Войти
     | |
| Активные годы | c.1890–1910 |
|---|---|
| Страна | Западный мир |
Ар-нуво (; французский: ) - международный стиль искусства, архитектуры и прикладное искусство, особенно декоративное искусство, известные на разных языках под разными названиями: Jugendstil на немецком языке, Stile Liberty на итальянском, Modernisme català на каталонском и т. Д. На английском языке он также известен как Modern Style (британский стиль модерн). Этот стиль был наиболее популярен между 1890 и 1910 годами. Он был реакцией на академическое искусство, эклектизм и историзм архитектуры и декора XIX века. Его часто вдохновляли природные формы, такие как извилистые изгибы растений и цветов. Другими характеристиками ар-нуво были чувство динамизма и движения, часто задаваемое асимметрией или хлыстовой линией, а также использование современных материалов, в частности железа, стекла, керамики и более позднего бетона, для создания необычных форм и большего размера. открытые пространства.
Одной из основных целей модерна было сломать традиционное различие между изобразительным искусством (особенно живописью и скульптурой) и прикладным искусством. Наиболее широко он использовался в дизайне интерьеров, графике, мебели, искусстве стекла, текстиле, керамике, ювелирных изделиях и изделиях из металла. Стиль откликнулся на ведущих теоретиков 19 века, таких как французский архитектор Эжен-Эммануэль Виолле-ле-Дюк (1814–1879) и британский искусствовед Джон Раскин (1819–1900). В Британии на это повлияли Уильям Моррис и движение искусств и ремесел. Немецкие архитекторы и дизайнеры стремились к духовно возвышающему Gesamtkunstwerk («полное произведение искусства»), которое объединило бы архитектуру, мебель и искусство в интерьере в едином стиле, чтобы поднять настроение и вдохновить жителей.
Первые дома в стиле модерн и внутреннее убранство появились в Брюсселе в 1890-х годах в архитектуре и дизайне интерьеров домов, спроектированных Полом Ханкаром, Генри ван де Велде, и особенно Виктор Орта, Hôtel Tassel был завершен в 1893 году. Он быстро переехал в Париж, где его адаптировал Гектор Гимар, кто увидел работы Орты в Брюсселе и применил стиль для входов в новое парижское метро. Своего пика он достиг на Парижской международной выставке 1900, на которой были представлены работы таких художников, как Луи Тиффани, в стиле ар-нуво. Он появился в графическом искусстве на плакатах Альфонса Мухи и в стеклянной посуде Рене Лалика и Эмиля Галле.
Из Бельгии и Франции он распространился по остальной части Европа, принимая разные названия и характеристики в каждой стране (см. раздел «Именование» ниже). Он часто появлялся не только в столицах, но и в быстрорастущих городах, которые хотели утвердить художественную самобытность (Турин и Палермо в Италии; Глазго в Шотландии; Мюнхен и Дармштадт в Германии), а также в центрах движения за независимость (Хельсинки в Финляндии, в то время входившей в состав Российской империи; Барселона >в Каталонии, Испании).
К 1914 году и с началом Первой мировой войны модерн был в значительной степени исчерпан. В 1920-х годах он был заменен как доминирующий стиль архитектурного и декоративного искусства на ар-деко, а затем модернизм. Стиль ар-нуво стал получать более положительное внимание критиков в конце 1960-х, когда в 1970 году в Музее современного искусства состоялась крупная выставка работ Гектора Гимара.
Термин «модерн» впервые был использован в 1880-х годах в бельгийском журнале L'Art Moderne для описания работы Ле Винта, двадцати художников и скульпторов, ищущих реформ. через rt. Название было популяризировано Maison de l'Art Nouveau («Дом нового искусства»), художественной галереей, открытой в Париже в 1895 году франко-немецким арт-дилером Зигфридом Бингом. В Великобритании широко использовался французский термин «модерн», а во Франции его часто называли «стиль модерн» (родственный британскому термину «современный стиль») или «стиль 1900 года». Во Франции его также иногда называли «стиль Жюля Верна». (после романиста Жюля Верна ), Style Métro (после Гектора Гимара железные и стеклянные входы в метро), Art Belle Époque или Art fin de siècle.
Модерн связан со стилями, которые возникли во многих странах Европы примерно в то же время, но не тождественны им. Их местные названия часто использовались в их странах для описания всего движения.
Красный Дом от Уильяма Морриса и Филипа Уэбба ( 1859)
японский гравюра на дереве, автор Утагава Кунисада (1850-е годы)
Павлин R oom от Джеймс Макнил Уистлер (1876–1877)
Уильям Моррис печатный текстильный дизайн (1883)
дизайн обоев Swan, rush и iris от Уолтера Крейна (1883)
Стул, разработанный Артуром Макмёрдо (1882-1883)
Новое направление в искусстве берет свое начало в Великобритании, в цветочных орнаментах Уильяма Морриса, и в движении искусств и ремесел, основанном учениками Морриса. Ранние прототипы этого стиля включают Красный дом с интерьерами Морриса и архитектурой Филипа Уэбба (1859), а также роскошную Павлинью комнату Джеймса. Эббот Макнил Уистлер. Новое движение также находилось под сильным влиянием художников прерафаэлитов, включая Данте Габриэля Россетти и Эдварда Бёрн-Джонса, и особенно британских художников-графиков 1880-е годы, включая Селвин Имидж, Хейвуд Самнер, Уолтер Крейн, Альфред Гилберт и особенно Обри Бердсли. Стул, разработанный Артуром Макмёрдо, был признан предшественником дизайна в стиле модерн.
Во Франции на него повлиял архитектурный теоретик и историк Эжен Виолле-ле-Дюк, объявленный враг исторического архитектурного стиля Beaux-Arts. В своей книге «Entretiens sur l'architecture» 1872 года он писал: «Используйте средства и знания, данные нам нашим временем, без вмешательства традиций, которые сегодня уже не жизнеспособны, и таким образом мы сможем создать новую архитектуру. функция его материала; для каждого материала его форма и его украшение ". Эта книга оказала влияние на целое поколение архитекторов, включая Луи Салливана, Виктора Орта, Гектора Гимара и Антони Гауди.
Французские художники Морис Дени, Пьер Боннар и Эдуар Вюйар сыграли важную роль в интеграции живописи изобразительного искусства с декором. «Я считаю, что прежде всего картина должна украшать», - писал Денис в 1891 году. «Выбор сюжетов или сцен - ничто. Благодаря ценности тонов, цветной поверхности и гармонии линий я могу достичь духа и пробуди эмоции ". Все эти художники рисовали как в традиционной, так и в декоративной живописи на экранах, в стекле и в других средах.
Другим важным влиянием на новый стиль был японизм. Это вызвало волну энтузиазма по поводу японской гравюры на дереве, особенно работ Хиросигэ, Хокусая и Утагава Кунисада, которые были импортированы в Европу с 1870-х годов. Предприимчивый Зигфрид Бинг основал ежемесячный журнал Le Japon artistique в 1888 году и опубликовал тридцать шесть выпусков до его закрытия в 1891 году. Он оказал влияние как на коллекционеров, так и на художников, включая Густава Климта. Стилизованные черты японской гравюры проявились в графике ар-нуво, фарфоре, украшениях и мебели. С начала 1860 г. внезапно проявилось влияние Дальнего Востока. В 1862 году любители искусства из Лондона или Парижа могли купить японские произведения искусства, потому что в этом году Япония впервые выступила в качестве экспонента на Международной выставке в Лондоне. В том же 1862 году в Париже был открыт магазин La Porte Chinoise на Rue de Rivoli, где продавались японские укиё-э и другие предметы с Дальнего Востока. В 1867 г. появились «Примеры китайских орнаментов» Оуэна Джонса, в 1870 г. «Искусство и промышленность в Японии» Р. Алкока, а двумя годами позже О. Х. Мозер и Т. В. Катлер опубликовали книги о японском искусстве. Некоторые художники в стиле модерн, такие как Виктор Орта, владели коллекцией дальневосточного искусства, особенно японского.
Новые технологии в полиграфии и издательском деле позволили ар-нуво быстро достичь глобальной аудитории. Художественные журналы, иллюстрированные фотографиями и цветными литографиями, сыграли важную роль в популяризации нового стиля. Студия в Англии, Arts et idèes и Art et décoration во Франции, и Jugend в Германии позволили стилю быстро распространиться по всем уголкам Европы. Обри Бердсли в Англии и Эжен Грассе, Анри де Тулуз-Лотрек и Феликс Валлоттон получили международное признание как иллюстраторы. Плакаты Жюля Шере для танцовщицы Лои Фуллер в 1893 г. и Альфонса Мухи для актрисы Сары Бернхардт в 1895 г. стала не просто рекламой, а видом искусства. Сара Бернар отложила большое количество своих плакатов для продажи коллекционерам.
Hankar House от Paul Hankar (1893)
Лестница Hôtel Tassel от Виктор Орта (1892–1893)
Блуменверф дом Генри ван де Вельде (1895)
Стул Bloemenwerf, сделанный Ван де Вельде для своей резиденции (1895)
Плакат для Международной выставки Анри Прива-Ливемонт (1897)
Первые городские дома в стиле модерн, Hankar House от Paul Hankar (1893) и Hôtel Tassel от Victor Horta (1892–1893) были построены почти одновременно в Брюсселе. Ханкара особенно вдохновили теории французского архитектора Эжена Виолле-ле-Дюк. С целью создания синтезаизобразительного искусства и декоративного искусства он привел [fr ] и [fr ], чтобы украсить интерьер и экстерьер сграффито сграффито, или фрески. Ханкар украсил магазины, рестораны и галереи, что местный критик назвал «настоящим бредом оригинальности». Он умер в 1901 году, когда движение начало получать признание.
Виктор Орта был одним из самых влиятельных архитекторов раннего модерна, а его Hôtel Tassel (1892–1893) является одной из визитных карточек стиля. Орта получил архитектурное образование в качестве помощника Альфонса Балата, архитектора Леопольда II из Бельгии, построившего монументальные железные и стеклянные Теплицы Лакена. В 1892–1893 годах он применил этот опыт совсем по-другому. Он спроектировал резиденцию выдающегося бельгийского химика Эмиля Тасселя на очень узком и глубоком участке. Центральным элементом дома была лестница, не огражденная стенами, а открытая, украшенная вьющимися коваными перилами и помещенная под высоким потолочным окном. Полы поддерживали тонкие железные колонны, похожие на стволы деревьев. Мозаичные полы и стены были украшены изящными арабесками в цветочных и растительных формах, которые стали самой популярной визитной карточкой этого стиля. За короткий период Орта построил еще три таунхауса, все с открытыми интерьерами и все с мансардными окнами для максимального внутреннего освещения: Hôtel Solvay, Hôtel van Eetvelde и Maison Atelier Horta. Все четыре в настоящее время являются частью объекта всемирного наследия ЮНЕСКО.
Генри ван де Вельде, родившийся в Антверпене, был еще одной фигурой, которая положила начало рождению ар-нуво. Проекты Ван де Вельде включали интерьер его резиденции Bloemenwerf (1895). Внешний вид дома был вдохновлен Red House, резиденцией писателя и теоретика Уильяма Морриса, основателя движения искусств и ремесел. По образованию художник, Ван де Вельде обратился к иллюстрации, затем к дизайну мебели и, наконец, к архитектуре. Для Bloemenwerf он создал текстиль, обои, столовое серебро, украшения и даже одежду, которые соответствовали стилю резиденции. Ван де Вельде отправился в Париж, где он спроектировал мебель и декорации для Самуэля Бинга, чья парижская галерея дала название стилю. Он также был одним из первых теоретиков ар-нуво, требовавших использования динамичных, часто противоположных линий. Ван де Вельде писал: «Линия - это сила, подобная всем другим элементарным силам. Несколько линий, соединенных вместе, но противостоящих друг другу, имеют такое же сильное присутствие, как и несколько сил». В 1906 году он уехал из Бельгии в Веймар (Германия), где основал Великокняжескую школу искусств и ремесел, где преподавание исторических стилей было запрещено. Он сыграл важную роль в немецком Werkbund, прежде чем вернуться в Бельгию.
Дебют архитектуры в стиле модерн в Брюсселе сопровождался волной декоративного искусства в новом стиле. Среди выдающихся художников были Гюстав Штраувен, который использовал кованое железо для создания эффектов барокко на фасадах Брюсселя; дизайнер мебели Гюстав Серрюрье-Бови, известный своими весьма оригинальными стульями и шарнирно-металлической мебелью; и ювелирный дизайнер Филипп Вольферс, который создавал украшения в виде стрекоз, бабочек, лебедей и змей.
Брюссельская международная выставка, проходившая в 1897 году, привлекла международное внимание к стилю; Орта, Ханкар, Ван де Вельде и Серрюрье-Бови, среди прочих, приняли участие в оформлении ярмарки, а Анри Прива-Ливемонт создал плакат для выставки.
Зигфрид Бинг пригласил художников показать современные работы в его новом Maison de l'Art Nouveau (1895)).
Галерея Maison de l'Art Nouveau Зигфрида Бинга (1895)
Плакат Феликса Валлоттона для нового Дома Art Nouveau (1896)
Ворота в Castel Béranger by Гектор Гимар (1895–1898)
Франко-немецкий торговец произведениями искусства и издатель Зигфрид Бинг сыграл ключевую роль в популяризации стиля. В 1891 году он основал журнал, посвященный искусству Японии, который способствовал популяризации японизма в Европе. В 1892 году он организовал выставку семи художников, среди которых Пьер Боннар, Феликс Валлотон, Эдуар Вюйар, Тулуз-Лотрек и Эжен Грассе, который включал в себя как современную живопись, так и декоративные работы. Эта выставка была показана в Société nationale des beaux-arts в 1895 году. В том же году Бинг открыл новую галерею на 22 rue de Provence в Париже, дом . de l'Art Nouveau, посвященная новым произведениямкак изобразительного, так и декоративного искусства. Интерьер и мебель галереи были спроектированы бельгийским архитектором Генри ван де Вельде, одним из пионеров архитектуры ар-нуво. Maison de l'Art Nouveau представил картины Жоржа Сёра, Поля Синьяка и Тулуз-Лотрека, стекло от Louis Comfort Tiffany и Эмиль Галле, украшения Рене Лалика и плакаты Обри Бердсли. Представленные работы были отнюдь не однотипными. Бинг писал в 1902 году: «Ар-нуво во время своего создания никоим образом не стремился удостоиться чести стать общим термином. Это было просто название дома, открытого для объединения всех молодых и молодых людей. ярые художники, нетерпеливые показать современность своих тенденций ».
Этот стиль быстро заметили в соседней Франции. После посещения Hôtel Tassel в Орте, Эктор Гимар построил Castel Béranger, одно из первых парижских зданий в новом стиле между 1895 и 1898 годами. Парижане жаловались на однообразие архитектуры. бульваров, построенных при Наполеоне III Жоржем-Эженом Османом. Замок Беранже представляет собой любопытное сочетание неоготики и модерна с изогнутыми хлыстовыми линиями и естественными формами. Гимар, публицист своей работы, опыт заявлено: «Чего следует избегать любой ценой, так это... параллели и симметрии. Природа - величайший строитель из всех, а природа не создает ничего параллельного и ничего симметричного ».
Парижане приветствовали оригинальный и колоритный стиль Гимара; Замок Беранже был выбран как один из лучших новых фасадов Парижа, положив начало карьере Гимара. Гимар получил заказ на проектирование входов для новой системы Paris Métro, который привлек внимание миллионов посетителей городской выставки 1900 Exposition Universelle.
Главный вход в Париж Выставка 1900 Universelle
Павильон фанатиков, демонстрирующий работы художника-керамиста Александра Биго
Вход в австрийский павильон с экспонатами, разработанными Йозеф Хоффманн
Немецкий павильон Бруно Меринга
Вход на станцию парижского метро Abbesses разработан Гектором Гимаром для Вселенной выставки 1900 года
Армас Линдгрен и Элиэль Сааринен получил международное признание за свой дизайн павильона Финляндии
Меню, разработанное Альфонсом Муха для ресторана павильона Боснии
Портик Севрский фарфор Павильон (1900 г.), сейчас на площади Феликса-Дезрюэля в Париже
Париж 1900 Вселенная выставки e ознаменовал расцвет стиля модерн. В период с апреля по ноябрь 1900 года он привлек почти пятьдесят миллионов посетителей со всего мира и периметр архитектуры, дизайн, изделия из стекла, мебель и декоративные предметы стиля. Архитектура экспозиции представляет собой смесь ар-нуво и изящных искусств : выставочный зал, Большой дворец имел фасад изящных искусств, совершенно не связанный с зрелищным искусством. Лестница и выставочный зал в стиле модерн в интерьере.
Все французские дизайнеры сделали для выставки специальные работы: Lalique хрусталь и украшения; украшения от Анри Вевер и Жоржа Фуке ; Даум стекло; национальной мануфактуры Севр из фарфора ; керамика Александра Биго ; скульптурные стеклянные лампы и вазы работы Эмиля Галле ; мебель Эдуара Колонна и Луи Мажореля ; и многие другие известные фирмы декоративно-прикладного искусства. На Парижской выставке 1900 года Зигфрид Бинг представил павильон под названием Bing в стиле модерн, в котором были представлены шесть различных интерьеров, полностью оформленных в этом стиле.
Экспозиция была первой международной выставкой для дизайнеров в стиле модерн. и художники со всей Европы и за ее пределами. Среди лауреатов и участников были Альфонс Муха, который сделал фрески для павильона Боснии и Герцеговины и разработал меню для ресторана павильона; декораторы и дизайнеры Бруно Пауль и Бруно Мёринг из Берлина; Карло Бугатти из Турина ; Бернхардт Панкок из Баварии ; Русский архитектор-дизайнер Федор Шехтель, и Луи Комфорт Тиффани и компания из США. Венский архитектор Отто Вагнер был членом жюри и представил модель ванной комнаты в стиле модерн в своей городской квартире в Венеции со стеклянной ванной. Йозеф Хоффманн спроектировал ее. Венский экспонат на парижской выставке, посвященный проектам Венского Сецессиона. Элиэль Сааринен впервые получил международное признание за свой творческий проект павильона Финляндии.
Хотя Парижская выставка была безусловно самой большой, другие экспозиции сделали многое для популяризации стиля. Всемирная выставка Барселоны 1888 года ознаменовала начало модернизация в Испании, с некоторыми зданиями Lluís Domènech i Montaner. Международная выставка декоративного искусства 1902 года в Турине, Италия. На ней были представлены дизайнеры со всей Европы, в том числе Виктор Орта из Бельгии и Йозеф Мария Ольбрих из Вены., наряду с местными художниками, такими как Карло Бугатти, Галилео Чини и Эудженио Куарти.
Плакат для танцовщица Лойя Фуллер Жюль Шере (1893)
Плакат Альфонса Мухи для фильма Жисмонда с Сарой Бернар (1894)
Лестница Пти-Пале, Париж (1900)
Дверь в Здании Лавиротта от Жюль Лавиротт, 29, авеню Рапп, Париж (1901)
Ювелирный магазин Жоржа Фуке на 6, rue Royale, Париж, дизайн Альфонса Мухи, теперь в Музее Карнавале (1901)
Гребень из рога, золота и бриллиантов Рене Лалика (ок. 1902) (Musée д'Орсе )
Вилла Мажорель в Нэнси для дизайнера мебели Луи Мажорель архитектор Анри Соваж (1901–02)
Мебель для спальни виллы Мажорель (1901–02), сейчас находится в Музее изящных иску сств Нанси
Стеклянная и кованая решетка входной двери виллы Мажорель (1901)
После выставки 1900 года столицей стиля модерн стал Париж. Самые экстравагантные резиденции в этом стиле были построены Жюлем Лавироттом, который полностью покрыл фасады керамическими скульптурными украшениями. Самый яркий пример - Lavirotte Building, 29, авеню Рапп (1901 г.). Офисные здания и универмаги представляли собой высокие дворы, покрытые витражными куполами и керамическими украшениями. Стиль был особенно популярен в ресторанах и кафе, включая Maxim's на 3, rue Royale и Le Train bleu на Лионском вокзале <1028.>(1900).
Статус Парижа привлекает в город иностранных художников. Художник швейцарского происхождения Эжен Грассе был одним из первых создателей французского плаката в стиле модерн. Он участвовал в оформлении знаменитого кабаре Le Chat Noir в 1885 году, сделал свои первые плакаты для Парижского праздника и знаменитый плакат Сары Бернар в 1890 году. В Париже он преподавал в Школе искусств Герена (École normale d'enseignement du dessin), среди его учеников были Аугусто Джакометти и Поль Бертон. Родившийся в Швейцарии Теофиль-Александр Стейнлен создал знаменитый плакат для парижского кабаре Le Chat noir в 1896 году. Чешский художник Альфонс Муха (1860–1939) прибыл в Париж в 1888 году и в 1895 году сделал плакат для актрисы Сары Бернар в пьесе Жисмонда по Викториен Сарду в Театр Ренессанса. Успех этого заключения контракта на изготовление плакта еще для шести пьес Бернхардта.
Город Нанси в Лотарингии стал другой французской столицей нового стиля. В 1901 году был основан Союз провинциальных индустрий искусства, также известный как École de Nancy, целью которого было нарушение иерархии, которая ставила живопись и скульптуру выше декоративного искусства. Среди крупных художников, работающих там, были создатели стеклянных ваз и ламп Эмиль Галле, братья Даум в дизайне стекла, а также дизайнер Луи Мажорель, который создал мебель с изящные цветочные и растительные формы. Архитектор Анри Соваж привнес новый архитектурный стиль в Нанси со своей виллой Мажорель в 1902 году.
Французский стиль широко пропагандировался в новых журналах, в том числе в Studio, Arts et Idées и Art et Décoration, чьи фотографии и цветные литографии сделали стиль известным дизайнерам и состоятельным клиентам во всем мире.
Во Франции этот стиль достиг своего пика в 1900 году, после чего он быстро вышел из моды, практически исчез из Франции в 1905 году. Ар-нуво был стилем роскоши, который требовал опытных и высокооплачиваемых мастеров и мог нелегко или дешево выполнять в массовом порядке. Одними из немногих продуктов в стиле ар-нуво, которые можно было производить массово, были флаконы для духов, и они все еще производятся в этом стиле.
Деталь Зимнего сада Hôtel van Eetvelde, автор Виктор Орта, Брюссель (1898–1898 гг.) 1900)
Гюстав Страувен, Maison Saint Cyr, Брюссель (1901)
Дом архитектора Поля Коши (1905) с изображением сграффито, Брюссель
Стул Генри ван де Вельде (1896)
Кровать и зеркало Гюстав Серрюрье-Бови (1898–1899), теперь в Musée d'Orsay,Париж
Филипп Вольферс, Плюм де Паон, (Коллекция Фонда короля Бодуэна, депо: KMKG-MRAH)
Бельгия ранним центром ар-нуво, во многом благодаря мощностиуре Виктора. Орта, который спроектировал один из первых домов в стиле модерн, Hôtel Tassel в 1893 году и три других таунхауса в вариациях того же стиля. Сейчас они объекты всемирного наследия ЮНЕСКО. Орта оказал сильное влияние на творчество молодого Гектора Гимара, который приехал посмотреть строящийся отель Tassel, а позже заявлено, что Орта был «изобретателем» стиля модерн. Новаторство Орты заключалось не в фасаде, а в интерьере, в котором использовалось обилие железа и стекла, чтобы открыть пространство и залить светом комнаты, а также украсить их коваными железными колоннами и перилами в изогнутых растительных формах, которые отражались на полу и стены, а также мебель и ковры, которые спроектировал Орта.
Поль Ханкар был еще одним пионером брюссельского модерна. Его дом был завершен в 1903 году, в том же году, что и отель Орта Tassel, и украшен фресками сграффити на фасаде. На Ханкара повлияли как Виолле-ле-Дюк, так и идеи английского движения искусств и ремесел. Его идея заключалась в том, чтобы объединить декоративное и изобразительное искусство в единое целое. Он поручил скульптору Альфреду Крику и художнику [fr ] украсить фасады домов своими работами. Самым ярким примером был дом и студия, построенные для художника Альберта Чамберлани на улице Defacqz / Defacqzstraat 48 в Брюсселе, для которого он создал пышный фасад, покрытый фресками сграффито с раскрашенными фигурами и орнаментом, воссоздающими декоративная архитектура Quattrocento, или Италия XV века. Ханкар умер в 1901 году, когда его работа только-только получила признание.
Гюстав Штраувен был ассистентом Орты, прежде чем он начал свою собственную практику в 21 год. Его самая известная работа - Maison Saint Cyr на площади Амбиорикс в Брюсселе. Ширина всего четыре метра, она сверху донизу украшена изогнутым орнаментом в стиле ар-нуво-барокко.
Среди других выдающихся художников ар-нуво из Бельгии были архитектор и дизайнер Генри ван де Вельде, хотя наиболее важная часть его карьеры была проведена в Германии; он сильно повлиял на убранство стиля модерн. Среди других были декоратор Гюстав Серрюрье-Бови и график Фернан Кнопф. Бельгийские дизайнеры воспользовались обильными поставками слоновой кости, импортированной из Бельгийского Конго ; были популярны смешанные скульптуры из камня, металла и слоновой кости, созданные такими художниками, как Филипп Вольферс.
Амстердамская товарная биржа, Хендрик Петрус Берлаге (1896–1903)
Шкаф / стол Берлаге (1898)
Плакат для Делфтского салатного масла Ян Тороп (1893)
Ваза с абстрактным цветочным узором. Тео Коленбрандер (1898)
Фарфоровая ваза, разработанная Дж. Юрриааном Коком и украшенная В. Р. Стеркеном (1901 г.)
В Нидерландах этот стиль был известен как Nieuwe Stijl («Новый стиль»)) или Nieuwe Kunst («Новое искусство»), и оно приняло направление, отличное от более цветочного и изогнутого стиля в Бельгии. На него повлияли более геометрические и стилизованные формы немецкого модерна и австрийского Венского сецессиона. На него также повлияли искусство и импорт древесины из Индонезии, затем Голландской Ост-Индии, особенно дизайн текстиля и батика из Явы..
Самым важным архитектором и дизайнером мебели в этом стиле был Хендрик Петрус Берлаге, который осуждал исторические стили и выступал за чисто функциональную архитектуру. Он писал: «Необходимо бороться с искусством иллюзии, чтобы распознать ложь, чтобы найти сущность, а не иллюзию». Как и Виктор Орта и Гауди, он был поклонником архитектурных теорий Виолле-ле-Дюк. Его мебель была спроектирована так, чтобы быть строго функциональной и уважать естественные формы дерева, а не гнуть или скручивать ее, как если бы она была металлической. Он указал на пример египетской мебели и предпочел стулья с прямыми углами. Его первой и самой известной архитектурной работой была Биржа Берлаге (1896–1903), Амстердамская товарная биржа, которую он построил в соответствии с принципами конструктивизма. Все было функционально, в том числе линии заклепок, украшавшие стены главной комнаты. Он часто включал в свои здания очень высокие башни, чтобы сделать их более заметными, что использовалось другими архитекторами в стиле модерн того периода, в том числе Йозефом Марией Ольбрихом в Вене и Элиэлем Саариненом в Финляндии..
Другие постройки в стиле: American Hotel (1898–1900), также построенный Берлаге; и период Ast Jugendstil совпал с Золотым веком финского искусства и национальным пробуждением. После Парижской выставки в 1900 году ведущим финским художником был Аксели Галлен-Каллела. Он известен своими иллюстрациями к финскому национальному эпосу "Калевала", а также росписью многочисленных зданий еврейского стиля в герцогстве.
Архитекторами финского павильона на выставке были Герман Гезеллиус, Армас Линдгрен и Элиэль Сааринен. Они работали вместе с 1896 по 1905 год и построили много известных зданий в Хельсинки, включая здание Pohjola Insurance (1899–1901) и Национальный музей Финляндии (1905–1910).), а также их совместное проживание Хвиттреск в Киркконумми (1902). Архитекторов вдохновляли скандинавские легенды и природа, грубый гранитный фасад стал символом принадлежности к финскому народу. После распада фирмы Сааринен спроектировал железнодорожный вокзал Хельсинки (1905–1914) в более четких формах под влиянием американской архитектуры. Скульптором, который работал с Саариненом при строительстве Национального музея Финляндии и железнодорожного вокзала Хельсинки, был Эмиль Викстрём.
Другим архитектором, создавшим несколько известных работ в Финляндии, был Ларс Сонк. Его основные работы в стиле модерн: собор Тампере (1902–1907), Айнола, дом Жана Сибелиуса (1903), штаб-квартира Хельсинкской телефонной ассоциации (1903). –1907) и Церковь Каллио в Хельсинки (1908–1912). Кроме того, брат Хелен Шерфбек, в 1903 году построил туберкулез санаторий, известный как Санаторий Нуммела, в стиле югендстиль.
Графический дизайн Герхарда Мунте (1914)
Стул викинг в стиле модерн норвежского дизайнера Ларса Кинсарвика (1900)
Центр ар-нуво в Олесунде (1905–1907)
Интерьер Центра модерна в Олесунне
Орнаменты двери в Центре модерна в Олесунне
Норвегия также стремилась к независимости (от Швеции), а местный модерн был связан с возрождение, вдохновленное народным искусством и ремеслами викингов. Среди известных дизайнеров были Ларс Кисарвик, который разработал стулья с традиционными викинговыми и кельтскими узорами, и Герхард Мунте, который также разработал стул со стилизованной эмблемой в виде головы дракона с древних кораблей викингов. широкий выбор плакатов, картин и графики.
Норвежский город Олесунн считается главным центром модерна в Скандинавии, поскольку он был полностью реконструирован после пожара 23 января 1904. Около 350 зданий было построено в период с 1904 по 1907 год по плану города, разработанному инженером Фредериком Нессером. Слияние единства и разнообразия породило стиль, известный как Ål Stil. Здания этого стиля имеют линейный декор и отголоски как югендстиля, так и народных элементов, например башни деревянных церквей или гребенчатые крыши. В одном из зданий, Swan Pharmacy, теперь находится Центр модерна.
Ваза с ежевикой, картина Пера Алгота Эрикссона и серебро Э. Лефевра, в Музее Брёхана. (Берлин)
Чашка и блюдце из сервиза 'iris' (1897), в Музее искусств округа Лос-Анджелес
Чернильница и коробка для марок, автор Йенс Даль-Йенсен (ок. 1900 г.)), в Hessisches Landesmuseum Darmstadt (Дармштадт, Германия)
Большой зал городской библиотеки Орхуса, автор Карл Хансен Рейструп
Алтарь Энгельбректскиркан в Стокгольм (1914)
Шедевры югендстиля из других стран Северной Европы включают Engelbrektskyrkan (1914) и Королевский драматический театр (1901–1908) в Стокгольме, Швеция и бывшая Городская библиотека (ныне Датский национальный деловой архив ) в Орхусе, Дания (1898–1901). Архитектором последнего является Хак Кампманн, затем сторонник национального романтического стиля, который также создал Custom House, Theater и Вилла Кампен в Орхусе. Самым известным в Дании дизайнером ар-нуво был ювелир Георг Йенсен.
Модерн яйцо Фаберже (1898)
Иллюстрация Жар-птицы по Иван Билибин (1899)
Набор для Николая Римского-Корсакова «Шахерезада» по Леона Бакста (1910)
Программный дизайн для " Послеполуденный отдых фавна »Леон Бакст для Русских балетов, (1912)
Стулья Сергея Малютина, Талашкинская художественная колония
Керамический камин на Тема русского фольклора Михаила Врубеля (1908)
Модерн («Модерн») была очень красочной русской вариацией модерна, которая появился в Москве и Санкт-Петербурге в 1898 году с изданием нового художественного журнала «Мир искусства» (транслитерация: Мир Искусства ) («Мир искусства») на русском языке. художники Александр Бенуа и Леон Бакст и главный редактор Сергей Дягилев. Журнал организовывал выставки ведущих русских художников, в том числе Михаила Врубеля, Константина Сомова, Исаака Левитана, книжного иллюстратора Ивана Билибина. Стиль «Мир искусства» меньше использовал растительные и цветочные формы французского модерна; в нем много ярких красок и экзотических мотивов русского фольклора и сказок. Самым значительным вкладом «Мира искусства» стало создание новой балетной труппы Ballets Russes во главе с Дягилевым, костюмы и декорации которой были разработаны Бакстом и Бенуа. Премьера новой балетной труппы состоялась в Париже в 1909 году и выступала там каждый год до 1913 года. Экзотические и красочные декорации, созданные Бенуа и Бакстом, оказали большое влияние на французское искусство и дизайн. Эскизы костюмов и декораций воспроизводились в ведущих парижских журналах L'Illustration, La Vie parisienne и Gazette du bon ton, а русский стиль стал известен. в Париже как а-ля Бакст. Компания застряла в Париже сначала из-за начала Первой мировой войны, а затем из-за русской революции в 1917 году и, по иронии судьбы, никогда не выступала в России.
Из русских архитекторов самые выдающиеся. в чистом стиле модерн был Федор Шехтель. Самый известный пример - Рябушинский дом в Москве. Он был построен российским бизнесменом и владельцем газеты, а затем, после русской революции, стал резиденцией писателя Максима Горького, а сейчас это Музей Горького. Его главная лестница, сделанная из полированного заполнителя из бетона, мрамора и гранита, имеет плавные изгибающиеся линии, похожие на морские волны, и освещена лампой в виде плавающей медузы. В интерьере также присутствуют двери, окна и потолок, украшенные красочными мозаичными фресками. Шехтель, который также считается важной фигурой русского символизма, спроектировал несколько других знаковых зданий в Москве, включая реконструкцию Московского Ярославского вокзала в более традиционном стиле московского возрождения.
Дом Рябушинского в Москве от Федора Шехтеля (1900)
Парадная лестница Дома Рябушинского Москва от Федора Шехтеля (1900)
Дом Теремок в Талашкино Русское Возрождение работа Сергея Малютина (1901–1902)
Картуш с маскароном, на фасад Дома певца, автор Павел Сузор (1904)
Дом Перцова Сергея Малютина в Москве (1905–1907)
Фасад Гостиница Метрополь в Москве с мозаиками Михаила Врубеля (1899–1907)
Столовая Гранд Отеля Европа в Санкт-Петербурге (1910)
Русское Возрождение Внешний вид Ярославского вокзал Федор Шехтель в Москве (1902–1904)
Церковь Святого Духа в Талашкино, автор Сергей Малютин
Другие русские архитекторы период создания архитектуры русского возрождения, заимствованной из исторической русской архитектуры. Эти постройки создавались в основном из дерева и относились к Зодчеству Киевской Руси. Один из примеров - дом Теремок в Талашкино (1901–1902) Сергея Малютина и Дом Перцовой (также известный как Дом Перцова) в Москве (1905–1907). Также он был членом движения Мир искусства. Санкт-Петербург архитектор Николай Васильев, построенный в разных стилях до эмиграции в 1923 году. Это здание наиболее примечательно резьбой по камню Сергея Вашкова, вдохновленной резьбой Собора. Димитрия в Владимире и Георгиевский собор в Юрьеве-Польском XII и XIII веков. Марфо-Мариинский женский монастырь (1908–1912) от Алексея Щусева - это обновленная версия классической Русской Православной Церкви. Позднее Щусев спроектировал Мавзолей Ленина (1924) в Москве.
Несколько художественных колоний в России в этот период были построены в стиле русского возрождения. Две самые известные колонии находились в Абрамцево, финансировались Саввой Мамонтовым, и Талашкино, Смоленской губернии, финансировались Княгиня Мария Тенишева. Одним из примеров этой архитектуры русского возрождения является Марфо-Мариинский монастырь (1908–1912), обновленная Русская Православная Церковь Алексея Щусева, который позже, по иронии судьбы, спроектировал Ленинский собор. Мавзолей в Москве.
Фасад дома на улице Элизабетес, 10б, автор Михаил Эйзенштейн (1903)
Лестница в доме Пекшена, автор Константин Пекшенс (1903), в настоящее время размещается Рижский музей Югендстиля
Национальное романтическое украшение в доме, построенном Константином Пекшенсом (1908)
Министерством образования, построенным Эдгаром Фризендорфом (1911)
Рига, нынешняя столица Латвии, была в то время одним из крупнейших городов Российской Империи. Архитектура ар-нуво в Риге, тем не менее, развивалась в соответствии со своей собственной динамикой, и этот стиль стал чрезвычайно популярным в городе. Вскоре после Латвийской этнографической выставки в 1896 году и промышленной и ремесленной выставки в 1901 году модерн стал доминирующим стилем в городе. Таким образом, архитектура в стиле модерн составляет одну треть всех зданий в центре Риги, что делает его городом с самой высокой концентрацией таких зданий в мире. Количество и качество архитектуры в стиле модерн были одними из критериев включения Риги в всемирное культурное наследие ЮНЕСКО..
В Риге были разные вариации архитектуры в стиле модерн:
Некоторые более поздние неоклассические постройки также содержали детали стиля модерн.
Вилла Фалле с еловым декором (1906) Эдуарда Жаннере (Ле Корбюзье ) (1905)
Крематорий (1908–10), интерьер, стилизованный под елку на потолке. Позже были добавлены фрески-символисты Л'Эпплаттенье.
Крематорий (1908–10), с деталью стилизованного «сапина» или сосновой шишки
Крематорий (1908–10), с деталью сосновой шишки.
Вариант под названием Style Sapin («Стиль соснового дерева») появился в La Chaux-de-Fonds в кантоне Невшатель в Швейцарии. Стиль был создан художником и художником Шарлем л'Эплаттенье и был вдохновлен сапином, или сосной, и другими растениями и дикой природой гор Юра. Одной из его главных работ был Крематорий в городе, в котором использовались треугольные формы деревьев, сосновые шишки и другие природные мотивы этого региона. Стиль также сочетался с более геометрическими стилистическими элементами югендстиля и венского сецессиона.
. Еще одно примечательное здание в стиле - Villa Fallet La Chaux-de. -Fonds, шале, спроектированное и построенное в 1905 году учеником L'Epplattenier, восемнадцатилетним Шарлем-Эдуардом Жаннере (1887–1965), который позже стал более известен как Ле Корбюзье, Форма дома была традиционной швейцарской шале, но в отделке фасада использовались треугольные деревья и другие природные элементы. Жаннере построил еще два шале в этом районе, в том числе виллу Stotzer, в более традиционном стиле шале..
Часовня Тиффани из Колумбийской выставки Уорда 1893 года, теперь в Музее американского искусства Чарльза Хосмера Морса в <943 году.>Винтер-Парк, Флорида
Стеклянная ваза Луи Комфорт Тиффани теперь в Художественном музее Цинциннати (1893–96)
Плакат «Век» автора Луи Джон Рэд (1894)
Лампа из глицинии Луи Комфорт Тиффани (около 1902 г.), в Музее изящных искусств Вирджинии
Окно Тиффани в его доме в Ойстер-Бэй, Нью-Йорк
Окно «Полет душ» Луи Комфорт Тиффани выиграло золотую медаль на Парижской выставке 1900 года
Окна здания Уэйнрайт-билдинг, автор Луи Салливан (1891)
Орнамент транспорта Здание, Чикаго, Луи Салливан (1893)
Деталь Prudential (Guaranty) Building, Нью-Йорк Луи Салливан (1896)
Национальный фермерский банк Оватонны Луи Салливана (1907) –08)
В Соединенных Штатах фирма Louis Comfort Tiffany играла центральную роль в американском стиле модерн. Он родился в 1848 году, учился в Национальной академии дизайна в Нью-Йорке, начал работать со стеклом в 24 года, вошел в семейный бизнес, начатый его отцом, а в 1885 году основал собственное предприятие, посвященное тонкое стекло и разработали новые техники его окраски. В 1893 году он начал изготавливать стеклянные вазы и чаши, снова разрабатывая новые методы, позволяющие создавать более оригинальные формы и цвета, и начал экспериментировать с декоративным оконным стеклом. Слои стекла были напечатаны, покрыты мрамором и наложены друг на друга, придавая исключительное богатство и разнообразие цветов. В 1895 году его новые работы были представлены в галерее Зигфрида Бинга в стиле модерн, что дало ему новую европейскую клиентуру. После смерти своего отца в 1902 году он принял на себя управление всем предприятием Tiffany, но по-прежнему уделял много времени проектированию и производству предметов искусства из стекла. По настоянию Томаса Эдисона он начал производить электрические лампы с разноцветными стеклянными абажурами в структурах из бронзы и железа или украшенные мозаикой, выпускаемые многочисленными сериями и выпусками, каждая из которых сделана с особой тщательностью. ювелирных изделий. Над каждым изделием работала команда дизайнеров и мастеров. Лампа Тиффани, в частности, стала одной из икон стиля модерн, но мастера Тиффани (и мастерицы) спроектировали и изготовили необычные окна, вазы и другие изделия из стекла. Стекло Тиффани также имело большой успех на Всемирной выставке 1900 г. в Париже; его витраж «Полет душ» получил золотую медаль. Колумбийская выставка была важным местом для Тиффани; Спроектированная им часовня была представлена в Художественно-промышленном павильоне. Часовня Тиффани вместе с одним из окон дома Тиффани в Нью-Йорке теперь экспонируется в Музее американского искусства Чарльза Хосмера Морса в Винтер-парке, Флорида.
Другой важной фигурой в американском стиле модерн был архитектор Луи Салливан. Салливан был ведущим пионером современной американской архитектуры. Он был основателем чикагской школы, архитектором некоторых из первых небоскребов и учителем Фрэнка Ллойда Райта. Его самая известная поговорка была «Форма следует за функцией». Хотя форма его зданий определялась их функцией, его убранство было образцом американского ар-нуво. На Всемирной Колумбийской выставке 1893 года в Чикаго, наиболее известной благодаря неоклассической архитектуре своего знаменитого Белого города, он спроектировал впечатляющий вход в стиле модерн для очень функционального транспортного здания.
В то время как архитектура его здание «Карсон, Пири, Скотт и компания» (1899) (ныне Центр Салливана ) было поразительно современным и функциональным, он окружил окна стилизованным цветочным декором. Он изобрел столь же оригинальное украшение для Национального фермерского банка в Оватонне, Миннестота (1907–1908 гг.), И для Национального банка купцов в Гринелле, штат Айова. Он изобрел специфически американскую разновидность ар-нуво, заявив, что декоративные формы должны бесконечно колебаться, колебаться, смешиваться и развиваться. Он создавал очень точные произведения, в которых иногда сочетались готика с темами модерна.
Витражи и скульптуры Эрколе Пазины в доме Кализе в Буэнос-Айресе (1911)
Интерьер Галерия Гуэмес, Буэнос-Айрес от Франсиско Джанотти (1913)
Паласио Бароло в Буэнос-Айресе от Марио Паланти (1919-1923)
Металлические изделия, керамика и статуи на фасаде [es ] в Росарио (1912)
Керамический дымоход Confitería La Europea в Росарио (1916 г.)
Залитая европейскими иммигрантами, Аргентина приветствовала все европейские художественные и архитектурные стили, включая ар-нуво. Городами с наиболее заметным наследием ар-нуво в Аргентине являются Буэнос-Айрес, Росарио и Мар-дель-Плата.
Париж был прототипом Буэнос-Айреса со строительством больших бульваров. и проспекты в 19 веке. Местный стиль наряду с французским влиянием также следовал за итальянской свободой, поскольку многие архитекторы (Вирджинио Коломбо, Франсиско Джанотти, Марио Паланти ) были итальянцами. В работах [es ] можно отметить каталонское влияние, когда он завершил учебу в Барселоне в 1900 году. Влияние Венского Сецессиона можно найти в здании Paso y Viamonte.
Введение стиля модерн в Росарио связано с [es ], который обучался в Барселоне. В его [es ] (1912) изображен один из самых больших витражей в Латинской Америке, произведенный (а также черепица и керамика) местной фирмой Buxadera, Fornells y Cía. Скульптор здания - Диего Масана из Барселоны.
Бельгийское влияние на аргентинский модерн выражено виллой Ортис Басуальдо, в которой теперь находится Муниципальный художественный музей Хуана Карлоса Кастаньино в <1658 году.>Мар-дель-Плата, где мебель, интерьер и освещение выполнены Гюставом Серрюрье-Бови.
Муниципальный театр в Тунисе (1902)
Модерн / неоклассика Palacio de Bellas Artes в Мексике Город (1904–1934)
Статуя Пегаса в Мехико
Аллегорическая свадьба: Эскиз для ковра (Триптих справа налево): Изгнание, Брак, Искупление Ефрем Моисей Лилиен (1906)
Бистро в Sofitel Legend Metropole Hanoi (1902) в стиле ар-нуво и колониальном стиле
Как и в Аргентине, в ар-нуво в других странах больше всего повлияли иностранные художники:
Мотивы ар-нуво также можно найти в французской колониальной художественной архитектуре Французский Индокитай.
Известное искусство движение под названием школа Бецалель появилось в Палестине в период позднего Османского и британского мандата. Он был описан как «сплав восточного искусства и модерна». Несколько художников, связанных со школой Бецалеля, были известны своим стилем модерн, в том числе Зеев Рабан, Эфраим Моисей Лилиен и Абель Панн.
Этаж отеля Hôtel Tassel, Victor Horta, с хлыстовым растительным мотивом (1893)
Coup de Fouet или хлыстовым мотивом, изображающие стебли цикламена цветов, автор Герман Обрист (1895)
Стилизованные вегетативные формы; Вход на станцию метро Anvers в Париже. Автор Гектор Гимар (1900)
Цветочные узоры. Лампа с глицинией дизайн Луи Комфорт Тиффани (1899-1900)
Экзотические материалы и декор. Шкаф из красного дерева и амуретного дерева с украшением кувшинками из позолоченной бронзы. Луи Мажорель (1905–08)
Стилизованные цветочные орнаменты на балконах и перилах. Отто Вагнер лестница в Доме Майолики, Вена (1898)
Геометрические линии Венский Сецессион ; Palais Stoclet от Josef Hoffmann (1905–1911)
Ранний модерн, особенно в Бельгии и Франции, характеризовался волнистыми, изогнутыми формами, вдохновленными лилиями, виноградными лозами, цветочными стеблями и другие природные формы. используется, в частности, в интерьерах Виктора Орта и в украшениях Луи Мажореля и Эмиля Галле. В нем также использовались узоры на основе бабочек и стрекоз, заимствованные из японского искусства, которые были популярны в то время в Европе.
Ранний модерн также часто отличался более стилизованными формами, выражающими движение, такими как coup de fouet или «хлыстовая » линия, изображенная на цикламенах, нарисованная дизайнером Германом Обристом в 1894 году. Описание опубликовано в журнале Pan журнала Hermann Obrist <1028 Висящий на стене цикламен (1894 г.)>сравнил его с «внезапными резкими изгибами, порожденными щелчком кнута». Термин «хлыстовая травма», хотя первоначально он использовался для насмешек над стилем, часто применяется к характерным изгибам. наняты художниками модерна. Такие декоративные волнистые и плавные линии в синкопированном ритме и асимметричной форме часто встречаются в архитектуре, живописи, скульптуре и других формах дизайна в стиле модерн.
Были популярны другие цветочные формы, вдохновленные лилиями, глициниями. и другие цветы, особенно в лампах Louis Comfort Tiffany и стеклянных предметах, сделанных художниками школы Нэнси и Эмилем Галле. Другие изогнутые и волнистые формы, заимствованные у природы, включали бабочек, павлинов, лебедей и водяных лилий. На многих рисунках женские волосы были переплетены со стеблями лилий, ирисов и других цветов. Стилизованные цветочные формы особенно использовались ВикторомОрта в коврах, балюстрадах, окнах и мебели. Дизайнер периода модерна Рене Лалик учился в мастерской Aucoc с 1874 по 1876 год. Лалик стал центральной фигурой в ювелирном искусстве и стекле в стиле модерн, используя природу, из стрекоз к траве, как его модели. Художники, не принадлежащие к традиционному миру ювелирных украшений, такие как Поль Фолло, наиболее известный как дизайнер мебели, экспериментировали с ювелирным дизайном. Среди других известных французских дизайнеров ювелирных украшений в стиле модерн были Жюль Брато и Жорж Анри. В Соединенных Штатах самым известным дизайнером был Луи Комфорт Тиффани, работы которого демонстрировались в магазине Зигфрида Бинга, а также на Парижской выставке 1900 года.
В Великобритании наиболее известной фигурой был дизайнер Liberty Co. Арчибальд Нокс, который создал множество предметов в стиле модерн, в том числе серебряные пряжки для ремней. С. Р. Эшби разработал подвески в виде павлинов. Универсальный Глазго дизайнер Чарльз Ренни Макинтош также делал украшения с использованием традиционных кельтских символов. В Германии центром югендстиля был город Пфорцхайм, где располагалось большинство немецких фирм, в том числе Theodor Fahrner. Они быстро создали работы, чтобы удовлетворить спрос на новый стиль.
Вход в Hôtel Solvay в Брюсселе, автор Виктор Орта (1898)
Деталь фасада виллы Мажорель от Анри Соваж в Нэнси (1901–02)
Чертополох и закругленные маскароны в оформлении здания Les Chardons работы Шарля Кляйна в Париже (1903)
Югендстиль прямолинейный маскарон в Риге, Латвия (1906)
Хлыстовые мотивы на Витебском вокзале Симы Михаша и Станислава Бжозовских, Санкт-Петербург (1904)
Один из маскаронов, сделанный Адамо Боари на фасаде Palacio de Bellas Artes в Мехико, Мексика (1904–1934)
Асимметричный фасад с изогнутыми линиями здания De Beck, созданный Гюставом Штраувеном в Брюсселе (1905)
Ирисы и маскарон на фасаде здания Шихтеля работы Алоиса Вальтер в Страсбурге, Франция (1905–06)
Архитектура в стиле модерн была реакцией на эклектические стили, которые доминировали в европейской архитектуре во второй половине XIX века. Это выражалось в декоре: либо орнаментальный (на основе цветов и растений, например, чертополох, ирисы, цикламены, орхидеи, водяные лилии и т. Д.), Либо скульптурный (см. соответствующий раздел ниже). Хотя лица людей (или маскароны ) относятся к орнаменту, использование людей в различных формах скульптуры (статуи и рельефы: см. соответствующий раздел ниже) также было обычным явлением в некоторых странах. формы модерна. До венского сецессиона, югендстиля и различных форм национального романтического стиля фасады были асимметричными и часто украшались полихромной керамической плиткой. Украшение обычно предполагало движение; не было различия между структурой и орнаментом. Керлинг или «хлыстовый» мотив, основанный на формах растений и цветов, широко использовался в раннем стиле модерн, но украшения стали более абстрактными и симметричными в Венском сецессионе и др. более поздние версии стиля, такие как Palais Stoclet в Брюсселе (1905–1911).
Стиль впервые появился в брюссельском Hankar House by Поль Ханкар (1893) и Hôtel Tassel (1892–93) из Виктора Орта. Отель Tassel посетил Эктор Гимар, который использовал тот же стиль в своей первой крупной работе, Castel Béranger (1897–98). Орта и Гимар также разработали мебель и внутреннее убранство, вплоть до дверных ручек и коврового покрытия. В 1899 году, основываясь на известности замка Беранже, Гимар получил заказ на проектирование входов на станции нового Парижского метро, открывшегося в 1900 году. оригиналы сохранились, они стали символом движения ар-нуво в Париже.
В Париже архитектурный стиль также был реакцией на строгие правила, наложенные на фасады зданий Жоржем-Эженом Османном, префектом Парижа при Наполеоне III. Эркерные окна были окончательно разрешены в 1903 году, и архитекторы в стиле модерн пришли к противоположной крайности, особенно в домах Жюля Лавиротта, которые были по сути большими скульптурными произведениями, полностью покрытыми украшение. Важный район домов в стиле модерн появился во французском городе Нанси, вокруг виллы Мажорель (1901–02), резиденции дизайнера мебели Луи Мажореля. Он был разработан Анри Соваж как витрина для дизайна мебели Мажорель.
Винтовая лестница в Maison and Atelier Horta от Victor Horta в Брюсселе (1898–1901)
Деталь дворца Стокле в Брюсселе (1905–1911)
Интерьер Дворца каталонской музыки в Барселоне (1905–1909)
Входные здания в Parc Güell от Антонио Гауди в Барселоне (1900–1914)
Многие здания в стиле модерн были включены в список всемирного культурного наследия ЮНЕСКО как часть их городских центров (в Берн, Будапешт, Львов, Париж, Порту, Прага, Рига, Санкт-Петербург, Страсбург (Neustadt ), Вена ). Наряду с ними в список как отдельные объекты вошли постройки:
Бельгия : работы Виктора Орта (Hôtel Tassel, Hôtel Solvay, Hôtel van Eetvelde, Maison and Atelier Horta ) и Stoclet Palace от Josef Hoffmann в Брюсселе ;
Испания : работы Lluís Domènech i Montaner (Palau de la Música Catalana и Hospital de Sant Pau в Барселоне ), и работы Антонио Гауди (Парк Гуэль, Палау Гуэль, Саграда Фамилия, Дом Бальо, Casa Milá, Casa Vicens в Барселоне ; Колония Гуэль в Санта-Колома-де-Сервельо ).
Танцовщица с шарфом, автор Агафон Леонар, сделанный для Национальной мануфактуры в Севре, Франция (1898)
Горельеф лебедей и статуй в интерьере Орхусского театра работы Карла Хансена Рейструпа в Орхусе, Дания (1897–1900)
Горельеф сов в Катаянокка Георга Васастьерна, Хельсинки (1903)
Скульптура Эрнеста Бюссьера в Нанси, Франция
Статуя медведя Эмиля Викстрёма в Национальном музее Финляндии (1905–1910)
Барельеф в Спрудельгофе работы Генриха Йобста в Бад-Наухайм, Германия (1905–1911)
Памятник Осаде Сарагосы автор Агусти Керол Субиратс (1908)
Керамический рельеф и статуя автора Станислав Сухарда в Градец Кралове, Чешская Республика (1909–1912)
Горгулья Хосеп Плантада и Артига в Тортоса, Каталония, Испания (1915)
Атланты, кариатиды в Санкт-Манг-Бруннене, Георг Врба в Кемптен, Германия (1905)
Керамика пу tti в Музыкальной консерватории Барселоны Эусеби Арнау (1916–28)
Скульптура была еще одной формой выражения художников в стиле модерн, иногда пересекавшейся с керамикой. Фарфоровая статуэтка Танцовщица с шарфом работы Агафона Леонара получила признание как в керамике, так и в скульптуре на Парижской выставке в 1900 году. Скульпторы из других стран также создавали керамические скульптуры: Богемские Станислав Сухарда и Ладислав Шалоун, бельгиец и каталонец [ок. ], создавшие статуи из полихромной терракоты. Другим известным скульптором того времени был Агусти Керол Субиратс из Каталонии, который создавал статуи в Испании, Мексике, Аргентине и Кубе.
в архитектурная скульптура использовались не только статуи, но и рельефы. Архитекторы и скульпторы в стиле модерн черпали вдохновение в животных мотивах (бабочки, павлины, лебеди, совы, летучие мыши, драконы, медведи). Атланты, кариатиды, путти и горгульи.
Стул от Генри ван де Велде, Бельгия (1896)
Стул от Чарльза Ренни Макинтоша, Великобритания (1897–1900)
Табурет Пол Ханкар, Бельгия (1898)
Гардероб Ричард Римершмид, Германия (1902)
Спальня Луи Мажорель (1903 –1904)
Столовая Эжен Валлен, Франция (1903)
Стул Руперт Карабин, Франция (1895)
Мебельный гарнитур Виктор Орта в отеле Aubeque из Брюсселя (1902–1904)
Стул от Чарльза Ролфса, США (1898–1899)
«Стул-улитка» и другая мебель от Карло Bugatti, Италия (1902)
Стул Гаспара Хомара, Испания (1903)
Кровать «Рассвет и закат» Эмиля Галле, Франция (1904)
Модель регулируемого кресла 670 «Сидящая машина», дизайн Йозеф Хоффманн, Австрия (1904–1906)
Виктор Орта, мебель из Турина (1902), из коллекции Фонда короля Бодуэна dation.
Дизайн мебели в период модерна был тесно связан с архитектурой зданий; архитекторы часто проектировали мебель, ковры, светильники, дверные ручки и другие декоративные детали. Мебель часто была сложной и дорогой; Чистая отделка, обычно полированная или покрытая лаком, считалась важной, а континентальный дизайн обычно был очень сложным, с изогнутыми формами, которые было дорого делать. У него также был недостаток, заключающийся в том, что владелец дома не мог менять мебель или добавлять предметы в другом стиле, не нарушая общего эффекта комнаты. По этой причине, когда архитектура ар-нуво вышла из моды, стиль мебели также в значительной степени исчез.
Во Франции центр дизайна и производства мебели находился в Нанси, где работали два крупных дизайнера, Эмиль Галле и Луи Мажорель. студии и мастерские, и где в 1901 году был основан Альянс индустрии искусства (позже названный школой Нанси). Оба дизайнера основывались на своей структуре и орнаменте на формах, взятых у природы, включая цветы и насекомых, таких как стрекоза, популярный мотив в дизайне ар-нуво. Галле был особенно известен тем, что использовал маркетри в рельефе, в виде пейзажей или поэтических тем. Мажорель был известен тем, что использовал экзотические и дорогие породы дерева, а также прикреплял бронзовые скульптуры с растительными мотивами к своей мебели. Оба дизайнера использовали машины на первых этапах производства, но все детали были обработаны вручную. Среди других известных дизайнеров мебели из школы Нанси были Эжен Валлен и Эмиль Андре ; оба были архитекторами по образованию, и оба разработали мебель, которая напоминала мебель бельгийских дизайнеров, таких как Орта и Ван де Велде, в которой было меньше украшений и больше следовало изгибам растений и цветов. Среди других известных французских дизайнеров Анри Беллери-Дефонтен, который черпал вдохновение из неоготических стилей Виолле-ле-Дюк ; и Жорж де Фер, Эжен Гайяр и Эдуард Колонна, которые работали вместе с арт-дилером Зигфридом Бингом над возрождением французской мебельной промышленности. с новыми темами. Их творчество было известно «абстрактным натурализмом», его единством прямых и изогнутых линий и его влиянием рококо. Мебель de Feure в павильоне Bing получила золотую медаль на Парижской выставке 1900 года. Самым необычным и колоритным французским дизайнером был Франсуа-Руперт Карабин, скульптор по образованию, в чьей мебели были скульптурные обнаженные женские формы и символические животные, особенно кошки, в которых элементы ар-нуво сочетались с символизмом. Другими влиятельными парижскими дизайнерами мебели были Шарль Плюме и Александр Шарпантье. Во многих отношениях старая лексика и методы классической французской мебели 18 века рококо были переосмыслены в новом стиле.
В Бельгии архитекторы-пионеры в стиле модерн, Виктор Орта и Генри ван де Вельде разработали мебель для своих домов, используя энергичные изгибы линий и минимум декора. Бельгийский дизайнер Гюстав Серюрье-Бови добавил больше декора, применив латунные полосы в изогнутых формах. В Нидерландах, где стиль назывался Nieuwe Kunst или Новое искусство, Х. П. Берлаг, Lion Cachet и Теодор Ньювенхейс пошли по иному пути, по сравнению с английским движением Arts and Crafts, с более геометрическими рациональными формами.
В Британии мебель Чарльза Ренни Макинтоша представляла собой чисто декоративно-прикладное искусство, строгое и геометрическое, с длинными прямыми линиями и прямыми углами и минимумом декора. Континентальный дизайн был гораздо более сложным, часто с изогнутыми формами как в основных формах изделия, так и в прикладных декоративных мотивах. В Германии мебель Петера Беренса и модерн была в значительной степени рационалистической, с геометрическими прямыми линиями и некоторыми украшениями, прикрепленными к поверхности. Их цель была полной противоположностью французского модерна; простота конструкции и простота материалов, что делает мебель недорогой и легко выпускаемой серийно. То же самое относится и к мебели дизайнеров Wiener Werkstätte в Вене, возглавляемых Отто Вагнером, Йозефом Хоффманном, Йозефом Марией Ольбрихом и Коломаном. Мозер. Мебель была геометрической и имела минимум декора, хотя по стилю она часто следовала национальному историческому прецеденту, особенно стилю Бидемайера.
Дизайн мебели в Италии и Испании развивался в своем собственном направлении. Карло Бугатти из Италии разработал необычный стул Snail из дерева, покрытого расписным пергаментом и медью, для Туринской международной выставки 1902 года. В Испании, следуя примеру Антонио Гауди и эпохи модернизма движения, дизайнер мебели Гаспар Хомар разработал работы, которые были вдохновлены естественными формами с элементами исторического каталонского стиля.
В Соединенных Штатах дизайн мебели чаще вдохновлялся движением искусств и ремесел или историческими американскими моделями, чем модерном. Одним из дизайнеров, который представил темы ар-нуво, был Чарльз Рольфс из Буффало, штат Нью-Йорк, чей дизайн американской мебели из белого дуба был вдохновлен мотивами кельтского искусства и готического искусства с элементами модерна в металлической отделке.
Глазурованная глиняная ваза от Эмиля Галле (1880–1885) (Метрополитен-музей)
Глиняная тарелка и скульптурная подставка (1884) от Эмиля Галле (Метрополитен-музей)
Фаянсовая или глиняная ваза на двух ножках, с горной ночной сценой сзади и цветочной сценой дневного света с бабочкой спереди, Эмиль Галле (1884–1885)
Ваза, автор Морис Дюфрен, Франция, (1900)
Чаша, автор Огюст Делахерш, Париж, (1901)
Эдмон Лашеналь, ваза, Франция (1902)
Лиможская эмаль, Франция (1903)
Фаянсовая ваза, Торвальд Биндесбёлль, Дания, (1893)
Ваза Альфа Валландера, Швеция (1897)
Ваза с медным орнаментом от керамической фабрики Rosenthal, Бавария, Германия (1900)
Пунширующая чаша из керамогранита Ричард Римершмид, Германия, (1902))
Керамическое украшение фасада Lavirotte Building от Alexandre Bigot, Париж (1901)
Керамическое украшение фасада от Галилео Кини, Италия, ( 1904)
Ваза от Йожефа Риппл-Ронаи Венгрия, (1900)
Ваза с виноградными лозами и улитками, Венгрия (1900)
Глазурованный глиняный горшок от Grueby Faience Company из Бостона (1901)
Амфора с листом вяза и ежевикой производства Stellmacher Kessner
Rookwood Pottery Company ваза из керамики, покрытая серебром от Катаро Шираямадани, США, (1892)
Rookwood Pottery Company ваза Карла Шмидта (1904)
фабрика Zsolnay и Miksa Róth мозаики мавзолея Шмидля в Будапеште (1902–03)
Плитка сотрудничества va Agrícola в Авейру (1913)
Керамическое искусство, включая фаянс, было еще одной областью процветания художников в стиле модерн в англоязычных странах, подпадающих под более широкий художественная керамика движение. В последней половине XIX века в производстве керамики произошли многочисленные технологические инновации, в частности, разработка высокотемпературной керамики (grand feu) с кристаллизованной и матовой глазурью. В то же время были обнаружены несколько утерянных техник, таких как глазурь sang de boeuf. На керамику в стиле ар-нуво также повлияла традиционная и современная японская и китайская керамика, растительные и цветочные мотивы которой хорошо вписываются в стиль ар-нуво. Во Франции художники также заново открыли для себя традиционные методы керамики (grés) и заново изобрели их с новыми мотивами.
Эмиль Галле из Нанси создал глиняные изделия в естественных земных тонах с натуралистическими мотивами растений и насекомые. Керамика также нашла новое важное применение в архитектуре: архитекторы в стиле модерн, в том числе Жюль Лавиротт и Эктор Гимар, начали украшать фасады зданий архитектурной керамикой, многие из них сделаны фирмой Александра Биго, что придает им особый скульптурный вид в стиле модерн.
Одним из пионеров французских керамистов в стиле модерн был Эрнест Шапле, чья карьера в керамике насчитывала тридцать лет. Он начал производить керамику под влиянием японских и китайских прототипов. Начиная с 1886 года, он работал с художником Полем Гогеном над керамическими узорами с накладными фигурами, множественными ручками, раскрашенными и частично глазурованными, а также сотрудничал со скульпторами Феликсом Бракемоном, Жюлем Далу и Огюст Роден. Его работы были отмечены на выставке 1900 года.
Крупные национальные керамические фирмы заняли важное место на Парижской выставке 1900 года: Национальная фабрика в Севре за пределами Парижа; Нимфенбург, Мейсен, Villeroy Boch в Германии и в Великобритании. Среди других ведущих французских керамистов были Таксиль Доат, Пьер-Адриан Далпайрат, Эдмон Лашеналь, [fr ] и Огюст Делахерш.
Во Франции керамика в стиле модерн иногда переходила черту скульптуры. Фарфоровая статуэтка «Танцовщица с шарфом» работы Агафона Леонара, изготовленная для Национальной мануфактуры Севр, получила признание в обеих категориях на Парижской выставке 1900 года.
Фабрика Жолнай в Печ, Венгрия, была основана (1800–1880 гг.) В 1853 г. и возглавлялась его сыном Вильмошем Жолнаем (1828–1900) с главным дизайнером (1852–1940) по производству керамогранита и другой керамики. В 1893 году Жолнаи представил фарфоровые изделия из эозина. Он привел фабрику к всемирному признанию, продемонстрировав свою инновационную продукцию на мировых ярмарках и международных выставках, в том числе на Всемирной выставке 1873 года в Вене, затем на Всемирной выставке 1878 года в Париже, где Жолнаи получил Гран-при. Морозостойкие строительные украшения Zsolnay использовались во многих зданиях, особенно в период модерна.
Керамическая плитка также была отличительной чертой португальского Arte Nova, продолжившего давнюю традицию азулежу времен ар-нуво. страна.
Дом Майолики в Вене от Отто Вагнера (1898)
Майоликовый камин, дом Бажанова, Абрамцевская колония, автор Михаил Врубель (1898)
Мозаика Фокс и Якорь паба Уильяма Джеймса Нитби в Лондоне (1898)
Мозаика, изображающая лето в образе женщины, с Византийский Золотой фон возрождения, в Антверпене, Бельгия
Мозаика, разработанная Оскаром Графом для [de ] в Эсслинген-на-Неккаре, Германия (1905 г.) –1907)
Мозаика Вилла l'Aube, Огюст Донне, Бельгия
Мандилион, Николай Рерих в Талашкино, Россия (1908–1914)
Мозаики для Дворца культуры от Аладара Кёрёшфи-Криша и Миксы Рота в Тыргу-Муреш, Румыния ( 1911–1913)
Мозаики Тренкада в Парке Гуэль от Антони Гауди в Барселоне (1914)
Плитка Cooperativa Agrícola в Авейру (1913)
Майолика фреска Абрамцевской колонии в России (1870–1890-е годы)
Мозаики Луи Комфорт Тиффани (1915)
Мозаику использовали многие художники в стиле ар-нуво различных течений, особенно каталонского модернизма (Hospital de Sant Pau, Palau de la Música Catalana, Casa Lleó-Morera и многие другие). Антони Гауди изобрел новую технику обработки материалов, названную trencadís, в которой использовались керамические отходы.
Разноцветная плитка Майолика с цветочным орнаментом - отличительная черта Дома Майолики в Вене Отто Вагнера (1898) и здания русской Абрамцевской колонии, особенно Михаила Врубеля.
Шелковый и шерстяной рисунок гобелена, цикламен, автор Герман Обрист, ранний пример мотива Whiplash на основе стебля цветка цикламена (1895)
Пейдж на Водяной лилии, из книги Эжена Грассе о декоративном использовании цветы (1899)
Текстильный дизайн Коломан Мозер (1899)
Набивной хлопок от Silver Studio для универмага Liberty, Великобритания ( 1904)
Гобелен «Пастух» Яноша Васари (1906) объединил мотивы ар-нуво и традиционную венгерскую народную тему
Виктор Орта, Ковер в коллекции Фонд короля Бодуэна.
Текстиль и обои Они были важным средством модерна с самого начала стиля и важным элементом дизайна интерьера в стиле модерн. В Британии текстильные рисунки Уильяма Морриса помогли запустить движение искусств и ремесел, а затем и модерн. Многие дизайны были созданы для универмага Liberty в Лондоне, который популяризировал этот стиль во всей Европе. Одним из таких дизайнеров была Silver Studio, которая создавала красочные стилизованные цветочные узоры. Другие отличительные рисунки пришли из школы Глазго и Маргарет Макдональд Макинтош. Школа Глазго представила несколько отличительных мотивов, в том числе стилизованные яйца, геометрические формы и «розу Глазго».
Во Франции большой вклад был сделан дизайнером Эженом Грассе, который в 1896 году опубликовал «La Plante et ses applications Ornamentales», предлагая дизайн в стиле модерн на основе различных цветов и растений. Многие модели были разработаны и изготовлены для крупных французских производителей текстиля в Мюлузе, Лилле и Лионе на немецких и бельгийских мастерских. Немецкий дизайнер Герман Обрист специализировался на цветочных узорах, особенно на цикламенах и стиле «хлыста», основанном на цветочных стеблях, которые стали основным мотивом этого стиля. Бельгиец Генри ван де Вельде представил текстильное произведение La Veillée d'Anges в салоне La Libre Esthéthique в Брюсселе, вдохновленное символикой Поля Гогена и <1741 года.>Наби. В Нидерландах ткань часто вдохновлялась узорами батика из голландских колоний Ост-Индии. Народное искусство также вдохновило на создание гобеленов, ковров, вышивки и текстиля в Центральной Европе и Скандинавии, в работах Герхарда Мунте и Фриды Хансен в Норвегии. Дизайн «Пять лебедей» Отто Экманна появился в более чем сотне различных версий. Венгерский дизайнер Янош Васари объединил элементы ар-нуво с фольклорной тематикой.
Существует 4 типа музеев, представляющих наследие ар-нуво:
Есть много других зданий и сооружений в стиле модерн, которые не имеют статуса музея, но могут быть официально посещаемые за плату или неофициально бесплатно (например, железнодорожные вокзалы, церкви, кафе, рестораны, пабы, отели, магазины, офисы, библиотеки, кладбища, фонтаны, а также многочисленные многоквартирные дома, которые все еще заселены).
 | Викискладе есть медиафайлы, связанные с Ар-нуво. |
