Музыка эпохи Возрождения

редактировать
Группа музыкантов эпохи Возрождения в Концерте (1623) Герарда ван Хонтхорста
История западной классической музыки
Старинная музыка
Период общей практики
Конец 19, 20 и 21 века

Традиционно считается, что музыка эпохи Возрождения охватывает период с 1420 по 1600 год, позже эпохи Возрождения, как ее понимают в других дисциплинах. Вместо того, чтобы начинать с 14c ars nova и мензуральной нотации, которую отстаивал Филипп де Витри (современник и друг Петрарки ), музыка Треченто трактовалась музыковедом как кодекс средневековой музыки, а новая эра началась с расцвета триадная гармония и распространение « англоязычной поддержки » из Британии в бургундскую школу. Удобным водоразделом для его завершения является принятие бассо континуо в начале периода барокко.

Период можно условно разделить на ранний период, соответствующий карьере Гийома Дю Фэ (ок. 1397–1474) и культивированию стиля кантилена, середины, в которой преобладает франко-фламандская школа, и четырехчастных структур, предпочитаемых Йоханнесом. Окегем (1410 - й или 20 - х 1497) и Жоскен Депр ( в конце 1450 - х - 1521), и кульминацию во время контрреформации в витиеватом контрапункте из Палестрины (с 1525 -. 1594) и римской школой.

Музыка все больше освобождалась от средневековых ограничений, и было разрешено больше разнообразия в диапазоне, ритме, гармонии, форме и обозначениях. С другой стороны, правила контрапункта стали более жесткими, особенно в отношении лечения диссонансов. В эпоху Возрождения музыка стала средством самовыражения. Композиторы нашли способы сделать вокальную музыку более выразительной для создаваемых текстов. Светская музыка вобрала в себя приемы духовной музыки, и наоборот. Популярные светские формы, такие как шансон и мадригал, распространились по всей Европе. Суды нанимали исполнителей-виртуозов, как певцов, так и инструменталистов. Музыка также стала более самодостаточной с ее появлением в печатной форме, существующей сама по себе.

Предыдущие версии многих знакомых современных инструментов (включая скрипку, гитару, лютню и клавишные инструменты ) в эпоху Возрождения приобрели новые формы. Эти инструменты были модифицированы с учетом эволюции музыкальных идей и открыли новые возможности для изучения композиторами и музыкантами. Также появились ранние формы современных деревянных духовых и медных инструментов, таких как фагот и тромбон, что расширило диапазон звуковых цветов и усилило звучание инструментальных ансамблей. В течение 15-го века звучание полных триад стало обычным явлением, а к концу 16-го века система церковных ладов начала полностью разрушаться, уступая место функциональной тональности (системе, в которой песни и пьесы основаны на мюзикле) keys »), которые будут доминировать в западной художественной музыке в течение следующих трех столетий.

Начиная с эпохи Возрождения, нотная светская и духовная музыка сохранилась в большом количестве, включая вокальные и инструментальные произведения и смешанные вокально-инструментальные произведения. В эпоху Возрождения процветал широкий спектр музыкальных стилей и жанров, включая мессы, мотеты, мадригалы, шансоны, песни в сопровождении, инструментальные танцы и многие другие. Начиная с конца ХХ века были созданы многочисленные ансамбли старинной музыки. Ансамбли, специализирующиеся на музыке эпохи Возрождения, проводят концертные туры и делают записи, используя современные репродукции исторических инструментов и используя стили пения и исполнения, которые, по мнению музыковедов, использовались в ту эпоху.

СОДЕРЖАНИЕ

  • 1 Обзор
    • 1.1 Предпосылки
    • 1.2 Жанры
    • 1.3 Теория и обозначения
    • 1.4 Композиторы - шкала времени
  • 2 Ранний период (1400–1470 гг.)
  • 3 Средний период (1470–1530 гг.)
  • 4 Поздний период (1530–1600 гг.)
    • 4,1 маньеризм
    • 4.2 Переход к барокко
  • 5 инструментов
    • 5.1 Органы
    • 5.2 Латунь
    • 5.3 Струны
    • 5.4 Перкуссия
    • 5.5 Деревянные духовые (аэрофоны)
  • 6 См. Также
  • 7 ссылки
  • 8 Источники
  • 9 Внешние ссылки

Обзор

Одной из наиболее явных черт европейской художественной музыки раннего Возрождения была растущая зависимость от интервала третьего и его инверсии, шестого (в средние века третьи и шестые считались диссонансами, и только идеальные интервалы рассматривались как созвучия.: кварта квинта, то октава и унисон ). Полифония  - использование нескольких независимых мелодических линий, исполняемых одновременно, - в XIV веке становилась все более сложной, с очень независимыми голосами (как в вокальной музыке, так и в инструментальной музыке). Начало 15 века характеризовалось упрощением, композиторы часто стремились к плавности мелодических частей. Это стало возможным благодаря значительно расширенному вокальному диапазону в музыке - в средние века узкий диапазон требовал частого пересечения частей, что требовало большего контраста между ними, чтобы различать разные части. Модальные (в отличие от тонального, также известной как «музыкального ключа» подход, разработанного в последующем барокко музыки эпохи, с. 1600-1750) характеристикой музыки эпохи Возрождения начало разрушаться к концу периода с увеличением использования из корневых движений в пятых или четвертях (см « круг пятых » для более подробной информации). Примером аккордовой прогрессии, в которой корни аккорда перемещаются с интервалом в четверть, может быть аккордовая последовательность в тональности до мажор: «ре минор / соль мажор / до мажор» (это все трезвучия; аккорды). Движение от аккорда ре минор к аккорду соль мажор составляет интервал идеальной четверти. Движение от аккорда соль мажор к аккорду до мажор также представляет собой интервал безупречной четверти. Позже это стало одной из определяющих характеристик тональности эпохи барокко.

Основными характеристиками музыки эпохи Возрождения являются:

  • Музыка по модам.
  • Более насыщенная текстура с одновременным исполнением четырех или более независимых мелодических партий. Эти переплетающиеся мелодические линии, стиль, называемый полифонией, - одна из определяющих черт музыки эпохи Возрождения.
  • Смешение, а не противопоставление мелодических линий в музыкальной фактуре.
  • Гармония, в которой больше внимания уделялось плавному течению музыки и ее последовательности аккордов.

Развитие полифонии привело к заметным изменениям в музыкальных инструментах, которые музыкально отмечают эпоху Возрождения Средневековья. Его использование поощряло использование более крупных ансамблей и требовало наборов инструментов, которые могли бы сочетаться во всем вокальном диапазоне.

Фон

Как и в других искусствах, на музыку того времени значительно повлияли события, определяющие период раннего Нового времени: рост гуманистической мысли; восстановление литературного и художественного наследия Древней Греции и Древнего Рима ; рост инноваций и открытий; рост коммерческих предприятий; рост класса буржуазии ; и протестантская Реформация. Из этого меняющегося общества возник общий, объединяющий музыкальный язык, в частности, полифонический стиль франко-фламандской школы.

Изобретение печатного станка в 1439 году упростило и удешевило распространение музыки и текстов теории музыки в более широком географическом масштабе и среди большего числа людей. До изобретения книгопечатания письменные тексты по музыке и теории музыки приходилось копировать от руки, что было трудоемким и дорогостоящим процессом. Спрос на музыку как на развлечение и досуг для образованных любителей увеличился с появлением класса буржуазии. Распространение шансонов, мотетов и масс по всей Европе совпало с объединением полифонической практики в текучий стиль, который во второй половине шестнадцатого века достиг кульминации в творчестве таких композиторов, как Джованни Пьерлуиджи да Палестрина, Орланда де Лассус, Томас Таллис, Уильям Берд и Томас Луис де Виктория. Относительная политическая стабильность и процветание в Нидерландах, наряду с процветающей системой музыкального образования во многих церквях и соборах региона, позволили обучить большое количество певцов, инструменталистов и композиторов. Эти музыканты пользовались большим спросом по всей Европе, особенно в Италии, где церкви и аристократические дворы нанимали их в качестве композиторов, исполнителей и учителей. Поскольку печатный станок облегчил распространение печатной музыки, к концу 16 века Италия впитала северные музыкальные влияния, и Венеция, Рим и другие города стали центрами музыкальной деятельности. Это полностью изменило ситуацию, существовавшую сто лет назад. В это время во Флоренции зародилась опера - драматический театральный жанр, в котором певцы аккомпанируют инструментам. Опера была разработана как сознательная попытка возродить музыку Древней Греции.

Жанры

Основными литургическими (церковными) музыкальными формами, которые использовались на протяжении всего периода Возрождения, были мессы и мотеты, с некоторыми другими событиями к концу эпохи, особенно когда композиторы духовной музыки начали принимать светские (нерелигиозные) музыкальные формы. (например, мадригал ) для религиозного использования. Мессы 15-го и 16-го веков имели два типа источников: монофонические (одна мелодическая линия) и полифонические (несколько независимых мелодических линий) с двумя основными формами обработки, основанными на практике cantus firmus или, начиная с некоторого времени. 1500, новый стиль «всепроникающей имитации», в котором композиторы писали музыку, в которой разные голоса или части имитировали мелодические и / или ритмические мотивы, исполняемые другими голосами или партиями. Использовались четыре основных типа масс:

Мессы обычно назывались по источнику, из которого они заимствованы. Cantus firmus mass использует одну и ту же монофоническую мелодию, обычно извлекаемую из пения и обычно в теноре и чаще всего в более длинных нотах, чем другие голоса. Другими сакральными жанрами были мадригал спиритуал и лауд.

В течение этого периода светская (нерелигиозная) музыка имела все большее распространение с большим разнообразием форм, но следует быть осторожным, предполагая взрыв разнообразия: поскольку печатание сделало музыку более доступной, с этой эпохи уцелело гораздо больше. чем из предшествующей средневековой эпохи, и, вероятно, утрачен богатый запас популярной музыки позднего средневековья. Светская музыка была музыкой, независимой от церквей. Основными типами были немецкая ложь, итальянская фроттола, французский шансон, итальянский мадригал и испанский виллансико. Другие светские вокальные жанры включали Каччиа, рондо, virelai, bergerette, балладу, Musique mesurée, Канцонетту, Villanella, villotta, и лютню песню. Появились также смешанные формы, такие как мотет-шансон и светский мотет.

Чисто инструментальная музыка включала в себя консортную музыку для магнитофонов или альтов и других инструментов, а также танцы для различных ансамблей. Распространенными инструментальными жанрами были токката, прелюдия, ричеркар и канцона. Танцы в исполнении инструментальных ансамблей (или иногда поется) включали низменный Danse (Он. Бассадансы), турдион, сальтарелло, павана, гальярдных, аллеманда, Куранта, bransle, Canarie, Пива и lavolta. Музыка многих жанров может быть аранжирована для сольного инструмента, такого как лютня, виуэла, арфа или клавишный. Такие аранжировки были названы интабуляциями (нем. Intavolatura, нем. Intabulierung).

К концу периода слышны ранние драматические предшественники оперы, такие как монодия, мадригальная комедия и посредничество.

Теория и обозначения

Ockeghem, Kyrie "Au travail suis", отрывок, с белыми мензуральными обозначениями.

По словам Маргарет Бент : « Нотация эпохи Возрождения не соответствует нашим [современным] стандартам; при переводе в современную форму она приобретает предписывающий вес, который преувеличивает и искажает ее первоначальную открытость». Композиции эпохи Возрождения записывались только в отдельных частях; оценки были чрезвычайно редкими, и штриховые линии не использовались. Значения нот обычно были больше, чем используются сегодня; первичной единицей удара была полубрев, или целая нота. Как это было со времен Ars Nova (см. Средневековую музыку ), для каждого брева (ноты, состоящей из двух частей) могло быть два или три таких элемента, что, однако, можно рассматривать как эквивалент современного «такта». это была номинальная стоимость банкноты, а мера - нет. Ситуацию можно рассматривать так: это то же самое, что и правило, согласно которому в современной музыке четвертная нота может равняться либо двум восьмым, либо трем, которые были бы записаны как «триоль». По той же схеме, в каждой полубреве могло быть две или три следующей самой маленькой ноты, «миним» (эквивалент современной «половинной ноты»).

Эти различные перестановки назывались «идеальным / несовершенным темпусом» на уровне отношения бреве-полубрев, «идеальным / несовершенным растяжением» на уровне полубреве-минимума и существовали во всех возможных комбинациях друг с другом. Соотношение три к одному называлось «идеальным», а соотношение два к одному - «несовершенным». Существовали также правила, по которым отдельные ноты могли быть уменьшены вдвое или удвоены по стоимости («несовершенные» или «измененные» соответственно), когда им предшествовали или следовали другие определенные ноты. Ноты с черными головками (например, четвертные ) встречаются реже. Такое развитие белых мензуральных обозначений может быть результатом более широкого использования бумаги (а не пергамента ), поскольку более слабая бумага менее способна противостоять царапинам, необходимым для заполнения твердых бланков; обозначения предыдущих времен, написанные на пергаменте, были черными. Другие цвета, а позже и заполненные ноты, также обычно использовались, в основном, чтобы усилить вышеупомянутые недостатки или изменения и вызвать другие временные ритмические изменения.

Случайности (например, добавление острых, плоских и натуральных звуков, которые изменяют ноты) не всегда указывались, как в некоторых обозначениях аппликатуры для инструментов семейства гитар ( табулатур ) сегодня. Однако музыканты эпохи Возрождения были бы хорошо обучены диадическому контрапункту и, таким образом, обладали бы этой и другой информацией, необходимой для правильного чтения партитуры, даже если бы случайности не были записаны. Таким образом, «то, что требует современная нотация [случайность], тогда было бы совершенно очевидно без обозначений певцу, разбирающемуся в контрапункте ". (См. Musica ficta. ) Певец интерпретировал бы свою партию, придумывая каденциальные формулы с учетом других частей, а при совместном пении музыканты избегали параллельных октав и параллельных квинт или изменяли свои каденциальные партии в свете решений других музыкантов. Именно благодаря современным табулатурам для различных щипковых инструментов мы получили много информации о том, какие случайности были выполнены первоначальными практиками.

Для получения информации о конкретных теоретиками см Иоганн Тинкторис, Франкино Гафури, Глареан, Пьетро Aron, Вичентино, Томас де - Санта - Мария, Царлино, Висенте Lusitano, Винченцо Галилей, Артузи, Иоганн Насиус и Чероне.

Композиторы - хронология

Orlando Gibbons Michael Praetorius John Cooper (composer) Claudio Monteverdi Thomas Campion Hans Leo Hassler John Dowland Carlo Gesualdo Philippe Rogier Giovanni Gabrieli Thomas Morley Alonso Lobo Luca Marenzio Giovanni de Macque Tomás Luis de Victoria Luzzasco Luzzaschi William Byrd Giaches de Wert Andrea Gabrieli Orlande de Lassus Claude Le Jeune Costanzo Porta Francisco Guerrero (composer) Giovanni Pierluigi da Palestrina Cipriano de Rore Jacob Clemens non Papa Claude Goudimel Pierre de Manchicourt Hans Newsidler Thomas Tallis Christopher Tye Cristóbal de Morales Costanzo Festa John Taverner Adrian Willaert Thomas Crecquillon Nicolas Gombert Clément Janequin Philippe Verdelot Antoine Brumel Antonius Divitis Antoine de Févin Martin Agricola Pierre de La Rue Jean Mouton Heinrich Isaac Josquin des Prez Jacob Obrecht Alexander Agricola Loyset Compère Antoine Busnois Walter Frye Johannes Ockeghem Guillaume Dufay Gilles Binchois John Dunstable Leonel Power Oswald von Wolkenstein

Ранний период (1400–1470 гг.)

Ключевые композиторы эпохи раннего Возрождения также писали в стиле позднего средневековья, и поэтому они являются переходными фигурами. Леонель Пауэр (ок. 1370-х или 1380-е – 1445) был английским композитором эпохи позднего средневековья и раннего Возрождения. Вместе с Джоном Данстейплом он был одной из главных фигур в английской музыке начала 15 века.) Пауэр - композитор, лучше всего представленный в рукописи Олд Холла, одном из немногих неповрежденных источников английской музыки начала 15 века. Пауэр был одним из первых композиторов, которые установили отдельные движения ординарных масс, которые были тематически объединены и предназначались для непрерывного исполнения. Рукопись Олд-Холла содержит его мессу, основанную на Марианском антифоне, Alma Redemptoris Mater, в которой антифон произносится буквально голосом тенора в каждой части, без мелодических орнаментов. Это единственная циклическая установка массового ординарного, которая может быть ему приписана. Он написал массовые циклы, фрагменты, отдельные части и множество других священных произведений.

Джон Данстейпл (или Данстейбл) (ок. 1390–1453) был английским композитором полифонической музыки позднего средневековья и периодов раннего Возрождения. Он был одним из самых известных композиторов, работавших в начале 15 века, почти современником Власти и имел широкое влияние не только в Англии, но и на континенте, особенно в развивающемся стиле бургундской школы. Влияние Данстейпла на музыкальный словарь континента было огромным, особенно учитывая относительную малочисленность его (приписываемых) работ. Он был признан за обладание чем-то, чего раньше не слышали в музыке бургундской школы : la conservation angloise («английское выражение лица»), термин, использованный поэтом Мартином Ле Франком в его «Чемпион де Дам». Ле Франк добавил, что стиль повлиял на Дюфе и Биншуа. Спустя несколько десятилетий, примерно в 1476 году, фламандский композитор и теоретик музыки Тинкторис подтвердил мощное влияние Данстейпла, подчеркнув «новое искусство», вдохновленное Данстейплом. Тинкторис приветствовал Данстейпл как источник этого стиля, его «исток и исток».

Contenance angloise, в то время как не определен Мартин Ле Франк, был, вероятно, ссылкой на стилистическую черту Dunstaple в использовании полной триадической гармонии (три ноты аккордов), а также по вкусу для интервала третьих. Если предположить, что он был на континенте с герцога Бедфорда, Dunstaple был бы введен французским фобурдон ; заимствуя некоторые из звучностей, он создал элегантные гармонии в своей собственной музыке, используя трети и шестые (пример третьего интервала - ноты C и E; примером шестого интервала - ноты C и A). Взятые вместе, они считаются определяющими характеристиками музыки раннего Возрождения. Многие из этих черт, возможно, возникли в Англии и укоренились в бургундской школе примерно в середине века.

Поскольку многочисленные копии работ Данстейпла были найдены в итальянских и немецких рукописях, его слава по всей Европе, должно быть, была широко распространена. Из приписываемых ему работ сохранилось только около пятидесяти, среди которых две полные массы, три связанных массовых раздела, четырнадцать отдельных массовых частей, двенадцать полных изоритмических мотетов и семь настроек Марианских антифонов, таких как Alma redemptoris Mater и Salve Regina, Mater misericordiae. Данстейпл был одним из первых, кто сочинил мессы, используя одну мелодию как cantus firmus. Хорошим примером этой техники является его Missa Rex seculorum. Считается, что он писал светскую (нерелигиозную) музыку, но никакие песни на местном языке не могут быть приписаны ему с какой-либо степенью уверенности.

Освальд фон Волькенштейн (ок. 1376–1445) - один из важнейших композиторов раннего немецкого Возрождения. Он наиболее известен своими хорошо написанными мелодиями и тем, что использует три темы: путешествия, Бог и секс.

Жиль Биншуа (ок. 1400–1460) был нидерландским композитором, одним из первых представителей бургундской школы и одним из трех самых известных композиторов начала 15 века. Хотя современные ученые часто ставят его позади своих современников Гийома Дюфея и Джона Данстейпла, его работы все еще цитировались, заимствовались и использовались в качестве исходного материала после его смерти. Биншуа считается прекрасным мелодистом, он пишет тщательно продуманные строки, которые легко петь и запоминать. Его мелодии появлялись в копиях спустя десятилетия после его смерти и часто использовались в качестве источников для массового сочинения более поздними композиторами. Большая часть его музыки, даже его духовная музыка, проста и ясна по очертаниям, иногда даже аскетична (монашеская). Трудно представить себе больший контраст между Биншуа и чрезвычайной сложностью ars subtilior предшествующего (четырнадцатого) века. Большинство его светских песен - это рондо, которые стали самой распространенной формой песен в течение столетия. Он редко писал в строфической форме, и его мелодии, как правило, не зависят от схемы рифм стихов, на которые они положены. Биншуа писал музыку для двора, светские песни о любви и рыцарстве, которые оправдали ожидания и удовлетворили вкус герцогов Бургундских, нанявших его, и, очевидно, любили его музыку соответственно. Около половины его сохранившейся светской музыки находится в Оксфордской Бодлианской библиотеке.

Гийом Дю Фэй (ок. 1397–1474) был франко-фламандским композитором раннего Возрождения. Центральная фигура бургундской школы, современники считали его ведущим композитором Европы середины 15 века. Дю Фэй сочинял в большинстве обычных форм дня, включая мессы, мотеты, магнификаты, гимны, простые песнопения в фоксбурдоне и антифоны в области духовной музыки, а также рондо, баллады, виреле и некоторые другие типы шансона в царство светской музыки. Ни одна из его сохранившихся музыкальных произведений не является инструментальной, хотя инструменты определенно использовались для некоторых из его светских произведений, особенно для нижних частей; вся его духовная музыка - вокальная. Инструменты, возможно, использовались для усиления голоса в реальном исполнении почти для любого из его произведений. Семь полных месс, 28 индивидуальных массовых движений, 15 настроек песнопения, используемых в массовых проперах, три магнификата, две настройки Benedicamus Domino, 15 настроек антифона (шесть из них Марианские антифоны ), 27 гимнов, 22 мотета (13 из них изоритмические в большей степени) Угловатый, строгий стиль 14-го века, который уступил место более мелодичному, чувственному партионному письму с преобладанием высоких частот с фразами, оканчивающимися на каденции «меньше трети» в юности Дю Фэя) и 87 шансонов, определенно принадлежащих ему, сохранились.

Часть декораций Du Fay на Ave maris stella в Фабурдоне. Верхняя строка - это пересказ пения; средняя линия, обозначенная как «fauxbourdon» (не написано), следует за верхней линией, но точно на четверть ниже. Нижняя строка часто, но не всегда, находится на шестую часть ниже верхней строки; он украшен и достигает каденции на октаве. Играть