Войти
| Роберт У. Ирвин | |
|---|---|
 Scrim Veil - черный прямоугольник - естественный свет, Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк (1977) - (2013) | |
| Родился | (1928-09-12) 12 сентября 1928 (возраст 92). Лонг-Бич, Калифорния |
| Национальность | Американец |
| Известен | Живописью, Инсталляционным искусством, Специфическим искусством |
| Движением | Светом и космосом |
| Избран | Национальной академией дизайна (2012) |
Роберт У. Ирвин (родился 12 сентября 1928 года) - американский художник-инсталлятор, который исследовал восприятие и условность в искусстве, часто с помощью конкретных мест, архитектурные вмешательства, которые изменяют физическое, сенсорное и временное восприятие пространства.
Он начал свою карьеру в качестве художника в 1950-х, но в 1960-х переключился на инсталляционные работы, став пионером, чья работа помогла определить эстетику и концептуальные проблемы Западного побережья Свет и космос движение. В его ранних работах часто использовались свет и вуали из холста для преобразования галерей и музейных пространств, но с 1975 года он также включил в свою практику ландшафтные проекты. Ирвин задумал более пятидесяти пяти проектов для конкретных участков в различных учреждениях, включая Центр Гетти (1992–98), Dia: Beacon (1999–2003) и Chinati Foundation в Марфе, Техас (2001–16). Музей современного искусства, Лос-Анджелес провел первую ретроспективу его работ в 1993 году; В 2008 году Музей современного искусства Сан-Диего представил еще один, охватывающий пятьдесят лет его карьеры. Ирвин получил стипендию Гуггенхайма в 1976 году, стипендию Макартура в марте 1984 года и был избран членом Американской академии искусств и литературы в 2007 году. Он живет и работает в Сан-Диего, Калифорния.
Роберт Ирвин родился в 1928 году в Лонг-Бич, штат Калифорния, в семье Роберта Ирвина и Голди Андерберг. Ирвин. После службы в армии США с 1946 по 1947 год он посетил несколько художественных институтов: Otis Art Institute в Лос-Анджелесе с 1948 по 1950 год, Jepson Art Institute в 1951 году и Chouinard Art Institute в Лос-Анджелесе с 1952 по 1954 год. Следующие два года он провел в Европе и Северной Африке. Между 1957-1958 годами он преподавал в Художественном институте Шуинара.
«Две бегущие фиолетовые V-формы» - скульптуру художника Роберта Ирвина. Расположен в эвкалиптовой роще позади Faculty Club в Калифорнийском университете в Сан-Диего. Часть находящейся в кампусе коллекции Стюарта уличных скульптур. В 1977 году Роберт Ирвин написал о себе следующее: «Я начинал как художник в глуши, задавая несколько вопросов..Мой первый реальный вопрос касался произвольности моих картин... Я использовал свои картины как пошаговый процесс, каждая новая серия работ действовала как прямой ответ на те вопросы, которые были подняты предыдущей серией. Я сначала подверг сомнению знак как значение а затем даже в качестве фокусировки; затем я подверг сомнению кадр как сдерживание, край как начало и конец того, что я вижу... подумайте о возможности того, что ничто на самом деле никогда не выходит за пределы своего непосредственного окружения... Я попытался напрямую отреагировать на качество каждой ситуации, в которой я находился, не для того, чтобы полностью превратить ее в новую или идеальную среду, а для того, чтобы непосредственно обратить внимание на природу того, каким оно уже было. Как получилось, что пространство могло когда-либо считаться пустым, когда оно было реальные и тактильные события? " (Роберт Ирвин, 1977) Идея Роберта Ирвина об искусстве возникла из серии эмпирических восприятий. Как абстрактный, непредубежденный мыслитель, он представил опыт сначала как восприятие или чувство. Он пришел к выводу, что чувство знания или способность идентифицировать помогает прояснить восприятие. Например,
«Мы знаем голубизну неба еще до того, как мы узнали его как« голубое », не говоря уже о« небе ».
Позже он объяснил, что концепция абстрактной мысли возникает в разум через концепцию Я. Затем физическая форма распознается, сообщая ее сообществу. Затем возникает Объективное соединение, очерчивающее поведенческие нормы и художественные нормы, становящееся идентифицируемым. Затем границы и аксиомы вводят логику и рассуждения и решения могут быть: либо индуктивными, либо дедуктивными. Формализм следует, доказывая и убеждая решение относительно воспринимаемого объекта. Исследование, проведенное Ирвином, показало, что: «… все идеи и ценности имеют свои корни в опыте,… они могут быть в любой точке разделяются и развиваются непосредственно на основании функции и использования, причем оба они фактически остаются относительными к состоянию как нашего субъективного, так и объективного существа ». Философия Роберта Ирвина определила свое представление об искусстве как серию эстетических исследований. Риски, возможность для культурных инноваций, коммуникативное взаимодействие с обществом и как сложное историческое развитие.
В своей книге «Видеть - значит забывать имя того, что видишь», Лоуренс Вешлер описывает процесс Ирвина с первых дней его жизни в Южной Калифорнии до того, как он стал лидером в этой должности. мир искусства абстракции. Вешлер описывает таинственное и часто завораживающее качество этих работ в примечаниях к обложке своей книги:
эфемерный или тонкий характер его работ, эта книга стала не просто вступлением Однако для многих художников и студентов-искусствоведов это был основной способ восприятия работы Роберта Ирвина. Он сказал Джори Финкель из New York Times в 2007 году, что люди до сих пор подходят к нему на лекциях за книжными автографами. В этой статье Майкл Гован, директор LACMA, который ранее поручил Ирвину «разработать наш опыт» Dia: Beacon, сказал, что, по его мнению, эта книга «убедила больше молодых людей стать художников, чем Velvet Underground создали рокеров ».
Ранняя работа Ирвина началась с живописи. В 1959 году он нарисовал серию ручных предметов и выставлялся во второй раз в качестве индивидуального экспонента в Ferus Gallery в Лос-Анджелесе. В следующем, 1960 году, его попросили снова выставиться там, а также в Художественном музее Пасадены. К этому времени он начал непрерывную серию экспериментов. В 1962 году он начал преподавать в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе и снова выставлялся в галерее Ферус. В том же году он начал свои линейные картины. Он выставлялся в галерее Ферус в 1964 году и представил другое исследование - свои точечные картины.
В 1966-1967 годах он начал красить алюминиевые диски. Его снова пригласили в качестве индивидуального экспонента в галерею Pace в Нью-Йорке. В 1968 году он начал преподавать в Калифорнийском университете в Ирвине. Следующие два года он начал свою работу с прозрачных акриловых дисков, белых выпуклых структур, прикрепленных к стене и освещенных лампами. В 1970 году он начал работу над серией прозрачных акриловых колонн «Колонны». В 1972 году он начал свое изучение «достопримечательностей» и «мест» Юго-Запада.
Ирвин впервые использовал флуоресцентный свет в 1970-х годах. Его обусловленная местами инсталляция Excursus: Homage to the Square3, медитация на художника Йозефа Альберса и его исследования цветовых отношений, была представлена на Dia: Chelsea в период с 1998 по 2000 год. состоит из 18 небольших комнат, разделенных стенами из туго натянутого холста; Свет в каждой комнате, величина которого зависит от расстояния от окон, усиливается четырьмя двухцветными двойными люминесцентными лампами, каждая из которых подвешена вертикально в центре каждой стены. В 2015 году он был переустановлен на Dia: Beacon, где будет оставаться на виду до 2017 года. На выставке 2015 года в Pace Gallery в Нью-Йорке он установил ряды столбчатых светильников, покрывая различные трубки с цветными гелями, которые изменяют пропускание света.
С 1968 года Ирвин сосредоточился на самом месте, создавая инсталляции в комнатах, садах, парках, музеях и различных городских локации. Под влиянием, в частности, картин Джона Маклафлина, Ирвина и других Света и Космоса художников стало любопытно раздвигать границы искусства и восприятия, в 1970-х Роберт Ирвин оставил студийную работу. продолжить искусство инсталляции, имеющее отношение непосредственно к свету и пространству: основа визуального восприятия как на открытом воздухе, так и на измененных внутренних объектах. Эти инсталляции позволили художнику и зрителю открыто исследовать измененный опыт, созданный путем манипулирования контекстом окружающей среды, а не оставаясь в рамках отдельного произведения искусства. Другие художники, участвующие в движении Света и Пространства, включают Джон Маккракен, Джеймс Террелл, Питер Александр, Ларри Белл, Крейг Кауфман, Дуг Уиллер, Мария Нордман и другие.
В 1970 году Музей современного искусства пригласил Ирвина создать инсталляцию. Используя все пространство проекта, Ирвин подвесил белый холст на высоте 10 футов от земли и прикрепил к стене мерцающие провода из нержавеющей стали. В 1971 году Центр искусств Уокера поручил художнику создать «Без названия» (Наклон / Свет / Объем) для первой выставки его здания, спроектированного Эдвардом Ларраби Барнсом. Для Soft Wall, инсталляции 1974 года в Pace Gallery в Нью-Йорке, Ирвин просто очистил и раскрасил прямоугольную галерею и повесил тонкую, полупрозрачную белую театральную сетку в восемнадцати дюймах перед одной из длинных стен, создав эффект пустой комнаты. какая стена казалась навсегда не в фокусе. Постоянная настенная инсталляция во входном коридоре Мемориального художественного музея Аллена, размеры «Без названия» (1980) в точности повторяют размеры глубоко установленных окон напротив. В начале 1980-х Ирвин был приглашен в качестве сотрудника художника в проекты по обновлению и улучшению международного аэропорта Майами. В 1997 году он преобразовал комнату с видом на Тихий океан в филиале Ла-Хойя Музея современного искусства Сан-Диего. Чтобы отпраздновать свое 125-летие, Художественный музей Индианаполиса поручил Ирвину создать «Свет и космос III» (2008), тем самым став первым американским музеем, имеющим постоянную внутреннюю инсталляцию художника. Для этой части Ирвин расположил люминесцентные лампочки в неправильной сетке вдоль стен, окружающих эскалаторы, с вуалью холста, обрамляющей каждую сторону; когда посетители музея поднимаются и опускаются между этажами, они перемещаются по экспонату. Trifecta (Joe's Bar Grill), трехэтажная постоянная световая инсталляция в штаб-квартире Swiss Re в Форт-Уэйне, штат Индиана, была открыта в 2012 году.
В конце 2013 года Акриловая колонна Ирвина высотой 33 фута была открыта в Федеральном суде Сан-Диего, где художник работал со своими давними друзьями и сотрудниками, архитектором Мартином Пуарером и ландшафтным архитектором Эндрю Сперлоком, на открытой площади здания суда. Трехэтажная акриловая колонна, построенная несколько десятилетий назад, но так и не получившая должного жилья из-за ряда непредвиденных обстоятельств, преломляет свет и отбрасывает цвета, когда солнце движется по вестибюлю. Изготовление колонн и технические вопросы, связанные с материалом, были выполнены Джеком Броганом, центральным персонажем в развитии техник движения света и космоса. Задача и техника полировки колонок до требуемой прозрачности были изобретены Броганом и остаются высшей точкой в этой области.
Линейная конфигурация художника Роберта Ирвина состоит из 66 люминесцентных ламп. Работа простирается примерно на 36 футов, и ее можно увидеть как изнутри, так и за пределами стен галереи. Для Музея искусств округа Лос-Анджелес (LACMA) Ирвин создал инсталляцию на открытом воздухе. первобытные пальмы (Primal Palm Garden, 2008-2010), а также комнатная скульптура с люминесцентным светом длиной 36 футов, Miracle Mile (2013), которая светится за ними 24 часа в сутки.
Работая и дорабатывая свои идеи по созданию гигантской инсталляции для Chinati Foundation с начала 2000-х, Ирвин инсталляция в Марфе - U-образное сооружение площадью около 10 000 квадратных футов - начнется в начале 2015 года, будет завершена и открыта для общественность в 2016 году. Инсталляция, расположенная в здании, в котором размещалась бывшая армейская казарма, станет первой крупной инсталляцией, добавленной в Фонд Chinati с 2004 года, а также первой отдельно стоящей структурой, спроектированной Ирвином, которая предназначена исключительно для его работы.
Другие установки включают: Fractured Light - Partial Scrim - Eye Level в Музее современного искусства, Нью-Йорк (1970–1971); Black Line Room Division + Extended Forms в Музее Уитни, Нью-Йорк (1977); 48 Shadow Planes в павильоне старого почтового отделения, Вашингтон, округ Колумбия (1983); Восхождение в г. Париж, Франция (1994); and Double Diamond »в Musée d'Art Contemporain, Лион, Франция (1997–1998).
Ирвин перешел к ландшафтным проектам после разработки стилистический переход к эмпирическому пространству, проецирование того, что он узнал о линиях, цвете и, прежде всего, о свете на застроенную среду. С 1975 года Ирвин задумал пятьдесят пять проектов сайтов. 9 Spaces 9 Trees (1980–3) первоначально был построен в 1980 году Комиссией по делам искусств Сиэтла для крыши Здания общественной безопасности; Он был переосмыслен в 2007 году и размещен на территории кампуса Вашингтонского университета. «Филигранная линия» Ирвина (1979), созданная для колледжа Уэллсли, штат Массачусетс, состоит из лески из нержавеющей стали, идущей вдоль гребня травы у озера, на которой вырезан узор из листовидных форм. Его работа 1983 года Две бегущие фиолетовые V-формы, две пересекающиеся сине-фиолетовые проволочные заборы с пластиковым покрытием, закрепленные на высоких столбах, входит в Коллекцию Стюарта общественных работ на территории кампуса. Калифорнийского университета в Сан-Диего. Для Sentinel Plaza (1990) в районе административного центра Пасадены Ирвин выбрал небольшие пустынные растения и кактусы. Позже он консультировался по генеральному плану для Dia: Beacon, создавая, в частности, дизайн и озеленение открытых пространств, а также входного здания и дизайн окон.
Позже он спроектировал и разработал Центральный сад в Центре Гетти в Лос-Анджелесе, построенный в 1997 году. В Центральном саду концепция интеграции эмпирических отношений с искусственной средой совершенно ясна. Эти эмпирические элементы заполняют пространство. Этот проект широко известен своим дизайном и технологичностью. Дизайн площадью 134000 квадратных футов (12 400 м) включает в себя естественный овраг и обсаженную деревьями дорожку, которая ведет посетителя через впечатления от видов, звуков и ароматов. Он выбрал все в саду, чтобы подчеркнуть игру света, цвета и отражения. Планирование началось в 1992 году как ключевая часть проекта Центра Гетти. С момента открытия Центра в 1997 году Центральный сад развивался по мере роста растений. Заявление Ирвина «Всегда меняется, никогда не повторяется дважды» вырезано на полу площади, напоминая посетителям о постоянно меняющейся природе этого живого произведения искусства. К ужасу художника, скульптура 1950-х годов Фернана Леже была размещена на площади сада.
Ирвин недавно завершил вторую фазу установки первоначального пальмового сада в Музее округа Лос-Анджелес. Искусство, которое началось в 2007 году. Пальмовый сад имеет Т-образную форму с осью восток-запад, проходящей между Музеем современного искусства Броуд и Павильоном Резника. Ось север-юг заканчивается сеткой финиковых пальм, которые служат контрапунктом инсталляции художника Криса Бёрдена «Городской свет». Ирвин давно интересовался тем, как пальмы улавливают и отражают свет Южной Калифорнии; проектирование Пальмового сада предоставило Ирвину возможность работать как с феноменальным, так и с культурным восприятием пальм. Отдельные виды пальм высаживают в ящики Cor-Ten, современные и формализованные версии обычных деревянных ящиков для питомцев. Скульптурные контейнеры отсылают к основаниям постаментов, традиционно обозначающим предметы искусства. Использование Ирвином пальм учитывает повсеместную и знаковую связь между пальмой и изображениями Лос-Анджелеса.
Ирвин впервые выставил свои картины в Музее искусств округа Лос-Анджелес в 1957 году. Выставка называлась «Художники Лос-Анджелеса и окрестностей». В том же году он участвовал в 57-й ежегодной выставке Музея американского искусства Уитни в Нью-Йорке. В том же году состоялась его первая индивидуальная выставка в галерее Феликса Ландау в Лос-Анджелесе.
В 1965 году он участвовал в выставке под названием The Responsive Eye в Музее современного искусства в Нью-Йорке и в другой выставке под названием XIII в Bienal de São Paulo, Бразилия. В 1966 году он выставлялся как индивидуально, так и с Кеннетом Прайсом в Музее искусств округа Лос-Анджелес, а позже как индивидуальный экспонент в галерее Pace в Нью-Йорке. В 1969 году Ирвин выставлялся в Центре искусств Форт-Уэрта в Форт-Уэрте, штат Техас. В 1970 году он впервые выставил холстовые «тома» в Музее современного искусства в Нью-Йорке. В течение следующих пяти лет он выставлялся индивидуально в следующих местах: Галерея Pace в Нью-Йорке, Walker Art Center в Миннеаполисе, галереи Minuzo и Ace в Лос-Анджелесе, Художественный музей Fogg. в Гарвардском кампусе в Кембридже, Массачусетс, Государственный университет Райта в Дейтоне, Огайо, Калифорнийский университет в Санта-Барбаре, Центр искусств Форт-Уэрта и Паломар Колледж в Сан-Маркосе, Калифорния. Он участвовал в нескольких совместных выставках: «Прозрачность, отражение, свет, пространство: четыре художника» в Художественной галерее Калифорнийского университета в Лос-Анджелесе и «Некоторое современное американское искусство» в выставке Музея современного искусства для Австралии. Он также выставлялся на международном уровне: «Kompas IV» в Stedelijk Museum в Эйндховене, с другими художниками, Беллом и Уилером, в Tate Gallery в Лондоне, и Documenta в Касселе в Германии.
В 1993 году Музей современного искусства в Лос-Анджелесе провел первую комплексную ретроспективу карьеры Ирвина; Позже выставка побывала в Kölnischer Kunstverein, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris и Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. В 2008 году Музей современного искусства Сан-Диего представил еще одну обширную ретроспективу, охватывающую пятьдесят лет карьеры Ирвина.
Ирвин был удостоен стипендии MacArthur Fellowship в 1984 году, что сделало его первым художником, получившим пятилетнюю стипендию, которая длилась до 1989 года. обладатель стипендии Джона Саймона Гуггенхайма (1976), премии Чалонера, премии Джеймса Д. Фелана (1954) и медали Фонда Томаса Джефферсона в области архитектуры, присужденной школой Университета Вирджинии архитектуры (2009). Он имеет звания почетного доктора Института искусств Сан-Франциско (1979) и Колледжа искусств и дизайна Отиса (1992). Ирвин был избран членом Американской академии искусств и литературы в 2007 году. В том же году он работал в Музее современного искусства Сан-Диего.
Работы Ирвина хранятся в более чем 30 публичных коллекциях по всему миру, включая Центр Жоржа Помпиду, Париж; J. Музей Пола Гетти, Лос-Анджелес; Музей искусств округа Лос-Анджелес ; Музей современного искусства, Лос-Анджелес; Музей современного искусства, Чикаго; Музей современного искусства, Сан-Диего; Центр искусств Уокера, Миннеаполис; Музей и сад скульптур Хиршхорна, Смитсоновский институт, Вашингтон, округ Колумбия; Национальный музей Centro de Arte Reina Sofia, Мадрид, Испания; Музей современного искусства, Нью-Йорк; Метрополитен-музей, Нью-Йорк; Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк; Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк; Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало; и Dia Art Foundation, Нью-Йорк.
