Войти
Кеннет Ноланд, начало, 1958 год, magna на холсте, Музей Хиршхорна и Сад скульптур. Работая в Вашингтоне, округ Колумбия, Кеннет Ноланд был пионером движения цветового поля в конце 1950-х. Живопись цветового поля - это стиль абстрактной живописи, появившийся в Нью-Йорке во время 1940-е и 1950-е годы. Он был вдохновлен европейским модернизмом и связан с абстрактным экспрессионизмом, в то время как многие из его ранних ранних сторонников были среди пионеров абстрактного экспрессионизма. Цветовое поле характеризуется большими полями плоского сплошного цвета, распределенными по холсту или окрашенными в пятна, создавая участки непрерывной поверхности и плоскую плоскость изображения. В этом движении меньше внимания уделяется жестам, мазкам и действиям в использовании общей формы и процесса. В живописи цветового поля «цвет освобождается от объективного контекста и сам по себе становится предметом».
В конце 1950-х и 1960-х годах художники цветного поля появились в некоторых частях Великобритании, Канады, Австралии и США., особенно в Нью-Йорке, Вашингтоне, округе Колумбия и других местах, с использованием форматов полос, мишеней, простых геометрических узоров и ссылок на пейзажные изображения и природу.
Анри Матисс, Porte-fenêtre à Collioure, (Французское окно в Коллиуре), 1914, Центр Жоржа Помпиду, «На протяжении всей моей жизни живописцем ХХ века, я восхищался больше всего, был Матисс», Роберт Мазервелл 1970. В центре внимания в мире современного искусства начал перемещаться из Парижа в Нью-Йорк после Второй мировой войны и развития американского абстрактного экспрессионизма. В конце 1940-х - начале 1950-х годов Клемент Гринберг был первым искусствоведом, который использовал и идентифицировал дихотомию между различными способами в каноне абстрактного экспрессионизма. Возражая против Гарольда Розенберга (еще одного важного поборника абстрактного экспрессионизма), который писал о достоинствах экшн-живописи в статье «American Action Painters», опубликованной в декабрьском номере журнала ARTnews, Гринберг заметил еще одну тенденцию к сплошному цвету или цветовому полю в нескольких так называемых абстрактных экспрессионистов «первого поколения».
Марк Ротко был одним из художников, которые Гринберг упоминает как художник цветового поля, примером которого являются пурпурный, черный, зеленый на оранжевом, хотя сам Ротко отказался от каких-либо ярлыков. Для Ротко цвет был «просто инструментом». В некотором смысле его самые известные работы - «мультирежимы» и его авторские средства по сути, являются одним и тем же выражением, хотя и одним из более чистых (или менее конкретных или определяемых, в зависимости от интерпретации). те же «основные человеческие эмоции», что и его ранние сюрреалистические мифологические картины. Общим для этих стилистических нововведений является забота о «трагедии, экстазе и гибели». К 1958 году, какое бы духовное выражение оно становилось все темнее. Его красные яркие, желтые и оранжевые цвета начала 1950-х годов тонко трансформировались в темно-синий, зеленый, серый и черный цвета. Его последняя серия картин середины 1960-х годов была серой и черной с белыми границами, казалось бы, абстрактными пейзажами бескрайней мрачной, тундровой, неизвестной страны.
Ротко в середине 1940-х годов находился в середине решающего переходного периода, и он был впечатлен абстрактными цветовыми полями Клиффорда Стилла, которые оказали влияние на часть пейзажей родной Северной Дакоты Стилла. В 1947 году, во время последующего семестра преподавания в Калифорнийской школе изящных искусств (известного сегодня как Институт искусств Сан-Франциско ), Ротко и Стилл заигрывали с идеей создания собственной учебной программы или школы. Тем не считался одним из выдающихся художников Цветового поля - его нефигуративные картины в степени связаны с разными цветами и поверхности. Его неровные вспышки цвета показывают, что один слой цвета ним был «сорван» с изображения, обнажая цвета под, напоминающие сталактиты и первозданные пещеры. Аранжировки Стилла нерегулярны, зазубрины и изъедены тяжелой текстурой и резким контрастом поверхности, как видно выше в 1957D1.
Другой художник, наиболее известный из известных нам видов работы как к абстрактному экспрессионизму, так и к живописи цветового поля, - это Роберт Мазервелл. Стиль абстрактного экспрессионизма Мазерв, характеризующийся рыхлыми открытыми областями живописных поверхностей, сопровождаемыми слабо нарисованными и размеренными линиями и формами, находился под актуальными как Жоана Миро, так и Анри Матисса. «Элегия испанской республики № 110» Роберта Мазервелла (1971) - это работа пионера абстрактного экспрессионизма и живописи цветового поля. «Элегия» Роберта Мазервелла к сериалу «Испанская республика» воплощает обе тенденции, в то время как серия «Открытая серия» Мазервелла конца 1960-х, 1970-х и 1980-х годов твердо помещает его в лагерь Цветового поля. В 1970 году Мазервелл сказал: «На протяжении всей моей жизни живописцем 20-го века, я восхищался больше всего, был Матисс», имея в виду из его собственных серий картин, отражающих влияние Матисса, в первую очередь его «Открытые серии», которые наиболее близки к классическая Цветового поля.
Барнетт Ньюман считается одной из главных фигур в абстрактном экспрессионизме и одним из ведущих художников в области цветового поля. Зрелые работы Ньюмана характеризуются областями чистого и плоского цвета, разделенными тонкими вертикальными линиями, или «застежками-молниями», как их назвал Ньюман, примером которых является Vir Heroicus Sublimis из коллекции MoMA. Сам Ньюман думал, что достиг своего полностью зрелого стиля с серией Onement (1948 года), которую можно увидеть здесь. Молнии определяют структуру структуры, разделяя и объединяя композицию. Картины Ньюмана кажутся чисто абстрактными, многие из них изначально не имели названия, имена, которые он позже дал им, намекали на известные темы, к которым обращаются, часто с еврейской тематикой. Например, две картины начала 1950-х годов называются Адам и Ева (см. Адам и Ева ), а также есть Уриил (1954) и Авраам (1949)), очень темная картина, которая, помимо имени библейского патриарха, была также именем отца Ньюмана, который умер в 1947 году. Поздние работы Ньюмана, такие как Кто боится красного, Желтая и синяя серии - яркие чистые цвета, часто на очень больших холстах.
Джексон Поллок, Адольф Готтлиб, Ханс Хофманн, Барнетт Ньюман, Клиффорд Стилл, Марк Ротко, Роберт Мазервелл, Эд Рейнхардт и Аршил Горки (в его последних работах) были среди выдающихся художников-абстрактных экспрессионистов, Гринберг определил как связанных с живописью Цветового поля которых в 1950- х годах. и 1960-е годы.
Практическое управление работой с живописью в жанре экшн из-за его стиля, техники, живописного «прикосновения» и раскрашивания краски, искусствоведы сравнивают Поллока с обоими Живопись цветового поля. Другой критический взгляд, выдвинутый Клементом Гринбергом, связывает сплошные полотна Поллока с крупномасштабными Водяными лилиями из Клода Моне, созданными в 1920-х годах. Гринберг, искусствовед Майкл Фрид и заметили, что общее ощущение в разных работах Поллока - его капельных рисунков - читается как обширные поля застроенных линейных элементов, часто читаемых как обширные обширныесы одинаковых ценных красок. мотки, которые читаются как все поля цвета и рисунки и связаны с поздними Моне размером с фреску, которые состоят из множества отрывков с близкими значениями заштрихованных и порядочных меток, которые также читаются как близкие по значению поля цвета и рисунки, которые Моне используют в построении его картинных поверхностей. Использование Поллоком сплошной композиции придает философскую и физическую связь с тем, как художники цветового поля, такие как Ньюман, Ротко и Стилл, конструируют свои сплошные, а в случае Стилла ломаные поверхности. В нескольких картинах, которые Поллок написал после своего классического периода капельной живописи 1947–1950 годов, он использовал технику окрашивания жидкой масляной краски и краски для дома на необработанный холст. В течение 1951 года он создал серию полуфигуративных картин с черными пятнами, а в 1952 году он создал картины с пятнами, используя цвет. На своей выставке в ноябре 1952 года в галерее Сидни Джениса в Нью-Йорке Поллок показал номер 12, 1952, большую мастерскую картину с пятнами, которая напоминает ярко окрашенный пейзаж (с наложением широко капающей темной краски); Картина была приобретена с выставки Нельсоном Рокфеллером для его личной коллекции. В 1960 году картина была серьезно повреждена пожаром в особняке губернатора в Олбани, который также серьезно повредил картину Аршила Горки и несколько других работ из коллекции Рокфеллера. Однако к 1999 году он был восстановлен и установлен в торговом центре Олбани.
Хотя Аршил Горки считается одним из отцов-основателей абстрактного экспрессионизма и сюрреалистом, он также был одним из них. первых художников Нью-Йоркской школы, использовавших технику «окрашивания». Горький создал широкие поля ярких, открытых, неразрывных красок, которые он использовал в своих многих своих картинах как основу. В наиболее эффективных и совершенных картинах Горького между 1941 и 1948 годами он использовал интенсивные окрашенные поля цвета, часто позволяя краске использовать стекловолокно и вокруг его знакомого словаря и биоморфных форм и тонких линий. Еще один абстрактный экспрессионист, чьи работы 1940-х годов напоминают пятна живописи 1960-х и 1970-х, - это Джеймс Брукс. Брукс часто использует пятно в своих картинах конца 1940-х годов. Брукс начал разбавлять свою масляную краску, чтобы получить жидкие цвета, которые можно было заливать, капать и окрашивать в основном необработанный холст, который он использовал. В этих работах часто сочетаются каллиграфия и абстрактные формы. В течение последних трех десятилетий его карьеры стиль крупномасштабного яркого абстрактного экспрессионизма Сэма Фрэнсиса был связан с живописью Цветового поля. Его картины объединяли лагеря в категории абстрактного экспрессионизма, живописи в стиле боевик и живописи цветового поля.
Видев картины Джексона Поллока 1951 года, написанные разбавленной черной масляной краской на необработанном холсте, Хелен Франкенталер начало создания картины с пятнами различных масляных цветов на необработанном холсте. в 1952 году. Ее самая известная картина того периода - Горы и море (как показано ниже). Он является одним из создателей движения «Цветовое поле», возникшего в конце 1950-х годов. Франкенталер также учился у Ганса Хофманна. Картины Хофманна - это симфония цвета, представленная в «Воротах» 1959–1960 годов. Хофманн был известен не только как художник, но и как преподаватель искусства, как в своей родной Германии, так и позже в США. Хофманн, приехавший в Соединенные Штаты из Германии в начале 1930-х годов, принес с собой наследие Модернизм. Хофманн был молодым художником, работавшим в Париже, который писал там до Первой мировой войны. Хофманн работал в Париже с Робером Делоне, и он не понаслышке знал новаторские работы как Пабло Пикассо, так и Анри Матисса. Работа Матисса оказала огромное влияние на него и на его понимание выразительного языка цвета и возможности абстракции. Хофманн был одним из первых теоретиков живописи цветового поля, и его теории оказали влияние на художников и критиков, особенно на Клемента Гринберга, а также на других в 1930-х и 1940-х годах. В 1953 году Моррис Луис и Кеннет Ноланд оба были глубоко под впечатлением от живописи Франкенталера после посещения ее студии в Нью-Йорке. Вернувшись в Вашингтон, округ Колумбия., они начали основные работы, которые создали движение цветового поля в конце 1950-х.
В 1972 году тогда Метрополитен-музей куратор Генри Гелдзахлер сказал:
Клемент Гринберг ил в шоу работы Морриса Луи и Кеннета Ноланда то, что он сделал в галерее Kootz в начале 1950-х годов. Клем первым их потенциал. Он пригласил их в Нью-Йорк в 1953 году, я думаю, что это было, в студию Хелен, чтобы посмотреть картину, которую она только что написала, под названием Горы и море, очень, очень красивая картина, которая в некотором смысле была, из Поллока и из Горького. Это также была одна из первых картин с пятнами, одна из первых полевых картин, которых использовалась техника пятен, возможно, первая. Луи и Ноланд увидели картину, развернулись на полу ее студии, и вернулись в Вашингтон, округ Колумбия, и некоторое время работали вместе, работали над последствиями этого вида живописи.
Картина Морриса Луи 1960 год был главным нововведением, продвинуло абстрактную экспрессионистскую живопись в новом направлении к Цветовому полю и минимализму. Среди основных работ Луи - его различные серии картин цветового поля. Некоторые из его самых известных серий - Развернутые завесы, вуали, цветы и полосы или столбы. С 1929 по 1933 год Луи учился в Мэрилендском институте изящных и прикладных искусств (ныне Колледж искусств Мэрилендского института ). Он работал на различных случайных работах, чтобы прокормить себя во время рисования, в 1935 году был президентом Ассоциации художников Балтимора. С 1936 по 1940 год он жил в Нью-Йорке и работал в станковом отделе художественного проекта Управление прогрессом работ. В этот период он знал Аршила Горки, Дэвида Альфаро Сикейроса и Джека Творкова, которые вернулись в Балтимор в 1940 году. В 1948 году он начал использовать Magna - масляные акриловые краски. В 1952 году Луи переехал в Вашингтон, округ Колумбия, где жил несколько в стороне от Нью-Йорка и работал почти изолированно. Он и группа художников, в которую входил Кеннет Ноланд, сыграет центральную роль в развитии живописи Цветового поля. Основная идея работ Луи и других художников Цвета поля, иногда известных как Вашингтонская школа цвета, отличие от других новых подходов конца 1950-х - начала 1960-х годов, заключается в том, что они значительно упростили представление о том, как выглядит законченная картина.
Кеннет Ноланд, работавший в Вашингтоне, округ Колумбия, также был пионером движения цветового поля в конце 1950-х годов, который использовал серию как важный формат для своих картин. Некоторые из основных серий Ноланда назывались «Цели, шевроны и полосы». Ноланд посещал экспериментальный колледж Блэк-Маунтин и изучал искусство в своем родном штат Северная Каролина. Ноланд учился у профессора Ильи Болотовского, который познакомил его с неопластизмом и работами Пита Мондриана. Там он также изучал Баухаус теорию и цвет с Йозефом Альберсом, и он заинтересовался Полем Клее, особенно его чувствительностью к цвету. В 1948 и 1949 годах он работал с Осипом Задкиным в Париже, а в начале 1950-х познакомился с Моррисом Луи в Вашингтоне, округ Колумбия.
В 1970 году искусствовед Клемент Гринберг сказал:
Я бы поместил Поллока вместе с Хофманном и Моррисом Луи в этой стране в числе величайших художников этого поколения. Я вообще-то не думаю, что в том же поколении в Европе был кто-то, кто мог бы сравниться с ними. Поллоку не нравились картины Гофмана. Он не мог их разобрать. Он не потрудился. И Хофманну не нравились повторяющиеся картины Поллока, и другие друзья-художники Поллока не могли понять их, как он делал с 1947 по 1950 год. Но картины Поллока живут или умирают в том же контексте, что и картины Рембрандта или Тициана, или Веласкеса, или Гойи или Давида или... или Мане или Рубена или Микеланджело. Здесь нет ни прерывания, ни мутации. Поллок попросил, чтобы его проверили тем же глазом, который мог бы увидеть, насколько хорош Рафаэль, когда он был хорош, или Пьеро, когда он был хорош.
К концу 1950-х - началу 1960-х молодые художники стали стилистически отходить от абстрактного экспрессионизма; экспериментирование с новыми способами создания картинок; и новые способы обращения с краской и цветом. В начале 1960-х несколько различных новых движений в абстрактной живописи были тесно связаны друг с другом и на первый взгляд были объединены в одну категорию; хотя в конечном итоге они оказались совершенно разными. Некоторые из новых стилей и движений, появившихся в начале 1960-х годов как реакция на абстрактный экспрессионизм, назывались: Вашингтонская школа цвета, Живопись с резкими краями, Геометрическая абстракция, Минимализм и Цветовое поле.
Джин Дэвис также был художником, известным особенно картинами с вертикальными цветными полосами, такими как Black Grey Beat, 1964, и он также был членом группы абстрактных художников в Вашингтоне, округ Колумбия в 1960-х годах, известная как Вашингтонская школа цвета. Художники из Вашингтона были одними из самых выдающихся художников «Цветного поля» середины века.
Джек Буш, Big A, 1968. Джек Буш был канадским абстрактным экспрессионистом художником, родившимся в Торонто, Онтарио в 1909 году. Буш стал тесно связан с двумя движениями, которые выросли из усилий абстрактных экспрессионистов : Живопись цветового поля и Лирическая абстракция.Художники, связанные с движением Цветового поля в 1960-е годы, уходили. от жеста и тоски в пользу чистых поверхностей и гештальта. В период с начала до середины 1960-х годов живопись Цветового поля была термином для работы таких художников, как Энн Труитт, Джон Маклафлин, Сэм Фрэнсис, Сэм. Гиллиам, Томас Даунинг, Элсворт Келли, Пол Фили, Фридель Дзубас, Джек Буш, Говард Меринг, Джин Дэвис, Мэри Пинчот Мейер, Джулс Олицки, Кеннет Ноланд, Хелен Франкенталер, Роберт Гудно, Рэй Паркер, Эл Хелд, Эмерсон Вёлффер, Дэвид Симпсон, и другие, чьи работы ранее были связаны с абстрактным экспрессионизмом второго поколения; а также более молодым артистам, таким как Ларри Пунс, Рональд Дэвис, Ларри Зокс, Джон Хойланд, Уолтер Дарби Бэннард и Фрэнк Стелла. Все двигались в новом направлении от насилия и беспокойства Живописи действия к новому и, казалось бы, более спокойному языку цвета.
Хотя Цветовое поле ассоциируется с Клементом Гринбергом, Гринберг на самом деле предпочитал использовать термин пост-живописная абстракция. В 1964 году Клемент Гринберг курировал влиятельную выставку, которая путешествовала по стране и называлась пост-живописная абстракция. Выставка расширила определение живописи цветового поля. Живопись Цветового поля явно указала на новое направление в американской живописи, отойдя от абстрактного экспрессионизма. В 2007 году куратор Карен Уилкин курировала выставку под названием «Цвет как поле: американская живопись 1950–1975 годов», которая посетила несколько музеев по всей территории Соединенных Штатов. На выставке представлено несколько художников, представляющих два художника Цветового поля.
В 1970 году художник Жюль Олицки сказал:
Я не знаю, что такое живопись Цветового поля. Я думаю, что это, вероятно, придумал какой-то критик, и это нормально, но я не думаю, что эта фраза что-то значит. Живопись цветового поля? Я имею ввиду, что такое цвет? Живопись связана со многими вещами. Цвет - это одна из тех вещей, к которому он имеет отношение. Это связано с поверхностью. Это связано с формой. Это связано с чувствами, которые труднее понять.
Ронни Лэндфилд, Весна священная, 1985. Работа Ронни Лэндфилда зародилась во время 1960-е годы. Его работы отражением как китайской пейзажной живописи, так и идиомы Цветового поля. Его картины соединяют живопись Цветового поля с лирической абстракцией.Джек Буш был канадским абстрактным экспрессионистом художником, родившимся в Торонто, Онтарио в 1909 году. член Painters Eleven, группы, основанной Уильямом Рональдом в 1954 году для популяризации абстрактной живописи в Канаде, и вскоре получил поддержку в своем искусстве от американского искусствоведа Клемента Гринберга. При поддержке Гринберга Буш стал соединяться с двумя, выросшими из усилий абстрактных экспрессионистов : Живопись цветового поля и Лирическая абстракция. Его картина «Большая А» является примером его картин цветового поля конца 1960-х.
В конце 1950-х и начале 1960-х Фрэнк Стелла задействована роль в появлении минимализма., Пост-живописная абстракция и живопись цветового поля. Его сформированные холсты 1960-х, такие как Харран II, 1967, произвели революцию в абстрактной живописи. Одна из наиболее важных характеристик картин Стеллы - это повторение. Его картины 1959 года в черной полосе поразили и шокировали мир искусства, который не привык видеть монохромные и повторяющиеся изображения, нарисованные плоско и почти без перегибов. В начале 1960-х годов Стелла создала несколько серий картин из алюминия с насечками и фигурных картин из меди, а в конце 1960-х годов создала разноцветные холсты асимметричной формы. Подход и отношение Фрэнка Стеллы к живописи цветового поля не были постоянными или центральными для его творчества; так как после 1980 года его работы становились все более и более трехмерными.
В конце 1960-х Ричард Дибенкорн начал свою серию «Оушен Парк»; Созданы в течение последних 25 лет его карьеры, являются важными примерами живописи цветового поля. Серия Ocean Park, примером которой является Ocean Park № 129, соединяет его ранние абстрактные экспрессионистские работы с живописью цветового поля. В начале 1950-х Ричард Дибенкорн известен как абстрактный экспрессионист, и его жесткие абстракции были близки к нью-йоркской школе по чувствительности, но прочно основывались на Сан-Франциско чувственности абстрактного экспрессионизма; место, где Клиффорд Стилл оказывает значительное влияние на молодых художников благодаря его преподаванию в Институте искусств Сан-Франциско.
К середине 1950-х Ричард Дибенкорн вместе с Дэвидом Парком, Элмер Бишофф и несколько других сформировали Фигуративную школу возвращающейся области залива с фигуративной живописи. В период между осенью 1964 года и весной 1965 года Дибенкорн путешествовал по Европе, ему была предоставлена культурная виза для посещения и просмотра картин Анри Матисса в важных советских музеях. Он ездил в тогдашний Советский Союз, чтобы изучать Анри Матисса картины в российских музеях, которые редко можно было увидеть за пределами России. Когда он вернулся к живописи в районе середины 1965 года, его итоговые работы суммировали все, что он узнал за более чем десятилетие работы в качестве ведущего фигуративного художника. Когда в 1967 году он вернулся к абстракции, его работы были параллельны движения, таким как движение «Цветное поле» и Лирическая абстракция, но он оставался независимым от обоих.
В конце 1960-х Ларри Пунс, чьи ранние точечные рисунки были связаны с оп-артом, начал создавать рисунки более свободной и свободной формы, которые назывались его ромбовидным эллипсом. картины 1967–1968 гг. Вместе с Джоном Хойландом, Уолтером Дарби Бэннардом, Ларри Зоксом, Рональдом Дэвисом, Ронни Лэндфилдом, Джон Сири, Пэт Липски, Дэн Кристенсен и несколько других молодых художников начало формироваться новое движение, связанное с живописью Цветового поля; в итоге называется Лирическая абстракция. В конце 1960-х годов художники обратились к перегибам поверхности, изображению глубокого космоса, а также к слиянию живописного прикосновения и обработки краски с языком цвета. Среди нового поколения художников-абстракционистов, которые сочетают живопись цветового поля с экспрессионизмом, старшее поколение также начало вливать в свои работы новые элементы сложного пространства и поверхности. К 1970-м годам Пунс создал толстокожие, потрескавшиеся и тяжелые картины, известные как картины «Слоновья кожа»; в то время как Кристенсен распылял петли, цветные паутины линий и каллиграфию на разноцветных полях нежной земли; Окрашенные ленточные картины Ронни Лэндфилда представляют собой отражение как китайской пейзажной живописи, так идиомы Цветового поля, а также окрашенной живописной Джона Сири на примере Востока, 1973 г., из Национальной галереи Австралии. Пунс, Кристенсен, Дэвис, Лэндфилд, Сири, Липски, Зокс и другие создают картины, которые соединяют живопись Цветового поля с Лирической абстракцией и подчеркивают новый акцент на пейзаже, жестах и прикосновениях.
Живопись цветового поля связана с пост-живописной абстракцией, супрематизмом, абстрактным экспрессионизмом, живописью с твердыми краями и Лирическая абстракция. Первоначально он относился к определенному типу абстрактного экспрессионизма, особенно к работам Марка Ротко, Клиффорда Стилла, Барнетта Ньюмана, Роберт Мазервелл, Адольф Готтлиб и несколько серий картин Жоана Миро. Искусствовед Клемент Гринберг воспринимал живопись цветового поля как связанную, но отличную от Живопись действия.
Важным отличием, которое отличало живопись цветового поля от абстрактного выражения, было обращение с краской. Самая основная фундаментальная определяющая техника - это нанесение красок, и художники цветового поля произвели революцию в способах применения краски.
Живопись «Цветовое поле» стремилась избавить искусство от лишней риторики. Такие артисты, как Барнетт Ньюман, Марк Ротко, Клиффорд Стилл, Адольф Готтлиб, Моррис Луис, Жюль Олицки, Кеннет Ноланд, Фридель Дзубас и Франк Стелла и другие часто использовали сильно сокращенные форматы, при этом рисунок упрощался до повторяющихся и регулируемых. системы, основные отсылки к природе и четкое использование сформулированное и психологическое цвета. В целом эти художники отказались от явных узнаваемых образов в пользу абстракции. Некоторые художники цитировали ссылки на прошлое или настоящее искусство, но в целом живопись цветового поля представляет абстракцию как самоцель. Преследуя это направление современного искусства, эти люди хотели представить каждую картину как единое, связное, монолитное изображение в серии связанных типов.
В отличие от эмоциональной энергии и жестов на поверхности, а также обращении с краской у абстрактных экспрессионистов, таких как Джексон Поллок и Виллем де Кунинг, живопись Цветового поля изначально казалась круто и сурово. Художники, работающие с цветами, полем, индивидуальный знак в пользу больших, плоских, окрашенных и пропитанных участков цвета, что считается неотъемлемой частью визуальной абстракции, включая фактическую форму холста, что, в частности, Фрэнк Стелла достигает необычными способами за счет сочетания изогнутых и прямых краев. Однако живопись Цветового поля оказалась одновременно чувственной и глубоко выразительной, хотя и в отличии от жестов Абстрактный экспрессионизм. Отрицание связи с абстрактным экспрессионизмом или другим художественным движением Марк Ротко ясно говорил о своих картинах в 1956 году:
Я не интересуют отношения цвета, или чего-либо еще еще.... Меня интересует только выражение основных человеческих эмоций - трагедии, экстаза, гибели и так далее - и тот факт, что многие люди не выдерживают и плачут, когда сталкиваются с моими фотографиями, показывает, что я передаю эти основные человеческие эмоции.... Люди, которые плачут перед моими картинами, имеют тот же религиозный опыт, что и я, когда писал их. И если вас, как вы говорите, трогают только их цветовые отношения, то вы упускаете главное!
Жоан Миро был одним из первых и наиболее успешных мастеров морилки. В конечном итоге окрашивание маслом считается опасным для хлопкового холста, пример Миро в 1920-х, 1930-х и 1940-х годах был вдохновением и повлиял на молодое поколение. Одной из причин успеха движения «Цветовое поле» стала техника окрашивания. Художники смешивали и разбавляли свою краску в ведрах или банках из-под кофе, получая жидкую жидкость, а затем выливали ее на необработанный холст без грунтовки, обычно хлопковая утка. Краска также могла быть нанесена кистью или кататься на ней, наброшена, вылита или распылена, и она растекается по ткани холста. Обычно художники рисовали формы и области по мере того, как они окрашивали. Многие художники использовали окрашивание в качестве предпочтительной техники для создания своих картин. Джеймс Брукс, Джексон Поллок, Хелен Франкенталер, Моррис Луи, Пол Дженкинс и десятки других найденных художников что заливка и окрашивание открыли двери для инноваций и революционных методов рисования и выражения смысла по-новому. С появлением акриловой краски количество художников, занимавшихся окрашиванием в 1960-е годы, значительно увеличилось. Окрашивание акриловой краской ткани холста из хлопковой утки было более щадящим и менее повдающим ткань холста, чем использование масляной краски. В 1970 году художница Хелен Франкенталер так прокомментировала свое использование окрашивания:
Когда я впервые начала рисовать пятна, я оставила большие участки холста неокрашенными, я думаю, потому что сам холст действовал так же сильно и положительно как краска, линия или цвет. Другими словами, сама земля была частью медиума, так что вместо того, чтобы думать о ней как фоне, эта негативная реклама или пустом месте, область не была в краске, потому что рядом с ней была краска. Дело было в том, чтобы решить, где его оставить, где наполнить и где сказать, что для этого не нужна еще одна линия или другое ведро цветов. Он говорит об этом в космосе.
Удивительно, что немногие художники использовали технику краскопульта для создания больших пространств и цветных полей, распыленных на их полотнах в 1960-х и 1970-х годах. Некоторые художники, которые эффективно используют методы окраски распылением, включают Жюля Олицки, который был пионером в своей технике распыления, которая покрывала свои большие картины слоем разных цветов, часто постепенно меняя оттенок и ценность в тонкой прогрессии. Еще одним важным нововведением было Дэном Кристенсеном использование техники распыления для использования большого эффекта в петлях и ленточках ярких цветов; распылял четкие каллиграфические знаки на его крупномасштабные картины. Уильям Петте, Ричард Саба и Альберт Стадлер использовали эту технику для создания крупномасштабных многоцветных полей; в то время как Кеннет Шоуелл распылял мятые холсты и создавал иллюзию абстрактных интерьеров натюрморта. Большинство художников-распылителей были активны, особенно в конце 1960-х и 1970-х годах.
Полосы были одним из самых популярных средств окрашивания, которые использовались разными художниками Цветового поля в самых разных форматах. Барнетт Ньюман, Моррис Луис, Джек Буш, Джин Дэвис, Кеннет Ноланд и Дэвид Симпсон, все сделали Важная серия полосатых картин. Хотя он не называл их полосами, а застежками-молниями, полосы Барнетта Ньюмана были в основном вертикальными, разной ширины и использовались редко. В случае Симпсона и Ноланда все их картины с полосами были в основном горизонтальными, тогда как Джин Дэвис рисовал картины с вертикальными полосами, а Моррис Луи в основном рисовал картины с вертикальными полосами, иногда называемые столбами. Джек Буш имел обыкновение рисовать как в горизонтальные, так и в вертикальные полосы, а также в угловые.
Magna, специальная краска акриловая краска была разработана Леонардом Бокуром и Сэмом Голденом в 1947 и переформулирована в 1960 году специально для Морриса Луи и других художников-красильщиков движения цветового поля. В Magna пигменты измельчаются в акриловой смоле с использованием спиртовых растворителей. В отличие от современных акриловых красок на водной основе, Magna смешивается с скипидаром или уайт-спиритом и быстро сохнет до матового или глянцевого покрытия. Его широко использовали Моррис Луис и Фридель Дзубас, а также поп-исполнитель Рой Лихтенштейн. Цвета Magna более яркие и насыщенные, чем обычные акриловые краски на водной основе. Луи использовал Magna для большого эффекта в своей серии Stripe Series, где цвета используются в неразбавленном виде и наливаются несмешанными прямо из банки.
В 1972 году бывший Музей Метрополитен Art куратор Генри Гельдзахлер сказал:
Цветовое поле, как ни странно, а может и нет, стало жизнеспособным способом рисования как раз в то время, когда акриловая краска, новый пластик краска, возникла. Как будто новая краска потребовала новых возможностей в живописи, и художники пришли к этому. Масляная краска, у которой есть совершенно другой материал, не основанный на воде, всегда оставляет пятно масла или лужу масла по краю цвета. Акриловая краска останавливается на собственном краю. Цветное поле появилось одновременно с изобретением этой краски.
Акриловые краски впервые стали доступны в 1950-х годах в виде красок на основе минерального спирта под названием Magna. Автор Леонард Бокур. Акриловые краски на водной основе продавались как «латексные» краски для дома, хотя в акриловой дисперсии не используется латекс, полученный из каучукового дерева. Внутренние "латексные" краски для дома, как правило, представляют собой комбинацию связующего (иногда акрила, винила, ПВХ и др.), наполнителя, пигмент и вода. Наружные «латексные» краски для дома также могут быть смесью «сополимеров», но самые наружные краски на водной основе - это 100% акрил.
Вскоре после того, как акриловые связующие на водной основе были представлены в качестве красок для дома, оба художника - первые из были мексиканскими мастерами-монументалистами - и компании начали исследовать потенциал новых связующих. Художественные акриловые краски можно разбавлять водой и использовать в качестве промывок акварельных красок, хотя смывка после высыхания быстрая и стойкая. Водорастворимые акриловые краски художественного качества стали коммерчески доступными в начале 1960-х годов предлагаемые Liquitex и Bocour под торговым названием Aquatec. Растворимые в воде Liquitex и Aquatec идеально подходят для окрашивания морилкой. Техника окрашенного водорастворимы акриловыми красками позволяет разбавить цветам тонуть и прочно держаться на необработанном холсте. Художники, такие как Кеннет Ноланд, Хелен Франкенталер, Дэн Кристенсен, Сэм Фрэнсис, Ларри Зокс, Ронни Лэндфилд, Ларри Пунс, Джулс Олицки, Джин Дэвис, Рональд Дэвис, Сэм Гиллиам и другие успешно использовали акриловые краски на водной основе для своих новых красок, картин с цветовым полем.
Ричард Дибенкорн, Ocean Park №129, 1984. Серия Ocean Park связывает свои ранние абстрактные экспрессионистские работы с живописью цветового поля. В этой картине особенно сильно влияние Анри Матисса и Жоана Миро. 
Анри Матисс, Вид на Нотр-Дам, 1914, Музей современного искусства Статья. Картины Анри Матисса «Французское окно в Коллиуре» и «Вид на Нотр-Дам» 1914 года оказали огромное влияние на американских художников Цветового поля в целом (включая Открытые серии Роберта Мазервелла ) и на другие произведения искусства. В частности, картины Ричарда Дибенкорна «Океанский парк». Живописное наследие живописи 20-го века - это долгий и переплетенный мейнстрим влияний и взаимосвязей. Использование больших открытых полей выразительного цвета, нанесенных щедрыми живописными участками в сопровождении рыхлого рисунка (расплывчатые начала линейные пятна и / или фигуративные очертания), можно впервые увидеть в работах 20-го века Анри Матисса и Жоан Миро. Матисс и Миро, а также Пабло Пикассо, Пауль Клее, Василий Кандинский и Пит Мондриан оказали непосредственное влияние на абстрактных экспрессионистов, Художники цветового поля пост-живописной абстракции и лирические абстракционисты. Американцы конца XIX века, такие как Август Винсент Тэк и Альберт Пинкам Райдер, наряду с ранними американскими модернистами, такими как США О'Киф, Пейзажи Марсдена Хартли, Стюарта Дэвиса, Артура и Милтона Эйвери также послужили важными прецедентами и повлияли на абстрактных экспрессионистов. художники Цветового поля и лирические абстракционисты. Анри Матисс картины «Французское окно в Коллиуре» и «Вид на Нотр-Дам» 1914 года оказали огромное влияние на художников американского цветового поля в целом (включая Открытые серии Роберта Мазервелла ) картинах Ричарда Дибенкорна Оушен Парк, в частности. Согласно искусствоведу Джейн Ливингстон, Дибенкорн видел обе картины Матисса на выставке в Лос-Анджелесе в 1966 году, и они оказали огромное влияние на него и его работы. Джейн Ливингстон говорит о выставке Матисса в январе 1966 года, которую принимает Дибенкорн видел в Лос-Анджелесе:
Трудно не придать огромное значение этому опыту в том направлении, в котором его работа принимает того времени. Две картины, которые он там видел, отразились почти на каждом холсте Ocean Park. «Вид на Нотр-Дам» и «Французское окно в Коллиуре», написанные в 1914 году, впервые были представлены в США.
Ливингстон продолжает, что Дибенкорн, должно быть, испытал «Французское окно в Коллиуре» как прозрение.
Жоан Миро был одним из самых влиятельных художников 20 века. Миро впервые применил технику окрашивания; создание размытых, разноцветных облачных фонованной масляной краской в течение 1920-х и 1930-х годов; Вдобавок к этому он добавил свою каллиграфию, характеры и богатый словарный запас, а также образы. Аршил Горки открыто восхищался работами Миро и писал картины, похожие на Миро Горького, прежде чем, наконец, обнаружил свою оригинальность в начале 1940-х годов. В течение 1960-х Миро рисовал большие (в абстрактном экспрессионистском масштабе) сияющие поля энергичной краской синего, белого и других однотонных цветов; с расплывчатыми черными шарами и каллиграфическими каменными формами, плавающими наугад. Эти работы напоминали картины «Цветового поля» молодого поколения. Биограф Жак Дюпен так сказал о работах Миро начала 1960-х:
Эти холсты обнаруживают сходство - Миро ни в малейшей степени не пытается это отрицать - с исследованиями нового поколения художников. Многие из них, Джексон Поллок, например, признали свой долг перед Миро. Миро, в свою очередь, проявить живой интерес к их работе и никогда не упускает поощрить и поддержать их. Он также не считает ниже своего достоинства использовать их открытия в некоторых случаях.
Взяв пример с других европейских модернистов, таких как Жоан Миро, движение Цветового поля несколько десятилетий с середины 20-го века до начала 21-го века. Живопись Цветового поля на самом деле распространяется на три отдельных, но связанных поколения художников. Обычно используются термины для обозначения трех отдельных, но связанных групп: абстрактный экспрессионизм, пост-живописная абстракция и лирическая абстракция. Некоторые художники создавали работы всех трех эпох, относящиеся ко всем трем стилям. Пионеры Color Field, такие как Джексон Поллок, Марк Ротко, Клиффорд Стилл, Барнетт Ньюман, Адольф Готлиб, и Роберт Мазервелл в первую очередь считать абстрактными экспрессионистами. Такие художники, как Хелен Франкенталер, Сэм Фрэнсис, Ричард Дибенкорн, Жюль Олицки и Кеннет Ноланд, были чуть более молодое поколение, или в случае Морриса Луи эстетически соответствует точке зрения этого поколения; которые начинали как абстрактные экспрессионисты, но быстро перешли к пост-живописной абстракции. В то время как более молодые художники, такие как Фрэнк Стелла, Рональд Дэвис, Ларри Зокс, Ларри Пунс, Уолтер Дарби Бэннард, Ронни Лэндфилд, Дэн Кристенсен, начал с пост-живописной абстракции и в итоге продвинулся к новому типу экспрессионизма, известному как лирическая абстракция. Многие из упомянутых художников, как и многие другие, практиковали все три режима на том или ином этапе своей карьеры. На более поздних этапах рисования цветового поля; как отражение духа времени конца 1960-х (в котором все начало висеть на волоске) и тоски эпохи (со всеми неопределенностями того времени) слились с гештальтом -живописная живописная абстракция Пост., создавая Лирическую абстракцию, которая сочетает точность идиомы цветового поля с мелеришами абстрактных экспрессионистов. В тот же период конца 1960-х - начала 1970-х годов в Европе Герхард Рихтер, Ансельм Кифер и несколько других художников также начали создавать произведения интенсивной экспрессии, объединяя абстракцию с изображениями, включая пейзажные образы и фигурации, которые к концу 1970-х годов назывались неоэкспрессионизм.
Ниже представлен список художников Цветового поля, близких по родству художников и некоторых из их наиболее важных влияний. :
|
|
|
Художественный портал  | На Викискладе есть медиафайлы, связанные с Цветным полем картины. |
 | В Викицитатнике есть цитаты, связанные с: Цветовое поле |
