Войти
Танец - это вид исполнительского искусства, практикуемый во всем мире. Исполнительское искусство относится к видам искусства, в которых художники используют свои голоса, тела или неодушевленные предметы для передачи художественного выражения. Это отличается от изобразительного искусства, когда художники используют краску, холст или различные материалы для создания физических или статических арт-объектов. Исполнительское искусство включает в себя ряд дисциплин, которые исполняются перед живой аудиторией, стимулируя театр, музыку и танцы.
Театр, музыка, танцы и манипулирование предметами и другие виды представлений присутствуют во всех человеческих культурах. история музыки и танец относятся к доисторическим временам, тогда как искусство цирка относится как минимум к Древнему Египту. Многие исполнительские виды искусства выполняются профессионально. Представления могут проводиться в специально построенных зданиях, таких как театры и оперы, на открытых сценах фестивалей, на сценах в палатках, таких как цирки, и на улице.
Живые выступления перед публикой - это форма развлечения. Развитие записи аудио и видео сделало возможным частное потребление исполнительского искусства.
Исполнительское искусство часто направлено на выражение эмоций и чувств.
Выступающие артисты в Киото, Япония Артисты, которые занимаются исполнительским искусством перед публикой, называются исполнителями. Примеры: актеры, комики, танцоры, фокусники, цирковые артисты, музыканты и певцы. Исполнительское искусство также поддерживают работники смежных областей, таких как написание песен, хореография и сценическое искусство.
Исполнителя, который преуспевает в актерском мастерстве, пении и танцах, обычно называют тройной угрозой . Хорошо известные примеры исторических художников тройной угрозы: Джин Келли, Фред Астер, Джуди Гарланд и Сэмми Дэвис-младший.
Исполнители часто адаптируются их внешний вид, например, костюмы и сценический макияж, сценическое освещение и звук.
Исполнительское искусство может включать танец, музыку, оперу, театр и музыкальный театр, магию, иллюзию, пантомим, устное слово, кукольный, цирковое искусство, перформанс.
Существует также специализированная форма изобразительного искусства, в которой художники исполняют свои работы вживую для публики. Это называется перформансом. Большинство исполнительского искусства также включает в себя некоторую форму пластического искусства, возможно, в создании реквизита. В эпоху современного танца танец часто упоминался как пластическое искусство.
Театр - это отрасль исполнительского искусства, связанная с актерским мастерством рассказывать истории перед аудиторией, используя комбинацию речи, жеста, музыки, танца, звука и зрелища. Любой один или несколько из этих элементов считается исполнительским искусством. В дополнение к стандартному повествовательному диалоговому стилю пьес театр принимает такие формы, как пьесы, мюзиклы, опера, балет, иллюзия, пантомима, классический индийский танец, кабуки, пьесы ряженых, импровизационный театр, комедия, пантомима и нетрадиционные или современные формы, такие как постмодернистский театр, постдраматический театр или перформанс.
A балерина на пуантах.В контексте исполнительского искусства танец обычно относится к человеческому движению, обычно ритмическому и музыкальному, используемому как форма развлечения аудитории в постановке. Определения того, что составляет танец, зависят от социальных, культурных, эстетических, артистических и моральных ограничений и варьируются от функциональных движений (например, как народный танец ) до кодифицированных, виртуозных техник, таких как балет.
Есть еще одна современная форма танца, которая возникла в 19-20 веках под названием Стиль произвольного танца. Эта форма танца была построена так, чтобы создать гармоничную личность, которая включала такие качества, как физическая и духовная свобода. Айседора Дункан была первой танцовщицей, которая спорила о «женщине будущего» и разработала новый вектор хореографии, используя идею Ницше о «высшем разуме в свободном разуме».
Танец - это мощный импульс, но искусство танца - это импульс, направленный умелыми исполнителями во что-то, что становится очень выразительным и может радовать зрителей, которые не испытывают желания танцевать сами. Эти две концепции искусства танца - танец как мощный импульс и танец как искусно поставленное искусство, практикуемое в основном немногими профессионалами, - являются двумя наиболее важными связующими идеями, проходящими через любое рассмотрение предмета. В танце связь между двумя концепциями сильнее, чем в некоторых других искусствах, и ни одно из них не может существовать без другого.
Хореография - это искусство создания танцев, и человека, практикующего это искусство, называют хореографом..
Музыка - это искусство, в котором для создания звука сочетаются высота, ритм и динамика. Он может исполняться с использованием различных инструментов и стилей и делится на такие жанры, как фолк, джаз, хип-хоп, поп и рок и т. Д. Как вид искусства музыка может исполняться в живом или записанном формате и может быть спланирована или импровизирована.
Софокл, как показано в Nordisk familjebok.Поскольку музыка - это разностороннее искусство, она легко согласовывается со словами для песен, как физические движения в танце. Более того, он обладает способностью формировать человеческое поведение, поскольку влияет на наши эмоции.
Начиная с 6 века до нашей эры, классическое искусство Период исполнительского искусства начался в Греции, и его открыли трагические поэты, такие как Софокл. Эти поэты писали пьесы, которые в некоторых случаях включали танец (см. Еврипид ). Эллинистический период положил начало широкому распространению комедии.
Однако к VI веку нашей эры западное исполнительское искусство в значительной степени прекратилось, когда начались Темные века. Между 9-м и 14-м веками исполнительское искусство на Западе ограничивалось религиозными историческими постановлениями и моральными пьесами, организованными церковью для празднования святых дней и других важных событий.
В 15 веке исполнительское искусство, наряду с искусством в целом, пережило возрождение, поскольку Ренессанс начался в Италии и распространился по всей Европе, пьесы, некоторые из которых включали танец, который исполнял и Доменико да Пьяченца приписывают первое использование термина бал (в De Arte Saltandi et Choreas Ducendi) вместо данза (танец) для своих балетти или балли. Термин в конечном итоге стал балетом. Первым балетом как таковым считается Balthasar de Beaujoyeulx Ballet Comique de la Reine (1581).
Commedia dell'arte труппа на повозке, Ян Миэль, 1640 К середине 16 века Commedia dell'arte стала популярной в Европе, Введение в использование импровизации. В этот период также были представлены музыкальные, танцевальные и изысканные костюмы, а также профессиональные театральные труппы Англии. Пьесы Уильяма Шекспира конца 16 века выросли из этого нового класса профессионального исполнения.
В 1597 году была поставлена первая опера, Дафне, и на протяжении 17 века опера быстро стала любимым развлечением для аристократии большей части Европы. и, в конечном итоге, для большого числа людей, живущих в больших и малых городах по всей Европе.
Введение арки просцениума в Италии в 17 веке установило традиционную театральную форму, которая сохраняется и по сей день. Между тем в Англии пуритане запретили актерское мастерство, что положило конец исполнительскому искусству, которое длилось до 1660 года. После этого женщины стали появляться как в французских, так и в английских пьесах. Французы ввели официальное обучение танцам в конце 17 века.
Именно в это время были поставлены первые пьесы в американских колониях.
В 18 веке появление популярной оперы-буффа принесло оперу в массы как доступная форма исполнения. Моцарт 'Женитьба Фигаро и Дон Джованни - это вехи оперы конца 18 века.
На рубеже 19-го века Бетховен и романтическое движение открыли новую эру, которая привела сначала к зрелищам большой оперы а затем музыкальные драмы Джузеппе Верди и Gesamtkunstwerk (полное произведение искусства) из опер Рихарда Вагнера, ведущих непосредственно к музыке 20 век.
XIX век был периодом развития исполнительского искусства для всех социальных слоев, технических достижений, таких как введение газового света в театрах, бурлеск, танцы менестрелей., и театр эстрады. В балете женщины добиваются больших успехов в искусстве, в котором раньше доминировали мужчины.
Айседора Дункан, одна из разработчиков произвольного танца.Современный танец возник в конце 19-го и начале 20-го веков в ответ на ограничения традиционного балета.
«Система» Константина Станиславского произвела революцию в актерском мастерстве в начале 20 века и продолжает оказывать большое влияние на актеров сцены и экрана по сей день. В этот период на сцене были представлены и импрессионизм, и современный реализм.
Прибытие Сергея Дягилева Ballets Russes (1909–1929) произвело революцию в балете и исполнительском искусстве в целом во всем западном мире, особенно благодаря тому, что Дягилев сделал акцент на сотрудничество, которое объединило хореографов, танцоров, сценографов / художников, композиторов и музыкантов, чтобы возродить и произвести революцию в балете. Это очень сложно.
С изобретением кинофильма в конце XIX века Томасом Эдисоном и ростом киноиндустрии в Голливуде в начале XX века, кино стала доминирующей средой исполнения на протяжении 20 и 21 веков.
Ритм-энд-блюз, культурный феномен черной Америки, стал популярным в начале 20-го века; оказав влияние на ряд более поздних стилей популярной музыки на международном уровне.
В 1930-е годы Жан Розенталь представил то, что впоследствии стало современным сценическим освещением, изменив природу сцены, поскольку бродвейский мюзикл стал явлением. В Соединенных Штатах.
Исполнительское искусство после Второй мировой войны ознаменовалось возрождением балета и оперы в западном мире.
Представление современного уличного театра в Ла-Шо-де-Фон Постмодернизм в исполнительском искусстве в значительной степени доминировал в 1960-х.
Самое раннее записанное театральное событие датируется 2000 годом до нашей эры и включает страстные пьесы из Древнего Египта. Эта история о боге Осирисе разыгрывалась ежегодно на фестивалях по всей цивилизации, что знаменует начало долгих отношений между театром и религией.
Самыми популярными формами театра в средневековом исламском мире были кукольный театр (в который входили ручные куклы, пьесы теней и марионетки постановки) и живые пьесы о страсти, известные как тазия, в которых актеры воспроизводят эпизоды из мусульманской истории. В частности, шиитские исламские пьесы вращались вокруг шахида (мученичества) Али сыновей Хасана ибн Али и Хусейна. ибн Али. Живые светские пьесы, известные как ахраджа, записаны в средневековой адабской литературе, хотя они были менее распространены, чем кукольный театр и театр тазия.
В Иран существуют и другие формы театральных мероприятий, такие как Нагали (рассказывание историй), ٰ Ру-Хаузи, Парде-Хани, Марек гири.
Бхаратанатьям индийский классический танец, возникший в Тамил Наду 
Народный танец Готикуа - одно из хорошо известных представлений, исполняемых всей группой мальчиков, одетых в индийские женские наряды Сари Народный театр и драматургия можно проследить до религиозного ритуализма Ведические народы в 2-м тысячелетии до нашей эры. Этот народный театр туманного прошлого был смешан с танцами, едой, ритуализмом, а также с изображением событий из повседневной жизни. Последний элемент сделал его источником классического театра более поздних времен. Многие историки, в частности Д.Д. Косамби, Дебипрасад Чаттопадхьяя, Адья Рангачарая и др., Ссылались на преобладание ритуализма среди индоарийских племен, в которых некоторые члены племени вели себя так, как будто они были дикими животными, а некоторые другие были охотниками. Тех, кто выступал в роли млекопитающих, таких как козы, буйволы, северные олени, обезьяны и т. Д., Преследовали те, кто играл роль охотников.
Бхарата Муни (фл. V – II вв. До н.э.) был древним индийским писателем, наиболее известным благодаря написанию Натья Шастра из Бхараты, теоретического трактата по индийскому исполнительскому искусству, включая театр, танец, актерское мастерство и музыку, которые сравнивают с Аристотелем Поэтикой. Бхарату часто называют отцом индийского театрального искусства. Его Натья Шастра кажется первой попыткой систематического развития техники или, скорее, искусства драмы. Натья Шастра говорит нам не только о том, что должно быть изображено в драме, но и о том, как это должно быть показано. Драма, как говорит Бхарата Муни, - это подражание людям и их поступкам (лока-вритти). Подобно тому, как мужчин и их поступки нужно уважать на сцене, драма на санскрите также известна под термином рупака, что означает изображение.
Рамаяна и Махабхарата можно считать первыми признанными пьесами, возникшими в Индии. Эти эпосы послужили источником вдохновения для первых индийских драматургов, и они делают это даже сегодня. Индийские драматурги, такие как Бхаса, во II веке до нашей эры писали пьесы, в значительной степени вдохновленные Рамаяной и Махабхаратой.
Калидаса в I веке до нашей эры, возможно, считается величайшим драматургом древней Индии. Три известные романтические пьесы, написанные Калидасой, - это Mālavikāgnimitram (Mālavikā и Agnimitra), Vikramōrvaśīyam (Относящийся к Викраме и Урваши) и Abhijñānaśākuntala (Признание Шакунтала ). Последний был вдохновлен историей из Махабхараты и является самым известным. Это был первый перевод на английский и немецкий языки. По сравнению с Бхасой, который в значительной степени опирался на эпосы, Калидаса можно считать оригинальным драматургом.
Следующим великим индийским драматургом был Бхавабхути (ок. 7 век). Говорят, что он написал следующие три пьесы: Малати-Мадхава, Махавирачарита и Уттар Рамачарита. Среди этих троих последние два покрывают между собой всю эпопею Рамаяны. Считается, что могущественный индийский император Харша (606–648) написал три пьесы: комедию Ратнавали, Приядаршика и буддист драма Нагананда. Многие другие драматурги следовали в Средневековье.
В южной части Индии было много форм исполнительского искусства, Керала - это штат с различными такими формами искусства, как Кудияттам, Катхакали, Чакьяр Куту, Тираяттам и было много выдающихся художников, таких как Пейнкулам Раман Чакьяр и другие.
Драма теней от руки, Китай Есть упоминания о театральных развлечениях в Китае еще в 1500 г. до н.э. во время династии Шан ; они часто включали музыку, клоунаду и акробатические представления.
Династия Тан иногда известна как «Век 1000 развлечений». В эту эпоху император Сюаньцзун сформировал актерскую школу, известную как «Дети грушевого сада», чтобы создать форму драмы, которая была в основном музыкальной.
Во времена династии Хань театр теней впервые появился как признанная форма театра в Китае. Существовали две различные формы теневого кукольного театра: южный кантонский и северный пекинесский. Эти два стиля различались способом изготовления кукол и расположением стержней на куклах, в отличие от типа игры, выполняемой куклами. Оба стиля обычно ставили пьесы, изображающие великие приключения и фэнтези, редко эта стилизованная форма театра использовалась для политической пропаганды. Кантонские теневые марионетки были более крупными из двух. Они были сделаны из толстой кожи, которая создавала более сильные тени. Символический цвет также был очень распространен; Черное лицо олицетворяло честность, красное - храбрость. Стержни, используемые для управления кантонскими марионетками, прикреплялись перпендикулярно головам марионеток. Таким образом, при создании тени они не были видны публике. Марионетки пекинеса были более нежными и меньшими. Они были созданы из тонкой полупрозрачной кожи, которую обычно снимают с живота осла. Они были написаны яркими красками, поэтому отбрасывали очень красочную тень. Тонкие стержни, контролировавшие их движения, были прикреплены к кожаному ошейнику на шее марионетки. Стержни проходили параллельно телам марионетки, а затем поворачивались под углом девяноста градусов, чтобы соединиться с шеей. Хотя эти стержни были видны при отбрасывании тени, они лежали вне тени марионетки; таким образом, они не мешали внешнему виду фигуры. Стержни прикреплены к шее, чтобы облегчить использование нескольких головок на одном корпусе. Когда головы не использовались, их хранили в муслиновой книжке или ящике с тканевой подкладкой. Головы всегда снимали на ночь. Это соответствовало старому суеверию, согласно которому марионетки, если их не трогать, оживали ночью. Некоторые кукловоды зашли так далеко, что поместили головы в одну книгу, а тела в другую, чтобы еще больше уменьшить возможность реанимации кукол. Говорят, что теневое кукольное искусство достигло высшей точки художественного развития в XI веке, прежде чем стало инструментом правительства.
В династии Сун было много популярных пьес с участием акробатики и музыки. Они развились в династии Юань в более сложную форму с четырех- или пятиактной структурой. Юаньская драма распространилась по Китаю и приняла множество региональных форм, самой известной из которых является Пекинская опера, популярная до сих пор.
Хануман на своей колеснице, сцена из Рамакиена в Ват Пхра Кео, Бангкок В Таиланд, со времен средневековья было традицией ставить пьесы на основе сюжетов индийских эпосов. В частности, театральная версия национального эпоса Таиланда Рамакиен, версия индийского Рамаяна, остается популярной в Таиланде и сегодня.
В Камбодже надписи, относящиеся к VI веку нашей эры, указывают на то, что танцоры в местном храме использовали куклы в религиозных пьесах.. В древней столице Ангкор-Ват истории из индийских эпосов Рамаяна и Махабхарата были вырезаны на стенах храмов и дворцов. Подобные барельефы находятся в Боробудуре в Индонезии.
спектакль Кабуки 
Представление в Кагосима В XIV веке в Японии существовали небольшие труппы актеров, которые исполняли короткие, иногда пошлые комедии. У директора одной из этих компаний, Канами (1333–1384), был сын, Дзэами Мотокиё (1363–1443), который считался одним из лучших детей-актеров Японии. Когда компания Канами выступала для Асикага Ёсимицу (1358–1408), японского сёгуна, он умолял Дзэами получить придворное образование для своего искусства. После того, как Дзэами стал преемником своего отца, он продолжил играть и адаптировать свой стиль к тому, что сегодня является Но. Смесь пантомимы и вокальной акробатики, этот стиль очаровывал японцев на протяжении сотен лет.
Япония после длительного периода гражданских войн и политического беспорядка была объединена и пребывала в мире, в первую очередь благодаря сёгуну Токугаве Иэясу (1600–1668). Однако, встревоженный возрастающим ростом христианства, он прекратил контакты Японии с Европой и Китаем и объявил христианство вне закона. Когда наступил мир, расцвет культурного влияния и рост торгового сословия потребовали своего собственного развлечения. Первым процветающим театром был Нингё дзёрури (обычно называемый Бунраку ). Основатель и главный участник Нингё дзёрури, Чикамацу Монзаэмон (1653–1725), превратил свою форму театра в настоящее искусство. Нингё дзёрури - это сильно стилизованная форма театра с куклами, которые сегодня составляют около 1/3 размера человека. Мужчины, которые управляют марионетками, тренируются всю свою жизнь, чтобы стать мастерами-кукловодами, когда они затем могут управлять головой и правой рукой марионетки и открывать свои лица во время представления. Другие кукловоды, управляющие менее важными конечностями марионетки, закрывают себя и свои лица черным костюмом, чтобы показать свою невидимость. Диалогом занимается один человек, который использует разные тона голоса и манеры речи для имитации разных персонажей. Чикамацу написал тысячи пьес при жизни, большинство из которых используются до сих пор.
Кабуки возник вскоре после Бунраку, по легенде, актрисой по имени Окуни, которая жила примерно в конце 16 века. Большая часть материала Кабуки пришла от Но и Бунраку, и его беспорядочные танцевальные движения также являются следствием Бунраку. Однако Кабуки менее формален и более отдален, чем Но, но все же очень популярен среди японской публики. Актеров обучают разным вещам, включая танцы, пение, пантомиму и даже акробатику. Кабуки сначала исполняли молодые девушки, затем - мальчики, а к концу 16 века компании Кабуки состояли только из мужчин. Мужчины, изображавшие женщин на сцене, были специально обучены раскрывать сущность женщины в своих тонких движениях и жестах.
Портал искусств 