Войти
A сольный концерт - это музыкальная форма, в которой используется один сольный инструмент с мелодической линией в сопровождении оркестра. Традиционно сольный концерт состоит из трех частей, состоящих из быстрой части, медленной и лирической части, а затем еще одной быстрой части. Однако есть много примеров концертов, не соответствующих этому плану.
Самые ранние известные сольные концерты - №№. 6 и 12 из соч. Джузеппе Торелли. 6 от 1698 г. В этих произведениях используется как трехчастный цикл, так и четкая (если уменьшительная) форма риторнелло, как в концерте рипиено, за исключением того, что части для солиста и континуо разделяют оркестровые риторнели. Работая в Болонье, Торелли знал об оперных ариях, а также о многочисленных сонатах и симфониях для трубы и струнных, выпускаемых в Болонье с 1660-х годов. Сам он написал более десятка таких произведений для трубы, две из которых датированы началом 1690-х годов. Другие ранние скрипичные концерты - четыре из сочинения Томазо Альбинони. 2 (1700 г.) и шесть в важной соч. Соч. Джузеппе Торелли. 8 (1709 г. - остальные шесть произведений этого набора - двойные концерты для двух скрипок).
Самым влиятельным и плодовитым композитором концертов периода барокко был венецианец Антонио Вивальди (1678–1741). В дополнение к его почти 60 сохранившимся рипиено-концертам, Вивальди написал около 425 концертов для одного или нескольких солистов, в том числе около 350 сольных концертов (две трети для сольной скрипки) и 45 двойных концертов (более половины для двух скрипок). Концерты Вивальди твердо устанавливают трехчастную форму как норму. Заметно возрастает виртуозность сольных частей, особенно в более поздних произведениях, и одновременно фактура становится более гомофонной.
Концерты для других инструментов, кроме скрипки, начали появляться в начале 18 века, в том числе концерты для гобоя Джорджа Фридриха Генделя и многочисленные концерты для флейты, гобоя, фагота, виолончели и др. инструменты Вивальди. Самые ранние органные концерты, вероятно, можно отнести к Генделю (16 концертов, ок. 1735–1751), самые ранние концерты для клавесина Иоганна Себастьяна Баха (14 концертов для одного-четырех клавесинов, ок. 1735–1740). В последнем случае все концерты, за исключением, вероятно, одного, являются аранжировками существующих произведений, хотя Бах уже подошел к идее концерта для клавесина еще до 1721 года в Бранденбургском концерте No. 5.
Классический период принес триумф сольного концерта над группой или многократным концертом, чему способствовал постоянный рост солистов-виртуозов и рост спрос на современные произведения для любительского исполнения. Первая тенденция наиболее ярко проявляется в большом количестве скрипичных концертов, написанных скрипачами для собственных нужд.
Классический период также стал свидетелем подъема клавишных концертов. Примерно до 1770 года предпочтительным струнным клавишным инструментом обычно был клавесин, но его постепенно вытеснил фортепиано. Важнейшие композиторы клавишных концертов до Вольфганга Амадея Моцарта были сыновьями Баха. В Вене прозвучали многие клавишные концерты. Последние десятилетия 18 века принесли рост путешествующих виртуозов фортепиано.
Концерты этого периода демонстрируют широкий переход от барокко к классическому стилю, хотя многие из них более консервативны, чем симфонии того времени. Большинство из них состоит из трех частей, хотя значительное меньшинство использует более легкие двухчастные модели, такие как Аллегро-Менуэт и Аллегро-Рондо. Танец и финал рондо также часто встречаются в трехчастных концертах. Кроме того, форма ritornello в быстрых движениях была заменена формами sonata form и rondo соответственно.
Концерты Йозефа Гайдна в основном относятся к его ранней карьере. Исключениями являются Концерт для фортепиано в D, Концерт для виолончели в D и Концерт для трубы.
из 23 оригинальных фортепианных концертов Моцарта, 17 из которых относятся к его венскому периоду. Они являются венцом концерта XVIII века. Большинство произведений, которые он написал для Вены, относятся к тому типу, который Моцарт называл великими концертами. Они предназначались для выступления на его собственных подписных концертах, которые проводились в больших залах. Они требуют оркестра, который намного больше, чем типичный концерт того времени, особенно в той расширенной роли, которую отводили духам. Оркестр полностью способен выдержать драматическое противостояние виртуозности и индивидуальности солиста. Подход Моцарта в этих концертах часто явно симфонический, как в применении формальных симфонических принципов, так и в гайднеском интересе к тематическому единству в более поздних концертах. Диапазон стилей и выразительности больше, чем у большинства других концертов того времени, от комико-оперных элементов K.467 до итальянского лиризма K.488, трагического характера K.466 и 491 до героизма Бетховена. К.503.
Пять фортепианных концертов Людвига ван Бетховена датируются ок. 1793 и 1809, а также он написал раннее концертное произведение для фортепиано с оркестром в 1784 году. Они длиннее, чем концерты Моцарта, и требуют от солиста еще большей виртуозности. Концерт для скрипки Бетховена (1806) демонстрирует аналогичные достижения - все пять скрипичных концертов Моцарта - это ранние произведения, написанные в Зальцбурге в 1775 году.
Ранняя Романтика концерты включают два фортепианных концерта Мендельсона (1831–37) и его важный скрипичный концерт (1844) и концерты Шумана для фортепиано. (1845), виолончель (1850) и скрипка (1853). Форма этих произведений преимущественно трехчастная классика. Более поздние работы в этой форме включают примеры Иоганнеса Брамса (два для фортепиано - №1 с 1858 года и №2 с 1878 года, который добавляет четвертую часть - и один для скрипки 1878 г.), Эдвард Григ (фортепиано, 1868), Макс Брух (наиболее известный его скрипка Концерт № 1, 1868 г.) и Антонин Дворжак (фортепиано, скрипка, виолончель, 1876–95). Во Франции эту традицию представляют, прежде всего, Камиль Сен-Санс (десять концертов для фортепиано, скрипки и виолончели, 1858–1902 гг.), В России Антон Рубинштейн и Чайковский. (три фортепианных концерта, один для скрипки, 1874–93).
Более откровенно виртуозное направление проявилось в концертах выдающихся скрипачей 19 века, в том числе Луи Шпора и Никколо Паганини и пианистов Фредерика Шопена (два концерта, 1829–30) и Ференц Лист (два концерта, оригинальная редакция 1839–49). Структура движений в большинстве этих произведений представляет собой уже общепринятый тип ритнелло-сонаты, усовершенствованный Моцартом и Бетховеном. Однако два концерта Листа нетрадиционны, поскольку пять разделов первого концерта связаны как формально, так и тематически, а второй использует еще более свободную секционную структуру. Первый концерт, в частности, показывает влияние таких непрерывных композиционных форм, как Концертстак Вебера и Фантазия Странника Шуберта. Виртуозность, требуемая для всех этих концертов, была облегчена - и помогла стимулировать - техническое развитие самих инструментов.
Многочисленные композиции ХХ века были написаны в духе романтических концертов XIX века, часто с использованием его форм и стилей, в том числе концерты Сергея Рахманинова (четыре фортепианных концерта, 1890–1926), Жан Сибелиус (скрипка, 1903), Эдвард Элгар (скрипка 1909–10, виолончель 1919), Карл Нильсен (скрипка, флейта, кларнет), Сергей Прокофьев (пять для фортепиано, 1911–32; два для скрипки 1916-17 и 1935), Уильям Уолтон (альт, скрипка, виолончель), Дмитрий Шостакович (по два для фортепиано, скрипки и виолончели) и Фрэнсис Пуленк ( орган). Виртуозная традиция, отраженная в этих концертах, также очевидна, хотя и в радикально оригинальном виде, в концертах Белы Бартока. Рахманинов, Прокофьев и Барток были виртуозами игры на фортепиано.
Композиторы Второй венской школы также выпустили несколько выдающихся концертов: Камерный концерт Альбана Берга для фортепиано, скрипки и 13 духовых инструментов (1923–25), не полностью серийный, но включающий многие элементы новой системы Арнольда Шенберга ; Концерт Антона Веберна для девяти инструментов (1931–34), первоначально задуманный как концерт для фортепиано; Важный скрипичный концерт Берга (1935); и Концерт для скрипки с оркестром Шенберга (1935–36) и Концерт для фортепиано (1942).
неоклассическое движение периода после Первой мировой войны произвело длинную серию произведений, которые вернулись к доромантическим концепциям концерта. Концерт Игоря Стравинского для фортепиано и духовых инструментов (1923–24) написан на этой идиоме, но его последующие концерты носят более специфический характер необарокко. Например, его скрипичный концерт (1931) состоит из токкаты, двух арий и каприччио, а солист рассматривается скорее как член ансамбля, чем как виртуозный главный герой. Сольные концерты Пауля Хиндемита (8 для разных инструментов, 1939–62) более традиционны, чем у Стравинского, в трактовке отношений между солистом и оркестром. Хотя вряд ли неоклассицизм в обычном смысле этого слова, Рихард Штраус 'Концерт для валторны нет. 2 (1942, написано примерно через 60 лет после его первого) и Концерт для гобоя (1945) также восходят к более ранней эпохе, находя ностальгическое вдохновение в духовых концертах Моцарта.
Тенденция, связанная с неоклассическим отказом от романтических и традиционных черт, - это использование джазовых элементов во многих концертах ХХ века. Джордж Гершвин был пионером таких произведений, например, в его «Голубой рапсодии» (1924) и Концерте F для фортепиано (1925). Джаз послужил источником вдохновения для Аарона Копленда Концерт для фортепиано (1926), Концерт Стравинского из черного дерева для кларнета и джаз-бэнда (1945).
«Легенда о поэте Юша» - первый концерт, написанный для актрисы Эхсан Сабухи. «Структура этого« концерта »представляет собой сочетание современного Нагали (рассказывание историй), устной речи и современного исполнительского искусства. Актриса здесь создает музыкальные события голосом, телом и движением; немного похоже на фортепианный концерт без оркестра. Для меня мизансцена работает как оркестровка пьесы.
