Войти
По часовой стрелке от верхнего левого угла: Радха (1650), Фреска Аджанты (450), Индийская иконография (1710), Шакунтала (1870). Индийская живопись имеет очень давние традиции и историю в индийском искусстве, хотя из-за климатических условий сохранилось очень мало ранних экземпляров. Самыми ранними индийскими рисунками были наскальные рисунки доисторических времен, таких как петроглифы, найденные в таких местах, как скальные убежища Бхимбетка. Некоторым из наскальных рисунков каменного века, найденных среди скальных убежищ Бхимбетки, приблизительно 10 000 лет.
Древняя индуистская и буддийская буддийская литература Индии имеет много упоминаний о дворцах и других зданиях, украшенных рисунками, но рисунки пещер Аджанты относится к самому значительному из немногих которые, выжили. Роспись в рукописях в меньшем масштабе, вероятно, также практиковалась в этот период, хотя самые ранние сохранившиеся остатки средневековья периоду. Новый стиль введен с росписью Великих Моголов, представляющей влияние персидской миниатюры с более древними индийскими традициями, и с 17 века этот стиль распространился по индийским княжеским дворам всех религий. каждый развивает местный стиль. Картины компании создавались для британских клиентов при британском правлении, которое с 19 века также ввело художественные школы по западному образцу. Это привело к появлению современной индийской живописи, которая чаще возвращается к своему индийскому корням.
Перформанс «Патуа Сангит» Патуа со свитком паттачитра для иллюстрации, Калькутта Индийские картины можно в целом разделить на фрески, миниатюры и картины на ткани. Росписи - это большие работы, выполненные на стенах массивных сооружений, как в пещерах Аджанты и храме Кайлашнатх. Миниатюрные картины выполняются в очень маленьком масштабе для книг или альбомов на скоропортящемся материале, такой как бумага и ткань. Следы фресок, выполненные в технике фрески, сохранились в ряде памятников индийской каменной архитектуры, возраст которых насчитывает не менее 2000 лет, но сохранились памятники I и V веков. в пещерах Аджанты являются наиболее значительными.
Картины на ткани часто создавались в более популярном контексте, часто как народное искусство, используемое, например, в путешествиях чтецов эпической поэзии, таких как Бхоп в Раджастхане и Читракати в других местах, и купленные в качестве сувениров паломников. Очень немногие пережитки старше примерно 200 лет, но очевидно, что традиции намного старше. Некоторые региональные традиции все еще произведения.
I Кажется очевидным, что миниатюрная живопись, часто изображающая рукописи, имеет очень долгую историю, но джайнские миниатюры примерно XII века, в основном из Индии, и немного более ранние буддийские из Империи Пала на востоке - самые старые из выживших. Подобные индуистские сохранились примерно с 15 века на западе и с 16 века в Восточной Индии, к тому времени миниатюра Великих Моголов под Акбаром также иногда иллюстрированные переводы на персидский индуистский эпосов и других предметов. 309>
Великий период придворной живописи Великих Моголов начинается с возвращения Хумаюна из изгнания в Персии в 1555 году, приведенного с собой персидских художников. Он ограничивает во время правления Аурангзеба, который довольно не одобрял живопись по религиозным причинам и распустил большую имперскую мастерскую, вероятно, к 1670 году. Художники разошлись по меньшим княжеским дворам, как мусульманским, так и индуистским, и «Могольский» стиль получил развитие во многих местных вариантах. Сюда входили различные школы живописи Раджастхани, такие как Бунди, Кишангарх, Джайпур, Марвар и Мевар. Картины Рагамалы также принадлежат этой школе, как и более поздняя живопись компании, созданная для британских клиентов с середины 18 века.
В современном индийском искусстве в 1930-х годах возникла бенгальская художественная школа, за последовали многие формы экспериментов в европейском и индийскомх. После обретения независимости многие новые жанры искусства были разработаны такими выдающимися художниками, как Джамини Рой, М. Ф. Хусейн, Фрэнсис Ньютон Соуза и Васудео С. Гайтонде. С развитием экономики формы и стили также претерпели множество изменений искусства. В 1990-е годы индийская экономика была либерализована и интегрирована в мировую экономику, что привело к свободному потоку культурной информации внутри и снаружи. Среди художников: Субодх Гупта, Атул Додия, Деваджьоти Рэй, Бос Кришнамачари и Джитиш Каллат, чьи работы были популярны аукциона на международных рынках. Бхарти Дайал решила обработать традиционную роспись Митхилы самым современным способом и создать свой собственный стиль с помощью упражнений собственного воображения, они кажутся свежими и необычными.
Доисторические рисунки обычно выполнялись на скалах, и эти наскальные рисунки назывались петроглифами. Эти рисунки обычно изображают животных, таких как бизоны, пиво, тигры и т. Д. Самые старые индийские рисунки - это наскальные рисунки в пещерах, около 30 000 лет, такие как наскальные рисунки Бхимбетка.
Фрески, изображающие сцена из Махаджанака Джатака, Пещера 1, Аджанта История индийских фресок начинается в древности и раннем средневековье, со II века до н.э. до 8-10 веков ОБЪЯВЛЕНИЕ. В Индии известны более 20 мест с фресками того периода, в основном это естественные пещеры и высеченные в скалах камеры. Наивысшими достижениями этого времени являются пещеры Аджанта, Баг, Ситтанавасал, Пещера Армамалаи (Тамил Наду), храм Кайласанатха в Пещеры Эллора.
Фрески этого периода изображают в основном религиозные темы буддийской, джайнской и индуистской религии. Однако есть также места, где были написаны картины для украшения мирских помещений, например, древний театральный зал в пещере Джогимара и, возможно, королевский охотничий домик около 7 века нашей эры - скальное убежище Раван Чхая.
Фреска королевского двора в Аджанте Образец крупномасштабной настенной живописи, который доминировал в этой сцене, свидетельствует об появлении миниатюрных картин в XI и XII веках. Этот новый стиль впервые проявился в виде иллюстраций, выгравированных на рукописях на пальмовых листах. В содержание этих рукописей входила литература по буддизму и джайнизму. В восточной интеллектуальной области центрами художественной и деятельности буддийской религии были Наланда, Одантапури, Викрамшила и Сомарпура, расположенные в королевстве Пала (Бенгалия и Бихар).
Ранние пережитки переносных индийских картин - все это миниатюры из текстов (подавляющее большинство) или раскрашенных предметов, таких как коробки. Несмотря на доказательства того, что существовали более крупные картины на ткани, известные как пата, и действительно сохранились тексты, которые обсуждаются, как их создать, ни одна средневековая индийская картина на ткани не сохранилась, только некоторые буддийские картины не были взяты как тибетские или из Центральная Азия. На некоторых изображениях, обнаруженных сэром Аурелом Штайном, изображены индуистские божества (большинство из которых буддисты).
В восточной Индии миниатюрная живопись сохранилась с 10 века. Эти миниатюры, изображающие буддийских божеств и сцены из жизни Будды, были нарисованы на листьях (примерно 2,25 на 3 дюйма) рукописей на пальмовых листьях, а также на их деревянных обложках. Наиболее распространенные буддийские иллюстрированные рукописи включают тексты Астасахасрика Праджняпарамита, Панчаракша, Карандавьюха и Калачакра-тантра. Самые ранние из дошедших до нас миниатюрные находятся в рукописи Астасахасрика Праджняпарамита, датированной шестым годом царствования Махипалы (ок. 993), в настоящее время принадлежащей Азиатскому обществу, Калькутта. Этот стиль исчез из Индии в конце 12 века.
Влияние восточно-индийской живописи можно увидеть в различных буддийских храмах в Багане, Мьянме особенно храме Абейядана, который был назван в честь королевы- консистенция из Мьянмы, Абейядана, которая сама имелорта индийские корни, и Храм Губьяукгьи. Влияние восточно-индийской живописи также можно четко проследить в тибетских картинах тханка.
Сохранившиеся иллюстрированные рукописи из Индии, в основном Гуджарата, начинаются примерно с 11 века, но в основном с 13 века. Первоначально сохранившиеся примеры - все джайны. К 15 веку они становились все более щедрыми, с большим использованием золота.
Наиболее часто иллюстрированным рукописным текстом является Кальпа-сутра, содержащая биографии тиртханкаров, в частности, Паршванатха и Махавира. Показывайте собой квадратные панели, расположенные в тексте, с «жестким рисунком» и «блестящим, даже подобным драгоценным камню цветом». Фигуры всегда видны в трех четвертях обзора с характерными «Последними заостренными носами и выпученными глазами». Существует соглашение, согласно которому более дальняя сторона лица выступает вперед, так что видны оба глаза.
Древние тексты определяют шесть важных живописи. Эти «Шесть конечностей» были переведены следующим образом:
Последующее развитие живописи буддистами указывает на то, что эти «Шесть конечностей» применялись на практике индийскими художниками и настоящими принципами, на основе которых основывалось их искусство.
Джахангир принимает принца Хуррама в Аджмере по возвращении из кампании Мевар, гр. 1635 Живопись Великих Моголов - это стиль индийской живописи, обычно ограниченный иллюстрации к книге и выполненный в миниатюрах, который возник, развился и сформировался в период Империи Великих Моголов между 16-19 вв. Стиль Великих Моголов находился под сильным регионом персидских миниатюр и, в свою очередь, оказал влияние на несколько индийских стилей, включая стили Раджпут, Пахари и Декан. живописи.
Картины Великих Моголов представляли собой уникальное сочетание индийского, персидского и исламского стилей. Моголовы наглядно отражали свои действия в качестве охотников и завоевателей, их художники сопровождали их в военных экспедициях или государственных миссиях, или записывали их доблесть как убийцы животных, или изображали их в великих династических церемониях браков.
A фолио из Хамзанама Правление Акбара (1556–1605) открыло новую эру в индийской миниатюрной живописи. После того, как он консолидировал свою политическую власть, он построил новую столицу в Фатехпур-Сикри, где собрал художников из Индии и Персии. Он был первым монархом, который основал в Индии ателье под руководством двух персидских мастеров-художников, Мир Сайеда Али и Абдуса Самада. Раньше они оба служили под покровителем Хумаюна в Кабуле и сопровождали его в Индию, когда он вновь занял свой трон в 1555 году. На работу было нанято более сотни самых различных из которых были из Гуджарата, Гвалиора и Кашмира, от которых родились в новую школу живописи, широко известную как Школа миниатюрных картин Моголов.
Одним из первых произведений этой школы миниатюрной живописи была серия Хамзанама, которая, по словам придворного историка Бадаюни, была начата в 1567 году и завершена в 1582 году. Хамзанама, рассказы об Амире Хамзе, дяде Пророка, были проиллюстрированы Мир Сайид Али. Картины Хамзанамы большого размера, 20 x 27 дюймов, написаны на ткани. Они выполнены в стиле персидского сафави. Преобладают ярко-красный, синий и зеленый цвета; розовые, размытые скалы и растительность, плоскости и цветущая слива. а персиковые деревья напоминают Персию. Однако индийские тона появляются в более поздних работах, когда индийские художники.
После него Джахангир исполнл художников писать портреты и сцены дурбаров. Талантливыми портретистами были Устад Мансур, Абул Хасан и Бишандас.
Шах Джахан (1627–1658) продолжали покровительство живописи. Некоторыми из известных художников того периода были Мохаммад Факирулла Хан, Мир Хашим, Мухаммад Надир, Бичитр, Читарман, Анупчхатар, Манохар и Хонхар.
Аурангзеб не любил изящные искусства, вероятно, из-за его исламского консерватизма. Из-за отсутствия покровительства художники мигрировали в Деканский и индуистский двор Раджпутаны, оказав большое влияние на стили в SE-центрах.
Композит Бурак, Национальный музей, Нью-Дели, Хайдарабад, 1770–75. Деканская живопись была произведена в Декане регионе Центральной Индии, в различных мусульманских столицах султанатов Декана, возникших в распада султаната Бахмани к 1520 году. Это были Биджапур, Голконда, Ахмаднагар, Бидар и Берар. Основной период был между концом 16 и серединой 17 века, с некоторым возрождением в середине 18 века, к тому времени сосредоточившимся на Хайдарабаде.
По сравнению с ранней живописью Великих Моголов, развивающейся в то же время до на севере. «По яркости цвета, изощренности и артистичности композиции, а также по общей атмосфере декадентской роскоши». Другие отличия включают рисование лиц, не очень искусно смоделированных, в трехчетвертном виде, а не в основном в профиль в стиле Великих Моголов, и «высоких женщин с маленькими головами» в сари. Есть много королевских сходов, хотя они не имеют точного сходства с их соответствующими портретами Моголов. Здания изображаются как «полностью плоские, похожие на экран панели».
Картины Рагамалы, декорации, иллюстрирующие (вызывая их настроение) различные музыкальные формы рага, по-предположительно, были нововведением Декан. Помимо обычных портретов и иллюстраций к литературным произведениям, встречаются иногда иллюстрированные летописи, такие как. Особенность Декана (также иногда встречающаяся в других носителях, например, слоновая кость ) - это «составное животное», большое животное, состоящее из множества меньших изображений других животных.
18 век Картина раджпута художника Нихал Чанд Несколько различных стилей живописи раджпута развились с конца 16 века в индуизме королевские дворы Раджпутана. Каждое королевство раджпутов развивало свой стиль, но с некоторыми общими чертами. Картины раджпутов представляют множество тем, эпических событий, таких как Рамаяна и Махабхарата, Кришны, прекрасные пейзажи и людей. Многие миниатюры были отдельными частями альбомов, но есть и иллюстрированные книги, и в то же время были фрески на стенах дворцов, фортов и хавели. Это особенно актуально в районе Шехавати, где марвари бизнесмены, в основном работающие в крупных городах, соревновались за то, чтобы ярко раскрасить экстерьеры домов, которые они содержали в своем родном регионе.
Живопись раджпутов состоит из четырех основных групп:
Живопись Пахари является самым северным продолжением Раджпута стиль, но обычно рассматриваются отдельно.
Кришна и Радха в павильоне, 18 век, стиль Пахари. Стиль Пахари развивался и процветал в течение 17-19 веков, начиная с Джамму - Алмора и Гарвал, в суб- Гималаях Индия, через Химачал-Прадеш. Картины Пахари можно разделить на две группы: школа Джамму или Догра; школа Башоли и Кангра. Каждый из них создавал резкие вариации в рамках жанра, начиная от смелой интенсивной живописи Басоли, происходящей из Басоли в Джамму и Кашмир, до тонкой и лиричной Кангра. картины, которые стали синонимами стиля до того, как появились другие школы живописи.
Новая тенденция в рукописной иллюстрации была задана рукописью Ниматнамы, написанной в Манду, во время правления Насир-шаха (1500–1510). Это представляет собой синтез местного и покровительственного персидского стиля, хотя именно последний преобладал в рукописях манду. Был еще один стиль живописи, известный как Лоди Хуладар, который процветал во владениях султаната в Северной Индии, простирающейся от Дели до Джаунпура.
Живопись Майсура является важной формой классической Южно-индийская живопись, возникшая в городе Майсур в штате Карнатака. Эти картины известны своей элегантностью, приглушенными цветами и вниманием к деталям. Темами большинства этих картин являются индуистские боги и богини и сцены из индуистской мифологии. В наше время эти картины стали очень популярным сувениром на праздниках в Южной Индии.
Процесс создания картины Майсура включает в себя много этапов. На первом этапе делается предварительный набросок изображения на основе. Основа состоит из патронной бумаги, наклеенной на деревянную основу. Паста из оксида цинка и гуммиарабика изготавливается под названием «гипсовая паста». Тонкой кистью закрашиваются все украшения и детали трона или арки, имеющие некоторый рельеф, для придания эффекта резьбы чуть приподнятым. Этому дают высохнуть. На это наклеена тонкая золотая фольга. Остальная часть рисунка раскрашивается акварелью. Используютсятолько приглушенные цвета.
Картина в стиле Танджора, изображающая десять сикхских гуру с Бхаи Бала и Бхаи Мардана.Живопись Танджора представляет собой классическую южноиндийская живопись, родом из города Танджор в Тамил Наду. Этот вид искусства восходит к началу 9 века, когда доминировали правители Чола, которые использовали искусство и литературу. Эти картины известны своей элегантностью, насыщенными цветами и вниманием к деталям. Темами этих картин являются индуистские боги и богини и сцены из индуистской мифологии. В наше время эти картины стали очень популярным сувениром на праздниках в Индии.
Процесс создания картины Танджора включает в себя много этапов. На первом этапе предварительный набросок изображения на основе. Основа состоит из ткани, обклеенной деревянной медицинской. Затем порошок мела или оксида цинка смешивают с водорастворимым клеем и наносят его на основу. Чтобы сделать основу более гладкой, иногда используйте мягкий абразив . После того, как рисунок нанесен, украшение и одежда на изображении декорируются полудрагоценными камнями. Также для украшения используются шнурки или нитки. Сверху наклеивается золотая фольга. Наконец, красители используются для добавления цвета к фигурам на картинах.
Паттачитра относится к классической живописи Одиши и зарегистрированной Бенгалии в восточном регионе Индии. «Патта» в Санскрит означает «Вастра» или «одежда», а «читра» означает картины.
Патачитра деревни Найя 
Патачитра деревни Найя 
Богиня Дурга и ее семья в Мединипур Патачитра 
Манаса в Калигхат Патачитре Бенгальская Патачитра Бенгальская Патачитра относится к картине Западная Бенгалия>. Это традиционное и мифологическое наследие зарегистрированной Бенгалии. Бенгальская патачитра делится на несколько различных услуг, таких как Дурга Пат, Чалчитра, Племенная Патачитра, Мединипур Патачитра, Калигхат Патачитра и т. Д. Тематика бенгальской патачитры - в основном мифологические, религиозные, фольклорные и социальные. Калигхат-патачитра, последняя традиция бенгальской патачитры, бюджет Джамини Роем. Художника бенгальской Патачитры называют Патуа.
Гита Говинда, изображенного в Паттачитре Традиция Ориша Паттачитры соответствует руководству с поклонением Господу Джаганнатхе. Помимо фрагментарных свидетельств росписей пещер Кхандагири и Удаягири и Ситабхинджи шестого века нашей эры, самыми ранними изображениями народов из Одиши являются Паттачитра, выполненные Читракарами (художники называют Читраками). Тема живописи ории сосредоточена вокруг секты вайшнавов. С момента зарождения культуры Паттачитры Господь Джаганнатх, был воплощением Господа Джаганнатх, был источником вдохновения. Тематика Патта Читра - это в основном мифологические, религиозные истории и фольклор. Темы в основном посвящены Господу Джаганнатхе и Радхе - Кришне, «Различные Весам» Джаганнатха, Балабхадре и Субхадре, храмовая деятельность, десять воплощений Вишну на основании «Гиты Говинды » Джаядев, Кама Куджара Наба Гунджара, Рамаяна, Махабхарата. Также расписываются отдельные картины богов и богинь. Художники используют растительные и минеральные цвета, не прибегая к заводским цветам плакатов. Они готовят свои собственные цвета. Белый цвет получается из ракушек раковин путем измельчения, кипячения и фильтрации в очень опасном процессе. Это требует большого терпения. Но этот процесс придает блеск и превосходство оттенку. «Hingula», минеральный цвет, используется для красного цвета. «Харитала», король каменных ингредиентов для желтого, «Рамараджа», своего рода индиго для синего. Используют чистый ламповый черный или черный, приготовленный путем сжигания скорлупы кокосового ореха. Кисти, которые используют эти Читракары, также являются местными и сделаны из шерсти домашних животных. Пучок волос, привязанных к концу бамбуковой палочки, делает кисть. Действительно удивительно, как эти художники такие грубые кистей завершают их с помощью этих грубых кистей. Эта традиция живописи ория до сих пор сохранилась в умелых руках Читракаров (живописи) в Пури, Рагхураджпуре, Паралахемунди, Чикити и Сонепур.
Живопись Мадхубани - стиль живописи, практикуемый регион Митхила в штат Бихар. Темы вращаются вокруг индуистских богов и мифологии, наряду со сценами из королевского двора и общественных мероприятий, таких как свадьбы. Обычно пустого места не остается; промежутки заполнены картинами цветов, животных, птиц и даже геометрическими узорами. В этих картинах художники используют листья, травы и цветы, чтобы создать цвет, который используется для рисования картин.
Роспись компании Дип Чанда с изображением служащего Ост-Индской компании.As Правление компаний в Индии началось в 18 веке, большое количество европейцев мигрировало в Индию. Фирменный стиль - это термин для гибридного стиля индоевропейского картин, созданных индийскими и европейскими художниками, многие из современных европейских покровителей в Британской Ост-Индской компании или другие иностранные компании 18- 19 веков. Этот стиль сочетает в себе традиционные элементы из Раджпута и живописи Великих Моголов с более западной трактовкой перспективы, объема и рецессии.
Галактика музыкантов художника Раджа Рави Варма, холст, масло. 
Радха и Кришна М. В. Дхурандхар, холст, масло. В начале 18 века в Индии началась масляная и станковая живопись, в которой участвовали многие европейские художники, такие как Зоффани, Чайник, Ходжес, Томас и Уильям Дэниелл, Джошуа Рейнольдс, Эмили Иден и Джордж Чиннери едет в Индию в поисках славы и богатства. Дворы княжеских штатов Индии привлекали внимание европейских художников из-за того, что они покровительствовали изобразительному и исполнителю искусству. Для художников это западное влияние в степени результата колониализма, рассматривалось как «средство самосовершенствования», посетившие Индию, послужили образцом. Однако они не проходят обучение. По словам Р. Шивы Кумара, «которая выпала на долю различных художественных школ, основанных в 1850-х годах, дала институциональную основу основу индийского искусства».
Самые ранние формальные художественные школы в Индии, колледж Государственный колледж изящных искусств в Мадрасе (1850), Правительственный колледж искусств и ремесел в Калькутте (1854) и Была основана школа искусств сэра Дж. Дж. в Бомбее (1857 г.).
Раджа Рави Варма был пионером современной индийской живописи. Он опирался на западные традиции и техники, включая масляную краску и станковую живопись, его предметы были чисто индийскими, например, индуистские божества и эпизоды из эпосов и пуран. Некоторые другие выдающиеся индийские художники, родившиеся в 19 веке: Махадев Вишванат Дхурандхар (1867–1944), Эйкс Триндади (1870–1935), М.Ф. Питавала (1872 г.). –1937), Савларам Лакшман Халданкар (1882–1968) и Хемен Маджумдар (1894–1948).
В XIX веке, по словам Р. Шивы Кумара, «выборочная вестернизация для самосовершенствования уступила место националистической культурной противоположности на рубеже веков - повсеместно, первый шаг к политическому сопротивлению колониальному правлению». На практике это материализовалось как ассимиляция «разнообразных азиатских элементов», расширение традиций больше, чем ее возрождение. Ведущий художник того времени, Абаниндранат Тагор (1871-1951), использовал как западный реализм, так и азиатские элементы, которые приблизили его «близко к раннему модернизму».
Реакция на Западное влияние привело к возрождению исторического и более националистического индийского искусства, получившего название бенгальской художественной школы, которое черпало из богатого культурного наследия Индии.
Бхарат Мата автор Абаниндранат Тагор (1871–1951), олицетворение Индии.
Кончина Шаха Джахана Абаниндранат Тагор.Бенгальская школа искусств была влиятельным стилем искусства, который процветал в Индии во времена британского владычества в начале 20 века. Это было связано с индийским национализмом, но также продвигалось и поддерживалось британскими администраторами искусств.
Бенгальская школа возникла как авангард и националистическое движение, выступившее против академического искусства стилей, ранее продвигаемых в индийских художниками, такими как Рави Варма и в британских художественных школах. Вслед за повсеместным студентов индийских духовных идей на Западе британский учитель искусств Эрнест Бинфилд Хавел попытался реформировать методы обучения в Калькуттской школе искусств, побуждая подражать Моголов миниатюры. Это вызвало огромные споры, вызвавшие забастовку студентов и жалобы местные прессы, в том числе считали это регрессивным шагом. Гавела поддерживал художник Абаниндранат Тагор, племянник поэта и художника Рабиндраната Тагора. Абаниндранатх написал ряд работ под разными искусствами Великих Моголов, стиля, который он и Гавел считали выражением особых духовных качеств Индии, в отличие от «материализма» Запада. Его самая известная картина, Бхарат Мата (Мать Индия), изображала молодую женщину, изображенную с четырьмя индуистскими божеств руками, предметы, символизирующие национальные чаяния Индии.
Позже Тагор попытался установить связи с дальневосточными художниками в стремлении построить паназиатскую модель искусства. С этой индо-дальневосточной моделью относились Нандалал Босе, Мукул Дей, Калипада Гхошал, Беноде Бехари Мукерджи, Винаяк Шиварам Масоджи, до нашей эры Саньял, Беохар Рамманохар Синха, а их демонстрируки А. Рамачандран, Тан Юань Чамели, Рамананда Бандопадхьяй и некоторые другие.
Влияние бенгальской школы на индийское искусство постепенно начало ослабевать с модернистских идей после обретения независимости. К. Значительна роль Г. Субраманяна в этом движении.
Термин Контекстный модернизм, который Шива Кумар использовал в каталоге выставки, стал постколониальным критическим инструментом в понимании искусства, практиковали шантиникетские художники.
Несколько терминов, включая контркультуру современности Пола Гилроя и колониальную современность Тани Барлоу, были использованы для описания разновидности альтернативной современности, которая возникла в других странах. -Европейские контексты. Профессор Галл утверждает, что «контекстуальный модернизм» - более подходящий термин, потому что «колониальное в колониальной современности не приспосабливает отказ многих людей в колонизированных ситуациях усвоить неполноценность. Отказ учителей-художников Сантиникетана от подчинения включал в себя противоположное видение современности, которое стремилось исправить расовый и культурный эссенциализм, который руководил и характеризовал имперскую западную современность и модернизм. Те европейские современности, спроецированные через торжествующую британскую колониальную мощь, вызвали националистическую реакцию, столь же проблематичную, когда они включали аналогичные эссенциализмы ».
Согласно Р. Шива Кумар «Шантиникетские художники были одними из первых, кто сознательно бросил вызов этой идее модернизма, отказавшись как от интернационалистского модернизма, так и от историцистской самобытности, и попытался создать контекстно-зависимый модернизм». Он изучал творчество шантиникетских мастеров и размышлял об их подходе к искусству с начала 80-х годов. Практика включения Нандалала Боса, Рабиндраната Тагора, Рам Кинкер Байдж и Беноде Бехари Мукерджи в Бенгальскую школу искусств был, по словам Шивы Кумара, вводящим в заблуждение. Это произошло потому, что ранние писатели руководствовались генеалогией ученичества, а не своими стилями, мировоззрением и перспективами художественной практики.
Литературный критик Ранджит Хоскоте при обзоре работ современного художника Атул Додия пишет: «Знакомство с Сантинкетаном посредством литературного обхода открыло Додии глаза на исторические обстоятельства того, что историк искусства Р. Шива Кумар назвал« контекстуальным модернизмом », развитым в восточных странах. Индия в 1930-х и 40-х годах в бурные десятилетия глобальной депрессии, освободительной борьбы Ганди, тагорского культурного возрождения и Второй мировой войны ».
Контекстуальный модернизм в недавнем прошлом нашел свое применение в других связанных области исследований, особенно Архитектура.
Бенгальские женщины Маниши Дей В колониальную эпоху западные влияния начали оказывать влияние на индийское искусство. Некоторые художники разработали стиль, в котором использовались западные идеи композиции, перспективы и реализма для иллюстрации индийских тем. Другие, такие как Джамини Рой, сознательно черпали вдохновение из народного искусства. Бхарти Дайал решила обращаться с традиционной живописью Митхилы самым современным способом и использует в своих работах как реализм, так и абстракционизм, с большим количеством фантазии, смешанной с обоими. Ее работы обладают безупречным чувством баланса, гармонии и изящества.
Ко времени провозглашения независимости в 1947 году несколько школ искусства в Индии предоставили доступ к современным методам и идеям. Для демонстрации этих художников были созданы галереи. Современное индийское искусство обычно демонстрирует влияние западных стилей, но часто вдохновляется индийскими темами и образами. Крупные артисты начинают получать международное признание, первоначально среди индийской диаспоры, но также и среди неиндийской публики.
Группа прогрессивных художников, созданная вскоре после обретения Индией независимости в 1947 году, была предназначена для установления новых способов выражения Индии в постколониальную эпоху. Учредителями выступили шесть выдающихся художников - К. Х. Ара, С. К. Бакре, Х. А. Гаде, М.Ф. Хусейн, С.Х. Раза и Ф. Н. Соуза, хотя группа была распущена в 1956 году, она оказала огромное влияние на изменение идиомы индийского искусства. Почти все ведущие художники Индии 1950-х годов были связаны с группой. Некоторые из тех, кто сегодня хорошо известен, это: Маниши Дей, В. С. Гайтонд, Кришен Кханна, Рам Кумар, Тайеб Мехта, Беохар Рамманохар Синха и Акбар Падамси. Другие известные художники, такие как Джахар Дасгупта, Прокаш Кармакар, Джон Уилкинс и Биджон Чоудхури, обогатили художественную культуру Индии. Они стали иконой современного индийского искусства. Историки искусства, такие как профессор Рай Ананд Кришна, также обращались к тем произведениям современных художников, которые отражают индийский этос.
Кроме того, рост дискурса об индийском искусстве как на английском, так и на индийских языках привел к способу восприятия искусства в художественных школах. Критический подход стал строгим, такие критики, как Гита Капур, Р. Шива Кумар способствовал переосмыслению практики искусства в Индии. Их голоса представляли индийское искусство не только в Индии, но и во всем мире. Критики также сыграли роль в качестве кураторов важных выставок, переосмыслив модернизм и индийское искусство.
Индийское искусство получило подъем с экономической либерализацией страны с начала 1990-х годов. Художники из разных областей теперь начали использовать разные стили работы. Таким образом, индийское искусство после либерализации работает не только в академических традициях, но и за их пределами. На этом этапе художники представили еще более новые концепции, которые до сих пор не встречались в индийском искусстве. Деваджьоти Рэй представил новый жанр искусства под названием Псевдореализм. Псевдореалистическое искусство - это оригинальный художественный стиль, полностью на индийской земле. Псевдореализм учитывает индийскую концепцию абстракции и использует ее для преобразования обычных сцен индийской жизни в фантастические образы.
Ладу Бай (Bhil artiste) Народное искусство - это живое искусство (современное искусство), основанное на прошлом (мифы, традиции и религия) и созданное определенными группы. Народное искусство основано на коллективной памяти этой группы.
Примеры народной индийской живописи:
Этническая живопись:
Сельская живопись:
 | На Викискладе есть средства массовой информации, связанные с Картины из Индии. |
