Войти
Classical composer Mozart A composer(Latin compōnō ; буквально «тот, кто собирает вместе») - музыкант, который является автором музыки в любой форме, включая вокальную музыку ( для певца или хора ), инструментальной музыки, электронной музыки и музыки, которая сочетает в себе несколько форм. Композитор может создавать музыку в любом музыкальном жанре, включая, например, классическую музыку, музыкальный театр, блюз, народная музыка, джаз и популярная музыка. Композиторы часто выражают свои произведения в нотной записи, используя нотную запись.
. Многие композиторы являются или были также квалифицированными исполнителями музыки.
Музыкальная нотация служит набором указаний для исполнителя, но есть целый континуум Возможности относительно того, насколько исполнитель определяет окончательную форму выполненного произведения в исполнении.
Даже в традиционном западном произведении инструментальной музыки, в котором все мелодии, аккорды и басовые партии записаны в музыкальном нотации, исполнитель имеет определенную свободу действий, чтобы добавить художественную интерпретацию к произведению, например, варьируя его или ее артикуляцию и формулировка, выбирая, как долго делать ферма (удерживается ноты) или паузы, и - в случае смычковых, деревянных или медных инструментов - принятие решения об использовании выразительных эффектов, таких как вибрато или портаменто. Для певца или исполнителя инструментальных средств процесс принятия решения о том, как исполнять музыку, которая была ранее сочинена и записана, называется «интерпретацией». Интерпретации одного и того же музыкального произведения разными исполнителями могут широко варьироваться в зависимости от выбранного темпа, а также стиля игры или пения или фразировки мелодий. Композиторы и авторы песен, которые представляют свою музыку, интерпретируют так же, как и те, кто исполняет музыку других. Стандартный набор вариантов и техник, присутствующих в данное время и в данном месте, называется практикой исполнения, тогда как интерпретация обычно используется для обозначения индивидуального выбора исполнителя.
Хотя музыкальная композиция часто имеет одного автора, но это не всегда так. Музыкальное произведение может иметь несколько композиторов, что часто встречается в популярной музыке, когда группа сотрудничает для написания песни, или в музыкальном театре, где песни могут быть написаны одним человеком., оркестровка партий аккомпанемента и написание увертюры выполняется оркестратором, и слова могут быть написаны третьим лицом.
Музыкальное произведение также может состоять из слов, изображений или, в 20-м и 21-м веках, компьютерных программ, объясняющих или записывающих, как певец или музыкант должен создавать музыкальные звуки. Примеры этого варьируются от колокольчиков, звенящих на ветру, до авангардной музыки 20-го века, использующей графические обозначения, до текстовых композиций, таких как Aus den sieben Tagen в компьютерные программы, которые выбирают звуки для музыкальных произведений. Музыка, в которой широко используется случайность и случайность, называется алеаторической музыкой, и ассоциируется с современными композиторами, работавшими в 20-м веке, такими как Джон Кейдж, Мортон Фельдман и Витольд Лютославский.
Природа и способы индивидуальной вариации музыки различаются в зависимости от музыкальной культуры страны и периода написания. Например, музыка, сочиненная в эпоху барокко, особенно в медленном темпе, часто была написана без набросков, с ожиданием, что исполнитель добавит улучшенных орнаментов на мелодическую линию во время выступления. Такая свобода в целом уменьшилась в более поздние эпохи, что коррелирует с более широким использованием композиторами более детальной оценки в форме динамики, артикуляции и так далее; композиторы становятся все более ясными в том, как они хотят интерпретировать свою музыку, хотя то, насколько строго и подробно они продиктованы, варьируется от одного композитора к другому. Из-за этой тенденции, когда композиторы становятся все более конкретными и подробными в своих инструкциях исполнителю, в конечном итоге сформировалась культура, благодаря которой верность письменным намерениям композитора стала высоко цениться (см., Например,). Эта музыкальная культура почти наверняка связана с высоким уважением (граничащим с почитанием), которым исполнители часто пользуются ведущими композиторами-классиками.
Движение исторически обоснованного перформанса в некоторой степени возродило возможность исполнителя серьезным образом переработать музыку, указанную в партитуре, особенно для музыки барокко и музыка раннего классического периода. Это движение можно рассматривать как способ создания большей верности оригиналу в произведениях, написанных в то время, когда исполнители ожидали импровизации. В жанрах, отличных от классической музыки, исполнитель обычно имеет больше свободы; так, например, когда исполнитель западной популярной музыки создает «кавер» на более раннюю песню, мало кто ожидает точного воспроизведения оригинала; при этом точная верность не всегда высоко ценится (за возможным исключением "нота за нотой" транскрипций известных гитарных соло ).
В западной художественной музыке композитор обычно оркестрирует свои собственные композиции, но в музыкальном театре и в поп-музыке авторы песен могут нанять аранжировщика для исполнения оркестровка. В некоторых случаях автор поп-песен может вообще не использовать нотацию, а вместо этого сочинить песню в уме, а затем воспроизвести или записать ее по памяти. В джазе и популярной музыке заметным записям влиятельных исполнителей придается тот вес, который играют партитуры в классической музыке. При изучении композиции традиционно преобладали исследования методов и практики западной классической музыки, но определение композиции является достаточно широким, включая создание популярных и традиционных музыкальных песен и инструментальных произведений, и включает в себя спонтанно импровизированные произведения, подобные произведениям исполнители свободного джаза и африканские перкуссионисты, такие как барабанщики Ewe.
Уровень различий между композиторами и другими музыкантами варьируется, что влияет на такие вопросы, как авторское право и уважение к индивидуальным интерпретациям определенного музыкального произведения. В развитии европейской классической музыки функция сочинения музыки изначально не имела гораздо большего значения, чем функция ее исполнения. Сохранению отдельных композиций не уделялось особого внимания, и музыканты, как правило, не стеснялись изменять композиции для исполнения. По мере того, как роль композитора в западной художественной музыке продолжала укрепляться, в альтернативных идиомах (например, джаз, экспериментальная музыка ) она в некотором смысле становилась все более сложной или расплывчатой.. Например, в определенных контекстах линия между композитором и исполнителем, звукорежиссером, аранжировщиком, продюсером и другими ролями может быть довольно размыто.
Древнегреческий мрамор стела, так называемая эпитафия Сейкила, с выгравированными на камне стихами и нотами Термин «композитор» часто используется для обозначения композиторы инструментальной музыки, например, исполнителей классической, джазовой или других форм искусства и традиционной музыки. В популярной и народной музыке композитора обычно называют автором песен, поскольку музыка обычно принимает форму песни. С середины 20 века этот термин расширился, чтобы охватить создателей электроакустической музыки, в которой композиторы непосредственно создают звуковой материал на любом из различных электронных носителей, таких как катушечная лента и блоки электронных эффектов, которые могут быть представлены аудитории путем воспроизведения кассеты или другой звукозаписи, или посредством выступления музыкантов и певцов с заранее записанным материалом. Это отличается от концепции инструментальной композиции 19-го века, где произведение было представлено исключительно партитурой для интерпретации исполнителями.
Музыка была важная часть общественной и культурной жизни Древней Греции. Мы знаем, что композиторы писали нотную музыку в древнегреческую эпоху, потому что ученые обнаружили эпитафию Сейкила. Эпитафия, написанная где-то между 200 г. до н.э. и 100 г. н.э., является старейшим сохранившимся в мире образцом законченного музыкального произведения, включая нотную запись. Песня, мелодия которой записана вместе с лирикой в древнегреческой нотной записи, была найдена выгравированной на надгробной плите, стеле, рядом с Айдыном, Турция (недалеко от Эфеса ). Это эллинистическая ионная песня либо в фригийском октавном виде, либо в ястийском тоносе.
| Леонин или Перотен. Breves dies hominis |
|---|
Музыкальная нотация из католического Миссала, ок. 1310–1320 В эпоху средневековой музыки (476–1400) композиторы писали монофонические (одиночная мелодическая линия) , воспевая в римско-католическом Церковные службы. Затем с развитием нотной записи западная музыка стала больше превращаться в вид искусства. Единственный европейский средневековый репертуар, сохранившийся примерно с 800 г., - это монофоническая литургическая простая песня Римско-католической церкви, центральная традиция которой называлась григорианским пением. Наряду с этими традициями духовной и церковной музыки существовала яркая традиция светской песни (нерелигиозные песни). Примеры композиторов этого периода: Леонен, Перотен и Гийом де Машо.
| T.L. де Виктория. Amicus meus |
|---|
Аллегория музыки Филиппино Липпи В эпоху музыки эпохи Возрождения (ок. 1400–1600) композиторы, как правило, больше сосредотачивались на написании песен о светских (нерелигиозные) темы, такие как изысканная любовь. Примерно в 1450 году был изобретен печатный станок , который сделал печатные ноты намного дешевле и облегчил их массовое производство (до изобретения печатного станка вся нотная музыка была ручной -копировано). Повышение доступности нот помогло распространить музыкальные стили композиторов быстрее и на большей территории. К середине 15 века композиторы писали богато полифоническую духовную музыку, в которой одновременно переплетались разные мелодические линии. Среди выдающихся композиторов этой эпохи Гийом Дюфай, Джованни Пьерлуиджи да Палестрина, Томас Морли и Орланд де Лассус. По мере того как музыкальная деятельность перешла от церкви к аристократическим дворам, короли, королевы и принцы соревновались за лучших композиторов. Многие ведущие композиторы были выходцами из Нидерландов, Бельгии и Северной Франции. Их называют франко-фламандскими композиторами. Они занимали важные должности по всей Европе, особенно в Италии. Среди других стран с активной музыкальной деятельностью - Германия, Англия и Испания.
| И.С. Бах. Токката и фуга |
|---|
В эпоху музыки барокко (1600-1750) композиторы расширили диапазон и сложность музыки, которую они писали. Эпоха музыки барокко началась, когда композиторы обратились к древнегреческой музыке в поисках вдохновения для создания опер (драматическая вокальная музыка в сопровождении оркестра ). Еще одним ключевым стилем, который использовали композиторы в эту эпоху, была контрапунктическая музыка. Этот стиль письма требовал от композиторов глубоких знаний теории музыки, поскольку контрапунктная музыка включает в себя несколько независимых мелодических линий, играемых инструментами или исполняемых голосами. Существовали строгие правила контрапункта, которые композиторы должны были усвоить. Немецкие композиторы эпохи барокко писали для небольших ансамблей, включая струнных, медных и деревянных духовых, а также хоров и для клавишных инструментов, таких как орган, клавесин и клавикорд. В течение этого периода композиторы разработали несколько основных музыкальных форм, которые сохранились до более поздних периодов, когда они были расширены и развивались дальше, включая фугу, изобретение, сонату, и концерт. Стиль позднего барокко был полифонически сложным и богато орнаментированным. Среди наиболее известных композиторов эпохи барокко Клаудио Монтеверди, Генрих Шютц, Жан-Батист Люлли, Дитерих Букстехуде, Арканджело Корелли, Генри Перселл, Франсуа Куперен, Антонио Вивальди, Георг Филипп Телеман, Жан -Филипп Рамо, Иоганн Себастьян Бах и Джордж Фридрих Гендель.
| WA Моцарт. Симфония 40 соль минор |
|---|
Композиторы музыки Классического периода (1750-1830 гг.) Обращались к искусству и философии Древней Греции и Рима, к идеалам баланса, пропорции и дисциплинированное выражение. Помимо написания религиозных произведений, композиторы стали писать в более легкой, ясной и значительно более простой текстуре, используя инструментальные мелодии, которые, как правило, были почти голосоподобными и певчими. Композиторами были разработаны новые жанры. Основным стилем была гомофония, где отчетливо различимы выделяющаяся мелодия и подчиненная аккордовая партия аккомпанемента.
Композиторы сосредоточились на инструментальной музыке. В нем доминировало дальнейшее развитие музыкальных форм, первоначально определенных в период барокко: соната, концерт и симфония. Другими основными видами были трио, струнный квартет, серенада и divertimento. Соната была самой важной и развитой формой. Хотя композиторы эпохи барокко также писали сонаты, классический стиль сонаты совершенно особенный. Все основные инструментальные формы классической эпохи, от струнных квартетов до симфоний и концертов, основывались на структуре сонаты.
Одним из самых важных изменений, внесенных в классический период, стало развитие публичных концертов. Аристократия по-прежнему играла значительную роль в спонсировании концертов и сочинений, но теперь композиторы могли выжить, не будучи постоянными служащими королев или принцев. Растущая популярность классической музыки привела к увеличению количества и типов оркестров. Расширение оркестровых концертов потребовало строительства больших площадок для публичных выступлений. Симфоническая музыка, включая симфонии, музыкальное сопровождение к балету и смешанные вокально-инструментальные жанры, такие как опера и оратория, стала более популярной.
Самыми известными композиторами классицизма являются Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт, Людвиг ван Бетховен и Франц Шуберт. Бетховен и Шуберт также считаются композиторами поздней части классической эпохи, когда она начала двигаться в сторону романтизма.
| Р. Вагнер. Die Walküre |
|---|
В эпоху романтической музыки (ок. 1810–1900) композиторы превратили жесткие стили и формы классической эпохи в более страстные, драматические и выразительные произведения. Композиторы пытались усилить эмоциональное выражение и силу своей музыки, они пытались описать более глубокие истины или человеческие чувства. В симфонических тональных стихах композиторы пытались рассказывать истории и вызывать образы или пейзажи с помощью инструментальной музыки. Некоторые композиторы пропагандировали националистическую гордость с помощью патриотической оркестровой музыки, вдохновленной народной музыкой. Для композиторов эмоциональные и выразительные качества музыки стали преобладать над следованием учебникам и традициям. Композиторы-романтики выросли в своей идиосинкразии и пошли дальше в синкретизме исследования различных форм искусства в музыкальном контексте (например, литература ), истории (исторические фигуры и легенды) или сама природа. Романтическая любовь или тоска были преобладающей темой во многих произведениях, написанных в этот период. В некоторых случаях продолжали использоваться формальные структуры классического периода (например, сонатная форма, используемая в струнных квартетах и симфониях ), но эти формы были расширен и изменен. Во многих случаях композиторы исследовали новые подходы к использованию существующих жанров, форм и функций. Кроме того, композиторы создавали новые формы, которые считались более подходящими для нового предмета. Опера и балет продолжали развиваться.
В годы после 1800 года музыку разрабатывали Людвиг ван Бетховен и Франц Шуберт представил более драматичный, выразительный стиль. В случае Бетховена короткие мотивы, разработанные органически, пришли на смену мелодии в качестве наиболее значимой композиционной единицы (например, характерная четырех нотная фигура, использованная в его Пятой симфонии ). Поздние композиторы-романтики, такие как Петр Ильич Чайковский, Антонин Дворжак и Густав Малер использовали более необычные аккорды и другие диссонанс, чтобы создать драматическое напряжение. Они создавали сложные и часто гораздо более длинные музыкальные произведения. В период позднего романтизма композиторы исследовали драматические хроматические изменения тональности, такие как расширенные аккорды и измененные аккорды, которые создавали новое звучание. "цвета". Композиторы эпохи романтизма увеличили размер оркестра, добавив исполнителей и используя новые инструменты, создав более мощный звук. Некоторые вагнеровские оркестры включали в себя несколько арф, массивные струнные секции и тубы Вагнера.
Джаз Группа, состоящая из контрабасиста Реджи Уоркмана, тенор-саксофониста Фароа Сандерс и барабанщик Идрис Мухаммад, выступающие в 1978 году В 19 веке одним из ключевых способов, по которым новые композиции стали известны публике, была продажа листов музыка, которую любители музыки исполняли бы дома на своем пианино или других инструментах. В связи с музыкой 20-го века наблюдался значительный рост прослушивания музыки, поскольку радио приобрело популярность, а фонографы использовались для воспроизведения и распространения музыки. В 20 веке современные композиторы-классики также испытали влияние афро-американской основанной на импровизации музыки джаза. Влияние джаза можно увидеть в музыке Third Stream и в композициях Леонарда Бернстайна. Направление художественной музыки характеризовалось поиском новых ритмов, стилей и звуков. Игорь Стравинский, Арнольд Шенберг и Джон Кейдж были влиятельными композиторами в области художественной музыки 20-го века. Кейдж писал композиции для традиционных классических инструментов и необычных звуковых устройств, которые обычно не воспринимаются как инструменты, таких как радио. Изобретение звукозаписи и возможности редактировать музыку на магнитной ленте породило новый поджанр классической музыки, включая школы электронной композиции acousmatic и Musique concrète., в котором композиторы делали пьесы с использованием катушечных магнитофонов и электронного оборудования.
Композитор и пианист девятнадцатого века Клара Шуман В 1993 году американский музыкант Марсия Цитрон спросила "[w] Почему музыка, написанная женщинами, настолько маргинальна по сравнению со стандартным «классическим» репертуаром? » Цитрон «исследует практики и отношения, которые привели к исключению женщин-композиторов из принятого« канона »исполняемых музыкальных произведений». Она утверждает, что в 1800-х годах женщины-композиторы обычно писали художественные песни для исполнения в небольших сольных концертах, а не симфонии, предназначенные для исполнения с оркестром в большом зале, причем последние произведения можно было увидеть. как важнейший жанр для композиторов; поскольку женщины-композиторы не писали много симфоний, они не считались известными как композиторы.
По словам Эбби Филипс, «женщинам-музыкантам было очень трудно прорваться и получить заслуженную репутацию». В эпоху Средневековья большая часть художественной музыки создавалась для литургических (религиозных) целей, и из-за взглядов религиозных лидеров на роль женщин, немногие женщины сочиняли эту музыку, с монахиней Хильдегардой фон Бинген был одним из исключений. В большинстве университетских учебников по истории музыки почти исключительно обсуждается роль композиторов-мужчин. Кроме того, очень мало произведений женщин-композиторов входит в стандартный репертуар классической музыки. В Краткой Оксфордской Истории Музыки «Клара Шуман [sic ] - одна из немногих упомянутых женщин-композиторов», но среди других известных женщин-композиторов периода общей практики Фанни Мендельсон и Сесиль Шаминад, и, возможно, самым влиятельным учителем композиторов в середине 20-го века была Надя Буланже. Philips заявляет, что «в 20 веке женщины, которые сочиняли / играли, привлекали гораздо меньше внимания, чем их коллеги-мужчины».
Сегодня к женщинам относятся более серьезно в сфере концертной музыки, хотя статистика признания, призов, трудоустройства и общих возможностей все еще смещена в сторону мужчин.
Известные композиторы имеют тенденцию собираться в определенных городах на протяжении всей истории. Основываясь на данных о более чем 12 000 выдающихся композиторов, перечисленных в Grove Music Online, и использовании методов измерения подсчета слов, можно количественно определить наиболее важные города для классической музыки.
Париж имеет был главным центром классической музыки во все периоды. Он занимал пятое место в 15–16 веках, но первое место в 17–20 веках включительно. Лондон был вторым по значимости городом: восьмым в XV веке, седьмым в XVI веке, пятым в XVII веке, вторым в XVIII и XIX веках и четвертым в XX веке. Рим возглавлял рейтинг в 15 веке, опустился на второе место в 16 и 17 веках, восьмое место в 18 веке, девятое в 19 веке, но вернулось на шестое место в 20 веке. Берлин появляется в первой десятке рейтинга только в 18 веке и занимает третье место по значимости как в 19, так и в 20 веках. Нью-Йорк вошел в рейтинг в 19 веке (на пятом месте) и занял второе место в 20 веке. Шаблоны очень похожи для выборки из 522 лучших композиторов.
Профессиональные композиторы-классики часто имеют опыт исполнения классической музыки в детстве и подростковом возрасте, либо в качестве певцов. в хоре , в молодежном оркестре или в качестве исполнителя на сольном инструменте (например, фортепиано, свирель орган, или скрипка ). Подростки, стремящиеся стать композиторами, могут продолжить свое среднее образование в различных учебных заведениях, включая колледжи, консерватории и университеты. Консерватории, которые являются стандартной системой музыкального обучения во Франции и Квебеке (Канада), предоставляют уроки и опыт любительского оркестрового и хорового пения для студентов-композиторов. Университеты предлагают ряд программ по композиции, включая степени бакалавра, магистра музыки и степени доктора музыкального искусства. Кроме того, существует множество других программ обучения, таких как классические летние лагеря и фестивали, которые дают студентам возможность получить наставления от композиторов.
Степени бакалавра по композиции (именуемые B.Mus. или BM) - это четырехлетние программы, которые включают индивидуальные уроки композиции, любительский оркестр / хоровой опыт и последовательность курсов по истории музыки, теории музыки и гуманитарным наукам (например, английская литература), которые дают студенту более всестороннее образование. Обычно студенты-композиторы должны закончить важные пьесы или песни до окончания учебы. Не все композиторы имеют степень бакалавра музыки. по составу; композиторы могут также иметь B.Mus. в музыкальном исполнении или теории музыки.
Степень магистра музыки (M.mus.) По композиции состоит из частных уроков с профессором композиции, ансамблевого опыта и курсов повышения квалификации по истории музыки и теории музыки, а также один или два концерта сочинения студенческих произведений. Степень магистра музыки (называемая M.Mus. Или M.M.) часто является необходимым минимумом для людей, которые хотят преподавать композицию в университете или консерватории. Композитор с М.Мус. мог бы быть адъюнкт-профессором или преподавателем в университете, но в 2010-х годах было бы сложно получить постоянную должность профессор с этой степенью.
Чтобы стать профессором с постоянным сроком пребывания, многим университетам требуется докторская степень. По композиции ключевой докторской степенью является доктор музыкальных искусств, а не доктор философии ; докторская степень присуждается по музыке, но, как правило, по таким предметам, как музыковедение и теория музыки.
Доктор музыкальных искусств (именуемых DMA, DMA, D.Mus.A. или A. Степени Mus.D) по композиции предоставляют возможность для углубленного изучения на самом высоком художественном и педагогическом уровне, что обычно требует дополнительных 54+ зачетных часов помимо степени магистра (что примерно на 30+ кредитов сверх степени бакалавра). По этой причине прием очень избирательный. Студенты должны представить образцы своих сочинений. Если возможно, некоторые школы также принимают видео- или аудиозаписи исполнения произведений учащихся. Требуются экзамены по истории музыки, теории музыки, тренировке слуха / диктанта и вступительный экзамен.
Студенты должны подготовить значимые сочинения под руководством преподавателей композиции. Некоторые школы требуют, чтобы студенты-композиторы DMA представили концерты своих произведений, которые обычно исполняют певцы или музыканты из школы. Завершение продвинутых курсовых работ и получение среднего среднего балла - это другие типичные требования программы D.M.A. Во время D.M.A. По программе студент-композитор может получить опыт преподавания музыки студентам бакалавриата.
Некоторые композиторы-классики не завершили программы композиции, а сосредоточили свои исследования на исполнении голоса или инструмента или на теории музыки и развили свои композиционные навыки в течение карьеры занималась другой музыкальной деятельностью.
В средние века большинство композиторов работали в католической церкви и сочиняли музыку для религиозных служб, например, plainchant мелодии. В эпоху ренессансной музыки композиторы обычно работали на аристократических работодателей. В то время как аристократы обычно требовали от композиторов создания значительного количества религиозной музыки, такой как мессы, композиторы также сочинили множество нерелигиозных песен на тему придворной любви : уважительной, благоговейной любви великой женщины издалека. Куртуазные любовные песни были очень популярны в эпоху Возрождения. В эпоху музыки барокко многие композиторы были наняты аристократами или служителями церкви. В классический период композиторы стали организовывать больше публичных концертов с целью получения прибыли, что помогло композиторам меньше зависеть от аристократических или церковных должностей. Эта тенденция продолжилась в эпоху романтической музыки 19 века. В 20 веке композиторы начали искать работу профессорами в университетах и консерваториях. В 20 веке композиторы также зарабатывали деньги на продаже своих произведений, таких как ноты публикации своих песен или произведений или звукозаписи своих произведений.
 | Найдите composer в Wiktionary, бесплатный словарь. |
СМИ, относящиеся к композиторам на Викискладе