Войти
Шествие людей, киликс от Триптолемоса, около 480 г. до н.э.. Париж: Лувр 
Свадьба Фетиды, Пиксиды художником Свадебным художником, около 470/460 г. до н.э. Париж: Лувр Краснофигурная роспись на вазах - один из самых важных стилей фигурной греческой вазовой живописи.
. Она возникла в Афинах около 520 г. до н.э. и использовалась до конца 3 века до нашей эры. В течение нескольких десятилетий он заменил доминирующий ранее стиль чернофигурной вазной живописи. Его современное название основано на фигурных изображениях красного цвета на черном фоне, в отличие от предшествующего чернофигурного стиля с черными фигурами на красном фоне. Важнейшие области производства, кроме Аттики, находились в Южной Италии. Этот стиль был принят и в других частях Греции. Этрурия важными важными результатами производства за пределами греческого мира.
Аттические краснофигурные вазы Отсортированы по всей Греции и за ее пределами. Долгое время они доминировали на рынке прекрасной керамики. Лишь несколько центров производства керамики могли конкурировать с Афинами с точки зрения инноваций, качества и производственных мощностей. Из красных ваз, произведенных только в Афинах, сегодня сохранилось более 40 000 экземпляров и фрагментов. Из второго по значимости производственного центра, Южной Италии, сохранилось более 20 000 ваз и фрагментов. Начиная с исследований Джона Д. Бизли и Артура Дейла Трендолла, изучение этого стиля искусства достигло огромных успехов. Некоторые вазы можно отнести к художникам или школам. Изображения представляют собой свидетельства изучения греческой истории культуры, повседневной жизни, иконографии и мифологии.
Чернофигурная сцена на брюшной амфоре художника Андокида (Мюнхен 2301 г.). Мюнхен : Staatliche Antikensammlungen Проще говоря, красная фигура - это обратная сторона техники черной фигуры. И то, и другое было достигнуто с помощью техники трехфазного зажигания. Картины наносили на формованные, но необожженные сосуды после того, как они высохли до кожистой, почти хрупкой текстуры. В Аттика обычная необожженная глина на этой стадии необожженного оранжевого цвета. Контуры намеченных фигур были нарисованы либо тупым скребком, либо углем, который полностью исчезал во время обжига. Затем контуры перерисовывались кистью, используя глянцевую глину накладкой. Изредка художник решал несколько изменить образную сцену. В таких случаях бороздки исходного эскиза иногда видимыми. Важные контуры часто рисовались более толстой полосой, что приводило к слегка выступающему контуру (рельефная линия); менее важные линии и внутренние детали прорисованы разбавленной глянцевой глиной.
В этой точке были применены детали других цветов, включая белый или красный. Рельефную линию, вероятно, рисовали щеткой или волосом, смоченным густой краской. (Предположение, что полая игла могла объяснить такие особенности, кажется несколько маловероятным.) Нанесение рельефных контуров было необходимо, так как это было слишком жидкая глянцевая глина оказалась слишком тусклой. После начальной фазы разработки техники были использованы обе альтернативы, чтобы более четко различать градации и детали. Пространство между фигурами было заполнено глянцевой серой глиняной накладкой. Затем вазы восстановления подвергались трехфазному обжигу, во время которого глянцевая глина приобретала свой характерный черный или черно-коричневый цвет в результате , красноватый цвет в результате последнего повторного окисления. Эта заключительная часть окислительной фазы была обожжена при более низких температурах, застекленные вазы не подвергались повторному окислению черного до красного: их более тонкая поверхность расплавлена (спечена) в восстановительной фазе и теперь защищена от кислорода.
Краснофигурная сцена на брюшной амфоре художника Андокида (Мюнхен, 2301 г.). Мюнхен : Staatliche Antikensammlungen Основным преимуществом новой техники было то, что она позволяла гораздо лучше выполнять внутренние детали. В чернофигурной вазовой живописи детали приходилось царапать на окрашенных поверхностях, что всегда было менее аккуратно, чем прямое нанесение деталей кистью. Краснофигурные изображения в целом были более живыми и реалистичными, чем чернофигурные силуэты. Кроме того, они более четко контрастировали с черным фоном. Теперь можно было изобразить людей не только в профиль, но и во фронтальной, задней или трехчетвертной перспективе. Техника красных фигур также позволила обозначить третье измерение на фигурах. Однако у него были и недостатки. Например, разделение пола с помощью черной краски для мужской кожи и белой краски для женской кожи теперь было невозможно. Продолжающаяся тенденция изображать героев и божеств обнаженными и юношеского возраста также затрудняла различение полов или прически. На начальных этапах также были просчеты относительно толщины человеческих фигур.
В чернофигурной вазовой живописи заранее нарисованные контуры были частью фигуры. В краснофигурных вазах контур после обжига составлял часть черного фона. Это рано создать к созданию ваз с очень тонкими фигурами. Еще одна проблема заключалась в том, что фон не позволяет изображать пространство на любой глубине, так что пространственная перспектива почти никогда не использовалась. Тем не менее, преимуществ было больше, чем недостатков. Изображение мышц и других анатомических деталей наглядно показывает развитие стиля.
Дионис на лодке, чернофигурный киликс автор Exekias, около 530 г. до н.э. Мюнхен : Staatliche Antikensammlungen Роспись ваз с черными фигурами была экономия в Коринфе в 7 веке до нашей эры и быстро стала доминирующим стилем украшения керамики во всем греческом мире и за пределами. Хотя Коринфинированный на рынке в целом, региональные рынки и центры производства действительно развивались. Первоначально Афины копировали коринфский стиль. Аттические художники развили стиль до беспрецедентного качества, достигнув пика своих творческих возможностей во второй трети VI века до нашей эры. Exekias, действовавший около 530 г. до н.э., можно рассматривать как самого важного представителя стиля черных фигур.
Воины в окружении Гермеса и Афины. Амфора гончара Андокида и художника Андокида, около 530 г. до н.э. Париж : Лувр В современном веке аттическая керамика, в настоящее время преимущественно краснофигурная, сохраняла свое господство на рынках. Аттическая керамика экспортировалась в Великую Грецию и даже Этрурию. Предпочтение аттических ваз приводит к развитию местных южно-итальянских и этрурийских мастерских или «школ», на которых сильно повлиял аттический стиль, но которые производились исключительно для местных рынков.
Первые краснофигурные вазы изготовлены около 530 г. до н.э. Изобретение техники обычно аккредитовано Andokides Painter. Он и другие ранние представители стиля, например, Псиакс, другие расписанные вазы в обоих стилях, с чернофигурными сценами с одной и красными с помощью. Такие вазы, например брюшная амфора художника Андокида (Мюнхен, 2301), называются двуязычными вазами. Хотя они демонстрируют отличные качества по сравнению со стилем черной фигуры, фигуры все же демонстрируются несколько неестественными и редко пересекаются. Сохранились композиции и техники старого стиля. Таким образом довольно часто встречаются надрезанные линии, как дополнительное нанесение красной краски («добавленная красная») для покрытия больших площадей.
Кратер с palaestra сцена: спортсмены готовятся к соревнованиям, приписываемым Евфронию, около 510/500 г. до н.э., Берлин : Antikensammlung Художники так называемого «Группа компаний« Пионер » » сделала шаг к полному использованию возможностей краснофигурной техники. Они были активны примерно между 520 и 500 годами до нашей эры. Важными представителями являются Евфроний, Евтимид и Финтиас. Эта группа, признанная и определяемая учеными два века, экспериментировала с возможностями, предлагаемыми новым стилем. Таким образом, появлялись в новых ракурсах, таких как виды спереди или сзади, а также проводились эксперименты с перспективой ракурсом и более динамичными композициями. В качестве технического новшества Евфроний ввел «рельефную линию». В то же время были изобретены новые формы ваз, что способствовало тому, что многие из первых художников группы также были гончарами.
Женщина, стоящая на коленях перед алтарем, красное изображение чердака киликс работы художника Чариаса, ок. 510-500 гг. До н. Э. Афины, Музей Агоры P23165. Новые формы включают псиктер и пелик. В это время стали популярны большие кратер и амфоры. Инструкции по применению, возможно, относящиеся к пациенту. Таким образом, на вазе Евфимида написано: «Евфроний никогда [не смог бы]». В более общем плане группа пионеров имела тенденцию использовать надписи. Обозначение мифологических фигур или добавление надписей Калоса является скорее правилом, чем исключением.
Помимо художников по вазам, некоторые художники по чашам также использовали новый стиль. К ним защитой Олтос и Эпиктетос. Многие из их работ были двуязычными, часто с использованием красных фигур на внутренней стороне чаши.
Юноша, совершающий возлияние, внутри чаши от Макрона, около 480 г. до н.э. Париж : Лувр Поколение художников после пионеров, работавших в поздний архаический период (примерно с 500 по 470 г. до н.э.), привело этот стиль к новому расцвету. За это время чернофигурные вазы не смогли достичь такого же качества и в итоге были вытеснены с рынка. К этому поколению одного из самых известных аттических художников по вазам. Среди них Берлинский художник, Художник Клеофрад, а также художники по чашам Онисимос, Дурис, Макрон и Бригос Художник. Улучшение качества сопровождалось удвоением объема производства за этот период. Афины стали доминирующим прекрасной керамики в мире, затмив почти все другие производственные центры.
Одной из ключевых функций этого самого успешного стиля аттической вазовой живописи является мастерство перспективного ракурса, позволяющего получить более естественное изображение фигур и действий. Другая особенность - резкое сокращение фигур сосудов, анатомических деталей и декоративных украшений. Напротив, репертуар изображаемых сцен увеличился. Например, в это время стали очень популярными мифы о Тесее. Часто использовались новые или модифицированные формы ваз, в том числе амфоры Нолана (см. Типология греческих форм ваз ), лекитой, а также чаши аскос и дино типы. Увеличилась специализация художников-ваз и чаш.
Шейная амфора от Провиденсского художника, молодой человек, размахивающего мечом, около 470 г. до н.э. Париж : Лувр 
Эдип и сфинкс, амфора Нолана работы Художника Ахилла, около 440/430 г. до н.э. Мюнхен : Staatliche Antikensammlungen 
Эта амфора, нарисованная Ниобидским художником, является примером его склонности к уравновешенным и гармоничным композициям. Художественный музей Уолтерса, Балтимор.Ключевой характеристикой фигур Раннего Классического является то, что они часто несколько коренастее и менее динамичны, чем их предшественники. В результате изображения приобрели серьезность, даже пафос. Складки одежды были изображены менее линейно, поэтому казались более пластичными. Существенно изменилась и манера подачи сцен. Во-первых, картины перестали сосредотачиваться на моменте конкретным событием, а скорее с драматическим напряжением отображали ситуацию непосредственно перед этим, тем самым подразумевая и контекстуализируя собственно событие. Кроме того, некоторые другие новые достижения афинской демократии начали оказывать влияние на вазовую живопись. Таким образом, можно влияние трагедии и настенной росписи. Греческая настенная живопись сегодня почти полностью утеряна, ее отражение на вазах является одним из немногих, хотя и скромных, источников информации об этом жанре искусства. Другие влияния на живопись в высокой классики включают недавно возведенный Парфенон и его скульптурное украшение. Особенно это заметно на изображении одежды; теперь материал падает более естественно, появляется больше складок, что увеличивает к увеличению «глубины» изображения. Общие композиции были еще более упрощены. Особое внимание художники уделяют симметрии, гармонии и равновесию. Человеческие фигуры вернулись к своей прежней стройности; часто они излучают погруженную в себя, божественную безмятежность.
Важные художники этого периода, примерно с 480 по 425 г. до н.э., включая Живописца Провидения, Хермонакса и Художник Ахиллес, все следуют традициям Берлинского Художника. Фиале Художник, вероятно, ученик Ахиллеса Живописца, также важен. Возникли новые традиции мастерских. Известные примеры включают так называемые «маньеристов », наиболее известный среди них Пэн Пейнтер. Другая традиция была начата Ниобидским художником и продолжена Полигнотосом, Клеофонским художником и Динозаводом. Роль уменьшилась, хотя они по-прежнему производились в больших количествах, например мастерской художника Пентесилеи.
Гидрии, именная ваза художника Мейдиаса. Верхний регистр изображает похищение Leucippidae Диоскурами, нижний показ Гераклезин сад Гесперид и группы местных аттических героев. Около 420/400 г. до н.э. Лондон : Британский музей.
Эротическая сцена на ойночо работы Шуваловского художника, около 430 г. до н.э. Берлин : Старый музей.В период позднего классицизма, в последней четверти V века, возникли две противоположные тенденции. С одной стороны, развивался стиль вазовой живописи, находящийся под сильным регионом «богатого» стиля скульптуры, с другой стороны, некоторые мастерские продолжили развитие периода высокой классики с повышенным акцентом на изображении эмоций и диапазоном эротических сцен. Самый важный представитель богатого стиля - это Мейдиас Пейнтер. Характерные черты - прозрачная одежда и множественные складки ткани. Также увеличивается количество изображений украшений и других предметов. Очень бросается в глаза использование дополнительных цветов, преимущественно белого и золотого, при изображении аксессуаров с низким рельефом. Со временем происходит «уменьшение времени»: значимое значение.
Кассандра и Гектор на канфаросе от художника Эретрии, около 425/20 г. до н. Э. Гравина в Апулии : Музей Помаричи-Сантомаси. На картинах мифологические сцены изображены реже, чем раньше. Образы личного и домашнего мира становились все более важными. Особенно часто встречаются сцены из жизни женщин. В мифологических сценах преобладают изображения Диониса и Афродиты. Непонятно, что послужило причиной смены темы изображения у некоторых художников. Предложения включают контекст с ужасами Пелопоннесской войны, но также и потерю доминирующей роли Афин в средиземноморской торговле керамикой (которая частично является результатом войны). Возрастающая роль новых рынков, например Iberia, подразумевает новые потребности и пожелания со стороны клиентов. Этим теориям противоречит тот факт, что некоторые художники придерживаются прежнего стиля. Некоторые, например Художник Эретрии попытался объединить обе традиции. Лучшие работы позднего классического периода часто встречаются более мелкие сосудах, таких как брюшко lekythoi, pyxides и oinochai. Леканис, Белл Кратер (см. Типология греческих форм ваз ) и гидрия также были популярны.
Производство обычной краснофигурной керамики прекратилось около 360 г. до н.э. И до этого времени существовали стили Rich и Simple. Поздние представители включают Meleager Painter (Rich Style) и Jena Painter (Simple Style).
Суд Парижа, около 360 г. до н.э. Малибу : Музей Гетти.Последние десятилетия аттической росписи вазами с красными фигурами преобладают керченский стиль. Этот стиль, распространенный между 370 и 330 годами до нашей эры, сочетал в себе предыдущие богатый и скромный стили с преобладанием богатых. Типичны многолюдные композиции с большими статуями. Добавленные цвета теперь включают синий, зеленый и другие. Объем и оттенок указываются с помощью разбавленной жидкой глянцевой глины. Иногда целые фигуры добавляются в виде аппликаций, то есть в виде тонких фигурных рельефов, прикрепленных к корпусу вазы. Резко сократилось разнообразие используемых форм судов. Распространенные окрашенные формы включают пелику, чашу кратера, лекитос живота, скифос, гидрию и оинохое. Очень часто встречаются сцены из женской жизни. В мифологической тематике по-прежнему доминирует Дионис ; Ариадна и Геракл - наиболее часто изображаемые герои. Самый известный художник этого стиля - Художник Марсий.
. Последние афинские вазы с фигурными изображениями были созданы не позднее 320 г. до н.э. Стиль продолжался несколько дольше, но с нефигурными украшениями. Последними признанными примерами являются художники, известные как YZ Group.
Tondo из kylix со сценой palaestra и подписью из Эпиктет, около 520/10 г. до н.э. Париж : Лувр.Керамейкос был кварталом гончаров в Афинах. В нем было множество небольших мастерских и, вероятно, несколько более крупных. В 1852 году во время строительных работ на улице Эрму была обнаружена мастерская йенского художника. Артефакты из него сейчас выставлены в университетской коллекции Йенского университета им. Фридриха Шиллера. Согласно современным исследованиям, мастерские принадлежали гончарам. Имена около 40 аттических вазописцев известны по надписям на вазах, обычно сопровождаемых словами ἐγραψεν (égrapsen, нарисовал). Напротив, подпись гончара, ἐποίησεν (epoíesen, made), сохранилась более чем на вдвое большем количестве, а именно около 100 горшков (оба числа относятся ко всей аттической фигуральной вазовой живописи). Хотя подписи были известны с ок. 580 г. до н.э. (первая известная подпись гончара Софила ), их использование возросло до апогея примерно на этапе пионерства.Изменение, по всей видимости, все более негативное отношение к ремесленникам, привело к сокращению подписей, начиная с классического периода. В целом подписи встречаются довольно редко. Тот факт, что они чаще всего встречаются на особенно хороших предметах, указывает на то, что они выражали гордость гончара и / или художника.
Подпись гончара Амасис на olpe, около 550/30 г. до н. Э. Париж : Лувр.Статус художника по сравнению со статусом гончаров остается несколько неясным. Тот факт, что, например, Евфроний мог работать одновременно художником и гончаром, предполагает, что по крайней мере из художников не были рабами. С другой стороны, некоторые из известных имен на то, что художников было по крайней мере несколько бывших рабов и несколько периойкои. Кроме того, некоторые имена не уникальны: например, несколько художников подписались как Polygnotos. Это может быть попытка извлечь выгоду из имени великого художника. Если художники носят известные имена, например, Аристофан (художник по вазам). Карьера некоторых художников по вазе хорошо известна. Помимо художников с относительно коротким периодом деятельности (один или два десятилетия), некоторых можно проследить гораздо дольше. Примеры включают Дурис, Макрон, Хермонакс и Художник Ахиллеса. Тот факт, что несколько художников позже стали гончарами, предполагают развитие карьеры, возможно, начиная с ученичества, включающего в основном живопись, и заканчивая гончаром. Это разделение труда, по-видимому, развилось вместе с появлением краснофигурной живописи, поскольку многие гончары известны еще с чернофигурного периода (включая Экзекия, Неарх и, возможно, Амасис Пейнтер ). Повышенный спрос на экспорт привел бы к новой структуре производства, вызвать специализацию и разделение труда, что привело бы к неоднозначному различию между художником и гончаром. Как упоминалось выше, роспись сосудов, вероятно, в основном выполнялась младшими помощниками или учениками. Можно предложить некоторые дальнейшие выводы относительно организационных условий гончарного производства. Похоже, что обычно несколько художников работали в одной гончарной мастерской, на что указывает тот факт, что часто несколько современных горшков одного и того же гончара расписываются разными художниками. Например, горшки, сделанные Евфронием, были расписаны Онисимом, Дурисом, Antiphonios Painter, Художник Триптолемос и Художник Пистоксенос. И наоборот, отдельный художник также мог переходить из одной мастерской в другую. Например, художник по чаше Олтос работал по крайней мере для шести разных гончаров.
Надпись Калоса на сосуде с двойной головкой, нарисованная художником, может быть, Скайта, около 520/10 г. до н. Э. Париж : Лувр.Хотя с современной точки зрения вазописцы часто считаются художниками, а их вазы, следовательно, произведениями искусства, это мнение не согласуется с что держали в древности. Художники-вазы, как и гончары, считались мастерами, а их продукция - товаром. Мастера должны быть достаточно высокий уровень образования. С одной стороны, упомянутые калосские надписи обычные, с другой стороны, надписи часто маркируют изображенные фигуры. То, что не каждый художник по вазам мог писать, показывают некоторые примеры бессмысленных рядов случайных букв. Вазы свидетельствуют о постоянном повышении грамотности, начиная с VI века нашей эры. Принадлежат ли гончары и, возможно, художники по вазам, к аттической элите, до сих пор не эмнено. Отражают ли какие-то мероприятия симпозиума, частный опыт высшего класса, личный опыт художников, их стремление посещать такие мероприятия или просто требования рынка? Большая часть произведенных расписных ваз, таких как псиктер, кратер, калпис, стамнос, а также килики и kantharoi, были изготовлены и куплены для использования на симпозиумах.
Искусно расписанные вазы были хорошими, но не лучшими столовыми товарами, доступными для греков. Особого уважения пользовались металлические сосуды, особенно из драгоценных металлов. Тем не менее расписные вазы не были дешевым товаром; особенно большие экземпляры были дорогими. Около 500 г. до н. Э. Большая расписная ваза стоила около одной драхмы, что эквивалентно дневной заработной плате каменщика. Было высказано предположение, что расписные вазы представляют собой попытку имитации металлических сосудов. Самые большие массовые убийства в мире. Посуда из скоропортящихся материалов, таких как дерево, могла быть даже более распространенной. Такие не менее часто находки краснофигурных ваз, обычно не самого высокого качества, обнаруживаются в поселениях, что такие сосуды используются в повседневной жизни. Большую часть продукции занимают культовые и надгробные сосуды. В любом случае можно предположить, что производство качественной керамики было прибыльным делом. Например, на афинском Акрополе был найден дорогой вотив, подаренный художником Евфронием. Вряд ли можно сомневаться в том, что экспорт такой керамики важный вклад в процветание Афин. Неудивительно, что многие мастерские, похоже, нацелили свою продукцию на экспортные рынки, например, создаваемые сосуды, которые были более популярны в целевом регионе, чем в Афинах. Исчезновение аттической вазовой живописи в 4 веке до н.э. точно совпадает с тем периодом, когда этруски, вероятно, главный западный экспортный рынок, испытывает растущее давление со стороны южноитальянских греков и Римлянам. Еще одна причина прекращения производства фигурно украшенных ваз - изменение вкусов в начале эллинистического периода. Однако основную причину следует рассматривать во все более неудачном ходе Пелопоннесской войны, завершившейся разрушительным поражением Афин в 404 г. до н. Э. После этого Спарта управляемала западную торговлю, хотя и не имеет экономических сил, чтобы полностью ее использовать. Гончары Аттики должны были найти новые рынки сбыта; они сделали это в районе Черного моря. Но Афины и их промышленность так и не оправились от повреждений. Некоторые гончары и художники уже переехали в Италию во время войны в поисках лучших экономических условий. Ключевым показателем экспортно-ориентированного производства аттических ваз является почти полное отсутствие театральных сцен. Покупатели из других культур, такие как этруски или более поздние покупатели Пиренейского полуострова, сочли бы такое изображение непонятным или неинтересным. В южно-итальянской вазовой живописи, которая в основном не нацелена на экспорт, такие сцены довольно распространены.
По крайней мере, с современной точки зрения, южно-итальянская краснофигурная ваза Картины представляет собой единственную область производства, которая соответствует аттическим стандартам художественного качества. После аттических ваз наиболее тщательно исследованы южно-итальянские (в том числе из Сицилии ). В отличие от своих аттических собратьев, они в основном производились для местных рынков. За пределами Южной Италии и Сицилии были найдены лишь несколько частей. Первые мастерские были основаны в середине V века до н.э. аттическими гончарами. Вскоре местного мастера прошли обучение, и тематическая и формальная зависимость от аттических ваз была преодолена. К концу столетия в Апулии сформировались отличительные «витиеватый стиль» и «простой стиль». Особенно богато украшенный стиль принят другими школами материка, но не достиг такого же качества.
К настоящему времени известно 21 000 южно-итальянских ваз и их фрагментов. Из них 11000 к луканийским, 4000 - к кампанийским, 2000 - к Пестану, 1500 - к луканийским и 1000 - к сицилийским.
Скифос с изображением женской головы по, около 340 г. до н. э. Берлин : Старый музей.Апулийские традиции росписи ваз считаются ведущим южно-итальянским стилем. Главный центр производства находился в Тарасе. Апулийские краснофигурные вазы производились примерно с 430 по 300 год до нашей эры. Различают простой и витиеватый стили. Основное различие между ними состоит в том, что простой способ использования кратерам колокола, кратерам колонн и меньшим судам, и что один "простой" сосуд редко изображал более четырех фигур. Основными сюжетами были мифологические сцены, женские головы, воины в сценах прощального боя и образы дионисий тиас. На реверсе часто изображалась молодежь в плащах. Ключевой особенностью этих просто декорированных изделий является полное отсутствие дополнительных красок. Важными представителями простого стиля являются Сизиф Пейнтер и Тарпорли Пейнтер. После середины 4-го века до нашей эры этот стиль становится все более похожим на богато украшенный. Важным художником периода является Varrese Painter.
работы Underworld Painter, около 340 г. до н.э. Берлин : Старый музей.Художники, использовавшие богато украшенный стиль, предпочитали большие сосуды, такие как завитые кратеры, амфоры, лутрофоры и гидриай. На большей площади было изображено до 20 фигур, часто в нескольких регистрах на корпусе вазы. Обильно используются дополнительные цвета, особенно оттенки красного, желто-золотого и белого. Со 2-й половины 4-го века горлышки и стенки ваз украшены богатым растительным или орнаментом орнаментом. «Дворец Аида » (найской ), то же время развиваются перспективные виды, особенно таких зданий. С 360 г. до н.э. такие сооружения часто изображаются в сценах, связанных с погребальными обрядами (вазы наискос). Важными представителями этого стиля являются Художник Илиуперсис, Дариус Пейнтер и Художник Балтимора. Особой популярностью пользовались мифологические сцены: собрание богов, амазономахия, Троянская война, Геракл и Беллерофонт. Кроме того, такие вазы часто изображают сцены из мифов, которые редко изображаются на вазах. Некоторые образцы представляют собой единственный источник иконографии конкретного мифа. Другой сюжет, неизвестный для аттической вазописи, - театральные сцены. Особенно сцены фарса, например из так называемых флиакс ваз довольно распространены. Сцены спортивных занятий или повседневной жизни появляются только на ранней стадии, они полностью исчезают после 370 г. до н.э.
Апулийская роспись ваз оказала определяющее влияние на традиции других южно-итальянских производственных центров. Предполагается, что отдельные апулийские художники поселились в других итальянских городах и вложили там свои навыки. Помимо краснофигурных, Апулия также производила покрытые черным лаком вазы с расписным декором (вазы Gnathia) и полихромные вазы (вазы Canosa).
Медея убивает одного из своих детей, шейную амфору около 330 г. до н. э. Париж : Лувр.Кампания также производил краснофигурные вазы в V и IV веках до нашей эры. Светло-коричневая глина Кампании была покрыта слоем, который после обжига приобрел розовый или красный оттенок. Кампанские художники предпочитали сосуды меньшего размера, а также гидриальные и колокольные кратеры. Самая популярная форма - амфора с луковой ручкой. Отсутствуют многие типичные формы апулийских сосудов, такие как спиралевидные кратеры, столбчатые кратеры, лутрофоры, рита и nestoris amphorae, пелики встречаются редко. Репертуар мотивов ограничен. Сюжеты включают юношей, женщин, сцены с тиасами, птиц и животных, а часто и местных воинов. На спине часто изображены юноши в плащах. Мифологические сцены и изображения, связанные с погребальными обрядами, играют второстепенную роль. Сцены наискоса, элементы орнамента и полихромия были приняты после 340 г. до н. вторая половина V века известна. Кампанская вазовая живопись подразделяется на три основные группы:
Первая группа представлена художником Кассандры из Капуи, все еще находящимся под сицилийским влиянием. За ним последовала мастерская the and the the and the. Их работа характеризуется предпочтением фигур сатиров с тирсами, изображениями голов (обычно ниже ручек гидриев), декоративными краями одежды и частым использованием дополнительных белых, красный и желтый. Художники Лагетто и Кайвано позже переехали в Пестум.
У них также была мастерская в Капуе. Особое значение имеет один из первых в этой группе. Его типичная особенность - использование дополнительной белой краски для изображения женских лиц. Эта группа отдавала предпочтение домашним сценам, женщинам и воинам. Множественные фигуры редки, обычно есть только по одной фигуре спереди и сзади вазы, иногда только голова. Одежды обычно рисуют небрежно.
После 350 г. до н.э. и его последователи работали в Кумах. Художник из Калифорнии считается выдающимся художником своей группы или даже кампанской вазописи в целом. Начиная с 330 года, заметно сильное влияние Апулии. Самые распространенные мотивы - наискос и надгробные сцены, дионисийские сцены и симпозиумы. Распространены изображения украшенных драгоценностями женских голов. Художник из Калифорнии был полихромным, но имел тенденцию использовать много белого цвета для архитектуры и женских фигур. Его преемники не смогли полностью сохранить его качества, что привело к быстрой кончине, закончившейся концом кампанской вазовой живописи около 300 г. до н.э.
Гермес преследовал женщину, колокольню кратера, около 390/80 г. до н.э.. Париж : Лувр.Луканийская традиция вазовой живописи началась около 430 г. до н.э. с работ Художника Пистиччи. Вероятно, он был активен в Пистиччи, где были обнаружены некоторые из его работ. На него сильно повлияла аттическая традиция. Его преемники, Амикус Живописец и он имел мастерскую в Метапонтуме. Они первыми расписали новый тип ваз несторис (см. Типология греческих форм ваз ). Мифические или театральные сцены распространены. Например, фильм, названный в честь Хеофори автора Эсхил, показаны сцены из рассматриваемой трагедии на нескольких своих вазах. Примерно тогда же становится ощутимым влияние апулийской вазописи. Особенно стандартом стали полихромия и растительный декор. Важные представители этого стиля включают в себя в себя и. К середине 4 века до нашей эры качества становится заметным резкое падение и тематического разнообразия. Последним известным художником по вазам из Лукании был художник, находившийся под сильным краем апулийцев. После краткая быстрая кончина смены начала верхней четвертой вазописи в начале последней четверти IV века до нашей эры.
Чаши кратер с флиаксом сцена художника Астеас, около 350/40 г. до н.э. Берлин : Старый музей.Пестанский стиль вазовой живописи развился как последний из южно-итальянских стилей. Он был основан сицилийскими иммигрантами около 360 г. до н.э. первая мастерская контролировалась Астеасом и Питоном. Это единственные южноитальянские художники-вазы, известные по надписям. В основном расписывали кратеры колокольчиков, шейные амфоры, гидрии, lebes gamikos, леканы, лекитои и кувшины, реже пеликаны, чаши кратеры и завитки кратеров. Характеристики украшений, такие как боковые пальметты, узор из усиков с чашечкой и зонтиком, известный как «цветок астеаса», зубчатые узоры на одежде и вьющиеся волосы, свисающие на спину фигур.. Не менее распространены фигуры, которые наклоняются вперед, опираясь на растения или камни. Часто используются особые цвета, особенно белый, золотой, черный, пурпурный и оттенки красного.
Орест в Дельфах, кратер Питон, около 330 г. до н.э. Лондон : Британский музей.Часто изображаемые темы к группе дионисийскому циклу: тиас и сцены симпозиума, сатиры, менады, Силен, Орест, Электра, боги Афродита и Эрос, Аполлон, Афина и Гермес. Живопись Пестана редко изображает домашние сцены, но предпочитает животных. Астеас и Питон оказали большое влияние на вазовую живопись Пестума. Это хорошо видно в творчестве того, кто, вероятно, иммигрировал из Апулии. Примерно в 330 г. до н.э. возникла вторая мастерская, опыление за работой первой. Качество его росписи и разнообразие мотивов быстро ухудшилось. В то же время становится заметным влияние кампанского искусства, одежда линейно, а за ней следуют бесконтурные женские фигуры. Около 300 г. до н.э. роспись ваз в Пестане прекратилась.
Флиакс Сцена на кратере Лентини - Манфрия : раб в короче, около 350/40 г. до н.э. Париж : Лувр.Производство сицилийской вазовой живописи началось до конца V века до нашей эры, в полисе из Гимера и Сиракузы. Что касается стиля, тематики, орнамента и формы ваз, мастерские находились под сильным региональным аттическим традициями, особенно позднего классицизма Художника Мейдиаса. Во второй четверти IV века сицилийские художники по вазам эмигрировали в Кампанию и Пестум, где они представили красную вазу. Только Сиракузы сохранили ограниченное производство.
Типичный сицилийский стиль развился только около 340 г. до н.э. Можно три группы мастерских. Первый, известный как the, был активен в Сиракузах и Геле, второй, создавая Centuripe Ware вокруг горы. Этна и третий на Липари. Наиболее характерной чертой сицилийской росписи является использование дополнительных цветов, особенно белого. На ранней стадии окрашивались большие сосуды, такие как чаши кратеров и гидриай, но более типичными являются сосуды меньшего размера, такие как колбы, леканы, лекитои и скифоидные пиксиды. Наиболее распространены сюжеты из женской жизни, эроты, женские головы и флиаксовые сцены. Мифологические сцены редки. Как и во всех других областях, вазовая живопись исчезает с Сицилии около 300 г. до н.э.
Артемида в Колеснице, Кантарос художника из Великих Афин Кантарос, ок. 450/425 г. до н.э. В отличие от чернофигурной росписи ваз, краснофигурная вазная живопись развивала несколько региональных традиций, мастерских или «школ» за пределами Аттики и Южной Италии. Несколько исключений включают некоторые мастерские в Беотии (), Халкидике, Элиде, Эретрии, Коринфе и Лакония.
Только Этрурия, один из основных экспортных рынков аттических ваз, создаст собственные школы и мастерские, в конечном итоге экспортировав свою продукцию. Принятие краснофигурной живописи, имитирующей афинские вазы, произошло только после 490 г. до н.э., через полвека после того, как этот стиль был разработан. Из-за используемой техники самые ранние образцы известны как картины с псевдо-красными вазами. Настоящая краснофигурная техника была введена намного позже, примерно в конце V века до нашей эры. Несколько художников, мастерских и производств центров известны обоими стилями. Их продукция не использовалась только в местном масштабе, но и экспортировалась в Мальту, Карфаген, Рим и Лигурию.
Ранние этрурийские образцы просто имитировали технику красных фигур. Подобно редкой и ранней аттической технике (см. техника Сикса ), были нанесены фигуры с использованием минеральных красок, которые окисляли красный или белый цвет. Таким образом, отличие от современной аттической росписи ваз, красный цвет не был достигнут не за счет того, что было оставлено неокрашенными, а за счет добавления краски на черный слой. Как и в чернофигурных вазах, внутренние детали не раскрашивались, арезались в фигурки. Важным представителям этого класса те и другие мастера из его мастерской в Вульчи. Несмотря на очевидное хорошее знание греческих мифов и иконографии, нет никаких свидетельств того, что эти художники иммигрировали из Аттики. Исключением может быть Художник Праксии, поскольку греческая надпись на четырех его вазах может указывать на его происхождение из Греции.
В Этрурии стиль псевдо-красных фигур был не просто феноменом самых ранних фаз, как это было в Аттике. Некоторые мастерские, особенно в 4 веке, специализировались на этой технике, хотя настоящая краснофигурная живопись широко распространена в мастерских этрурии в то же время. Известные семинары включают в себя и. Группа Sokra, несколько старше, предпочитающие чаши с внутренним убранством на греческие мифические темы, а также с этрусскими мотивами. Группа фантомов в основном рисовала скрытые фигуры в сочетании с орнаментом из растений или пальметты. Предполагается, что мастерские групп находились в Цере, Фалерии и Тарквинии. Группа Phantom производила продукцию до начала 3 века до нашей эры. Как и везде, изменение вкусов в результате привело к концу этого стиля.
Афина и Посейдон на спиральном кратере, около 360 г. до н. э. Париж : Лувр.Истинно красная фигурная роспись ваз, то есть вазы, где красные области оставлены неокрашенными, были представлены в Этрурии около конца V века до нашей эры. Первые мастерские возникли в Вульчи и Фалери, а также в окрестностях. Вполне вероятно, что за этими ранними мастерскими стояли аттические мастера, но очевидно и южно-итальянское влияние. Эти мастерские доминировали на этрусском рынке до 4 века до нашей эры. Сосуды больших и средних размеров, такие как кратеры и кувшины, украшались в основном мифологическими сюжетами. В течение 4-го века производство фалерианцев стало вытеснять производство Вульчи. Новые центры производства появились в Кьюзи и Орвието. Особенно важное значение приобрела компания Кьюзи, производящая в основном сосуды для питья с внутренними изображениями дионисийских сцен. Во второй половине века Вольтерра стал главным центром. Здесь производились кратеры с удочкой и особенно на ранних этапах, тщательно расписывались.
Во 2-й половине 4-го века до нашей эры мифологические сюжеты исчезли из репертуара этрусских художников. Их заменили женские головы и сцены до двух фигур. Вместо фигурных изображений тела сосудов покрывали орнаменты и растительные мотивы. Крупные фигурные композиции, вроде той, что на кратере, изготовились исключительно в исключительных случаях. Первоначально крупномасштабное производство в Фалерии утратило свою доминирующую роль в использовании производственного центра в Цере, который, вероятно, основан на представлении отдельной отдельной. Стандартный репертуар мастерских Цере включал просто расписные ойночоаи, лекитойи и поилки, а также тарелки. Переход к производству ваз с черной глазурью в конце 4-го века, вероятно, как реакция на изменение изменений того времени, положил конец этрурийской росписи красными фигурами.
Гнатия, южная Италия (Magna Graecia ), апулийская ваза, изображающая блондинки, 310-260 гг., Дворец Кинских (Прага) Известно около 65 000 краснофигурных ваз и фрагментов ваз. Изучение древней керамики и греческой вазописи началось уже в Средние века. Ресторо д'Ареццо посвятил главу (Capitolo de le vasa antiche) своего описания мира древним вазам. Он считал глиняные сосуды идеальными по форме, цвету и художественному стилю. Тем не менее, изначально внимание было сосредоточено на вазах в целом и, возможно, особенно на каменных вазах. Первые коллекции старинных ваз, в том числе расписанные сосуды, сложились в Ренессансе. Мы даже знаем о некотором импорте из Греции в Италию в то время. Тем не менее, до конца периода барокко вазовая живопись была в тени других жанров, особенно скульптуры. Редким исключением до классицизма является книга акварелей с изображением фигурных ваз, которая была выпущена для Николя-Клода Фабри де Пейреска. Как и некоторые из его современных коллекционеров, Пейреск владел своими глиняными вазами.
Начало периода классицизма керамические сосуды собирались чаще. Например, сэр Уильям Гамильтон и имел коллекции ваз. Найденные в Италии вазы были относительно доступными, поэтому даже частные лица могли собирать важные коллекции. Вазы были популярными сувенирами для молодых северо-западных европейцев, которые они привезли домой из Гранд-тура. В дневниках своего путешествия по Италии Гете регистрирует об искушении старинных вазы. Те, кто не мог позволить себе оригиналы, имели возможность приобрести копии или распечатки. Существовали даже мануфактуры, специализирующиеся на имитации древней керамики. Наиболее известна посуда Wedgwood, хотя в ней использовались методы, совершенно не связанные с теми, которые использовались в древности, а древние мотивы использовались просто как тематическое вдохновение.
С 1760-х годов в центре внимания археологических исследований также стали находиться на вазах картины. Вазы ценились как исходный материал для всех преступников древней жизни, особенно для иконографических и мифологических исследований. Вазовая живопись теперь рассматривалась как замена почти полностью утраченному творчеству греческой монументальной живописи. Примерно в это же время широко распространенное мнение, что все расписные вазы были этрусскими произведениями, стало несостоятельным. Тем не менее художественная мода того времени на подражание старинным вазам получила название all'etrusque. Англия и Франция пытались превзойти друг друга как в исследованиях, так и в имитации ваз. Немецкие писатели-эстетики Иоганн Генрих Мюнц и Иоганн Иоахим Винкельманн изучали вазовую живопись. Винкельманн особенно хвалил Umrißlinienstil («стиль контура», т. Е. Краснофигурную живопись). Орнаменты ваз были собраны и распространены в Англии через Образцы.
Веджвуд завиток кратер ваза, ок. 1780 год, различные техник для имитации краснофигурной росписи вазами Вазовая роспись даже оказала влияние на развитие современной живописи. Линейный стиль оказал влияние на таких художников, как Эдвард Бёрн-Джонс, Гюстав Моро или Густав Климт. Около 1840 года Фердинанд Георг Вальдмюллер написал натюрморт с серебряными сосудами и краснокнижным колокольным кратером. Анри Матисс создал похожую картину (Intérieur au vase étrusque). Их эстетическое влияние распространяется и в настоящее время. Например, хорошо известная изогнутая форма бутылки кока-колы навеяна греческими вазами.
Научное изучение аттических вазовых картин было продвинуто, в частности, Джоном Д. Бизли. Бизли начал изучать вазы примерно с 1910 года, вдохновленный методологией, которую историк искусства Джованни Морелли разработал для изучения картин. Он предполагал, что каждый художник создавал отдельные работы, которые всегда можно безошибочно описать. Для этого сравнивались отдельные детали, такие как лица, пальцы, руки, ноги, колени, складки одежды и так далее. Бизли исследовал 65 000 ваз и фрагментов (из которых 20 000 были чернофигурными). В течение десяти десятилетий учебы он смог отнести 17000 из них к четырем художникам. Там, где их имена оставались неизвестными, он разработал систему условных имен. Бизли также объединял и объединял художников в группе, мастерские, школы и стили. Ни один другой археолог никогда не оказывал полезного воздействия на целую дисциплину, как Бизли изучение греческой вазовой живописи. Большая часть его анализа до сих пор считается актуальной. Бизли впервые опубликовал свои выводы о краснофигурной росписи в 1925 и 1942 годах. В его первоначальных исследованиях учитывались материалы, относящиеся только к IV веку до нашей эры. В новом издании своей работы, опубликованном в 1963 году, он также включил этот более поздний период, используя работы других ученых, таких как Карл Шефольд, который особенно изучал керченский стиль ваз. Известные ученые, продолжившие изучение аттического краснофигурного человека после Бизли, включая <7171>Джон Бордман, Эрика Саймон и Дитрих фон Ботмер.
За изучение южно-итальянского витраж, работа Артура Дейла Трендолла имеет такое же значение, как и работа Бизли для Аттики. Можно сказать, что большинство ученых пост-Бизли следуют традиции Бизли и используют его методологию. Изучение греческих ваз продолжается, не в последнюю очередь из-за постоянного добавления новых материалов из археологических раскопок, незаконных раскопок и неизвестных частных коллекций.
 | На Викискладе есть медиафайлы, связанные с керамикой с красными фигурами. |
