Войти
| Музыка барокко | |
|---|---|
 Клавесин с двойным ручным управлением Виталия Джулиана Фрея, по мотивам Жана -Клод Гужон (1749) | |
| Культурное происхождение | 16–17 века, Европа |
| Другие темы | |
| Инструменты барокко | |
Музыка барокко (UK : или US : ) - период или стиль западной художественной музыки, составленный примерно с 1600 по 1750 год. Эта эпоха последовала за эпохой музыки Возрождения в свою очередь, классической эпохой, с галантным стилем, знаменующим переход между барокко и классикой. Период барокко делится на три основных этапа: ранний, средний и поздний. Перекрываясь во времени, они условно датируются периодом с 1580 по 1650 год, с 1630 по 1700 год и с 1680 по 1750 год. Музыка барокко составляет основную часть «классической музыки » канона, и сейчас его широко изучают, исполняют и слушают. Термин «барокко » происходит от португальского слова barroco, означающего «жемчужина неправильной формы ». Ключевые композиторы эпохи барокко: Иоганн Себастьян Бах, Антонио Вивальди, Джордж Фридрих Гендель, Клаудио Монтеверди, Доменико Скарлатти, Алессандро Скарлатти, Генри Перселл, Георг Филипп Телеман, Жан-Батист Люлли, Жан-Филипп Рамо, Марк-Антуан Шарпантье, Арканджело Корелли, Франсуа Куперен, Джузеппе Тартини, Генрих Шютц, Дитерих Букстехуде и другие.
В период барокко возникла общепринятая практика тональность, подход к написанию музыки, при котором песня или отрывок написаны в определенной тональности . ; этот тип гармонии по-прежнему широко используется в западной классической и популярной музыке. В эпоху барокко профессиональные музыканты должны были стать опытными импровизаторами как сольных мелодических линий, так и аккомпанементных партий. Концерты в стиле барокко обычно сопровождались группой бассо континуо (состоящей из аккордовых инструменталистов, таких как клавесинистов и лютнистов, импровизирующих аккорды из фигурного баса ), а группа басовых инструментов - виолончель, виолончель, контрабас - играла басовую линию. Характерной формой барокко была танцевальная сюита . В то время как пьесы в танцевальной сюите были вдохновлены настоящей танцевальной музыкой, танцевальные сюиты были разработаны исключительно для прослушивания, а не для сопровождения танцоров.
В течение этого периода композиторы экспериментировали с поиском более полного звука для каждой инструментальной партии (таким образом создавая оркестр), внесли изменения в нотную запись (развитие фигурного баса как быстрого способа обозначить аккорд прогрессии песни или пьесы) и разработали новые инструментальные техники игры. Музыка барокко расширила размер, диапазон и сложность инструментального исполнения, а также установила смешанные вокально-инструментальные формы оперы, кантаты и оратории и инструментальной формы сольного концерта и сонаты как музыкальные жанры. Плотная, сложная полифоническая музыка, в которой одновременно исполнялись несколько независимых мелодических линий (популярный пример - фуга ), была важной частью многих хоровых и инструментальных произведений в стиле барокко. В целом музыка барокко была средством выражения и общения.
Иоганн Себастьян Бах, 1748 Термин «барокко» обычно используется историками музыки для описания широкого диапазона стилей из обширного географического региона, в основном в Европе, созданных за период примерно 150 лет. Хотя долгое время считалось, что это слово как критический термин впервые было применено к архитектуре, на самом деле оно появилось раньше в отношении музыки, в анонимном сатирическом обзоре премьеры в октябре 1733 года «Ипполита и Ариси» Рамо, напечатанного в Mercure. де Франс в мае 1734 года. Критик намекал, что новинка в этой опере - это «дю барок», жалуясь на то, что в музыке отсутствует связная мелодия, она наполнена непрекращающимися диссонансами, постоянно меняет тональность и размер и быстро проходит через все композиционные приемы. 955>Жан-Жак Руссо, который был музыкантом и композитором, а также философом, писал в 1768 году в Энциклопедии : «Музыка барокко - это музыка, в которой гармония смешана и наполнена модуляциями. и диссонансы. Пение резкое и неестественное, интонация трудная, а движения ограничены. Судя по всему, этот термин происходит от слова «бароко», используемого логиками ». Руссо имел в виду философский термин бароко, используемый с 13 века для описания типа тщательно продуманной и, для некоторых, излишне сложной академической аргументации.
Систематическое применение историками Термин «барокко» в музыке этого периода появился сравнительно недавно. В 1919 году Курт Сакс стал первым, кто систематически применил к музыке пять характеристик теории барокко Генриха Вельфлина. Критики поспешили подвергнуть сомнению попытку перенести категории Вельфлина в музыку, и во второй четверти 20-го века независимые попытки были предприняты Манфредом Букофцером (в Германии и после его иммиграции в Америке) и Сюзанн Клеркс-Лежен (в Бельгии) - использовать автономный технический анализ, а не сравнительные абстракции, чтобы избежать адаптации теорий, основанных на пластическом искусстве и литературе, к музыке. Все эти усилия привели к заметным разногласиям по поводу временных границ периода, особенно относительно того, когда он начался. В английском языке этот термин приобрел популярность только в 1940-х годах, в трудах Букофцера и Пола Генри Ланга.
. Еще в 1960 году в академических кругах, особенно во Франции и Великобритании, продолжались серьезные споры о том, имеет ли он смысл. объединить музыку столь же разнообразную, как музыка Якопо Пери, Доменико Скарлатти и Иоганна Себастьяна Баха, под одной рубрикой. Тем не менее, этот термин стал широко использоваться и применяться для этого широкого диапазона музыки. Может быть полезно отличить барокко от предшествующих (Возрождение) и последующих (классических ) периодов музыкальной истории.
На протяжении всей эпохи барокко в Италии зародились новые музыкальные разработки, после чего потребовалось до 20 лет, прежде чем они получили широкое распространение в остальной части западной классической музыки практика. Например, итальянские композиторы перешли на стиль галант около 1730 года, в то время как немецкие композиторы, такие как Иоганн Себастьян Бах в основном продолжали писать в стиле барокко до 1750 года.
| Подпериод | Начало | Конец | В Италии | В другом месте |
|---|---|---|---|---|
| Раннее барокко | 1580–1600 | 1630–1650 | ||
| Средний барокко | 1630–1650 | 1680–1700 | ||
| Позднее барокко | 1680–1700 | 1730–1750 |
Клаудио Монтеверди в 1640 году Florentine Camerata - группа гуманистов, музыкантов, поэтов и интеллектуалов позднего Возрождения. Флоренция, собравшаяся под покровительством графа Джованни де Барди, чтобы обсуждать и направлять тенденции в искусстве, особенно в музыке и драме. Что касается музыки, они основывали свои идеалы на восприятии классической (особенно древнегреческой ) музыкальной драмы, в которой ценились дискурс и ораторское искусство. Соответственно, они отвергли использование современниками полифонии (множественные независимые мелодические линии) и инструментальной музыки и обсудили такие древнегреческие музыкальные приемы, как монодия, которая состояла из сольного пения в сопровождении кифара (древний струнный инструмент). Ранняя реализация этих идей, в том числе Якопо Пери Дафне и L'Euridice, положили начало опере, которая стала катализатором для музыки барокко.
Что касается теории музыки, более широкое использование фигурного баса (также известного как полный бас) свидетельствует о растущей важности гармонии как линейной основы полифонии. Гармония - это конечный результат контрапункта, а фигурный бас - это визуальное представление тех гармоний, которые обычно используются в музыкальном исполнении. В фигурном басу цифры, случайные символы или символы помещались над басовой линией, которую читали клавишники, например, клавесинисты или трубочные органисты (или лютнисты ). Цифры, случайные символы или символы указывают клавишнику, какие интервалы следует играть над каждой басовой нотой. Клавишник импровизирует аккордовое звучание для каждой басовой ноты. Композиторы начали заниматься гармоническими прогрессиями, а также использовали тритон, воспринимаемый как нестабильный интервал, для создания диссонанса (он использовался в доминирующем септаккорде и уменьшенный аккорд ). Интерес к гармонии существовал также у некоторых композиторов эпохи Возрождения, особенно Карло Джезуальдо ; Однако использование гармонии, направленной на тональность (акцент на музыкальную клавишу , которая становится «домашней нотой» пьесы), а не модальности, отмечает переход от эпохи Возрождения. в период барокко. Это привело к мысли, что определенные последовательности аккордов, а не только ноты, могут обеспечить ощущение закрытия в конце пьесы - одна из фундаментальных идей, которая стала известна как тональность.
Включив эти новые аспекты композиции, Клаудио Монтеверди способствовал переходу от стиля музыки эпохи Возрождения к стилю музыки периода барокко. Он разработал два индивидуальных стиля композиции - наследие ренессансной полифонии (prima pratica ) и новую технику bassocontino барокко (seconda pratica ). При использовании бассо континуо небольшая группа музыкантов играла бы басовую линию и аккорды, составляющие аккомпанемент мелодии . Группа бассо континуо обычно использует одного или нескольких клавишников и лютневого музыканта, который играет на басовой линии и импровизирует аккорды и несколько басовых инструментов (например, bass viol, виолончель, контрабас ), которая играла бы басовую линию. С написанием опер L'Orfeo и L'incoronazione di Poppea, среди прочего, Монтеверди привлек значительное внимание к этому новому жанру. Этот венецианский стиль был легко перенесен в Германию Генрихом Шютцем, чей разнообразный стиль также развился в последующий период.
Идиоматические инструментальные текстуры становились все более заметными. В частности, стиль luthé - нерегулярное и непредсказуемое разделение аккордовых последовательностей, в отличие от регулярного формирования ломаных аккордов, - именуемый с начала 20 века как style brisé, был установлен как последовательная текстура во французской музыке Роберта Баллара, в его лютневых книгах 1611 и 1614 гг. и Эннемона Готье. Эта идиоматическая форма лютни позже была перенесена на клавесин, например, в клавишную музыку Луи Куперена и Жана-Анри Д'Англьбера, и продолжала оказывать большое влияние на клавишную музыку. на протяжении 18 и начала 19 веков (например, в музыке Иоганна Себастьяна Баха и Фредерика Шопена ).
Подъем централизованного двора - одна из экономических и политических особенностей того, что часто называют эпохой абсолютизма, олицетворяемой Людовиком XIV французским. Стиль дворца и судебная система воспитанных им манер и искусств стали образцом для остальной Европы. Реалии растущего церковного и государственного патронажа создали спрос на организованную общественную музыку, поскольку растущая доступность инструментов породила спрос на камерную музыку, это музыка для небольшого ансамбля инструменталистов.
Жан-Батист Люлли от Поль Миньяр Один из выдающихся примеров композитора придворного стиля - Жан-Батист Люлли. Он приобрел у монархии патенты, чтобы быть единственным композитором опер для французского короля и не допускать постановки опер другими. Он завершил 15 лирических трагедий и оставил незаконченным «Ахилл и Поликсен». Люлли был ранним примером проводника ; он выигрывал время с большим посохом, чтобы держать свои ансамбли вместе.
В музыкальном плане он не установил для оркестров норму с преобладанием струнных инструментов, унаследованную от итальянской оперы, и характерную для французскую пятичастную композицию (скрипки, альты - in hautes- Контра, хвосты и квинты - и басовые скрипки ) использовались в балете со времен Людовика XIII. Однако он ввел этот ансамбль в лирический театр, где верхние партии часто дублировались флейтами, флейтами и гобоями, а бас - фаготами. Для героических сцен часто добавлялись трубы и литавры.
Период среднего барокко в Италии определяется появлением вокальных стилей кантаты, оратории. и opera в течение 1630-х годов, а также новая концепция мелодии и гармонии, которая подняла статус музыки до уровня равенства со словами, которые раньше считались выдающимися. Цветочная монодия колоратуры раннего барокко уступила место более простому, более отполированному мелодическому стилю. Эти мелодии были построены из коротких, каденциально ограниченных идей, часто основанных на стилизованных танцевальных узорах, взятых из sarabande или courante. Гармонии также могут быть проще, чем в монодии раннего барокко, чтобы показать более легкую экспрессию на струнах и крещендо и диминуэндо на более длинных нотах. Сопровождающие басовые партии были более интегрированы с мелодией, производя контрапунктную эквивалентность частей, что позже привело к устройству первоначального басового предвкушения мелодии арии. Это гармоническое упрощение также привело к новому формальному устройству дифференциации речитатива (более разговорная часть оперы) и арии (части оперы, в которой использовались певческие мелодии). Самыми важными новаторами этого стиля были римляне Луиджи Росси и Джакомо Кариссими, которые в первую очередь были композиторами кантат и ораторий соответственно, и венецианец Франческо Кавалли, который был главным оперным композитором. В число более поздних важных практиков этого стиля входят Антонио Чести, Джованни Легренци и Алессандро Страделла.
Арканджело Корелли, известный своими достижениями с другой стороны. музыкальной техники - как скрипач, который организовал скрипичную технику и педагогику - и в чисто инструментальной музыке, в частности, в его пропаганде и развитии концерто гроссо. В то время как Люлли устроился при дворе, Корелли был одним из первых композиторов, которые широко публиковались и исполняли свою музыку по всей Европе. Как и в случае со стилизацией и организацией оперы Люлли, концерт гроссо построен на сильных контрастах - разделы чередуются между тем, что играет весь оркестр, и тем, что играет меньшая группа. Динамика была «террасированной», то есть с резким переходом от громкого к тихому и обратно. Быстрые и медленные участки противопоставлялись друг другу. Среди его учеников значится Антонио Вивальди, который позже составил сотни произведений, основанных на принципах трио-сонат и концертов Корелли.
В отличие от этих композиторов, Дитрих Букстехуде не был придворным, а был церковным музыкантом, занимал должности органиста и веркмейстера в Мариенкирхе в Любеке. В его обязанности как Werkmeister входило выполнение функций секретаря, казначея и бизнес-менеджера церкви, в то время как его должность органиста включала исполнение всех основных служб, иногда в сотрудничестве с другими инструменталистами или вокалистами, которым также платила церковь. Совершенно вне его официальных церковных обязанностей, он организовал и руководил серией концертов, известной как Abendmusiken, в которую вошли исполнения священных драматических произведений, которые его современники считали эквивалентом опер.
Франция :
Георг Фридрих Гендель Работа Джордж Фридрих Гендель, Иоганн Себастьян Бах и их современники, в том числе Доменико Скарлатти, Антонио Вивальди, Жан-Филипп Рамо, Георг Филипп Телеман и другие, продвинули эпоху барокко до ее кульминации.
Италия:
Франция:
Италия:
Распространение:
Франция:
Старшие сыновья Баха и ученики :
.
Инструменты в стиле барокко, включая циттерн, ладная пяти- или шестиструнная виолончель, скрипка и две лютни 
Отдельные ноты для арфы XVII века. скрипка пикколо 
большая Выступление инструментального ансамбля в роскошном Teatro Argentina, как это изображено Панини (1747) Характерной чертой барочной формы была танцевальная сюита. Некоторые танцевальные сюиты Баха называются партитами, хотя этот термин используется и для других сборников произведений. В то время как пьесы в танцевальной сюите были вдохновлены настоящей танцевальной музыкой, танцевальные сюиты были разработаны для прослушивания, а не для сопровождения танцоров. Композиторы использовали самые разные танцевальные движения в своих танцевальных сюитах. Танцевальная сюита часто состоит из следующих частей :
. Эти четыре типа танца (аллеманда, куранте, сарабанда и жига) составляют большинство сюит 17 века; более поздние сюиты объединяют один или несколько дополнительных танцев между sarabande и gigue:
. множество других танцевальных форм, а также другие произведения, которые могут быть включены в сюиту, такие как Полонез, Loure, Scherzo, Air и т. д.
 | Викискладе есть медиафайлы, связанные с музыкой барокко. |
