Неоклассицизм

редактировать
Западное культурное движение, вдохновленное Древней Грецией и Римом Психея, возрожденная поцелуем Купидона ; автор Антонио Канова ; 1787; мрамор; 155 см × 168 см; Лувр Чарльз Таунли в своей галерее скульптур; Иоганн Цоффани ; 1782; масло на холсте; высота: 127 см, ширина: 102 см; Художественная галерея и музей Таунли-Холла (Бернли, Великобритания)

Неоклассицизм (также пишется неоклассицизм ; от греческий νέος nèos, «новое» и греческое κλασικός klasikόs, «высшего ранга») было западным культурным движением в декоративном и изобразительном искусстве, литературе, театре, музыке и архитектура, вдохновленная искусством и культурой классической античности. Неоклассицизм зародился в Риме во многом благодаря трудам Иоганна Иоахима Винкельмана, во время повторного открытия Помпеи и Геркуланума, но его популярность распространилась по всей Европе, когда поколение европейских студентов-искусствоведов завершило Гранд-тур и вернулось из Италии в свои родные страны с вновь открытыми для себя греко-римскими идеалами. Основное неоклассическое движение совпало с эпохой Просвещения 18-го века и продолжалось до начала 19-го века, одновременно конкурируя с романтизмом. В архитектуре этот стиль продолжался на протяжении 19, 20 и вплоть до 21 века.

Европейский неоклассицизм в изобразительном искусстве начался ок. 1760 г. в противовес господствовавшему тогда стилю рококо. Архитектура рококо подчеркивает изящество, орнамент и асимметрию; Неоклассическая архитектура основана на принципах простоты и симметрии, которые считались достоинствами искусства Рима и Древней Греции, и были более непосредственно взяты из 16 века Ренессансный классицизм. Каждый «неоклассицизм» выбирает одни модели из диапазона возможных классических, которые ему доступны, и игнорирует другие. Писатели и ораторы неоклассицизма, меценаты и коллекционеры, художники и скульпторы 1765–1830 гг. Отдавали дань уважения идее поколения Фидия, но образцы скульптуры, которые они действительно приняли, скорее всего, были римскими копиями Эллинистические скульптуры. Они игнорировали как архаическое греческое искусство, так и произведения поздней античности. Искусство «рококо» древней Пальмиры явилось откровением благодаря гравюрам в «Руинах Пальмиры» Вуда. Даже Грецию почти никто не посещал, бурную заводь Османской империи, которую опасно исследовать, поэтому оценка греческой архитектуры неоклассиками была опосредована рисунками и гравюрами, которые слегка сглаживали и упорядочивали, «исправляли» и «реставрировали» памятники Греции, не всегда сознательно.

Ампир, вторая фаза неоклассицизма в архитектуре и декоративном искусстве, имел свой культурный центр в Париже в <297 году.>Наполеоновская эпоха.

Содержание
  • 1 История
  • 2 Живопись и эстамп
  • 3 Скульптура
  • 4 Архитектура и декоративное искусство
    • 4.1 Стиль Людовика XVI (1760-1789)
    • 4.2 Империя стиль (1804-1815)
  • 5 Сады
  • 6 Неоклассицизм и мода
  • 7 Поздний неоклассицизм
    • 7.1 В музыке
    • 7.2 Архитектура в России и Советском Союзе
    • 7.3 Архитектура в 21 веке
  • 8 См. Также
  • 9 Примечания
  • 10 Ссылки
  • 11 Дополнительная литература
  • 12 Внешние ссылки
История

Неоклассицизм - это возрождение многих стилей и духа классики Античность вдохновлена ​​непосредственно классическим периодом, который совпал и отразил развитие философии и других областей Эпохи Просвещения, и первоначально был реакцией на эксцессы предшествующего стиля рококо. Хотя движение часто описывается как противоположный аналог романтизма, это большое чрезмерное упрощение, которое, как правило, неэффективно, когда рассматриваются конкретные художники или произведения. Случай с предполагаемым главным поборником позднего неоклассицизма Энгра особенно хорошо демонстрирует это. Возрождение можно отнести к созданию формальной археологии.

Иоганна Иоахима Винкельмана, которого часто называют «отцом археологии»

Труды Иоганна Иоахима Винкельмана были важны в формируя это движение как в архитектуре, так и в изобразительном искусстве. Его книги «Мысли о подражании греческим произведениям в живописи и скульптуре» (1750 г.) и «Geschichte der Kunst des Alterthums» («История древнего искусства», 1764 г.) были первыми, в которых проводилось резкое различие между древнегреческим и римским искусством и определялись периоды греческого периода. искусство, прослеживая траекторию от роста к зрелости, а затем подражание или упадок, которое продолжает иметь влияние до наших дней. Винкельманн считал, что искусство должно стремиться к «благородной простоте и спокойному величию», и восхвалял идеализм греческого искусства, в котором, по его словам, мы находим «не только природу в ее самом прекрасном виде, но и нечто за ее пределами, а именно определенные идеальные формы ее красоты., которые, как учит нас древний толкователь Платона, происходят из образов, созданных одним только умом ". Эта теория была далеко не новой в западном искусстве, но его акцент на точном копировании греческих образцов был следующим: «Единственный способ для нас стать великими или, если это возможно, неподражаемым, - это подражать древним».

С появлением Гранд-тура началось увлечение коллекционированием древностей, которое заложило основы многих великих коллекций, распространяющих неоклассическое возрождение по всей Европе. «Неоклассицизм» в каждом искусстве подразумевает определенный канон «классической» модели.

В английском языке термин «неоклассицизм» используется в основном в отношении изобразительного искусства; подобное движение в английской литературе, начавшееся значительно раньше, называется литературой Августа. Это положение, которое доминировало в течение нескольких десятилетий, начало приходить в упадок к тому времени, когда неоклассицизм в изобразительном искусстве стал модным. Хотя термины различаются, ситуация во французской литературе была аналогичной. В музыке этот период ознаменовался подъемом классической музыки, а «неоклассицизм» используется событиями 20-го века. Однако оперы Кристофа Уиллибальда Глюка представляли специфически неоклассический подход, изложенный в его предисловии к опубликованной партитуре Alceste (1769), целью которой было реформирование оперы путем удаления орнамент, увеличивающий роль хора в соответствии с греческой трагедией и использующий более простые мелодические линии без украшений.

Антон Рафаэль Менгс ; Решение Парижа ; около 1757 г.; масло на холсте; высота 226 см, ширина 295 см. Купила Екатерина Великая в ателье; Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия)

Термин «неоклассический» был изобретен только в середине 19 века, и в то время стиль описывался такими терминами, как «истинный стиль», «реформирование» и «возрождение»; то, что считалось возрожденным, значительно варьировалось. Конечно, в нем были задействованы старинные модели, но этот стиль также можно было рассматривать как возрождение эпохи Возрождения, особенно во Франции, как возврат к более строгому и благородному барокко эпохи Людовика. XIV, по которому возникла значительная ностальгия, поскольку доминирующее военное и политическое положение Франции начало серьезное снижение. Коронационный портрет Наполеона, сделанный Энгра, даже позаимствован из поздней античности консульские диптихи и их каролингское возрождение, к неодобрению критиков.

Неоклассицизм был наиболее сильным в архитектуре, скульптуре и декоративном искусстве, где классические модели в той же среде были относительно многочисленными и доступными; примеры из древней живописи, которые продемонстрировали качества, которые письменность Винкельмана обнаружила в скульптуре, и которых не хватает. Винкельманн участвовал в распространении знаний о первых крупных римских картинах, обнаруженных в Помпеях и Геркулануме, и, как большинство современников, за исключением Гэвина Гамильтона, не был ими впечатлен, цитируя Плиния Младшего о закате живописи в его период.

Что касается живописи, греческая живопись была полностью утеряна: художники-неоклассики творчески возродили ее, частично через базарельеф фризы, мозаики и гончарную роспись, а частично через образцы живописи и декора Высокого Возрождения из Поколение Рафаэля, фрески Нерона Domus Aurea, Помпеи и Геркуланум, и через новое восхищение Николасом Пуссеном. Большая часть «неоклассической» живописи более классична по тематике, чем по чему-либо еще. Ожесточенный, но часто очень плохо информированный спор велся на протяжении десятилетий по поводу относительных достоинств греческого и римского искусства, причем Винкельманн и его коллеги-эллинисты, как правило, были на стороне победителя.

Живопись и гравюра
Взгляд на так называемый Храм Согласия с Храмом Сатурна, справа Арка Септимия Севера; Джованни Баттиста Пиранези ; 1760–1778; травление ; размер всего листа: 53,8 х 79,2 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

Трудно представить современному зрителю радикальный и захватывающий характер ранней неоклассической живописи; теперь он поражает даже тех писателей, которые благосклонно относились к нему, как «безвкусных» и «почти совершенно неинтересных для нас» - некоторые из комментариев Кеннета Кларка по поводу амбициозного Парнаса Антона Рафаэля Менгса Вилла Альбани, созданная художником, которого его друг Винкельманн назвал «величайшим художником самого себя и, возможно, более позднего времени». Рисунки, впоследствии преобразованные в гравюры, Джона Флаксмана использовали очень простой рисунок линий (считающийся самым чистым классическим средством) и фигуры в основном в профиль для изображения Одиссеи и другие предметы, которые когда-то «зажигали художественную молодежь Европы», но теперь «заброшены», в то время как картины из Анжелики Кауфман, в основном портретистки, описываются как имеющий "елейную мягкость и занудство" Фриц Новотны. Фривольность рококо и движение барокко были отброшены, но многие художники изо всех сил пытались поставить что-нибудь на их место, и в отсутствие древних образцов исторической живописи, кроме греческих ваз, используемых Флаксманом, Рафаэлем, как рекомендовал Винкельманн, как правило, использовался в качестве альтернативной модели.

Клятва Горациев ; автор Жак-Луи Давид ; 1784; масло на холсте; высота: 330 см, ширина: 425 см; Лувр Диана и Амур ; Помпео Батони ; 1761; масло на холсте; 124,5 х 172,7 см; Метрополитен-музей

Работы других художников, которых сложно назвать безвкусными, сочетают в себе аспекты романтизма с общим неоклассическим стилем и составляют часть истории обоих движений. Немецко-датский художник Асмус Якоб Карстенс закончил очень немногие из запланированных им крупных мифологических работ, оставив в основном рисунки и цветовые этюды, которые часто приближаются к предписанию Винкельмана о «благородной простоте и спокойном величии». В отличие от нереализованных планов Карстенса, офорты Джованни Баттиста Пиранези были многочисленны и приносили прибыль, и те, кто совершал Гранд-тур, отправились обратно во все части Европы. Его основной темой были здания и руины Рима, и его больше вдохновляла древность, чем современность. Несколько тревожная атмосфера многих его ведутов (взглядов) становится доминирующей в его серии из 16 гравюр Carceri d'Invenzione («Воображаемые тюрьмы»), чья «угнетающая циклопическая архитектура» передает «мечты о страхе и разочаровании». Родившийся в Швейцарии Иоганн Генрих Фюссли провел большую часть своей карьеры в Англии, и хотя его основной стиль был основан на неоклассических принципах, его сюжеты и трактовка чаще отражали «готический» стиль романтизма, и стремились вызвать драму и волнение.

Неоклассицизм в живописи приобрел новое направление с сенсационным успехом Жака-Луи Давида Клятвы Горациев на Парижском Салоне искусств. 1785. Несмотря на напоминание о республиканских добродетелях, это было поручение королевского правительства, которое Давид настоял на том, чтобы нарисовать его в Риме. Дэвиду удалось совместить идеалистический стиль с драматизмом и напористостью. Центральная перспектива перпендикулярна картинной плоскости, усиленная тусклой аркадой позади, на которой расположены героические фигуры, как на фризе , с намеком на искусственное освещение и постановку опера, и классический колорит Николая Пуссена. Давид быстро стал лидером французского искусства, а после Французской революции стал политиком с большим правительственным покровительством в искусстве. Ему удалось сохранить свое влияние в наполеоновский период, обратившись к откровенно пропагандистским работам, но ему пришлось покинуть Францию ​​в изгнании в Брюсселе в Реставрации Бурбона.

Среди многих учеников Давида Жан -Огюст-Доминик Энгр, который на протяжении всей своей долгой карьеры считал себя классиком, несмотря на зрелый стиль, имеющий двусмысленную связь с основным течением неоклассицизма, и многие более поздние отклонения в ориентализм и Стиль трубадуров, который трудно отличить от стиля его откровенно романтических современников, за исключением того, что в его работах всегда преобладает рисунок. Он выставлялся в Салоне более 60 лет, с 1802 года до начала импрессионизма, но его стиль, когда-то сформировавшийся, мало изменился.

Скульптура
Сравнение бюста богини Ромы в 1–2 веках нашей эры в Лувре ; и бюст, вырезанный примерно в 1821/1824 г. Бертелем Торвальдсеном из Национальной галереи искусств (Вашингтон, округ Колумбия )

Если неоклассическая живопись страдала от недостатка древних моделей, неоклассическая скульптура имела тенденцию страдать от их избытка, хотя примеров действительной греческой скульптуры «классического периода», начавшегося около 500 г. до н.э., тогда было очень мало; наиболее ценимыми произведениями были в основном римские копии. Ведущие скульпторы неоклассицизма пользовались огромной репутацией в свое время, но теперь их меньше уважают, за исключением Жана-Антуана Гудона, чьей работой были в основном портреты, очень часто бюсты, которые не жертвовали сильным впечатление от личности натурщика до идеализма. Его стиль стал более классическим по мере продолжения его долгой карьеры и представляет собой довольно плавный переход от очарования рококо к классическому достоинству. В отличие от некоторых неоклассических скульпторов, он не настаивал на том, чтобы его натурщики носили римскую одежду или были раздеты. Он изобразил большинство великих деятелей Просвещения и отправился в Америку, чтобы изготовить статую Джорджа Вашингтона, а также бюсты Томаса Джефферсона, Бена Франклина и другие светила новой республики.

Антонио Канова и датчанин Бертель Торвальдсен оба базировались в Риме, и наряду с портретами создавали множество амбициозных фигур и групп в натуральную величину; оба представляли сильную идеализирующую тенденцию в неоклассической скульптуре. Канова отличается легкостью и грацией, а Торвальдсен более суров; это различие проиллюстрировано в соответствующих группах Трех граций. Все они, а также Флаксман, все еще были активны в 1820-х годах, и романтизм медленно влиял на скульптуру, где версии неоклассицизма оставались доминирующим стилем на протяжении большей части 19 века.

Ранним неоклассиком в скульптуре был швед Йохан Тобиас Сергель. Джон Флаксман был также, или в основном, скульптором, в основном создававшим строго классические рельефы, сопоставимые в стиль к его принтам; он также проектировал и моделировал неоклассическую керамику для Джозайи Веджвуда в течение нескольких лет. Иоганн Готфрид Шадов и его сын Рудольф, один из немногих неоклассических скульпторов, умерших молодыми, были ведущими немецкими художниками с Францем Антоном фон Заунером в Австрии. Австрийский скульптор в стиле позднего барокко Франц Ксавер Мессершмидт обратился к неоклассицизму в середине своей карьеры, незадолго до того, как он, похоже, пережил какой-то психический кризис, после чего он удалился в страну и посвятил себя весьма самобытному " "головы персонажей" лысых фигур с экстремальными выражениями лиц. Подобно Карчери Пиранези, к ним возродился интерес в эпоху психоанализа начала 20 века. Голландский скульптор неоклассицизма Матье Кессельс учился у Торвальдсена и работал почти исключительно в Риме.

Поскольку до 1830-х годов в Соединенных Штатах не было своей собственной скульптурной традиции, за исключением областей надгробий, флюгеров и носовых фигур кораблей, там была принята европейская неоклассическая манера, и она должна была преобладать на протяжении десятилетий и проиллюстрирован в скульптурах Горацио Гриноу, Харриет Хосмер, Хирама Пауэрса, Рэндольфа Роджерса и Уильяма Генри. Райнхарт.

Architectur е и декоративное искусство
стиль Адама, интерьер Syon House в Лондоне, разработанный Робертом Адамом в 1760-е годы «этрусский комната », из Потсдама (Германия), иллюстрация примерно в 1840 году

Неоклассическое искусство было традиционным и новым, историческим и современным, консервативным и прогрессивным одновременно.

Неоклассицизм впервые приобрел влияние в Англии и Франции благодаря поколению французских студентов-искусствоведов, обучавшихся в Риме под влиянием произведений Винкельмана, и быстро был принят прогрессивными кругами в других странах, таких как Швеция, Польша и Россия. Сначала классический декор был перенесен на знакомые европейские формы, как, например, в интерьерах для возлюбленной Екатерины II, графа Орлова, спроектированных итальянским архитектором с командой итальянцев stuccadori : только отдельные овальные медальоны, похожие на камеи, и барельеф открытая дверь намекают на неоклассицизм; Меблировка полностью итальянского рококо.

Вторая неоклассическая волна, более серьезная, более изученная (посредством гравюр ) и более сознательно археологическая, связана с расцветом Наполеоновской империи. Во Франции первая фаза неоклассицизма выражалась в «стиле Людовика XVI», а вторая - в стилях, называемых «Директория» или ампир. Стиль рококо оставался популярным в Италии до тех пор, пока наполеоновские режимы не принесли новый археологический классицизм, который был воспринят как политическое заявление молодыми, прогрессивными городскими итальянцами с республиканскими наклонностями.

В декоративном искусстве примером неоклассицизма служит неоклассицизм. Мебель в стиле ампир производства Парижа, Лондона, Нью-Йорка, Берлина; в бидермейер мебель австрийского производства; в музеях Карла Фридриха Шинкеля в Берлине, в Банке Англии сэра Джона Соуна в Лондоне и в недавно построенном «Капитолии в Вашингтоне, округ Колумбия; и в Веджвуда барельефы и «черные базальты» вазы. Стиль был интернациональным; Шотландский архитектор Чарльз Камерон создал роскошные интерьеры в итальянском стиле для уроженки Германии Екатерины II Великой в русском Санкт-Петербурге.

Внутри помещения неоклассицизм открыл подлинный классический интерьер, вдохновленный повторными открытиями в Помпеи и Геркулануме. Они начались в конце 1740-х годов, но получили широкую аудиторию только в 1760-х, с первыми роскошными томами строго контролируемого распространения Le Antichità di Ercolano (Древности Геркуланума). Древности Геркуланума показали, что даже самые классические интерьеры барокко или самые «римские» комнаты Уильяма Кента были основаны на базилике и храм внешняя архитектура обращена вовнутрь, отсюда их часто пафосный вид для современных глаз: фронтонные оконные рамы, превращенные в позолоченные зеркала, камины, увенчанные фасадами храмов. Новые интерьеры стремились воссоздать подлинно римский и подлинно интерьерный словарь.

Приемы, использованные в этом стиле, включали более плоские, более светлые мотивы, вылепленные на низком фризе -подобный рельеф или окрашенные в монотоны en camaïeu («похожие на камеи»), изолированные медальоны, вазы, бюсты, или букрания, или другие мотивы, подвешенные на лавровых ленточках или ленточках, с тонкими арабесками на фоне, возможно, «помпейского красного» или бледных оттенков, или цветов камня. Стиль во Франции изначально был парижским, Goût grec («греческий стиль»), а не придворным стилем; когда Людовик XVI вступил на престол в 1774 году, Мария-Антуанетта, его любящая мода королева, принесла на суд стиль «Людовика XVI». Однако реальных попыток использовать основные формы римской мебели не было примерно до начала века, и мебельщики с большей вероятностью заимствовали из древней архитектуры, так же как мастера по серебру чаще брали из древней керамики и камня. резьба, а не изделия из металла: «Дизайнеры и мастера... похоже, получали почти извращенное удовольствие от переноса мотивов из одной среды в другую».

Château de Malmaison, 1800, комната для Императрицы Жозефины, на стыке стиля Директория и стиля ампир

Примерно с 1800 г. свежий приток греческих архитектурных образцов, замеченных через офорты и гравюры, дал новый импульс неоклассицизму., греческое возрождение. В то же время ампир был более грандиозной волной неоклассицизма в архитектуре и декоративном искусстве. Основанный в основном на имперских римских стилях, он возник и получил свое название от правления Наполеона в Первой Французской империи, где он был предназначен для идеализации руководства Наполеона и французов. государство. Стиль соответствует более буржуазному бидермейерскому стилю в немецкоязычных странах, федеральному стилю в Соединенных Штатах, регентскому стилю в Великобритании и наполеоновскому стилю. стиль в Швеции. Согласно историку искусства Хью Хонор, «Империя настолько далека от того, чтобы быть, как иногда предполагают, кульминацией неоклассического движения, она знаменует свой быстрый упадок и превращение снова в простое античное возрождение, лишенное все возвышенные идеи и сила убеждения, которые вдохновили его шедевры ». Более ранняя фаза этого стиля называлась стилем Адама в Великобритании и «Людовиком Сезе», или Людовиком XVI, во Франции.

Неоклассицизм продолжал оставаться главной силой в академическом искусстве в течение 19 века и далее - постоянная противоположность романтизму или готическому возрождению -, хотя с конца 19-го века во влиятельных критических кругах его часто считали антисовременным или даже реакционным. Центры нескольких европейских городов, в частности, Св. Петербург и Мюнхен стали больше походить на музеи неоклассической архитектуры.

Готическая архитектура возрождения (часто связанная с романтическим культурным движением), стиль, зародившийся в 18 веке, который набирал популярность на протяжении всего 19 века, контрастировал с неоклассицизмом. В то время как неоклассицизм характеризовался стилями, геометрическими линиями и порядком, находящимися под влиянием греков и римлян, в архитектуре готического возрождения упор делался на средневековые здания, которые часто имели деревенский, «романтический» вид.

Стиль Людовика XVI (1760-1789)

Парижский дворец, построенный в 1770 году

Он отмечает переход от рококо к классицизму. В отличие от классицизма Людовика XIV, который превращал орнаменты в символы, стиль Людовика XVI представляет их максимально реалистично и естественно, т.е. лавровые ветви действительно являются лавровыми ветвями, розы - такими же и т. Д. Один из главных декоративных принципов - симметрия. В интерьере использованы очень яркие цвета, в том числе белый, светло-серый, ярко-синий, розовый, желтый, очень светлый лиловый и золотой. Избегают излишков орнамента. Возвращение к древности является синонимом, прежде всего, возврата к прямым линиям: строгие вертикали и горизонтали были в порядке вещей. Змеиные больше не допускались, за исключением случайных полукругов или овалов. Внутренний декор также удостоился этого вкуса к строгости, в результате чего плоские поверхности и прямые углы вернулись в моду. Орнамент использовался для смягчения этой строгости, но он никогда не мешал основным линиям и всегда располагался симметрично вокруг центральной оси. Несмотря на это, ébénistes часто наклоняли передние углы, чтобы избежать чрезмерной жесткости.

Декоративные мотивы стиля Людовика XVI были вдохновлены античностью, стилем Людовика XIV и природа. Характерные элементы стиля: чеканные диски, гильоше, двойные бантики, дымящиеся жаровни, линейные повторения мелких мотивов (розетки, бусины, овес), трофей или цветочные медальоны, свисающие с завязанной ленты, акант лист, гадрун, переплетение, меандры, рога изобилия, маскароны, древние урны, треноги, горелки для духов, дельфины, головы барана и льва, химеры и грифоны. Также очень часто используются греко-римские архитектурные мотивы: канавки, пилястры (рифленые и без канавок), рифленые балясины (витые и прямые), колонны (задействованы и не задействованы, иногда заменяются кариатидами ), volute corbels, триглифами с guttae ( в рельефе и trompe-l'oeil ).

стиль ампир (1804-1815)

Château de Compiègne, королевская резиденция, построенная для Людовика XV и восстановленная Наполеоном

. новое французское общество, вышедшее из революции, задавшей тон во всех сферах жизни, включая искусство. В этот период была изобретена жаккардовая машина (которая произвела революцию во всей швейной системе, до тех пор ручной). Один из доминирующих цветов - красный, украшенный позолоченной бронзой. Используются также яркие цвета: белый, крем, фиолетовый, коричневый, голубой, темно-красный, с небольшими орнаментами из позолоченной бронзы. Архитектура интерьера - деревянные панно, украшенные позолоченными рельефами (на белом или цветном фоне). Мотивы размещены геометрически. Стены оклеены штукатуркой, обоями пр-ткани. камины сделаны из белого мрамора с кариатидами по углам или другими элементами: обелисками, сфинксами, крылатыми львами и скоро. На их крышках размещались бронзовые предметы, в том числе каминные часы. Двери состоят из простых прямоугольных панелей, украшенных центральной фигурой в стиле Помпеи. Ткани в стиле ампир - это дамаски с голубым или коричневым фоном, атлас с зеленым, розовым или пурпурным фоном, бархат тех же цветов, броши, прошитые золотом или серебром, хлопчатобумажные ткани. Все они использовались в интерьерах для штор, для обивки определенной мебели, для подушек или обивки (пена также используется для обивки).

Все орнаменты в стиле ампир подчиняются строгому духу симметрии, напоминающему Стиль Людовика XIV. Как правило, мотивы на правой и левой сторонах изделия соответствуют друг другу во всех деталях; в противном случае отдельные мотивы сами по себе полностью симметричны по композиции: старинные головы с одинаковыми локонами, падающими на каждое плечо, фронтальные фигуры Победы с симметрично расположенными туниками, одинаковые розетки или лебеди, обрамляющие пластину замка, и т. д. Подобно Людовику XIV, Наполеон имел набор эмблем, безошибочно связанных с его правлением, в первую очередь орел, пчелу, звезды и инициалы I (для Императора) и N (для Наполеона), которые обычно вписывались в императорскую лавровую корону. Использованные мотивы включают: фигуры Победы с пальмовыми ветвями, греческих танцоров, обнаженных и драпированных женщин, фигурки античных колесниц, крылатых путти, маскаронов из Аполлон, Гермес и Горгона, лебеди, львы, головы быков, лошади и звери, бабочки, когти, крылатые химеры, сфинксы, букрания, морские коньки, дубовые венки, завязанные тонкими висящими лентами, вьющиеся виноградные лозы, мак рисо, розетки, пальмовые ветви, и лавр. Греко-римских много: жесткие и плоские листья аканта, пальметты, рога изобилия, бусины, амфоры, треноги, черепные. диски, кадуцеи из Меркурия, вазы, шлемы, горящие факелы, крылатые трубачи и старинные музыкальные инструменты (тубы, погремушки и особенно лиры ). Несмотря на их античное происхождение, триглифы флютинг и , столь распространенные при Людовике XVI, были заброшены. мотивы египетского возрождения особенно распространены в начале периода: скарабеи, лотосы капители, крылатые диски, обелиски, пирамиды, фигуры в врагах, кариатидах en Gaine, поддерживаемых босыми ногами и с женскими египетскими головными уборами.

Сады

В Англии литература Августа имела прямую параллель с августовским стилем ландшафтного дизайна. Ссылки хорошо видны в работе Александра Поупа. Лучшими сохранившимися примерами английских садов в неоклассическом стиле являются Chiswick House, Stowe House и Stourhead.

Неоклассицизм и мода
Революционная светская львица Тереза ​​Таллиен Портрет 1809 года

В моде неоклассицизм повлиял на гораздо большую простоту женских платьев и на долговременную моду на белое, задолго до Французской революции, но только после этого последовательные попытки подражать во Франции вошли в моду старинные стили, по крайней мере, для женщин. Классические костюмы издавна носили модные дамы, изображавшие на портрете фигуры из греческих или римских мифов (в частности, таких портретов молодой модели Эммы, леди Гамильтон 1780-х годов было множество), но такие костюмы носили только для портретного сидения и маскарадных балов до революционного периода и, возможно, как и другие экзотические стили, как раздеваться дома. Но стили, которые носили портреты Жюльетт Рекамье, Жозефины Богарне, Терезы Тальен и других парижских законодателей моды, также были предназначены для публичных выходов. Увидев мадам Тальен в опере, Талейран пошутил, что: «Il n'est pas possible de s'exposer plus somptueusement!» («Пышнее раздеться невозможно»). В 1788 году, незадолго до революции, придворный портретист Луиза Элизабет Виже Лебрен устроила греческий ужин, на котором дамы были одеты в простые белые греческие туники. Более короткие классические прически, по возможности с завитками, были менее спорными и получили широкое распространение, а волосы теперь были открыты даже на открытом воздухе; За исключением вечернего платья, чепчики или другие покрывала обычно носили даже в помещении раньше. Вместо этого для завязывания или украшения волос использовались тонкие ленты или филе в греческом стиле.

Очень легкие и свободные платья, обычно белые и часто с потрясающе обнаженными руками, резко поднимались от щиколотки до чуть ниже корсажа, где был сильно подчеркнут тонкий подол или завязка вокруг тела, часто в другом цвет. Форма теперь часто известна как силуэт Империи, хотя она предшествовала Первой Французской Империи Наполеона, но его первая Императрица Жозефина Богарне оказала влияние на ее распространение по Европе. Длинная прямоугольная шаль или накидка, очень часто простая красная, но с украшенной каймой на портретах, помогала в холодную погоду и, очевидно, укладывалась вокруг живота, когда он сидел, - для чего предпочитали распростертые полулежаящие позы. К началу XIX века такие стили широко распространились по Европе.

Неоклассическая мода для мужчин была гораздо более проблематичной и никогда не пользовалась успехом, кроме как прически, где она играла важную роль в более коротких стилях, которые, наконец, привели к использованию париков, а затем и белой пудры для волос, для молодых мужчин. Брюки были символом варвара для греков и римлян, но за пределами мастерской художника или, особенно, скульптора, немногие люди были готовы отказаться от него. В самом деле, в этот период произошло торжество чистых брюк, или pantaloon, над каллотами или бриджами Ancien Régime. Даже когда Давид разработал новый французский «национальный костюм» по просьбе правительства во время пика революционного энтузиазма по поводу изменения всего в 1792 году, он включал довольно узкие леггинсы под пальто, доходившим до колен. Большая часть обеспеченных молодых людей провела большую часть ключевого периода на военной службе из-за Французских революционных войн и военной формы, которая стала подчеркивать короткие передние куртки, полный вид обтягивающих брюк, которые часто носили в свободное от службы время, и оказали влияние на циливский мужской стиль.

Проблема брюк была признана художниками препятствием для создания современных исторических картин ; как и другие элементы современной одежды, многие художники и критики считали их безобразно уродливыми и негероическими. Были использованы различные стратегии, чтобы избежать их изображения в современных сценах. В Джеймс Докинз и Роберт Вуд Обнаружение руин Пальмиры (1758) Гэвином Гамильтоном, два джентльмена-антиквара показаны в тога - арабские одежды. В Ватсон и Акула (1778) Джона Синглтона Копли, основная фигура вполне могла быть изображена обнаженной, а композиция такова, что из восьми других изображенных мужчин изображен только один. одна штанга заметно выделялась. Однако американцы Копли и Бенджамин Уэст возглавили художников, которые успешно показали, что брюки можно использовать в героических сценах, с такими работами, как Уэста «Смерть генерала Вульфа (1770) и Копли.>Смерть майора Пирсона, 6 января 1781 г. (1783 г.), хотя брюки все еще тщательно избегались в Плоте Медузы, завершенном в 1819 году.

Классический стиль мужские прически включали Bedford Crop, возможно, предшественник большинства простых современных мужских стилей, который был изобретен радикальным политиком Фрэнсисом Расселом, 5-м герцогом Бедфорд в знак протеста против налог на пудру для волос ; он призвал своих друзей принять его, поспорив, что они этого не сделают. Другой влиятельный стиль (или группа стилей) был назван французами «à la Titus» в честь Тита Юния Брута (на самом деле не римского императора Тита, как часто предполагалось), с волосами короткие и многослойные, но несколько нагроможденные на макушке, часто со сдержанными челками или свисающими прядями; варианты известны по волосам и Наполеона, и Георга IV Англии. Предполагалось, что этот стиль был введен актером Франсуа-Жозефом Тальмой, который отодвинул на второй план своих со-актеров в париках, появляясь в таких работах, как Вольтер Брут. (около Луций Юний Брут, который приказывает казнить своего сына Тита). В 1799 году парижский модный журнал сообщил, что даже лысые мужчины носили парики Titus, и этот стиль носили и женщины: Journal de Paris в 1802 году сообщал, что «более половины элегантных женщин носили свои волосы. или парик à la Titus.

Поздний неоклассицизм
Западное здание (1941) из Национальная художественная галерея в Вашингтоне Здание из Бухареста (Румыния ), 1906-1914 гг., Построено по проекту архитектора во французском неоклассическом стиле. стиль

В американской архитектуре неоклассицизм был одним из проявлений Движение американского Возрождения, ок. 1890–1917; его последнее проявление было в архитектуре Beaux-Arts, а его последними крупными общественными проектами были Мемориал Линкольна (подвергшийся резкой критике в то время), Национальная галерея искусств в Вашингтоне, округ Колумбия (также подвергается резкой критике со стороны архитектурного сообщества как отсталое и старомодное в своем дизайне), и Мемориал Рузвельта в Американском музее естественной истории. Когда они были закончены, они считались стилистическими анахронизмами. В период британского правления сэр Эдвин Лютьенс 'монументальное планирование города Нью-Дели знаменует собой славный закат неоклассицизма. Вторая мировая война должна была разрушить самые страстные ожидания мифических и героических времен (и имитирующие их).

Консервативные модернистские архитекторы, такие как Огюст Перре во Франции, сохраняли ритмы и интервалы столбчатой ​​архитектуры даже в заводских зданиях. Если колоннада была бы названа «реакционной», то пилястра -подобные рифленые панели здания под повторяющимся фризом выглядели «прогрессивно». ". Пабло Пикассо экспериментировал с классическими мотивами сразу после Первой мировой войны, а также с стилем ар-деко, который проявился после Парижской выставки искусств 1925 года. Décoratifs, часто обращались к неоклассическим мотивам, не выражая их открыто: суровые, блочные комоды от Э.-Ж. Рульманн или Сюэ и Маре ; четкие, крайне барельефы с изображениями дев и газелей во всех средах; модные платья с драпировкой или косым вырезом, воссоздающие греческие линии; художественный танец Айседоры Дункан ; Streamline Moderne стиль почтовых отделений США и зданий окружных судов, построенных еще в 1950 году; и десять центов Рузвельта.

. В 20 веке в искусстве существовало движение, которое также называлось неоклассицизмом. Он охватывал как минимум музыку, философию и литературу. Это было между окончанием Первой мировой войны и концом Второй мировой войны. (Для получения информации о музыкальных аспектах см. Классическая музыка 20-го века и Неоклассицизм в музыке. Для получения информации о философских аспектах см. Великие книги.)

Это литературное неоклассическое движение отвергало крайний романтизм (например) дада в пользу сдержанности, религии (особенно христианства) и реакционной политической программы. Хотя основы этого движения в английской литературе были заложены Т. Э. Халм, самыми известными неоклассиками были Т. С. Элиот и Уиндем Льюис. В России движение кристаллизовалось еще в 1910 году под названием акмеизм с ведущими представителями Анна Ахматова и Осип Мандельштам.

В музыке

Неоклассицизм в музыке - движение 20-го века; в данном случае возродились классические и барочные музыкальные стили XVII и XVIII веков с их любовью к греческой и римской тематике, а не музыка античных времен. сам мир. (Начало 20-го века еще не отличало период барокко в музыке, на котором в основном опирались неоклассические композиторы, от того, что мы сейчас называем классическим периодом.) Это движение было реакцией в первой половине 20-го века на распадающийся хроматизм поздний романтизм и импрессионизм, возникшие параллельно с музыкальным модернизмом, который стремился полностью отказаться от ключевой тональности. В нем проявлялось стремление к чистоте и простоте стиля, что позволяло довольно диссонирующе перефразировать классические процедуры, но стремилось сдуть паутину романтизма и мерцающие отблески импрессионизма в пользу смелых ритмов, напористой гармонии. и четкие секционные формы, совпадающие с модой на реконструированные "классические" танцы и костюм в балете и физкультуре.

Танцевальная сюита 17-18 веков имела небольшое возрождение до Первая мировая война, но неоклассики были не совсем довольны неизменным диатонизмом и имели тенденцию подчеркивать яркий диссонанс подвесов и орнаментов, угловатые качества модальной гармонии 17-го века и энергичные линии произвольного письма. Древние арии и танцы Респиги (1917) проложили путь к звуку, к которому стремились неоклассики. Хотя практика заимствования музыкальных стилей из прошлого не была редкостью на протяжении всей истории музыки, музыкальное искусство пережило периоды, когда музыканты использовали современные техники в сочетании со старыми формами или гармониями для создания новых видов произведений. Примечательными композиционными характеристиками являются: отсылка к диатонической тональности, общепринятым формам (танцевальные сюиты, концерти гросси, сонатные формы и т. Д.), Идея абсолютной музыки, не скованная описательными или эмоциональными ассоциациями, использование легких музыкальных текстур и лаконичность музыкального выражения.. В классической музыке это особенно заметно между 1920-ми и 1950-ми годами. Игорь Стравинский - самый известный композитор, использующий этот стиль; он фактически начал музыкальную революцию своим баховским октетом для духовых инструментов (1923). Особое индивидуальное произведение, которое хорошо представляет этот стиль, - это Прокофьев Классическая симфония No. 1 в D, что напоминает симфонический стиль Гайдна или Моцарта. Неоклассический балет, изобретенный Джорджем Баланчиным, убрал загромождение русского императорского стиля с точки зрения костюма, шагов и повествования, а также внесло технические новшества.

Архитектура в России и Советском Союзе

Останкинский дворец, спроектированный Франческо Кампореси и завершенный в 1798 году в Москве, Россия

В 1905–1914 годах Русская архитектура прошел через короткий, но влиятельный период неоклассического возрождения ; Эта тенденция началась с воссоздания стиля ампир александринового периода и быстро расширилась до разнообразия неоренессансных, палладианских и модернизированных, но узнаваемых классических школ. Во главе их стояли архитекторы 1870-х годов, достигшие творческого пика перед Первой мировой войной, такие как Иван Фомин, Владимир Щуко и Иван Жолтовский. Когда в 1920-х годах экономика восстановилась, эти архитекторы и их последователи продолжали работать в основном в модернистской среде; одни (Жолтовский) строго следовали классическому канону, другие (Фомин, Щуко, Илья Голосов ) разработали свои модернизированные стили.

С подавлением независимости архитекторов и официальным отрицанием модернизма (1932), продемонстрированный международным конкурсом на Дворец Советов, неоклассицизм был мгновенно продвинут как один из вариантов сталинской архитектуры, хотя и не единственный. Он сосуществовал с умеренно модернистской архитектурой Бориса Иофана, граничащей с современным Art Deco (Щуко); опять же, чистейшие образцы стиля были произведены школой Жолтовского, остававшейся изолированным явлением. Политическое вмешательство было катастрофой для конструктивистских лидеров, но было искренне встречено архитекторами классических школ.

Неоклассицизм был легким выбором для СССР, поскольку он не опирался на современные строительные технологии (стальной каркас или железобетон ) и мог быть воспроизведен в традиционном кладка. Таким образом, проекты Жолтовского, Фомина и других старых мастеров легко тиражировались в отдаленных городах при строгом материальном нормировании. Совершенствование технологии строительства после Второй мировой войны позволило сталинистским архитекторам заняться строительством небоскребов, хотя стилистически эти небоскребы (включая «экспортную» архитектуру Дворца культуры и науки, Варшавы и Shanghai International Convention Center) мало общего с классическими моделями. Неоклассицизм и неоренессанс сохранялись в менее требовательных жилых и офисных проектах до 1955 года, когда Никита Хрущев положил конец дорогой сталинской архитектуре.

Архитектура 21 века

Симфонический центр Шермерхорна, 2006 г.

После затишья в период господства современной архитектуры (примерно после Второй мировой войны до середины 1980-х годов), неоклассицизм видел что-то вроде возрождения.

Начиная с первого десятилетия 21 века, современная неоклассическая архитектура обычно классифицируется под общим термином Новая классическая архитектура. Иногда его также называют неоисторизмом или традиционализмом. Кроме того, ряд произведений постмодернистской архитектуры черпают вдохновение и включают явные ссылки на неоклассицизм, район Антигона и Национальный театр Каталонии в Барселоне. среди них. Постмодернистская архитектура иногда включает исторические элементы, такие как колонны, капители или тимпан.

Для искренней архитектуры традиционного стиля, которая придерживается региональной архитектуры, материалов и мастерства, в основном используется термин Традиционная архитектура (или наречия). Архитектурная премия Дрихауса присуждается основным участникам в области традиционной или классической архитектуры 21-го века, и ее денежный приз вдвое выше, чем у модернистской Притцкеровской премии.

В США различные современные общественные здания построены в неоклассическом стиле, например, Симфонический центр Шермерхорна 2006 года в Нэшвилле.

В Британии многие архитекторы работают в неоклассическом стиле. Примеры их работы включают в себя две университетские библиотеки: Библиотека Мейтленда Робинсона Куинлана Терри в Даунинг-Колледже и Библиотека Саклера.

Роберта Адама Аркчитса.

См. Также
Заметки
Ссылки
  • Кларк, Кеннет, Романтическое восстание: романтическое против классического искусства, 1976, Omega. ISBN 0-86007-718-7.
  • Хонор, Хью, неоклассицизм. Стиль и цивилизация 1968 (переиздано 1977), Пингвин
  • Гонтар, Кибела, «Неоклассицизм», Хейлбрунн Хронология истории искусств. Нью-Йорк: Музей Метрополитен, 2000– онлайн
  • Хант, Линн, «Свобода одежды в революционной Франции», в «От королевской власти к республиканцам: включение политического в семнадцатый и восемнадцатый века». Франция, Редакторы: Сара Э. Мельцер, Кэтрин Норберг, 1998, University of California Press, 1998, ISBN 0520208072, 9780520208070
  • Фриц Новотны, Живопись и скульптура в Европе, 1780–1880 гг., 2-е издание (переиздано в 1980 г.).
  • Рифель, Кэрол Де Добэй, Прически: волосы в французской литературе и культуре XIX века, 2010, University of Delaware Press, ISBN 0874130999, 9780874130997, Google Книги
Дополнительная литература
  • Браун, Кевин (2017). Художник и меценаты: придворное искусство и революция в Брюсселе в конце старого режима, Dutch Crossing, Тейлор и Фрэнсис
  • Эриксен, Свенд. Ранний неоклассицизм во Франции (1974)
  • Фридлендер, Вальтер (1952). От Давида до Делакруа (первоначально опубликовано на немецком языке; переиздано в 1980 г.)
  • Громорт, Жорж, с вводным эссе Ричарда Сэммонса (2001). Элементы классической архитектуры (Серия «Классическая Америка в искусстве и архитектуре»)
  • Харрисон, Чарльз; Пол Вуд и Джейсон Гайгер (редакторы) (2000; копия 2003). Искусство в теории 1648–1815: Антология меняющихся идей
  • Хартоп, Кристофер, с предисловием Тима Нокса (2010). Классический идеал: английское серебро, 1760–1840, exh. кошка. Кембридж: Джон Адамсон ISBN 978-0-9524322-9-6
  • Ирвин, Дэвид (1966). Английское неоклассическое искусство: исследования вдохновения и вкуса
  • Джонсон, Джеймс Уильям. «Что такое неоклассицизм?» Журнал британских исследований, т. 9, вып. 1. 1969. С. 49–70. онлайн
  • Роберт Розенблюм (1967). Трансформации в искусстве конца восемнадцатого века
Внешние ссылки
На Викискладе есть материалы, связанные с неоклассицизмом.
Последняя правка сделана 2021-05-31 14:27:17
Содержание доступно по лицензии CC BY-SA 3.0 (если не указано иное).
Обратная связь: support@alphapedia.ru
Соглашение
О проекте