Войти
Сара Бернар как Гамлет, 1899 год Театр или театр - это совместная форма исполнительского искусства, в котором задействованы живые исполнители, обычно актеры или актрисы, чтобы представить опыт реального или воображаемого события. перед живой публикой в определенном месте, часто на сцене. Исполнители могут передать этот опыт аудитории с помощью комбинаций жеста, речи, песни, музыки и танца. Элементы искусства, такие как нарисованные декорации и сценическое искусство, такие как освещение, используются для усиления телесности, присутствия и непосредственности опыта. Конкретное место представления также названо словом «театр», происходящим от древнегреческого θέατρον (театрон, «место для просмотра»), которое само по себе происходит от θεάομαι (theáomai, «видеть», «смотреть», «смотреть» »», «Наблюдать» »).
Современный западный театр в степени происходит от театра древней Греции, из которого он заимствует техническую терминологию, разделение на жанры и многие из его темы, Стандартные персонажи и элементы сюжета. Театральный художник Патрис Павис определяет театральность, театральный язык, сценическое письмо и специфику театра как синонимичные выражения, которые отличают театр от других исполнительских искусств, литература и искусство в целом.
Современный театр включает постановки пьес и музыкального театра. Художественные формы балета и оперы также являются театральными и используют множество условий, таких как актерское мастерство, костюмы и постановка. Они оказали влияние на развитие музыкального театра ; см. эти статьи для стабильной информации.
Греческий театр в Таормине, Сицилия, Италия 
Изображение актеров, играющих роли господина (справа) и его раба (слева) в греческой пьесе флиакса, около 350/340 г. до н.э. город-государство из Афины - место зарождения западного театра. Это было частью более широкой культуры театральности и представлений в классической Греции, которая включала фестивали, религиозные ритуалы, политика, юриспруденция, легкая атлетика и гимнастика, музыка, поэзия, свадьбы, похороны и симпозиумы.
Участие во многих мероприятиях города-государства. фестивали - и обязательное посещение Город Дионисия в особенности в качестве зрителя (или даже в качестве участника театральных постановок) - были частью гражданства. Гражданское участие также включало оценку риторики ораторов, представленных на выступлениях в суде или политическом собрании, оба из которых воспринимались как аналог театра и все больше поглощали его драматический словарь. Греки также разработали концепции драматической критики и театральной архитектуры. Актеры были либо любителями, либо в лучшем случае полупрофессиональными. театр Древней Греции состоял из трех типов драмы : трагедии, комедии и пьесы сатиров.
Согласно Аристотелю (384–322 гг. До н. Э.), Первому теоретику театра, истоки театра в Древней Греции следует искать в фестивалях, посвященных Дионису. Спектакли проходили в полукруглых зрительных залах, вырезанных на склонах холмов, вместимостью от 10 до 20 тысяч человек. Сцена состояла из танцпола (оркестр), гримерной и сцено-сценой площадки (скене). Первостепенное значение имела хорошая акустика и четкая передача. Актеры (всегда мужчины) носили маски, соответствующие персонажи, которые они изображали, и каждый мог играть несколько ролей.
Афинская трагедия - самая старая из сохранившихся форм трагедии - это разновидность танца - драма, составляющая часть театральной культуры города-государства. Возникнув где-то в VI веке до нашей эры, он расцвел в V веке до нашей эры (с конца которого он начал распространяться по греческому миру) и продолжал оставаться популярным до начала эллинистического периода.
Не сохранилось ни одной трагедии VI до нашей эры, и только 32 из более чем тысячи, которые были исполнены в течение V века до нашей эры. У нас есть полные тексты , дошедшие до Эсхила, Софокла и Еврипида. Истоки трагедии остаются неясными, хотя к V веку до н. Э. Она была узаконена в соревнованиях (агон ), проводимых как часть празднеств, посвященных Дионису (бог вина и плодородия ). Конкурсные постановки на участие в конкурсе Городской Дионисии (самого престижного фестиваля театральной постановки) должны быть представлены театралогию пьес. Действие трагедий в Городе Дионисии могло начаться уже в 534 г. до н. Э. официальные записи (дидаскалий) начинаются с 501 г. до н.э., когда была представлена пьеса сатиров.
Большинство афинских трагедийных драматизируют события из греческой мифологии539>, хотя персы - которые этапы персидский ответ на известие об их военном поражении в битве при Саламине в 480 г. до н.э. - заметное исключение в сохранившейся драме. Когда Эсхил получил за нее первую премию в Городе Дионисии в 472 г. до н. Э., Он писал трагедии более 25 лет, однако его трагическая трактовка недавней истории является самым ранним сохранившимся примером драмы. Более 130 лет спустя философ Аристотель проанализировал афинскую трагедию V века в старейшем из сохранившихся произведений драматической теории - его Поэтике (ок. 335 г. до н. Э.).
Афинская комедия условно делится на три периода: «Старая комедия», «Средняя комедия» и «Новая комедия». Старая комедия сохранилась сегодня в основном в виде одиннадцати сохранившихся пьес Аристофана, тогда как средняя комедия в степени утрачена (сохранилась только в относительно коротких фрагментах у таких авторов, как Афиней из Навократа ). Новая комедия известна прежде всего по содержательным фрагментам папируса Менандра. Аристотель определил комедию как изображение смешных людей, которое включает в себя какую-то грубую ошибку или уродство, причиняющее боль или бедствия.
В дополнение к категории комедии и трагедии в Городе Дионисии фестиваль также включал Игра сатиров. Берущие свое начало в сельскохозяйственных ритуалах, посвященных Дионису, пьеса сатиров в конечном попала в Афины в своей наиболее известной форме. Сами Сатир были привязаны к богу Дионису как его верные лесные товарищи, участвуя в пьяных часто разгулах и шалостях на его стороне. Сама пьеса сатирова была классифицирована как трагикомедия, заблуждающаяся на стороне более современных традиций бурлеска начала двадцатого века. Сюжетные линии пьес, как правило, связаны с делами пантеона богов и их поддержкой в человеческих делах сатиров. Однако, согласно Вебстеру, актеры-сатиры не всегда выполняли типичные сатирские действия и нарушали актерские традиции, присущие типу персонажа мифического лесного существа.
Мозаика с изображением актеров в масках в пьесе: две женщины советуются с «ведьмой» Западный театр значительно развился и расширился при римлянах. Римский историк Ливий писал, что римляне впервые познакомились с театром в 4 веке до н.э., где выступали этрусские актеры. Бичем утверждает, что они были знакомы с «до-театральной практикой» в некотором времени до того записанного контакта. театр древнего Рима был процветающим и разнообразным видом искусства, начиная с фестивалей представлений уличного театра, танцев обнаженной натуры и акробатики, к постановке широко привлекательной ситуации Плавта комедии, к высокому стилю, устно продуманной трагедии из Сенека. Хотя у Рима была местная традиция исполнения, эллинизация римской культуры в III веке до н. Э. Оказала глубокое и воодушевляющее влияние на римский театр и способствовала развитию латинской литературы. высочайшего качества для сцены. Единственные сохранившиеся пьесы Римской империи - это десять драм, приписываемых Луцию Аннеюеке Сен (4 г. до н.э. - 65 г. н.э.), философу-стоику из Кордубы и учителю Нерона.
Куту - древняя форма исполнительского искусства, которая возникла в начале Тамилакама.. Самые ранние из сохранившихся фрагментов санскритской драмы датируются веком нашей эры. Обилие археологических свидетельств более ранних периодов не указывает на существование театральной традиции. Древние Веды (гимны между 1500 и 1000 гг. До н.э., которые являются одними из самых ранних ранних примеров литературы в мире) не содержат намека на первых примерах примерах. (хотя число составлено в форме диалога ), а ритуалы ведического периода, похоже, не превратились в театр. Mahābhāṣya от Patañjali содержит самое раннее упоминание о том, что, возможно, было семенами санскритской драмы. Этот трактат по грамматике от 140 г. до н.э. обеспечивает возможную начала театра в Индии.
Основным свидетельством свидетельств санскритского театра Трактат о театре (Nātyaśāstra), сборник, дата составления которого неизвестна (оценка от 200 г. до н.э. до 200 г. н.э.), а авторство приписывается Бхарате Муни. «Трактат» - наиболее полное драматургическое произведение античного мира. В нем исследуется актерское мастерство, танец, музыка, драматическое строительство, костюм, макияж, реквизит, организация трупп, зрителей, конкурсов и предлагает мифологическое описание происхождения театра. Тем самым он дает о природе истинное театральное представление. Санскритский театр показал на священной земле священниками, которые были обучены навыкам (танец, музыка и декламация) в [наследственном процессе]. Его цель заключалась в том, чтобы обучать и развлекать.
Исполнитель, играющий Сугриву в форме Кудияттам в санскритском театре Под покровительством королевских дворов исполнителей принадлежали к королевским труппам, руководил режиссер (сутрадхара), который тоже мог действовать. Эта задача считалась аналогичной задаче кукольника - буквальное значение «сутрадхара» - «держатель ниток или нитей». Исполнители прошли строгую подготовку вокальной и физической техники. Не было никаких запретов на женщин-исполнителей; компании были мужскими, женскими и смешанными. Считались неприемлемыми для мужчин, и считались более подходящими для женщин. Некоторые исполнители играли персонажей своего возраста, а другие играли возрастов, отличных от их собственного (младше или старше). Из всех элементов театра в «Трактате» наибольшее внимание уделяется актерскому мастерству (абхиная), который состоит из двух стилей: реалистического (локадхарми) и условного (натйадхарми), хотя основное внимание уделяется последнему.
драма считается высшим достижением санскритской литературы. В нем использовались стандартные символы, такие как герой (найака), героиня (найика) или клоун (видусака). Актеры могут специализироваться на определенном типе. Калидаса в I веке до н.э., возможно, считается величайшим драматургом санскрита древней Индии. Три известных романтических пьесы, написанные Калидасой: Mālavikāgnimitram (Mālavikā и Agnimitra), Vikramuurvashiiya (относящиеся к Викраме и Урваши) и Abhijñānaśākuntala. Последний был вдохновлен историей из Махабхараты. Это был первый перевод на английский и немецкий. akuntalā (английский перевод) оказал влияние на Гете Faust (1808–1832).
Следующим великим индийским драматургом был Бхавабхути (ок. 7 век н. Э.). Говорят, что он написал следующие три пьесы: Малати-Мадхава, Махавирачарита и Уттар Рамачарита. Среди этих троих последние два охватывают весь эпос Рамаяны. Считается, что могущественный индийский император Харша (606–648) написал три пьесы: комедию Ратнавали, Приядаршика и буддист драма Нагананда.
Публичное представление в театре под открытым небом «Нефритовый дракон Снежная гора» Династия Тан иногда известна как «Век 1000 развлечений». В это время Мин Хуан сформировал актерскую школу, известную как Грушевый сад, чтобы создать первую форму драмы, которая была в очереди музыкальной. Именно поэтому актеров принято называть «Детями грушевого сада». Во времена династии императрицы Линг кукольный театр впервые возник как признанная форма театра в Китае. Существовали две различные формы теневого кукольного театра: пекинес (северный) и кантонский (южный). Эти два стиля различались способом изготовления марионеток и расположением стержней на марионетках, в отличие от типа игры, выполняемой марионетками. Оба стиля обычно ставили пьесы, изображающие великие приключения и фэнтези, редко этот стилизованный театр использовался для политической пропаганды.
Кантонские теневые марионетки были большими из двух. Они были сделаны из толстой кожи, которая создавала более сильные тени. Символический цвет также был очень распространен; Черное лицо олицетворяло честность, красное - храбрость. Стержни, используемые для управления кантонскими марионетками, прикреплялись перпендикулярно головам марионеток. Таким образом, при создании тени они не были видны публике. Марионетки пекинеса были более нежными и меньшими. Они были созданы из тонкой полупрозрачной кожи (обычно снимаемая с живота осла). Они были написаны яркими красками, поэтому отбрасывали очень красочную тень. Тонкие стержни, контролировали их движения, были прикреплены к кожаному ошейнику на шее марионетки. Стержни проходили параллельно телам марионетки, а затем поворачивались под углом девяноста градусов, чтобы соединиться с шеей. Хотя эти стержни были видны при отбрасывании тени, они лежали вне тени марионетки; таким образом, они не мешали внешнему виду фигуры. Стержни прикреплены к шее, чтобы облегчить использование нескольких головок на одном корпусе. Когда головы не использовались, их хранилище в муслиновой книжке или ящике с тканевой подкладкой. Головы всегда снимали на ночь. Это соответствовало старому суеверию, которому их не трогать, оживали ночью. Некоторые кукловоды зашли так далеко, что поместили головы в одну книгу, а тела в другую, чтобы еще больше уменьшить возможность реанимации кукол. Говорят, что теневое кукольное искусство достигло высшей точки художественного развития в одиннадцатом веке.
В династии Сун было много популярных пьес с участием акробатики и музыки. Они развились в династии Юань в более сложную форму, известную как задзю, с четырех- или пятиактной структурой. Драма о юанях распространилась по многочисленным региональным формам, одна из самых известных региональных форм - Пекинская опера, популярная и сегодня.
Сяншэн - некое традиционное китайское комедийное представление в формах монолога или диалога.
Театр принял том альтернативных форм на Западе между 15 и 19 веками, в том числе комедия дель арте и мелодрама. Общая тенденция заключалась в отходе от поэтической драмы греков и Возрождения и к более натуралистическому стилю диалога в прозе, особенно после Промышленной революции.
Королевский театр, Друри-Лейн в - Энде. Открытый в мае 1663 года, он является старейшим театром Лондона. Театр в Англии в 1642 и 1660 годах пережил большую паузу из-за пуританского Междуцарствия. Считая театр чем-то греховным, пуритане приказали закрыть лондонские театры в 1642. Этот застойный период закончился, когда Карл II вернулся на престол в 1660 году в Реставрации. Предоставление услуг французской культуры, поскольку он был сослан во Франции в годы, предшествующие правлению.
Одним из больших изменений стал новый театр. Вместо типа елизаветинской эпохи, такой как Театр «Глобус», где актерам не было места для подготовки к следующему действию и не было «театральных манер», театр превратился в театр. место изысканности, со сценой впереди и стадионами напротив нее. Сидячих мест больше не было по периметру сцены, они стали приоритетными - одни места были лучше других. У короля будет лучшее место в доме: самый середина театра, откуда открывается самый широкий обзор сцены, а также лучший способ увидеть точку обзора и точку схода, вокруг которой построена сцена. Филипп Жак де Лутербург был одним из самых влиятельных художников-декораторов того времени из-за его использования площади пола и декораций.
Из-за суматохи до этого времени, все еще были некоторые разногласия по поводу того, что следует и не следует ставить на сцену. Джереми Коллиер, проповедник, был одним из лидеров этого движения в своей пьесе «Краткий обзор безнравственности и ненормативной лексики английской сцены». Вера в эту газету в основном разделялась не любителями театра и остальными пуританами, и очень религиозными в то время. Главный вопрос заключался в том, влияет ли видение чего-то аморального на сцене на поведение тех, кто это смотрит, - спор, который не прекращается до сих пор.
Выставление счетов за британский театр в 1829 году Семнадцатый век также представил женщин на этап, который раньше считался неуместным. Эти женщины считались знаменитостями (также новая концепция, благодаря идеям индивидуализма, возникшим на волне гуманизма эпохи Возрождения ), но, с другой стороны, они все еще были очень новы и революционны. на сцене, и некоторые говорили, что они не похожи на женщин, и смотрели на них сверху вниз. Карлу II не нравились юноши, играющие роли девушек, поэтому он попросил, чтобы женщины играли свои роли. Временная женщина разрешила выходить на сцену, у драматургов было больше действий в поворотах сюжета, например, когда женщины одевались как мужчины, и у них были узкие формы выходов из морально сложных ситуаций как комедии.
Комедии были полны молодых и очень модных, с сюжетной линией, следующей за их любовной жизнью: обычно молодой плутоватый герой исповедует свою любовь целомудренной и свободолюбивой героине ближе к концу пьесы, как и Шеридана Школа скандала. Многие комедии были созданы по французским традициям, в основном Мольер, опять же, благодаря французскому влиянию, возвращенному королем и королевской семье после их изгнания. Мольер был одним из лучших комедийных драматургов того времени, совершив революцию в написании и исполнении комедии, объединив итальянскую комедию дель арте и неоклассическую французскую комедию. создать одни из самых продолжительных и влиятельных сатирических комедий. Трагедии также были победоносными в смысле восстановления политической власти, особенно острой из-за недавнего Восстановления Короны. Они также были имитацией французской трагедии, хотя французы больше различали комедию и трагедию, тогда как англичане время от времени подтасовывали строки и добавляли комедийные части в свои трагедии. Обычными формами некомедийных пьес были сентиментальные комедии, а также то, что позже будет называться tragédie bourgeoise, или семейная трагедия - то есть трагедия повседневной жизни - были более популярны в Англии, потому что они больше привлекали внимание. к английским чувствам.
В то время как театральные труппы раньше часто путешествовали, идея национальной театра получила поддержку в 18 веке, вдохновленная Людвигом Хольбергом. Главным пропагандистом идеи национального театра в Германии, а также поэтов Sturm und Drang был Абель Сейлер, владелец Hamburgische Entreprise и Театральная труппа Сейлер.
" Домик "театра Ванемуйне с 1918 года в Тарту, Эстония.До 19-го века, популярные театральные формы романтизма, мелодрамы, викторианского бурлеска и хорошо поставленные пьесы из Писец и Сарду уступили место проблемным пьесам из натурализма и реализма ; фарсы из Фейдо ; оператор Вагнера Gesamtkunstwerk ; музыкальный театр (в том числе оперы Гилберта и Салливана ); Ф. С. Бернанд, У. Комедии С. Гилберта и Оскара Уайльда ; Символизм ; прото- Экспрессионизм в поздних произведениях Августа Стриндберга и Генрика Ибсена ; и эдвардианская музыкальная комедия.
Эти тенденции продолжались в 20 веке в реализме из Станиславского и Ли Страсберга, политический театр Эрвина Пискатора и Бертольда Брехта, так называемый Театр абсурда Сэмюэля Беккета и Эжена Ионеско, американские и британские мюзиклы, коллективные творения компаний актеров и режиссеров, таких как Театральная мастерская Джоан Литтлвуд , экспериментальный и постмодернистский театр Роберта Уилсона и Роберта Лепажа, постколониальный театр Августа Уилсона или Томсон Хайвэй, и Аугусто Боал Театр Угнетенных.
Ракшаса или демон, изображенный в Якшагана, форма музыкального танца - драма из Индии Первой формой индийского театра был санскритский театр. Он начался после развития греческого и римского театра и до развития театра в других частях Азии. Он возник где-то между 2-м веком до н.э. и 1-м век нашей эры и процветал между 1-м и 10-м веками, что было периодом относительного спокойствия в истории Индии, когда были написаны сотни пьес. Японские формы Кабуки, Nō и Кёгэн были разработаны в 17 веке эры. Театр в средневековом исламском мире включал кук театр (в том числе ручные куклы, теневые пьесы и марионетки ) и известные пьесы с живыми страстями as ta'ziya, где актеры воспроизводят эпизоды из мусульманской истории. В частности, шиитские исламские пьесы вращались шахида (мученичества) сыновей Али Хасана ибн Али и Хусейна. ибн Али. Светские пьесы, известные как ахраджа, записываются в средневековой адаб литературе, хотя они были менее распространены, чем кукольный театр и театр тазия.
Драма - это особый режим для художественного произведения , представленный в исполнение. Термин происходит от греческого слова, означающего «действие », которое происходит от глагола δράω, dráō, «делать» или «действовать». Разыгрывание драмы в театре, исполняемой актерами на сцене перед аудиторией, предполагает совместные способы постановки и коллективная форма приема. Структура драматических текстов, в отличие от других форм литературы, находится под областью этого совместного производства и коллективного восприятия. раннее современное трагедия Гамлет (1601) Шекспир и классическая афинская трагедия Царь Эдип (ок. 429 г. до н. Э.) Софокл класс к шедеврам драматического искусства. Современный пример - Путешествие долгого дня в ночь Юджина О'Нила (1956).
Считается жанром поэзии в целом, драматический режим противопоставляется эпическому и лирическому режимам с тех пор, как Аристотель Поэтика (ок. 335 г. до н.э.) - самое раннее произведение драматической теории. Использование «драмы» в узком смысле обозначения определенного типа пьес восходит к 19 веку. Драма в этом смысле относится к пьесе, которая не является ни комедией, ни трагедией - например, Зола Тереза Ракен (1873) или Чехова Иванов (1887 г.). Однако в Древней Греции слово «драма» включало в себя все театральные пьесы, трагические, комические или любые другие.
Драма часто сочетается с музыкой и танцем : драма в опере обычно поется повсюду; мюзиклы обычно включают как устные диалоги, так и песни ; и в некоторых формах драмы есть случайная музыка или музыкальное сопровождение, подчеркивающее диалог (например, мелодрама и японский Nō ). В наступ периоды истории (древний римский и современный романтический ) некоторые драмы были написаны для чтения, а не для исполнения. В импровизации драма не предшествует моменту исполнения; исполнители спонтанно придумывают драматический сценарий перед публикой.
Музыка и театр с древних времен были связаны - Афинская трагедия, например, была разновидностью танца - драмы, в которой использовался хор, партии которого исполнялись (под аккомпанемент аулоса - инструмент, сопоставимый с современным кларнетом ), как и ответы некоторых актеров и их «сольные песни» (монодии ). Современный музыкальный театр - это форма театра, в которой также сочетаются музыка, разговорный диалог и танец. Он возник из жанров комической оперы (особенно Гилберт и Салливан ), эстрады, водевиля и мюзик-холла. конца 19 и начала 20 века. После эдвардианской музыкальной комедии, которая началась в 1890-х годах, Princess Theatre мюзиклы начала 20-го века и комедии 1920-х и 1930-х годов (например, произведения Роджерса и Хаммерштейн ), с Оклахома! (1943) мюзиклы разворачиваются в более драматичном направлении. Известные мюзиклы десятилетий: Моя прекрасная леди (1956), Вестсайдская история (1957), Фантастики (1960), Волосы (1967)), Линия припева (1975), Отверженные (1980), В лес (1986) и Призрак из Opera (1986), а также более современных хитов, включая Аренда (1994), Король Лев (1997), Злой (2003) и Гамильтон ( 2015).
Музыкальный театр может производиться в интимном масштабе Off-Broadway, в региональных театрах и в других местах, но он часто включает в себя зрелище. Например, мюзиклы Бродвей и Вест-Энд часто включают роскошные костюмы и декорации, поддерживаемые многомиллионными бюджетами.
Театральные маски трагедии и комедии. Мозаика, римское произведение, II век н.э. Капитолийские музеи, Рим Театральные постановки, в которых юмор используется как средство повествования истории, квалифицируются как комедии. Это может быть современным фарс, такой как Боинг Боинг, или классическая пьеса, такая как Как вам это понравится. Театр, выражающий мрачную, противоречивую или табуированную тематику намеренно юмористическим образом, называется черной комедией. Черная комедия может быть представлена в нескольких жанрах, таких как фарсовый юмор, мрачная и саркастическая комедия.
Таким образом, трагедия - это имитация серьезного, законченного и определенного действия: на языке, украшенном каждым видом художественного орнамента, причем несколько видов находятся в отдельных частях спектакля; в действии, а не повествования; через жалость и страх, вызывающие надлежащее очищение от этих эмоций.
— Аристотель, ПоэтикаФраза Аристотеля «несколько видов раскрываются в отдельных частях пьесы» представляют собой структурные истоки драмы. В нем разговорные части были написаны на аттическом диалекте, а хоровые (декламированные или спетые) - на дорическом диалекте, эти несоответствия отражают различное религиозное происхождение и поэтические метры. частей, которые слились в новую сущность, театральную драму.
Трагедия относится к особой традиции драмы, которая исторически сыграла уникальную и важную роль в самоопределении западной цивилизации. Эта традиция была множественной и прерывистой, однако этот термин часто использовался для обозначения мощного эффекта культурной самобытности и исторической преемственности: «греки и елизаветинцы в одной культурной форме; эллины и христиане в общей деятельности », как выразился Раймонд Уильямс. От его неясного происхождения в театрах Афин 2,500 лет назад, из которых сохранилась лишь часть произведений Эсхила, Софокла и Еврипида, благодаря его уникальным артикуляциям в произведениях Шекспира, Лопе де Вега, Расин и Шиллер, до более поздней натуралистической трагедии Стриндберга, модернистскими размышлениями Беккета о смерти, утрате и страдании и Мюллером постмодернистскими переработками трагического канона, трагедия оставалась важным место культурных экспериментов, переговоров, борьбы и изменений. Вслед за Аристотелем Поэтика (335 г. до н.э.) трагедия использовалась для жанровых различий, будь то в масштабе поэзия в целом (где трагедия расходится с эпосом и лирией c ) или в масштабе драмы (где трагедия противопоставляется комедии ). В современную эпоху трагедия также противопоставлялась драме, мелодраме, трагикомической и эпическому театру.
Импровизация всегда была неотъемлемой частью театра, а Комедия дель арте в XVI веке была признана первой формой импровизации. Популяризованный лауреатом Нобелевской премии Дарио Фо и труппами, такими как Upright Citizens Brigade импровизационный театр, продолжает развиваться с множеством различных течений и философий. Кейт Джонстон и Виола Сполин признаны первыми учителями импровизации в наше время, при этом Джонстон исследует импровизацию как альтернативу сценарному театру, а Сполин и ее последователи изучают импровизацию главным образом как инструмент для развития драматических произведений или навыков или как форма для ситуационной комедии. Сполин также заинтересовался тем, как процесс обучения импровизации применим к развитию человеческого потенциала. Сын Сполина, Пол Силлс популяризировал импровизационный театр как форму театрального искусства, когда он основал в качестве его первого директора Второй город в Чикаго.
Деревенский праздник с театральным представлением около 1600 года Будучи важной частью человеческой культуры на протяжении более 2500 лет, театр развил широкий спектр различных теорий и практики. Некоторые из них связаны с политическими или духовными идеологиями, в то время как другие основаны исключительно на «художественных» проблемах. Некоторые процессы сосредоточены на истории, некоторые - на театре как событии, а некоторые - на театре как катализаторе социальных изменений. классический греческий философ Аристотель в своем основополагающем трактате Поэтика (ок. 335 г. до н. Э.) Является самым ранним из сохранившихся примеров, и его аргументы повлияли на теории театра. с тех пор. В нем он предлагает отчет о том, что он называет «поэзией» (термин, который по-гречески буквально означает «создание» и в этом контексте включает драму - комедию, трагедию и пьеса сатиров, а также лирическая поэзия, эпическая поэзия и дифирамб ). Он исследует его «основные принципы» и определяет его жанры и основные элементы; его анализ трагедии составляет ядро дискуссии.
Аристотель утверждает, что трагедия состоит из шести качественных частей, которые (в порядке важности) мифы или « сюжет », этос или« персонаж », дианоия или« мысль », лексика или« дикция », мелос или« песня », и opsis или «зрелище». «Хотя Поэтика Аристотеля повсеместно признана в западной критической традиции, объясняет Марвин Карлсон,« почти каждая деталь его основополагающей работы вызвала различные мнения ». Среди важных театральных деятелей 20 века : Константин Станиславский, Всеволод Мейерхольд, Жак Копо, Эдвард Гордон Крейг, Бертольт Брехт, Антонен Арто, Джоан Литтлвуд, Питер Брук, Ежи Гротовски
