, изготовление, найденные объекты, установку, серийное повторение, и часто со ссылками на Дада и Сюрреализм лучше всего иллюстрируется в скульптуры Евы Гессе. Лирическая абстракция, концептуальное искусство, постминимализм, земное искусство, видео, перформанс, инсталляция, вместе с продолжением флюксуса, абстрактный экспрессионизм, цветное поле живопись, жесткая живопись, минимальное искусство, оп-арт, поп-арт, фотореализм и новый реализм расширили границы современного искусства с середины 1960-х до 1970-х годов. Лирическая абстракция - это тип свободной абстрактной живописи, возникший в середине 1960-х годов, когда абстрактные художники вернулись к различным формам живописного, живописного, экспрессионизма с преобладающим акцентом на процесс, гештальт и повторяющиеся композиционные стратегии в целом.

Лирическая абстракция имеет сходство с живописью цветового поля и абстрактным экспрессионизмом, Лирическая абстракция на примере картины Ронни Лэндфилда 1968 года для Уильяма Блейка (см. Выше), особенно в вольное использование краски - текстуры и поверхности. Прямой рисунок, каллиграфическое использование линий, эффекты нанесенной кистью, разбрызганной, окрашенной, выдавленной, разлитой и разбрызганной краски на первый взгляд напоминают эффекты, наблюдаемые в абстрактном экспрессионизме и живописи цветового поля. Однако стили заметно отличаются. В отличие от абстрактного экспрессионизма и живописи действия 1940-х и 1950-х годов, это подход к композиции и драме. Как видно в живописи действия, акцент делается на мазках, высокой композиционной драматургии, динамическом композиционном напряжении. В то время как в «Лирической абстракции» присутствует ощущение композиционной случайности, всей композиции, сдержанной и расслабленной композиционной драмы и упора на процесс, повторение и всеобщую чувствительность.

Жесткая живопись, минимализм, постминимализм, монохромная живопись

Брайс Марден, 1966/1986, Монохромная живопись Ричард Таттл, 1967, Постминимализм

Агнес Мартин, Роберт Мангольд, Брайс Марден, Джо Баер, Роберт Райман, Ричард Таттл, Нил Уильямс, Дэвид Новрос, Пол Могенсон, Чарльз Хинман являются примерами художников, связанных с минимализмом и (за исключением Мартина, Бэра и Мардена) использованием формованного холста. в период с начала 1960-х гг. Многие геометрические абстрактные художники, минималисты и художники с жесткими краями предпочитали использовать края изображения для определения формы картины, а не принимать прямоугольный формат. Фактически, использование холста в форме в первую очередь ассоциируется с картинами 1960-х и 1970-х годов, которые являются прохладно абстрактными, формалистическими, геометрическими, объективными, рационалистическими, с четкими линиями, дерзко острыми краями или минималистский характер. Bykert Gallery и Park Place Gallery были важными витринами минимализма и холста в Нью-Йорке в 1960-е годы.

В течение 1960-х и 1970-х годов художники, такие как Роберт Мазервелл, Адольф Готтлиб, Филлип Гастон, Ли Краснер, Сай Твомбли, Роберт Раушенберг, Джаспер Джонс, Ричард Дибенкорн, Йозеф Альберс, Элмер Бишофф, Агнес Мартин, Эл Хелд, Сэм Фрэнсис, Элсворт Келли, Моррис Луис, Хелен Франкенталер, Джин Дэвис, Фрэнк Стелла, Кеннет Ноланд, Джоан Митчелл, Фридель Дзубас и молодые художники как Брайс Марден, Роберт Мангольд, Сэм Гиллиам, Джон Хойланд, Шон Скалли, Пэт Стир, Элизабет Мюррей, Ларри Пунс, Уолтер Дарби Бэннард, Ларри Зокс, Ронни Лэндфилд, Рональд Дэвис, Дэн Кристенсен, Джоан Снайдер, Росс Б. Лекнер, Арчи Рэнд, Сьюзан Крайл и десятки других написали самые разные картины.

В 1960-х и 1970-х годах возникла реакция против абстрактной живописи. Некоторые критики рассматривали работы таких художников, как Эд Рейнхардт, и заявляли о «смерти живописи». Художники начали практиковать новые способы создания искусства. Известность приобрели новые движения, среди которых: постминимализм, искусство земли, видеоарт, искусство инсталляции, искусство повера, перформанс, боди-арт, fluxus, хэппенинг, мейл-арт, ситуационисты и концептуальное искусство и другие.

Однако другие важные инновации в абстрактной живописи произошли в течение 1960-х и 1970-х годов, характеризуемых монохромной живописью и живописью с твердыми краями, вдохновленными Адом Рейнхардтом, Барнетт Ньюман, Милтон Резник и Элсуорт Келли. Такие разные художники, как Агнес Мартин, Аль Хельд, Ларри Зокс, Фрэнк Стелла, Ларри Пунс, Брайс Марден и другие, исследовали силу упрощения. Конвергенция живописи цветового поля, минималистского искусства, живописи с резкими краями, лирической абстракции и постминимализма размыли различия между движениями, которые стали более очевидными в 1980-х. и 1990-е годы. Движение неоэкспрессионизм связано с более ранними разработками в абстрактном экспрессионизме, нео-дада, лирической абстракции и постминимальной живописи.

Неоэкспрессионизм

В конце 1960-х годов абстрактный экспрессионист художник Филип Густон помог осуществить переход от абстрактного экспрессионизма к нео- экспрессионизм в живописи, отказавшись от так называемой «чистой абстракции» абстрактного экспрессионизма в пользу более мультяшных изображений различных личных символов и предметов. Эти работы вдохновили новое поколение художников, заинтересованных в возрождении выразительных образов. Его картина «Картина, курение, еда 1973», показанная выше в галерее, является примером последнего и убедительного возвращения Гастона к репрезентации.

В конце 1970-х - начале 1980-х годов также произошло возвращение к живописи, которое произошло почти одновременно в Италии, Германии, Франции и Великобритании. Эти движения назывались Transavantguardia, Neue Wilde, Figuration Libre, Неоэкспрессионизм, школа Лондона, а в конце 1980-х застрявшие соответственно. Эти картины отличались большими форматами, свободным выразительным нанесением знаков, фигурацией, мифом и воображением. Все работы в этом жанре получили название неоэкспрессионизм. Критическая реакция разделилась. Некоторые критики считали, что это вызвано стремлением крупных коммерческих галерей получить прибыль. Этот вид искусства продолжает оставаться популярным в 21 веке, даже после арт-краха в конце 1980-х годов. Ансельм Кифер - ведущая фигура в европейском неоэкспрессионизме к 1980-м годам темы Кифера расширились от акцента на роли Германии в цивилизации до судьбы искусства и культуры в целом. Его работы стали более скульптурными и включают не только национальную идентичность и коллективную память, но и оккультный символизм, теологию и мистицизм. Тема всей работы - травма, которую переживают целые общества, а также постоянное возрождение и обновление жизни.

В конце 1970-х годов в США художники, которые начали работать с бодрящими поверхностями и вернулись к таким образам, как Сьюзан Ротенберг, набрали популярность, особенно, как видно выше на таких картинах, как «Лошадь 2», 1979 г. В 1980-х годах американские художники, такие как Эрик Фишль, Дэвид Салле, Жан-Мишель Баския (начинавший как художник-граффити ), Джулиан Шнабель и Кейт Харинг, а также итальянские художники, такие как Миммо Паладино, Сандро Чиа и Энцо Куччи, среди прочего, определили идею неоэкспрессионизма в Америке.

Неоэкспрессионизм был стилем современной живописи, который стал популярным в конце 1970-х и доминировал на рынке искусства до середины 1980-х. Он возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1960-х и 1970-х годов. Неоэкспрессионисты вернулись к изображению узнаваемых объектов, таких как человеческое тело (хотя иногда и в практически абстрактной манере), грубо и эмоционально, используя яркие цвета и банальные цветовые гармонии. Художники-ветераны Филип Густон, Франк Ауэрбах, Леон Коссофф, Герхард Рихтер, А. Р. Пенк и Георг Базелиц, а также несколько более молодые художники, такие как Ансельм Кифер, Эрик Фишль, Сьюзан Ротенберг, Франческо Клементе, Жан-Мишель Баския, Джулиан Шнабель, Кит Харинг и многие другие стали известны своей работой в этом интенсивном экспрессионистском духе картина.

Живопись до сих пор занимает почетное место в современном искусстве. Искусство - это открытое поле, которое больше не разделяется дихотомией объективного и беспредметного. Художники могут добиться успеха у критиков, независимо от того, являются ли их изображения репрезентативными или абстрактными. Что имеет значение, так это удовлетворение, исследование границ среды и отказ повторять произведения прошлого в качестве конечной цели.

Современная живопись в 21 веке

В начале 21 века Современная живопись и современное искусство в целом продолжается в нескольких смежных формах, характеризующихся идеей плюрализма. «Кризис» в живописи и современном искусстве и современная художественная критика сегодня вызваны плюрализмом. В отношении репрезентативного стиля эпохи нет единого мнения, да и в этом нет необходимости. Преобладает установка на все, что угодно; синдром «все происходит» и, следовательно, «ничего не происходит»; это создает эстетическую пробку без четкого и четкого направления, где каждая полоса художественной супермагистрали заполнена до отказа. Следовательно, великолепные и важные произведения искусства продолжают создаваться, хотя и в самых разных стилях и эстетических темпераментах, а рыночная площадь остается судить о достоинствах.

Жесткая живопись, геометрическая абстракция, присвоение, гиперреализм, фотореализм, экспрессионизм, минимализм, Лирическая абстракция, поп-арт, оп-арт, абстрактный экспрессионизм, Цвет Поле живопись, монохромная живопись, неоэкспрессионизм, коллаж, интермедиа живопись, ассамбляж живопись, цифровая живопись, постмодерн живопись, нео-дада живопись, формованный холст живопись, окружающая среда фреска, традиционная фигурная живопись, пейзажная, портретная - вот несколько продолжающихся и текущих направлений в живописи начала 21 века.

Америка
Вечный Отец, рисующий Деву Гваделупскую. Приписывается Хоакину Вильегасу (1713 г. - работал в 1753 г.) (мексиканец) (художник, Museo Nacional de Arte.

В период до и после европейских исследований и заселения Северной и Южной Америки, включая Северную Америку, Центральную Америку, Южную Америку и острова Карибского моря, Антильские острова, Малые Антильские острова и другие островные группы, местные коренные культуры произвели творческие произведения, включая архитектуру, керамику, керамика, ткачество, резьба, скульптура, живопись и фрески, а также другие религиозные и утилитарные предметы. На каждом континенте Америки жили общества, которые были уникальные и индивидуально развитые культуры; которые производили тотемы, произведения религиозной символики и декоративные и выразительные расписные работы. Африканское влияние было особенно сильным в искусстве стран Карибского бассейна и Южной Америки. Искусство коренных народов Америки оказало огромное влияние и влияние на Европейское искусство и наоборот во время и после Эпохи исследований. Испания, Португалия, Франция, Нидерланды и Англия были могущественными и влиятельными колониальными державами в Америке в течение и после 15 века. К 19 веку культурное влияние начало течь в обе стороны через Атлантику

Мексика и Центральная Америка

South America

North America

United States

Canada

Caribbean

Islamic

Изображение людей, животных или любых других фигурных предметов запрещено в исламе, чтобы помешать верующим идолопоклонство, поэтому в мусульманской культуре нет религиозно мотивированной традиции живописи (или скульптуры). Изобразительная активность была сокращена до арабеска, в основном абстрактного, с геометрической конфигурацией или цветочными и растительными узорами. Сильно связанный с архитектурой и каллиграфией, он широко используется для росписи плиток в мечетях или в иллюминации вокруг текста Корана и других книг. Фактически, абстрактное искусство не является изобретением современного искусства, но оно присутствует в варварских и незападных культурах за много веков до него и по сути является декоративным или прикладным искусством. Известный иллюстратор М. К. Эшер находился под влиянием этого геометрического искусства, основанного на узорах. Модерн (Обри Бердсли и архитектор Антонио Гауди ) повторно ввел абстрактные цветочные узоры в западное искусство.

Обратите внимание, что, несмотря на табу на образную визуализацию, некоторые мусульманские страны действительно культивировали богатые традиции живописи, хотя и не сами по себе, а в качестве дополнения к письменному слову. Иранское или персидское искусство, широко известное как персидская миниатюра, концентрируется на иллюстрации эпических или романтических произведений литературы. Персидские иллюстраторы сознательно избегали использования теней и перспективы, хотя они были знакомы с ними по доисламской истории, чтобы соблюдать правило не создавать никаких реалистичных иллюзий реального мира. Их целью было не изобразить мир таким, какой он есть, а создать образы идеального мира вневременной красоты и совершенного порядка.

В наши дни живопись студентов-искусствоведов или профессиональных художников в арабских и неарабских мусульманских странах следует тем же тенденциям западного культурного искусства.

Иран

Восточный историк Бэзил Грей считает, что «Иран предложил миру особенно уникальное [sic ] искусство, превосходное в своем роде ". Пещеры в иранской провинции Лорестан демонстрируют нарисованные изображения животных и сцен охоты. Некоторым из них, например, в провинции Фарс и Сиалке, не менее 5000 лет. Считается, что живопись в Иране достигла апогея в эпоху Тамерлана, когда выдающиеся мастера, такие как Камаледдин Бехзад, дали начало новому стилю живописи.

Картины периода Каджаров представляют собой сочетание европейских влияний и сефевидских школ миниатюрной живописи, например, представленных Реза Аббаси и классических работ Михр Али. Такие мастера, как Камал-ол-молк еще больше продвинули европейское влияние в Иране. Это было в эпоху Каджаров, когда появилась «живопись кофейни». Сюжеты этого стиля часто носили религиозный характер, изображали сцены из шиитских эпосов и т.п.

Пакистан

Океания

Австралия

Новая Зеландия

Африка

африканская традиционная культура и племена, похоже, не проявляют большого интереса к двумерным изображениям в пользу скульптуры и рельефа. Однако декоративная живопись в африканской культуре часто бывает абстрактной и геометрической. Другим изобразительным проявлением является роспись тела и роспись лица, присутствующие, например, в культуре масаи и Кокёйо в их церемониальных ритуалах. Церемониальные наскальные рисунки в некоторых деревнях все еще используются. Обратите внимание, что Пабло Пикассо и другие современные художники находились под влиянием африканской скульптуры и масок в их разнообразных стилях. Современные африканские художники следуют западным художественным движениям, и их картины мало чем отличаются от произведений западного искусства.

Суданец

Крещение Христа на средневековой нубийской картине из Старой Донголы

Королевство Куш в древней Нубии (то есть современный Судан ), граничащий с Древним Египтом, производил широкий спектр искусств, в том числе настенные росписи и расписные предметы. На суданском участке Керма, центре культуры Керма, которая предшествовала Королевству Куш, фрагментарная картина примерно 1700 года до н.э. из царской гробницы изображает парусник и дома с лестницами, похожие на сцены на барельефах времен правления египетской царицы Хатшепсут (ок. 1479–1458 до н. Э.). Древняя традиция настенных росписей, впервые описанная Абу Салихом в XII веке нашей эры, продолжилась в период средневековой Нубии.

Эфиопии

Эфиопии иллюминированной Портрет евангелиста из Евангелиста Марка, из Эфиопии Евангелия от Гарима, 6 век н.э., Аксумское царство

Христианская традиция живописи в Эфиопии восходит к 4 веку нашей эры, во времена древнего Аксумского царства. Во время своего изгнания в Аксум последователи Мухаммеда в VII веке описали картины, украшающие Церковь Богоматери Марии Сионской. Однако самые ранние сохранившиеся образцы церковной росписи в Эфиопии происходят из церкви Дебре Селам Микаэль в регионе Тыграй и датируются XI веком нашей эры. Эфиопские рисунки в иллюминированных манускриптах предшествуют самым ранним сохранившимся церковным рисункам. Например, эфиопское Евангелие от Гарима IV-VI веков нашей эры содержит световые сцены, имитирующие современный византийский световой стиль.

Влияние на западное искусство

В начале 20 века такие художники, как Пикассо, Матисс, Поль Гоген и Модильяни узнал о африканском искусстве и был вдохновлен им. В ситуации, когда устоявшийся авангард боролся с ограничениями, налагаемыми служением миру явлений, африканское искусство продемонстрировало силу в высшей степени хорошо организованных форм; возникает не только в результате реакции на способность зрения, но также, часто в первую очередь, на способность воображения, эмоций и мистического и религиозного опыта. Эти художники видели в африканском искусстве формальное совершенство и изысканность, объединенные с феноменальной выразительной силой.

См. Также
Ссылки
Дополнительная литература
Внешние ссылки
Викискладе есть средства массовой информации, связанные с Историей живописи.
Последняя правка сделана 2021-05-23 14:51:19
Содержание доступно по лицензии CC BY-SA 3.0 (если не указано иное).
Обратная связь: support@alphapedia.ru
Соглашение
О проекте