Сверху вниз: Крайслер-билдинг в Нью-Йорке (1930); Плакат Всемирной выставки в Чикаго Веймера Перселла (1933); и украшение капюшона Victoire от Рене Лалика (1928) | |
Годы деятельности | c.1910–1939 |
---|---|
Country | Global |
Art Deco, иногда упоминается как Deco - стиль изобразительного искусства, впервые появившийся во Франции незадолго до Первой мировой войны. Ар-деко повлиял на дизайн зданий, мебели, ювелирных изделий, моды, автомобилей, кинотеатров, поездов., океанские лайнеры и предметы повседневного обихода, например радио и пылесосы. Свое название, сокращенно от Arts Décoratifs, он получил от Международной выставки современного декоративного и промышленного искусства, проходившей в Париже в 1925 году. Она сочетает в себе современные стили с высоким мастерством и богатые материалы. В период своего расцвета ар-деко олицетворял роскошь, гламур, изобилие и веру в социальный и технический прогресс.
С самого начала ар-деко находился под областью смелых геометрических форм кубизма и Венского сецессиона ; яркие краски фовизма и русского балета ; обновленное мастерство изготовления мебели эпох Луи Филиппа I и Людовика XVI ; и экзотические стили Китая и Японии, Индии, Персии, древнего Египта и майя искусство. В нем использовались редкие и дорогие материалы, такие как черное дерево и слоновая кость, а также изысканное мастерство. Крайслер-билдинг и другие небоскребы Нью-Йорка, построенные в 1920-1930-е годы, являются памятниками стиля ар-деко.
В 1930-е годы, во время Великой депрессии, ар-деко стал более сдержанным. Появились новые материалы, в том числе хромирование, нержавеющая сталь и пластик. Более изящная форма стиля, получившая название Streamline Moderne, появилась в 1930-х годах; он отличался изогнутыми формами и гладкими полированными поверхностями. Ар-деко - один из первых по-настоящему интернациональных стилей, но его господство закончилось началом Второй мировой войны и возникло строго функциональных и неукрашенных стилей современной архитектуры и Международный стиль поиск архитектуры.
Ар-деко получил свое название, сокращение от Arts décoratifs, из Международной выставки декоративного искусства и современной индустрии, состоявшейся в Париже в 1925 году, различные стили, характерные для ар-деко, уже появились в Париже и Брюссель перед Первой мировой войной
Термин «декоративное искусство» впервые был использован во Франции в 1858 году ; опубликовано в Bulletin de la Société Française de Photography. В 1868 году газета Le Figaro использовала термин объекты художественного декора по отношению к объектам сценических декораций, созданных для Театра оперы. В 1875 году французское правительство официально присвоило дизайнерам мебели, текстилям, ювелирным изделиям, стеклу и другим мастерам статус художников. В ответ на это Королевская бесплатная школа дизайна, основанная в 1766 году при короле Людовике XVI для обучения художников и ремесленников ремеслам, представителям изобразительным искусством, была переименована в Ecole nationale des arts décoratifs (Национальная школа декоративных искусств). В 1927 году она получила свое нынешнее название ENSAD (Высшая национальная школа декоративного искусства).
Во время выставки архитектор 1925 года Ле Корбюзье написал серию статей о выставке для своего журнала L «Esprit Nouveau» под названием «1925 EXPO. ИСКУССТВО. DÉCO. », Которые были объединены в книгу« L'art décoratif d'aujourd'hui »(« Декоративное искусство сегодня »). Книга была энергичной атакой на излишества красочных и роскошных предметов на выставке; и на идее, что практичные предметы, такие как мебель, вообще не иметь никаких украшений; он пришел к выводу, что «современное украшение не имеет украшения».
Фактическое выражение «арт-деко» не появлялось в печати до 1966 года, когда оно было включено в заголовок первой современной выставки на эту тему, проводившуюся Музеем декоративного искусства в Париже, Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, охватывающая множество основных стилей 1920-х и 1930-х годов. Затем термин "арт-деко" был использован в газетной статье 1966 года Хиллари Гелсон в The Times (Лондон, 12 ноября), описывающей различные стили на выставке.
Ар-деко получил распространение как широко применяемый стилистический ярлык в 1968 году, когда историк Бевис Хиллиер опубликовал первую крупную академическую книгу по этому стилю: ар-деко 20-х и 30 -х годов. Хиллер отметил, что этот термин уже используется торговцами предметами искусства и цитирует The Times (2 ноября 1966 г.) и эссе под названием Les Arts Déco в журнале Elle (ноябрь 1967 г.) в качестве примеров предшествующего использования. В 1971 году Хиллер организовал выставку в Миннеаполисском институте искусств, который подробно описал в своей книге «Мир ар-деко».
Возникновение ар-деко было связано с повышением статуса художников-декораторов, которые до конца XIX века считались просто ремесленниками. Термин «декоративно-прикладное искусство» был изобретен в 1875 году, придавая дизайнерам мебели, текстиля и других украшений официальный статус. Société des artistes décorateurs (Общество художников-декораторов) или SAD было основано в 1901 году, и художникам-декораторам предоставлены те же права авторов, что и художникам и скульпторам. Подобное движение развивалось в Италии. Первая международная выставка, полностью посвященная декоративному искусству, Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna, была проведена в Турине в 1902 году. В Париже было основано несколько новых журналов, посвященных декоративному искусству., в том числе Искусство и декор и L'Art décoratif moderne. Отделения декоративно-прикладного искусства были введены в ежегодные салоны Французского общества художников, а затем в Осенний салон. Французский национализм также роль в возрождении декоративного искусства; Французские модели столкновения с проблемой увеличения экспорта менее дорогой немецкой мебели. В 1911 году САД предложило провести в 1912 году новую крупную международную выставку декоративно-прикладного искусства. Копирование старых стилей не разрешалось; только современные работы. Выставка была отложена до 1914 года, затем из-за войны отложена до 1925 года, когда она дала свое название целому семейству стилей, известному как «Деко».
Стол и стулья от Мориса Дюфрена и ковер Поля Фолло в 1912 г. Salon des artistes décorateurs
Дама с пантерой Джорджа Барбье для Луи Картье, 1914. Показать карту по заказу Картье показывает женщину в платье Поль Пуаре (1914)
Кресло Эмиля-Жака Рульмана (1914) (Musée d'Orsay)
Парижские универмаги и модельеры также сыграли важную роль в подъеме ар-деко. Известные предприятия, такие как фирма по производству изделий из серебра Christofle, дизайнер стекла Рене Лалик, а также ювелиры Louis Cartier и Boucheron, которые все начали разрабатывать продукцию в более современных стилях. Начиная с 1900 года универмаги нанимали художников-декораторов для работы в своих дизайн-студиях. Украшение Осеннего салона 1912 года было поручено универмагу Printemps. В том же году Printemps создала собственную мастерскую под названием Primavera. К 1920 году в Primavera работало более трехсот художников. Стили различных версий Людовика XIV, Людовика XVI и особенно мебели Луи Филиппа, созданной Луи Сюэ и мастерской Primavera, до более современных форм из мастерской универмага Au Louvre. Другие дизайнеры, в том числе Эмиль-Жак Рульманн и Поль Фолио отказались от массового производства и настаивали на том, чтобы изделие изготавливалось вручную вручную. В раннем стиле ар-деко использовались роскошные и экзотические материалы, такие как черное дерево, слоновая кость и шелк, очень яркие цвета и стилизованные мотивы, в особенности корзины и букеты цветов всех цветов, придающие модернистский вид.
Архитекторы Венского Сецессиона (образовано 1897), особенно Йозеф Хоффманн, оказал заметное влияние на ар-деко. Его дворец Стокле в Брюсселе (1905–1911) был прообразом стиля ар-деко с геометрическими объемами, симметрией, прямыми линиями, бетоном, покрытым мраморными бляшками, изящным орнаментом и роскошным интерьером. в том числе мозаичные фризы работы Густава Климта. Хоффманн был также основателем Wiener Werkstätte (1903–1932), ассоциации мастеров и дизайнеров интерьеров, работающих в новом стиле. Это стало моделью для французской компании Compagnie des Arts French, созданной в 1919 году, которая объединила Андре Маре и Луи Сюэ, первых французских дизайнеров и декораторов в стиле ар-деко.
Stoclet Palace, Брюссель, Йозеф Хоффманн (1905–1911)
Деталь фасада из железобетона, покрытого мраморными пластинами
Новые материалы и технологии, особенно железобетон, сыграли ключевую роль в развитии и появлении ар-деко. Первый бетонный дом был построен в 1853 году в пригороде Парижа Франсуа Куанье. В 1877 году Джозеф Монье представил идею укрепления бетона сеткой из железных стержней в виде решетки. В 1893 году Огюст Перре построил первый бетонный гараж в Париже, затем жилой дом, дом, затем, в 1913 году, Театр Елисейских полей. Один критик назвал театр «дирижаблем с авеню Монтень», предполагающее германское влияние, накопленное из Венского сецессиона. После этого большинства зданий в стиле ар-деко были построены из железобетона, что дало большую свободу форм и меньше нуждалось в укреплении столбов и колонн. Перре также был пионером в покрытии бетона керамической плиткой как для защиты, так и для украшения. Архитектор Ле Корбюзье впервые изучил использование железобетона, работая рисовальщиком в студии Перре.
Другими новыми технологиями, которые были важны для ар-деко, были новые методы производства листового стекла, которые были менее дорогие и позволяли использовать окна гораздо большего размера и прочности, а также для массового производства алюминия, который использовался для строительства и оконных рам, а Корбюзье и другой легкой мебели.
Театр Елисейских полей, Огюст Перре, авеню Монтень 15, Париж (1910–13). Железобетон дал архитекторам возможность создать новые формы и большие пространства.
Антуан Бурдель, La Danse, фасад Театра Елисейских полей, Париж (1912)
Интерьер Театра Елисейских полей, с барельефами Бурделя над этапом
Купол Театра, дизайн розы в стиле ар-деко от Мориса Дени
Театр Елисейских полей (1910–1913), Огюст Перре, был первым В Париже завершено строительство знакового здания ар-деко. Ранее железобетон использовался только для промышленных и многоквартирных домов. Перре построил первый современный жилой дом из железобетона в Париже на улице Бенджамина Франклина в 1903–04 годах. Анри Соваж, еще один важный будущий архитектор ар-деко, построил еще один в 1904 году на улице Третень, 7 (1904). С 1908 по 1910 год 21-летний Ле Корбюзье работал рисовальщиком в офисе Перре, изучая методы строительства из бетона. Здание Перре имело чистую прямоугольную форму, геометрический декор и прямые линии, будущие марки ар-деко. Обстановка театра также была революционной; фасад был украшен горельефами Антуаном Бурделем, куполом Морисом Дени, картины Эдуара Вюйара и ар-деко занавес, автор Кер- Ксавье Руссель. Театр стал известен как место проведения многих первых спектаклей Русских балетов. Перре и Соваж стали ведущими архитекторами ар-деко в Париже в 1920-х.
Художественный дизайн для Шехеразады (1910) от Леон Бакст
Кресло в стиле ар-деко для коллекционера Жак Дусе (1912–13)
Выставка мебели в стиле ар-деко французского Ателье в 1913 году Осенний салон из журнала Art et décoration (1914)
С момента своего зарождения между 1910 и 1914 года, ар-деко представляет собой взрыв цветов, часто в цветочных узорах, представленных в мебели обивка, ковры, ширмы, обои и ткани. Много красочных работ, в том числе стулья и стол Мориса Дюфрена и яркий ковер Гобелен Поля Фолло были представлены в 1912 году Салон художников-декораторов. В 1912–1913 дизайнер Адриен Карбовски изготовил стул с цветочным рисунком в виде попугая для охотничьего домика коллекционера Жака Дусе. Дизайнеры мебели Луи Сюэ и Андре Маре впервые появились на выставке 1912 года под названием Atelier français, сочетая красочные ткани с экзотическими и дорогими материалами, включая черное дерево и слоновую кость. После Первой мировой войны они стали одной из самых французских дизайнерских фирм, производящих мебель для первоклассных салонов и кают французских трансатлантических океанских лайнеров.
Яркие цвета ар-деко пришли из многих источников, в том числе экзотические декорации Леона Бакста для Ballets Russes, которые вызвали сенсацию в Париже незадолго до Первой мировой войны. Некоторые цвета были вдохновлены более ранними Движение фовизма, используемое Анри Матиссом ; другие - орфизмом художников, например Соней Делоне ; - движением, известным как Наби, и работами художника-символиста Одилона Редона, который проектировал другие каминные перегородки и другие предметы декора. Яркие цвета были отличительной чертой работы модельера Поля Пуаре, чьи работы повлияли как на моду в стиле ар-деко, так и на дизайн интерьера.
Дизайн фасада Лаун Maison Cubiste (Дом кубистов) Раймон Дюшан-Вийон (1912)
Раймон Дюшан-Вийон, 1912, La Maison Cubiste (Дом кубистов) в Salon d 'Automne, 1912, деталь входа
Le Salon Bourgeois, спроектированная Андре Маре внутри La Maison Cubiste, в секции декоративного искусства Осеннего салона, 1912, Париж. Метцингер Femme à l'Éventail на левой стене
Лестница в особняке модельера-коллекционера Жака Дусе (1927). Дизайн Джозеф Чаки. Геометрические формы кубизма оказали большое влияние на стиль ар-деко
Жак Дусе в частности, 1927 год. Les Demoiselles d'Avignon Пикассо висит в фон
художественное движение, известное как кубизм, появилось во Франции между 1907 и 1912 годами, оказав влияние на развитие ар-деко. Книга «Ар-деко Complete: Полное руководство по декоративному искусству 1920-х и 1930-х годов» Аластер Дункан пишет: «Кубизм, в той или иной извращенной форме, стал лингва-франка художников-декораторов тойи». Кубы, находившиеся под конуса Поля Сезанна, были предложены упрощении форм их геометрических сущностей: цилиндра, сферы, сферы.
В 1912 году художники Section d'Or выставлял произведения, значительно более доступной широкой публике, чем аналитический кубизм Пикассо и Брака. Словарный запас кубизма был готов привлечь дизайнеров моды, мебели и интерьеров.
В трудах Андре Веры 1912 года в стиле Le Nouveau, опубликованных в журнале L'Art décoratif, было выражено неприятие Ар-нуво формы (асимметричные, полихромные и живописные) и которые призывали к простому волонтерству, симметрии манифеста, лорду и гармонии, темам, со временем стали обычными в ар-деко; хотя стиль деко часто был чрезвычайно красочным и зачастую сложным.
В разделе Art Décoratif Осеннего салона 1912 года была выставлена архитектурная инсталляция, известная как La Maison Cubiste. Фасад был разработан Раймоном Дюшаном-Вийоном. Декор дома был выполнен Андре Маре. La Maison Cubiste представляла собой меблированную инсталляцию с фасадом, лестницей, перилами из кованого железа, спальней и гостиной - «Салон Буржуа», где находились картины Альберта Глейза, Жана Метцингера, Мари Лорансен, Марсель Дюшан, Фернан Леже и Роджер де ла Фресне были повешены. Тысячи зрителей в салоне прошли через натурный макет.
Фасад дома, спроектированный Дюшаном-Вийоном, не был очень радикальным по современным меркам; перемычки и фронтоны имели призматическую форму, но в остальном фасад напоминал обычный дом того периода. Для двух комнат Маре разработал обои со стилизованными розами и цветочными узорами, а также обивку, мебель и ковры, все с яркими и красочными мотивами. Это был явный отход от традиционного декора. Критик Эмиль Седейн описал работу Мара в журнале Art et Décoration: «Он не смущает себя простотой, потому что он размножает цветы везде, где их можно поставить. Эффект, которого он добивается, несомненно, является эффектом живописности и веселья. Он добивается этого». Элемент кубизма был обеспечен картинами. Инсталляция была раскритикована некоторыми критиками как чрезвычайно радикальная, что помогло ей добиться успеха. Впоследствии эта архитектурная инсталляция была выставлена на Armory Show 1913 года в Нью-Йорке, Чикаго и Бостоне. Во многом благодаря выставкетермин «кубист» начал всему современному, от женских стрижек до одежды и театральных представлений .
Влияние кубизма продолжалось в ар-деко, когда деко разветвлялся во многих других направлениях.. В 1927 году кубисты Джозеф Чаки, Жак Липшиц, Луи Маркусси, Анри Лоренс, скульптор Гюстав Миклош, и другие сотрудничали в оформлении Дома-студии на улице Сен-Джеймс, Нейи-сюр-Сен, спроектированного архитектором Полом Руо и принадлежащего французскому моделиеру Жаку Дусе, также коллекционеру Постимпрессионизм искусство Анри Матисса и картины кубистов (в том числе Les Demoiselles d'Avignon, которые он купил непосредственно в студии Пикассо). Лоренс спроектировал фонтан, Чаки спроектировал лестницу Дусе, Липшиц сделал каминную полку, а Маркусси сделал кубистский ковер.
Помимо художников-кубистов, Дусе привлекательных дизайнеров интерьера Deco, чтобы помочь в украшении дома, включая Пьера Легрен, который отвечал за оформление, и Поль Ирибе, Марсель Коард, Андре Гроулт, Эйлин Грей и Роуз Адлер, чтобы поставить мебель. Декор включал в себя массивные предметы из макассарового черного дерева, вдохновленные африканским искусством, и мебель, покрытую кожей Марокко, крокодиловой кожей и змеиной кожей, а также узорами, взятыми из африканских узоров.
Геометрия кубизма стала монетой королевства в 1920-х годах. Развитие ар-деко избирательной геометрии кубизма в более широком спектре формальных кубизм как изобразительную таксономию более широкой аудитории и более широкой привлекательности. (Ричард Харрисон Мартин, Музей Метрополитен)
Экзотика Русского балета оказала сильное влияние на ранний деко. Рисунок танцора Вацлава Нижинского парижского стиля моды Жоржа Барбье (1913)
Иллюстрация Жоржа Барбье платья Пакена (1914 г.). Стилизованные цветочные узоры и яркие цвета были характерной чертой раннего ар-деко.
Вестибюль 450 Саттер-стрит в Сан-Франциско Тимоти Пфлюгер, (1929) вдохновлен древним искусством майя
Позолоченная бронза Прометей в Рокфеллер-центре от Пола Мэншипа (1934), стилизованное обновление классической культуры в стиле ар-деко (1936)
Керамическая ваза, вдохновленная мотивами африканской резной скульптуры, Эмиль Ленобль (1937), Музей декоративного искусства, Париж
Ар-деко - это не единый стиль, а собрание различных, иногда противоречащих друг другу стилей. В области энергетики ар-деко был преемником и реакцией на модерн, стиль, который процветал в Европе между 1895 и 1900 годами, а также постепенно вытеснил изящное искусство и неоклассическое, которые были преобладает в европейской и американской городской администрации. В 1905 Эжен Грассе написал и опубликовал Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, в котором систематически исследовал декоративные (декоративные) аспекты геометрических элементов, форм, мотивов и их вариаций, в отличие от (и как отход от волнистого) Грассевал принципа, согласно которому различные простые геометрические формы, такие как треугольники и квадраты, используемые всеми композиционными композициями, используются для использования всех композиционных композиций, столь популярного в геометрических зданиях зданий, как стиль модерн Гектора Гимара. и особенно Театр Елисейских полей, предложили новую форму строительства и декора, которая была скопирована во всем мире.
В декоре многие разные стили были заимствованы и использованы ар-деко. искусства со всего мира, которые можно увидеть в Musée du Louvre, Musée de l'Homme и Musée National des Arts d'Afrique et d '. Осеани. Интерес к археологии был также популярен благодаря раскопкам в Помпеях, Трои и гробнице фараона 18-й династии Тутанхамона. Художники и дизайнеры объединили мотивы из Древнего Египта, Месопотамии, Греции, Рима, Азии, Мезоамерики и Океания с элементами века машин.
Другие заимствованные стилилили русский конструктивизм и итальянский футуризм, а также орфизм, Функционализм и Модернизм в целом. Ар-деко также использовал противоречивые цвета и дизайн фовизма, особенно в работах Анри Матисса и Андре Дерен, которые вдохновляли дизайн тканей ар-деко, обоев и расписной керамики. Он взял идеи из лексики высокой моды того периода, в которой использовались геометрические узоры, шевроны, зигзаги и стилизованные букеты цветов. На него повлияли открытия в египтологии и растущий интерес к Востоку и африканскому искусству. С 1925 года его часто вдохновляла страсть к новым машинам, таким как дирижабли, автомобили и океанские лайнеры, и к 1930 году это влияние привело к созданию стиля под названием Streamline Moderne.
Будуар модельера Жанны Ланвин (1922–25) сейчас в Музее декоративного искусства, Париж
Ванна Жанны Ланвин из сиенского мрамора, украшенная резной лепниной и бронзой (1922–25))
Этюд в стиле ар-деко парижской дизайнерской фирмы Alavoine, сейчас находится в Бруклинском музее (1928–30)
Стеклянный салон (Le salon de verre), спроектированный дизайнерской мебелью Эйлин Грей, для мадам Матье-Леви ( модистка бутика J. Suzanne Talbot), 9, rue de Lota, Paris, 1922 (опубликовано в L'Illustration, 27 мая 1933 г.)
Ар-деко ассоциировалось как с роскошью, так и с современность; в нем сочетаются очень дорогие материалы и изысканное мастерство, воплощенное в модернистских формах. В ар-деко не было ничего дешевого: предметы мебели включали инкрустации из слоновой кости и серебра, а в стиле ар-деко сочетали в себе бриллианты с платиной, нефритом и другими драгоценными материалами. Этот стиль использовался для оформления первоклассных салонов океанских лайнеров, поездов класса люкс и небоскребов. Его использовали во всем мире для украшения великих дворцов кино в конце 1920-х и 1930-х годах. Позже, после Великой депрессии, стиль изменился и стал более трезвым.
Ярким примером роскошного стиля ар-деко является будуар модельера Жанны Ланвин, иметь Арман-Альбер Рато (1882–1938), выполненный между 1922–25. Он находился в ее доме на улице Барбе де Жуи, 16 в Париже, который был снесен в 1965 году. Помещение было реконструировано в Музее декоративного искусства в Париже. Стены покрыты лепными ламбринами под лепными лепными барельефами. Альков обрамлен мраморными колоннами с основанием и цоколем из резного дерева. Пол из белого и черного мрамора, а в шкафах декоративные предметы гардероб на фоне синего шелка. В ее ванной комнате была ванная и умывальник из сиенского мрамора со стеной из резной лепнины и бронзовой фурнитурой.
К 1928 году стиль стал более комфортным, с глубокими кожаными клубными креслами. Этюд, это парижской фирмой Alavoine для бизнесмена в 1928–1930 годах, сейчас находится в Бруклинском музее.
К 1930-м годам стиль был несколько упрощен, но все еще оставался экстравагантным. В 1932 году декоратор Поль Рууд создал Стеклянный салон для Сюзанны Тальбот. В нем были змеевидное кресло и два трубчатых кресла от Эйлин Грей, пол из матовых посеребренных стеклянных плит, панель с абстрактными узорами в серебряном и черном лаке, а также ассортимент шкур животных.
Открытка Международная выставка современного современного декоративного искусства в Париже (1925)
Вход на выставку 1925 года с площади Согласия автор Pierre Patout
Польский павильон (1925)
Павильон Galeries Lafayette Универмаг на выставке 1925 года
Hotel du Collectionneur, павильон производителя мебели Эмиль-Жак Рульманн, дизайн Пьер Пату.
Салон Hôtel du Collectionneur с Международной выставки декоративного искусства 1925 года, оформленный Эмиль-Жаком Рульманном, картина Жан Дюпа, дизайн Пьер Пату
Событие, ознаменовавшее зенит стиля и дала ему свое название Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства, которая проходила в Париже с апреля по октябрь 1925 года. Она официально спонсируется французским правительством и занимает территорию в Париж площадью 55 акров, простирающийся от Большого дворца на правом берегу до Дома инвалидов на левом берегу и вдоль берегов Сены. Большой дворец, самый большой зал в городе, был заполнен экспонатами декоративно-прикладного искусства из стран-участниц. На выставкеовало 15000 экспонентов из двадцати стран, включая Англию, Италию, Испанию, Польшу, Чехословакию, Бельгию, Японию и новый Советский Союз, хотя Германию не пригласили из-за напряженности после войны и США. США, не понимая цели выставки, отказались от отказались. За семь месяцев его использовали шестнадцать миллионов человек. Правила выставки требовали, чтобы все работы были современными; никакие исторические стили не допускались. Основной целью выставки было продвижение французских производителей роскошной мебели, фарфора, стекла, изделий из металла, текстиля и других декоративных изделий. Для продвижения продукции все крупные универмаги Парижа и крупные дизайнеры дальнейшие внутренние павильоны. Выставка второстепенная цель - продвигать товары из французских колоний в Африке и Азии, включая слоновую кость и экзотические породы дерева.
Hôtel du Collectionneur был популярным аттракционом на выставке; На нем были представлены новые дизайны мебели Эмиля-Жака Рульмана, а также ткани, ковры и картины в стиле ар-деко и картина Жана Дюпа. В дизайне интерьера соблюдены те же принципы симметрии и геометрических форм, которые отличают его от стиля модерн, а также яркие цвета, тонкая обработка редких и дорогих материалов, которые отличают его от строгой функциональности стиля модерн. В то время как большинство павильонов были щедро украшены и обставлены роскошной мебелью ручной работы, два павильона, Советского Союза и Pavilion du Nouveau Esprit, построенные одноименным журналом Ле Корбюзье, были построены в строгом стиле с простые белые стены и без отделки; они были одними из самых ранних примеров модернистской архитектуры.
American Radiator Building в Нью-Йорке, автор Раймонд Худ (1924)
Крайслер-билдинг в Нью-Йорке, Уильям Ван Ален (1930)
Горизонт Нью-Йорка (1931–1933)
Корона General Electric Здание (также известное как 570 Lexington Avenue) от Cross Cross (1933)
30 Rockefeller Plaza, от Raymond Hood (1933)
Эмпайр-стейт-билдинг в Нью-Йорке, автор Шрив, Лэмб и Хармон (1931)
Американские небоскребы отметили вершину стиля ар-деко; они стали самыми высокими и узнаваемыми современными зданиями в мире. Они были созданы, чтобы показать престиж своих строителей своим ростом, формой, цветом и эффектным освещением ночью. American Radiator Building от Raymond Hood (1924) сочетает в себе элементы готики и стиля деко в дизайне здания. Черный кирпич на фасаде здания (символизирующий уголь) был выбран, чтобы дать представление о солидности и придать зданию прочную массу. Остальные части фасада облицованы золотым кирпичом (символизирующим огонь), а вход украшен мрамором и черными зеркалами. Еще одним ранним небоскребом в стиле ар-деко было Guardian Building в Детройте, которое открылось в 1929 году. Здание, спроектированное модернистом Виртом К. Роулендом, было первым, в котором нержавеющая сталь использовалась в качестве декоративного элемента. широкое использование цветных узоров вместо традиционных орнаментов.
Горизонт Нью-Йорка был радикально изменен Крайслер-билдинг на Манхэттене (завершено в 1930 году), спроектированным Уильямом Ван Аленом. Это была гигантская реклама автомобилей Chrysler высотой в семьдесят семь этажей. Верх увенчал шпиль из нержавеющей стали и был украшен декоративными «горгульями» в виде украшений крышки радиатора из нержавеющей стали. Основание башни, тридцать три этажа над улицей, было украшено красочными фризами в стиле ар-деко, а вестибюль был украшен символами ар-деко и изображениями, выражающими современность.
За Крайслер-билдинг последовал Эмпайр Стейт Билдинг от Уильяма Ф. Лэмба (1931) и RCA Building (ныне 30 Rockefeller Plaza) Раймонда Гуда (1933), которые вместе полностью изменили горизонт Нью-Йорка. Верхушки зданий были украшены коронами в стиле ар-деко и шпилями, покрытыми нержавеющей сталью, а в случае здания Крайслер - горгульями в стиле ар-деко, смоделированными по образцу радиаторных украшений, в то время как входы и вестибюли были щедро украшены скульптурами в стиле ар-деко. керамика и дизайн. Подобные здания, хотя и не такие высокие, вскоре появились в Чикаго и других крупных городах Америки. Крайслер-билдинг вскоре был превзойден по высоте Эмпайр-стейт-билдинг в чуть менее роскошном стиле деко. Рокфеллер-центр добавил новый элемент дизайна: несколько высоких зданий, сгруппированных вокруг открытой площади, с фонтаном в центре.
театр Линкольна в Майами-Бич, Флорида от Thomas W. Lamb (1936)
Palais de Chaillot от Луи-Ипполита Буало, Жака Карлу и Леон Азема из Парижской международной выставки 1937 года
Лестница Экономического и Социального Совета в Париже, первоначально Музей общественных работ, построенная для 1937 года. Международная выставка в Париже от Огюста Перре (1937)
Средняя школа в Кинг-Сити, Калифорния, построенная Робертом Стэнтоном для Управления прогресса работ (1939)
В 1925 году в рамках ар-деко сосуществовали две разные конкурирующие школы: традиционалисты, основавшие Общество художников-декораторов; вошел дизайнер мебели Эмиль-Жак современность. Он продолжал использоваться в автомобильном дизайне даже после Worl.