Музыкальный фильм - это жанр фильма, в котором песни персонажей вплетены в повествование, иногда сопровождаемое пением и танцами. Песни обычно продвигают сюжет или развивают персонажей фильма, но в некоторых случаях они служат просто перерывами в сюжетной линии, часто в виде сложных «производственных номеров».
Музыкальный фильм стал естественным развитием сценического мюзикла после появления технологии звукового кино. Как правило, самая большая разница между кино и сценическими мюзиклами заключается в использовании роскошных фоновых декораций и локаций, что было бы непрактично в театре. Музыкальные фильмы характерно содержат элементы, напоминающие театр; исполнители часто относятся к своим песенным и танцевальным номерам так, как если бы за ними смотрела живая публика. В некотором смысле зритель становится диегетической аудиторией, поскольку исполнитель смотрит прямо в камеру и исполняет ее.
С появлением звука в конце 1920-х годов мюзиклы завоевали популярность у публики, примером чему служат фильмы Басби Беркли, хореографа, известного своими характерными и сложными декорациями с участием нескольких танцовщиц. Эти щедрые постановочные номера типичны его хореографической работой в фильмах «42-я улица», « Золотодобытчики» 1933 года, « Парад света» (все из 1933 года). В 1930-е годы музыкальные фильмы Фреда Астера и Джинджер Роджерс стали в глазах американской публики огромным культурным достоянием. Среди этих фильмов: « Цилиндр» (1935), « Следуй за флотом», « Время качаться» (оба, 1936) и « Танцуем» (1937). Фильм Виктора Флеминга « Волшебник из страны Оз» (1939) стал знаковым фильмом для мюзиклов, поскольку он экспериментировал с новыми технологиями, такими как Technicolor.
В течение 1940-х и 1950-х годов регулярно показывались музыкальные фильмы из мюзиклов MGM. Эти работы включали: « Встретимся в Сент-Луисе» (1944), « Пасхальный парад» (1948), « В городе» (1949), «Американец в Париже» (1951), « Поющие под дождем» (1952), «Групповой фургон» (1953)., Высшее общество (1956) и Джиджи (1958). За это время были сняты фильмы, не входящие в группу Артура Фрида в MGM, « Холидей Инн» (1942 г.), « Белое Рождество» (1954 г.) и « Смешное лицо» (1957 г.), а также « Оклахома!». (1955), Король и я (1956), Карусель и южная часть Тихого океана (1958). Эти фильмы той эпохи обычно опирались на звездную силу таких звезд, как Фред Астер, Джин Келли, Бинг Кросби, Фрэнк Синатра, Джуди Гарланд, Энн Миллер, Кэтрин Грейсон и Говард Кил. Они также полагались на таких режиссеров, как Стэнли Донен и Винсенте Миннелли, а также на авторов песен Комдена и Грина, Роджерса и Хаммерштейна, Ирвинга Берлина, Коула Портера и братьев Гершвин.
В 60-е годы фильмы по мотивам сценических мюзиклов продолжали пользоваться успехом у критиков и кассовыми сборами. Среди этих фильмов: « Вестсайдская история» (1961), « Цыган» (1962), «Музыкальный человек» (1962), « Прощай, Берди» (1963), « Моя прекрасная леди», « Мэри Поппинс» (оба, 1964), «Звуки музыки» (1965), А. Забавная вещь, которая произошла на пути к форуму, Как добиться успеха в бизнесе, не особо стараясь, Совершенно современная Милли (все 1967), Оливер!, и Веселая девочка (оба 1968). В 1970-х годах кинокультура и меняющаяся демография кинозрителей уделяли больше внимания суровому реализму, в то время как чистое развлечение и театральность классических голливудских мюзиклов считались старомодными. Несмотря на это, Willy Wonka и шоколадная фабрика (1971), Fiddler on the Roof (1971), Cabaret (1972), 1776 (1972), Disney's Bedknobs and Broomsticks (1971) и Pete's Dragon (1977), а также Grease и «Волшебник» (оба - 1978 г.) были более традиционными мюзиклами, тесно адаптированными из сценических шоу, и пользовались большим успехом у критиков и публики. На протяжении 1980-х и 1990-х годов мюзиклы в основном создавались из анимационных фильмов Диснея того периода, написанных композиторами и авторами текстов, Говардом Эшманом, Аланом Менкеном и Стивеном Шварцем. Дисней Ренессанс начался с 1989 по Русалочки, затем следуют Красавица и Чудовище (1991), Aladdin (1992), The Lion King (1994), Покахонтас (1995), Горбун из Нотр - Дам (1996), Геркулес (1997) и Мулан (1998).
С 21 века музыкальный жанр был обновлен более мрачными мюзиклами, музыкальными биографическими фильмами, музыкальными ремейками, эпическими драматическими мюзиклами и комедийно-драматическими мюзиклами, такими как Мулен Руж! (2001), Чикаго (2002), Призрак оперы (2004), Аренда, Переступить черту (оба 2005), Девушки мечты (2006), Через Вселенную, Зачарованные, Лак для волос, Суини Тодд: демон-парикмахер с Флит-стрит (весь 2007 год), Mamma Mia! (2008), Девять (2009), Маппеты (2011), Отверженные (2012), В лес, Самые разыскиваемые куклы (оба 2014), La La Land (2016), Величайший шоумен (2017), Mamma Mia! Это снова мы!, «Звезда родилась», « Мэри Поппинс возвращается» (все 2018 г.), « Ракетчик» (2019 г.) и « На высотах» (2021 г.).
С 1930-х по начало 1950-х годов считается золотым веком музыкального кино, когда популярность этого жанра в западном мире была наивысшей. Дисней « Белоснежка и семь гномов», самый ранний анимационный фильм Диснея, был мюзиклом, получившим почетный «Оскар» для Уолта Диснея на 11-й церемонии вручения премии Оскар.
Музыкальные короткометражные фильмы были сняты Ли де Форестом в 1923–24. Начиная с 1926 года были выпущены тысячи короткометражных фильмов Vitaphone, многие из которых были с участием групп, вокалистов и танцоров. Самые ранние полнометражные фильмы с синхронизированным звуком содержали только саундтрек из музыки и случайные звуковые эффекты, которые играли, пока актеры изображали своих персонажей, как в немых фильмах: без слышимого диалога. «Певец джаза», выпущенный в 1927 году компанией Warner Brothers, был первым, в котором была звуковая дорожка, включающая недиегетическую музыку и диегетическую музыку, но в ней была только короткая последовательность разговорных диалогов. Этот полнометражный фильм также был мюзиклом, в котором Эл Джолсон поет «Грязные руки, грязное лицо», «Гудок, Гудок, Тутси», « Голубое небо » и « Моя мама ». Историк Скотт Эйман писал: «Когда фильм закончился и аплодисменты нарастали вместе с освещением в доме, жена Сэма Голдвина Фрэнсис огляделась на знаменитостей в толпе. Она увидела« ужас на всех их лицах », сказала она, как будто они знали, что «игра, в которую они играли годами, наконец-то закончилась». Тем не менее, только отдельные последовательности содержали «живой» звук; большая часть фильма имела только синхронную партитуру. В 1928 году Warner Brothers последовали этому примеру и выпустили еще одну короткометражку Джолсона «Поющий дурак», ставшую хитом-блокбастером. Театры пытались установить новое звуковое оборудование и нанять бродвейских композиторов для написания мюзиклов для экрана. Первый полнометражный фильм « Огни Нью-Йорка» включал музыкальный эпизод в ночном клубе. Энтузиазм публики был настолько велик, что меньше чем через год все крупные студии создавали исключительно звуковые картинки. В «Мелодии Бродвея» (1929) был сюжет шоу-бизнеса о двух сестрах, соревнующихся за очаровательного певца и танцующего мужчину. Рекламируемый MGM как первый полнометражный художественный фильм «Все говорят, все поют, все танцуют», он стал хитом и получил премию Оскар за лучший фильм за 1929 год. Студии спешили нанимать талантов со сцены сниматься в обильно снятых версиях бродвейских хитов. «Парад любви» (Paramount 1929) с участием Мориса Шевалье и новичка Жанетт Макдональд, сценарий написан ветераном Бродвея Гаем Болтоном.
Warner Brothers выпустили первую экранную оперетту «Песня в пустыне» в 1929 году. Они не пожалели средств и сняли большую часть фильма в цвете Technicolor. За этим последовала первая полноцветная музыкальная полнометражка под названием « На шоу» (1929). Самым популярным фильмом 1929 года был второй полноцветный, многоязычный полнометражный фильм, названный « Золотоискатели Бродвея» (1929). Этот фильм побил все рекорды кассовых сборов и оставался самым кассовым фильмом из когда-либо созданных до 1939 года. Внезапно рынок заполонили мюзиклы, ревю и оперетты. Только в 1929 и 1930 годах были выпущены следующие полноцветные мюзиклы: The Hollywood Revue 1929 (1929), The Show of Shows (1929), Sally (1929), The Vagabond King (1930), Follow Thru (1930), Bright Lights (1930), Golden Dawn (1930), Hold Everything (1930), Rogue Song (1930), Song of the Flame (1930), Song of the West (1930), Sweet Kitty Bellairs (1930), Под Техасом Луна (1930), Невеста полка (1930), Уупи! (1930), « Король джаза» (1930), « Венские ночи» (1930) и « Поцелуй меня снова» (1930). Кроме того, было выпущено множество музыкальных функций с цветовыми последовательностями.
В 1930 году Голливуд выпустил более 100 музыкальных фильмов, но только 14 в 1931 году. К концу 1930 года аудитория была перенасыщена мюзиклами, и студии были вынуждены вырезать музыку из фильмов, которые выходили в свет. Например, « Жизнь партии» (1930) изначально создавалась как многоцветная музыкальная комедия, говорящая на все темы. Однако перед его выпуском песни были вырезаны. То же самое произошло с « Пятьдесят миллионов французов» (1931) и « Парад на Манхэттене» (1932), оба из которых были полностью сняты в технике «Техниколор». Марлен Дитрих успешно пела песни в своих фильмах, а Роджерс и Харт написали несколько хорошо принятых фильмов, но даже их популярность пошла на убыль к 1932 году. Публика быстро стала ассоциировать цвет с мюзиклами, и, таким образом, снижение их популярности также привело к снижение производства цветной продукции.
Вкус к мюзиклам снова возродился в 1933 году, когда режиссер Басби Беркли начал дополнять традиционный танцевальный номер идеями, почерпнутыми из точности упражнений, которую он испытал, будучи солдатом во время Первой мировой войны. В таких фильмах, как « 42-я улица» и « Золотодобытчики 1933 (1933)», Беркли поставил несколько фильмов в своем уникальном стиле. Номера Беркли обычно начинаются на сцене, но постепенно выходят за рамки ограничений театрального пространства: его гениальные рутины, в которых человеческие тела образуют узоры, подобные калейдоскопу, никогда не могли поместиться на реальной сцене, а предполагаемая перспектива просматривается прямо сверху.
Музыкальные звезды, такие как Фред Астер и Джинджер Роджерс, были одними из самых популярных и уважаемых личностей в Голливуде в классическую эпоху; Сочетание Фреда и Джинджер было особенно успешным, в результате чего был снят ряд классических фильмов, таких как Top Hat (1935), Swing Time (1936) и Shall We Dance (1937). Многие драматические актеры с удовольствием участвовали в мюзиклах, чтобы оторваться от их типажей. Например, разносторонне одаренный Джеймс Кэгни изначально прославился как сценический певец и танцор, но его неоднократные кастинги на роли «крутого парня» и фильмы о мафии не давали ему шансов проявить эти таланты. Получившая Оскара роль Кэгни в фильме « Янки Дудл Денди» (1942) позволила ему петь и танцевать, и он считал это одним из своих лучших моментов.
Многие комедии (и несколько драм) включали собственные музыкальные номера. Братьев Маркс фильмов "включал в себя музыкальный номер почти в каждом фильме, позволяя Brothers, чтобы выделить свои музыкальные таланты. В их последнем фильме, озаглавленном « Счастливая любовь» (1949), Вера-Эллен была признана лучшей танцовщицей среди своих коллег и профессионалов за полвека.
Точно так же водевильный комик У. К. Филдс объединил усилия с комической актрисой Мартой Рэй и молодым комиком Бобом Хоупом в музыкальной антологии Paramount Pictures «Большая трансляция» 1938 года. В фильме также были продемонстрированы таланты нескольких всемирно признанных музыкальных исполнителей, в том числе: Кирстен Флагстад (норвежское оперное сопрано), Уилфред Пеллетье (канадский дирижер оркестра Метрополитен-опера ), Тито Гизар (мексиканский тенор), Шеп Филдс, дирижирующий своим джазовым оркестром Rippling Rhythm и Джон Серри-старший (итало-американский концертный аккордеонист). Помимо премии Американской киноакадемии за лучшую оригинальную песню (1938), фильм получил премию ASCAP Film and Television Award (1989) за авторскую песню Боба Хоупа « Спасибо за память ».
В конце 1940-х - начале 1950-х годов производственное подразделение Metro-Goldwyn-Mayer во главе с Артуром Фридом перешло от старых музыкальных фильмов, формула которых стала повторяющейся, к чему-то новому. (Однако они также выпустили многоцветные римейки таких мюзиклов, как Show Boat, которые ранее снимались в 1930-х годах.) В 1939 году Фрид был нанят в качестве ассоциированного продюсера для фильма « Дети на руках». Начиная с 1944 года с « Meet Me» в Сент-Луисе, Freed Unit работала в некоторой степени независимо от собственной студии, создавая некоторые из самых популярных и известных образцов этого жанра. Продукция этого подразделения включает Easter Parade (1948), On the Town (1949), American in Paris (1951), Singin 'in the Rain (1952), Band Wagon (1953) и Gigi (1958). Среди прочих мюзиклов студии - « Семь невест для семи братьев» в 1954 году и « Высшее общество» в 1956 году, а в 1955 году студия распространяла « Парни и куклы» Сэмюэля Голдвина.
В эту эпоху музыкальные звезды стали широко известными, в том числе Джуди Гарланд, Джин Келли, Энн Миллер, Дональд О'Коннор, Сид Чарисс, Микки Руни, Вера-Эллен, Джейн Пауэлл, Говард Кил и Кэтрин Грейсон. Фреда Астера также уговорили выйти на пенсию на пасхальный парад, и он навсегда вернулся.
Другие голливудские студии доказали, что они одинаково хорошо разбираются в этом жанре в то время, особенно в 1950-х годах. Четыре адаптации спектаклей Роджерса и Хаммерштейна - Оклахома!, «Король и я», « Карусель» и « Южный Тихий океан» - все они имели успех, в то время как Paramount Pictures выпустила « Белое Рождество» и « Забавное лицо», два фильма, в которых использовалась музыка, написанная ранее Ирвингом Берлином и Гершвинами, соответственно. «Уорнер Бразерс» продюсировал « Бедствие Джейн» и «Звезда родилась» ; первый фильм был средством для Дорис Дэй, в то время как второй обеспечил возвращение на большой экран Джуди Гарланд, которая была вне внимания с 1950 года. Тем временем режиссер Отто Премингер, более известный своими «картинками-сообщениями», сделал Кармен Джонс и Порги и Бесс с Дороти Дендридж в главных ролях, которая считается первой афроамериканской кинозвездой высшего рейтинга. Знаменитый режиссер Ховард Хоукс также отважился заняться этим жанром с фильмом «Джентльмены предпочитают блондинок».
В 1960-х, 1970-х годах и по сей день музыкальный фильм стал менее прибыльным жанром, на который можно было положиться в качестве безупречного хита. Аудитория для них уменьшилась, и меньше музыкальных фильмов было произведено, поскольку жанр стал менее популярным и более специализированным.
В 1960-е годы критический и кассовый успех фильмов « Вестсайдская история», « Цыган», «Музыкант», « Прощай, Берди», « Моя прекрасная леди», « Мэри Поппинс», «Звуки музыки», «Забавная вещь, произошедшая на пути к форуму»., Книга джунглей, Весьма современная Милли, Оливер!, и Funny Girl предположили, что традиционный мюзикл находится в хорошем состоянии, в то время как джазовые мюзиклы французского режиссера Жака Деми « Шербурские зонтики» и «Девушки из Рошфора» пользовались популярностью у международных критиков. Однако на популярные музыкальные вкусы сильно повлиял рок-н-ролл и связанные с ним свобода и молодежь, и действительно, Элвис Пресли снял несколько фильмов, которые по форме были приравнены к старым мюзиклам, хотя «Ночь тяжелого дня» и « Помощь»! в главных ролях Битлз, были технически более дерзкими. Большинство музыкальных фильмов 1950-х и 1960-х, таких как Оклахома! и «Звуки музыки» были простой адаптацией или переработкой успешных сценических постановок. Самыми успешными мюзиклами 1960-х, созданными специально для кино, были Мэри Поппинс и Книга джунглей, два самых больших хита Диснея всех времен.
Феноменальные кассовые сборы «Звуков музыки» вселили в крупные голливудские студии больше уверенности в создании длинных и высокобюджетных мюзиклов. Несмотря на оглушительный успех некоторых из этих фильмов, Голливуд также произвел большое количество музыкальных провалов в конце 1960-х - начале 1970-х годов, которые, по-видимому, серьезно неверно оценили общественные вкусы. Среди коммерчески и / или критически неудачных фильмов были « Камелот», «Радуга Финиана», « Привет, Долли!»., Сладкая благотворительность, Доктор Дулиттл, Полшепенса, Самый счастливый миллионер, Звезда!, Дорогая Лили, До свидания, Мистер Чипс, Раскрась свой вагон, Песня Норвегии, В ясный день ты можешь видеть вечно, Человек из Ла-Манчи, Затерянный горизонт и Мама. В совокупности и по отдельности эти неудачи повлияли на финансовую жизнеспособность нескольких крупных студий.
В 1970-х годах кинокультура и меняющаяся демография кинозрителей уделяли больше внимания суровому реализму, в то время как чистое развлечение и театральность классических голливудских мюзиклов считались старомодными. Несмотря на это, « Скрипач на крыше» и « Кабаре» были более традиционными мюзиклами, тесно адаптированными из сценических шоу, и пользовались большим успехом у критиков и публики. Изменение культурных традиций и отказ от Кодекса Хейса в 1968 году также способствовали изменению вкусов киноаудитории. Фильм 1973 года Эндрю Ллойда Уэббера и « Иисус Христос суперзвезда» Тима Райса был встречен некоторой критикой со стороны религиозных групп, но был хорошо принят. К середине 1970-х создатели фильмов отказались от этого жанра в пользу использования музыки популярных рок- или поп-групп в качестве фоновой, отчасти в надежде продать фанатам альбом саундтреков. Шоу ужасов Рокки Хоррора было первоначально выпущено в 1975 году и было критическим провалом до тех пор, пока в 1980-х годах не начали показывать полуночные показы, где оно приобрело статус культового. В 1976 году вышел малобюджетный комический мюзикл The First Nudie Musical, выпущенный Paramount. Киноверсия « Смола» 1978 года стала настоящим хитом; его песни были оригинальными композициями, выполненными в стиле поп-музыки 1950-х годов. Однако сиквел « Смазка 2» (выпущенный в 1982 году) взорвал кассовые сборы. Были сняты фильмы об исполнителях, которые включали в себя драматизм и музыкальные номера, переплетенные как диегетическую часть сюжетной линии, такие как « Леди поет блюз», « All That Jazz» и « Нью-Йорк, Нью-Йорк». Некоторые мюзиклы, сделанные в Великобритании экспериментировали с формой, например, Ричард Аттенборо «s Oh! Какая прекрасная война (выпущена в 1969 году), « Багси Мэлоун» Алана Паркера и « Томми и Листомания» Кена Рассела.
Еще снимался ряд мюзиклов, которые в финансовом и / или критическом отношении были менее успешными, чем в период расцвета мюзикла. Среди них 1776, Волшебник, At Long Last Love, Mame, Man of La Mancha, Lost Horizon, Godspell, Phantom of the Paradise, Веселая леди ( продолжение Барбары Стрейзанд « Смешная девчонка» ), Маленькая ночная музыка и Волосы среди прочего. другие. В частности, гнев критиков против At Long Last Love был настолько силен, что его так и не выпустили на домашнее видео. Музыкальные фильмы в жанре фэнтези Скрудж, Синяя птица, Маленький принц, Вилли Вонка и шоколадная фабрика, Дракон Пита и Дисней « Кровать и метла» также были выпущены в 1970-х годах, последний получил премию Оскар за лучшие визуальные эффекты.
К 1980-м годам финансисты становились все более уверенными в музыкальном жанре, отчасти благодаря относительному благополучию мюзикла на Бродвее и лондонском Вест-Энде. Постановки 1980 - х и 1990 - х годов включали яблоке, Ксанаду, The Blues Brothers, Энни, Monty Python это смысл жизни, Лучший публичный дом в Техасе, Виктор / Виктория, Footloose, Fast Forward, Кордебалет, Магазинчик Ужасов, Запретная зона, Абсолютные новички, Лабиринт, Эвита и все говорят, что я люблю тебя. Тем не менее, Can't Stop the Music с участием деревенских жителей в главной роли был провальной попыткой возродить старый мюзикл и был выпущен на всеобщее обозрение в 1980 году. « Магазинчик ужасов» был основан на внебродвейской адаптации мюзикла 1960 года. Фильм Роджера Кормана, предшественник более поздних переходов от фильма к сцене к фильму, включая The Producers.
Многие анимационные фильмы того периода - в основном от Диснея - включали традиционные музыкальные номера. Говард Эшман, Алан Менкен и Стивен Шварц ранее имели опыт работы в музыкальном театре и в это время писали песни для анимационных фильмов, вытеснив «рабочих лошадок» Диснея - братьев Шерман. Начиная с « Русалочки» 1989 года, ренессанс Диснея дал музыкальному фильму новую жизнь. Среди других успешных анимационных мюзиклов - Аладдин, Горбун из Нотр-Дама и Покахонтас из самого Диснея, Кошмар перед Рождеством из подразделения Disney Touchstone Pictures, Принц Египта из DreamWorks, Анастасия из Фокса и Дона Блута и Южный парк: больше, дольше. amp; Необрезанный от Paramount. (« Красавица и чудовище» и «Король Лев» были адаптированы для сцены после успеха своего блокбастера.)
В 21 веке кино-мюзиклы возродились с более мрачными мюзиклами, музыкальными биографическими фильмами, эпическими драматическими мюзиклами и комедийно-драматическими мюзиклами, такими как Мулен Руж!, Чикаго, « Переступи черту», « Девушки мечты», Суини Тодд: демон-парикмахер с Флит-стрит, «Отверженные» и « Ла-Ла-Ленд» ; все они получили премию « Золотой глобус» за лучший фильм - мюзикл или комедию в свои годы, в то время как такие фильмы, как «Призрак оперы», « Лак для волос», « Mamma Mia!»!, Девять, В лес, Величайший шоумен, Мэри Поппинс возвращается и Ракетман были только номинированы. Чикаго также был первым мюзиклом со времен Оливера! выиграть лучший фильм на церемонии вручения премии Оскар.
Документальный фильм Джошуа Оппенгеймера « Акт убийства », номинированный на премию Оскар, можно считать документальным мюзиклом.
Одной из специфических музыкальных тенденций было увеличение количества музыкальных автоматов, основанных на музыке различных поп / рок-исполнителей на большом экране, некоторые из которых основаны на бродвейских шоу. Примеры музыкальных фильмов на основе бродвейских музыкальных автоматов включают Mamma Mia! ( ABBA ), Rock of Ages и Sunshine on Leith ( The Proclaimers ). Среди оригинальных - « Через Вселенную» ( «Битлз» ), « Мулен Руж»! (различные поп-хиты), Idlewild ( Outkast ) и Yesterday (The Beatles).
Дисней также вернулся в мюзиклы с Зачарованным, Принцессой и лягушкой, спутанные, Винни-Пухом, The Muppets, заморозкой, Маппет, в лес, Моано, Мэри Поппинс Возвратов и Frozen II. После серии успешных с живыми действий фантазии адаптации нескольких из своих анимационных функций, Disney выпустила версию живого действия по Красавица и Чудовище, первый из этой живой адаптации действия фантазии пакет, чтобы быть все-оперетты, и включает новые песни а также новые тексты к номеру Гастона и повтор заглавной песни. Вторым фильмом этого адаптационного фэнтезийного фильма с живым боевиком, который представляет собой полномасштабный мюзикл, был « Аладдин» с новыми песнями. Третий фильм из этого адаптационного фэнтезийного фильма с живыми актерами, представляющий собой полномасштабный мюзикл, - «Король Лев» с новыми песнями. Pixar также выпустила « Коко», самый первый компьютерный анимационный музыкальный фильм компании.
Другие анимированные музыкальные фильмы включают в Рио, троллей, Sing, Smallfoot и UglyDolls. Биографические фильмы о музыкальных артистах и шоуменах также были популярны в 21 веке. Примеры: 8 Mile ( Эминем ), Ray ( Рэй Чарльз ), Walk the Line ( Джонни Кэш и Джун Картер ), La Vie en Rose ( Эдит Пиаф ), Notorious ( Biggie Smalls ), Jersey Boys ( The Four Seasons ) Love amp; Mercy. ( Брайан Уилсон ), CrazySexyCool: История TLC ( TLC ), Aaliyah: The Princess of Ramp;B ( Aaliyah ), Get On Up ( Джеймс Браун ), Уитни ( Уитни Хьюстон ), Straight Outta Compton ( NWA ), Величайший шоумен ( PT Barnum ), Bohemian Rhapsody ( Фредди Меркьюри ), The Dirt ( Mötley Crüe ) и Rocketman ( Элтон Джон ).
Режиссер Дэмиен Шазель создал музыкальный фильм под названием La La Land с Райаном Гослингом и Эммой Стоун в главных ролях. Он был призван восстановить традиционный джазовый стиль номеров песен с влиянием Золотого века Голливуда и французских мюзиклов Жака Деми, в то же время объединяя современный / современный взгляд на историю и персонажей с балансом между фантастическими числами и обоснованной реальностью. Он получил 14 номинаций на 89-й церемонии вручения премии Оскар, установив рекорд по количеству номинаций с All About Eve (1950) и Titanic (1997), и получил награды за лучшую режиссуру, лучшую женскую роль, лучшую операторскую работу, лучший оригинальный саундтрек, лучшую оригинальную песню., и лучший производственный дизайн.
Исключением из упадка музыкального кино является индийское кино, особенно киноиндустрия Болливуда, базирующаяся в Мумбаи (бывший Бомбей), где большинство фильмов были и остаются мюзиклами. Большинство фильмов, производимых тамильской индустрией в Ченнаи (бывший Мадрас), сандаловым в Бангалоре, телугу в Хайдарабаде и малаяламской индустрией, также являются мюзиклами.
Несмотря на это исключение: почти каждый индийский фильм является мюзиклом, а Индия производит наибольшее количество фильмов в мире (создан в 1913 году), первый болливудский фильм, который будет полностью музыкальным Dev D (режиссер Анураг Кашьяп ), вышел в 2009 году. Вторым фильмом, последовавшим по его следу, стал Jagga Jasoos (режиссер Анураг Басу ) в 2017 году.
Болливудские мюзиклы берут свое начало в традиционном музыкальном театре Индии, таком как классический индийский музыкальный театр, санскритская драма и театр парси. Создатели ранних фильмов Бомбея объединили эти традиции индийского музыкального театра с форматом музыкального фильма, который возник из ранних звуковых фильмов Голливуда. Другие ранние влияния на режиссеров Бомбея включали литературу урду и арабские ночи.
Первый индийский звуковой фильм « Алам Ара» Ардешира Ирани (1931) имел большой коммерческий успех. Был явно огромный рынок звуковых фильмов и мюзиклов; Болливуд и все региональные киноиндустрии быстро перешли на звуковую съемку.
В 1937 году Ардешир Ирани, известный как Алам Ара, снял первый цветной фильм на хинди, Kisan Kanya. В следующем году он снял еще один цветной фильм, версию « Матери Индии». Однако цвет не стал популярным до конца 1950-х годов. В то время щедрые романтические мюзиклы и мелодрамы были основным продуктом кинотеатра.
После обретения Индией независимости период с конца 1940-х до начала 1960-х годов историки кино считают «золотым веком» хинди-кино. В этот период были сняты некоторые из самых признанных критиками фильмов на хинди всех времен. Примеры включают Пьяса (1957) и Каагаз Ке Пхул (1959), режиссер Гуру Датт, сценарий Абрара Алви, Аваара (1951) и Шри 420 (1955), режиссер Радж Капур и сценарий Хваджа Ахмад Аббас, и Аан (1952), режиссер по Mehboob Ханом и в главной роли Дилип Кумар. Эти фильмы отражали социальные темы, в основном связанные с жизнью рабочего класса в Индии, особенно городскую жизнь в первых двух примерах; Аваара представил город одновременно и кошмаром, и мечтой, в то время как Пьяаса критиковал нереальность городской жизни.
« Мать Индия» Мехбуба Кхана (1957), римейк его более раннего « Аурата» (1940), был первым индийским фильмом, номинированным на премию Оскар за лучший фильм на иностранном языке, который проиграл одним голосованием. «Мать Индия» также была важным фильмом, который на протяжении десятилетий определял традиции хинди-кино.
В 1960-х и начале 1970-х в индустрии доминировали музыкальные романтические фильмы с участием "романтического героя", самым популярным из которых был Раджеш Кханна. Среди других актеров этого периода - Шамми Капур, Джитендра, Санджив Кумар и Шаши Капур, а также такие актрисы, как Шармила Тагор, Мумтаз, Сайра Бану, Хелен и Аша Парех.
К началу 1970-х годов в кинематографе на хинди наблюдался тематический застой, в котором преобладали музыкальные романтические фильмы. Прибытие дуэта сценаристов Салим-Джавед, состоящего из Салима Хана и Джаведа Ахтара, ознаменовало смену парадигмы и оживление индустрии. Они начали жанр жестоких, жестоких криминальных фильмов о преступном мире Бомбея в начале 1970-х, с таких фильмов, как Zanjeer (1973) и Deewaar (1975).
1970-е годы также были временем появления названия «Болливуд» и установления основных условностей коммерческих фильмов Болливуда. Ключом к этому стало появление жанра фильмов масала, сочетающего в себе элементы нескольких жанров ( боевик, комедия, мелодрама, драма, мелодрама, мюзикл). Фильм масала был впервые создан в начале 1970-х годов режиссером Насиром Хуссейном вместе с дуэтом сценаристов Салим-Джавед, первопроходцами формата болливудских блокбастеров. Яадон Ки Баарат (1973), режиссер Хуссейн и сценарий Салим-Джаведа, был определен как первый фильм масала и «первый» типично «Болливудский» фильм. Салим-Джавед продолжал писать более успешные фильмы масала в 1970-х и 1980-х годах. Фильмы Масала сделали Амитабха Баччана самой большой кинозвездой Болливуда 1970-х и 1980-х годов. Поворотным для жанра масала фильм был Амар Акбар Энтони (1977), режиссер Манмохан Десаи и написанный Kader Khan. Манмохан Десаи успешно использовал этот жанр в 1970-х и 1980-х годах.
Наряду с Баччаном, среди других популярных актеров этой эпохи были Фероз Хан, Митхун Чакраборти, Насируддин Шах, Джеки Шрофф, Санджай Датт, Анил Капур и Санни Деол. Среди актрис этой эпохи были Хема Малини, Джая Баччан, Раахи, Шабана Азми, Зинат Аман, Парвин Баби, Рекха, Димпл Кападиа, Смита Патил, Джая Прада и Падмини Колхапуре.
В конце 1980-х годов кинематограф на хинди пережил еще один период застоя, когда кассовые сборы упали из-за роста насилия, снижения качества музыкальной мелодии и роста видеопиратства, что привело к тому, что семейная аудитория среднего класса покинула театры. Переломным моментом стал фильм «Каямат Се Каямат Так» (1988) режиссера Мансура Кхана, сценарий и продюсер его отца Насира Хуссейна, с его двоюродным братом Аамиром Кханом в главной роли с Джухи Чавла. Сочетание молодости, полезных развлечений, эмоциональных моментов и сильных мелодий вернуло семейную аудиторию на большой экран. Он установил новый шаблон для музыкальных романтических фильмов Болливуда, которые стали определяющими в кинематографе хинди в 1990-х годах.
Период кинематографа на хинди с 1990-х гг. И далее упоминается как кино «Новый Болливуд», что связано с экономической либерализацией в Индии в начале 1990-х годов. К началу 1990-х маятник снова качнулся в сторону семейных романтических мюзиклов. За Каямат Се Каямат Так последовали блокбастеры, такие как Мэн Пьяр Кия (1989), Чандни (1989), Хум Аапке Хайн Каун (1994), Дилвале Дулхания Ле Джайенг (1995), Раджа Хиндустани (1996), Дил То Пагал Хай (1997).), Pyaar To Hona Hi Tha (1998) и Kuch Kuch Hota Hai (1998). Появилось новое поколение популярных актеров, таких как Амир Хан, Адитья Панчоли, Аджай Девган, Акшай Кумар, Салман Хан ( сын Салима Хана ) и Шахрукх Хан, а также актрисы, такие как Мадхури Диксит, Шридеви, Джухи Чавла, Минакши Сешадри, Маниша. Коирала, Каджол и Каришма Капур.
С 1990-х годов тремя крупнейшими кинозвездами Болливуда были « Три хана »: Аамир Кхан, Шахрукх Кхан и Салман Кхан. Вместе они снялись в большинстве из десяти самых кассовых фильмов Болливуда. Три хана сделали успешную карьеру с конца 1980-х годов и доминировали в прокате в Индии с 1990-х годов на протяжении трех десятилетий.
Баз Лурманн заявил, что его успешный музыкальный фильм « Мулен Руж»! (2001) был вдохновлен мюзиклами Болливуда. Фильм отдает дань уважения Индии, включая пьесу на индийскую тематику и танцевальную сцену в стиле Болливуда с песней из фильма « Китайские ворота». Критический и финансовый успех Мулен Руж! возродился интерес к тогда умирающему западному музыкальному жанру, и впоследствии были сняты такие фильмы, как « Чикаго», «Продюсеры», « Аренда», « Девушки мечты» и « Лак для волос», что способствовало возрождению жанра.
«Гуру» и «40-летняя девственница» также включают композиции из песен и танцев в индийском стиле; Болливудский мюзикл « Лагаан» (2001) был номинирован на премию Оскар за лучший фильм на иностранном языке ; два других болливудских фильма « Девдас» (2002) и « Ранг де Басанти» (2006) были номинированы на премию BAFTA за лучший фильм не на английском языке ; и получивший премию Оскарфильм Дэнни Бойла « Миллионер из трущоб» (2008) также включает песенно-танцевальный номер в стиле Болливуда в финальных титрах фильма.
Испания имеет историю и традиции музыкальных фильмов, снятых независимо от голливудского влияния. Первые фильмы возникают во время Второй Испанской республики 1930-х годов и появления звуковых фильмов. Некоторые сарсуэлы (испанская оперетта ) были даже адаптированы в качестве сценариев в эпоху немого кино. Начало испанского мюзикла было сосредоточено на романтических испанских архетипах: андалузские деревни и пейзажи, цыгане, бандолеро, копла и другие популярные народные песни, включенные в развитие сюжета. Эти фильмы имели даже больший кассовый успех, чем голливудские премьеры в Испании. Первые звезды испанского кино вышли из музыкального жанра: Imperio Argentina, Эстреллита Кастро, Флориан Рей (режиссер), а затем Лола Флорес, Сара Монтьель и Кармен Севилья. Испанский мюзикл начал расширяться и расти. Появляются юные звезды и возглавляют кассовые сборы. Марисоль, Хоселито, Пили и Мили и Росио Дуркаль были главными фигурами музыкальных фильмов с 1960-х по 1970-е годы. Из-за перехода Испании к демократии и подъема " культуры Movida " музыкальный жанр упал в производстве и кассовых сборах, спасенный только Карлосом Саурой и его музыкальными фильмами о фламенко.
В отличие от музыкальных фильмов Голливуда и Болливуда, которые в народе ассоциируются с бегством от действительности, советский мюзикл был прежде всего формой пропаганды. Владимир Ленин назвал кино «важнейшим из искусств». Его преемник Иосиф Сталин также признал силу кино в эффективном распространении доктрины коммунистической партии. Фильмы были широко популярны в 1920-е годы, но на советском кинорынке доминировало иностранное кино. Фильмы из Германии и США оказались интереснее, чем исторические драмы советского режиссера Сергея Эйзенштейна. К 1930-м годам стало ясно, что, если советское кино будет конкурировать со своими западными аналогами, оно должно будет дать зрителям то, чего они хотят: гламур и фэнтези, которые они получили от Голливуда. Созданный в то время музыкальный фильм воплотил в себе идеальное сочетание зрелищности и официальной идеологии.
Борьба между смехом ради смеха и развлечением с ясным идеологическим посланием определит золотой век советского мюзикла 1930-х и 1940-х годов. Тогдашний глава киноиндустрии Борис Шумяцкий стремился подражать голливудскому методу производства с конвейерной лентой, даже предполагая создание советского Голливуда.
В 1930 году уважаемый советский кинорежиссер Сергей Эйзенштейн отправился в Соединенные Штаты вместе с другим режиссером Григорием Александровым, чтобы изучить процесс создания фильмов в Голливуде. Большое влияние на Александрова оказали американские фильмы, особенно мюзиклы. Он вернулся в 1932 году, а в 1934 году поставил первый советский мюзикл «Веселые ребята». Фильм был легким по сюжету и больше ориентирован на комедийные и музыкальные номера. Партийные чиновники поначалу отнеслись к фильму с большой неприязнью. Александров защищал свою работу, аргументируя идею смеха ради смеха. Наконец, когда Александров показал фильм Сталину, вождь решил, что мюзиклы - эффективное средство пропаганды. Такие сообщения, как важность коллективного труда и истории о богатстве из грязи, стали бы сюжетами большинства советских мюзиклов.
Успех «Веселых ребят» обеспечил место в советском кино музыкальному формату, но Шумяцкий сразу же установил строгие правила, чтобы фильмы продвигали коммунистические ценности. Декрет Шумяцкого «Фильмы для миллионов» требовал условных сюжетов, персонажей и монтажа, чтобы успешно изобразить социалистический реализм (прославление промышленности и рабочего класса) в кино.
Первым удачным сочетанием социального послания и развлечения стал « Цирк Александрова» (1936). В нем играла его жена Любовь Орлова (оперная певица, также снявшаяся в «Веселых ребятах») в роли американской артистки цирка, которой пришлось иммигрировать в СССР из США, потому что у нее есть ребенок от смешанной расы, который у нее был с чернокожим. человек. На фоне роскошных музыкальных постановок она, наконец, находит любовь и признание в СССР, показывая, что расовую терпимость можно найти только в Советском Союзе.
Влияние хореографии Басби Беркли на режиссуру Александрова можно увидеть в музыкальном номере, предшествующем кульминации. Еще одна, более очевидная ссылка на Голливуд - это имитатор Чарли Чаплина, который создает комический рельеф на протяжении всего фильма. Четыре миллиона человек в Москве и Ленинграде посетили Цирк в первый месяц его работы в театрах.
Еще одним из наиболее популярных фильмов Александрова стал «Светлый путь» (1940). Это была переработка сказки « Золушка», действие которой происходило в современном Советском Союзе. Золушкой в этой истории снова стала Орлова, которая к тому времени была самой популярной звездой в СССР. Это был фантастический рассказ, но мораль рассказа заключалась в том, что лучшая жизнь рождается из упорного труда. В то время как в « Цирке» музыкальные номера включали танцы и зрелище, единственный вид хореографии в « Ярком пути» - это движение заводских машин. Музыка ограничивалась пением Орловой. Здесь работа обеспечила зрелище.
Другой режиссер музыкальных фильмов - Иван Пырьев. В отличие от Александрова, в фильмах Пырьева в центре внимания была колхозная жизнь. В его фильмах « Трактористы» (1939), «Свинопас и пастырь» (1941) и в его самом известном фильме «Казаки Кубани» (1949) главную роль играла его жена Марина Ладынина. Как и в « Светлой тропе» Александрова, единственной хореографией была работа персонажей в фильме. Даже песни были о радостях работы.
Вместо того, чтобы иметь конкретное послание для любого из своих фильмов, Пырьев продвигал сталинский лозунг «жизнь стала лучше, жизнь стала веселее». Иногда это сообщение резко контрастировало с действительностью того времени. Во время съемок фильма « Казаки Кубани» Советский Союз переживал послевоенный голод. На самом деле актеры, воспевавшие время процветания, были голодны и недоедали. Однако фильмы вселяли в зрителей уверенность и оптимизм.
Самым популярным фильмом короткой эпохи сталинских мюзиклов был фильм Александрова 1938 года « Волга-Волга». Звездой снова стала Любовь Орлова, а в фильме пели и танцевали, не имея никакого отношения к работе. Это самый необычный в своем роде. Сюжет представляет собой историю любви между двумя людьми, которые хотят заниматься музыкой. Они не являются репрезентативными для советских ценностей, поскольку их внимание больше сосредоточено на музыке, чем на работе. Приколы высмеивают местные власти и бюрократию. Никакого прославления промышленности нет, так как она происходит в небольшом сельском поселке. Не прославляется и работа, поскольку сюжет разворачивается вокруг группы сельских жителей, которые используют отпуск, чтобы отправиться в путешествие по Волге и каналу им. Москвы для выступления в Москве. Фильм можно рассматривать как прославление канала имени Москвы без всякого намека на то, что канал построили узники ГУЛАГа.
«Волга-Волга» следовала эстетическим принципам соцреализма, а не идеологическим принципам. Он стал любимым фильмом Сталина, и он подарил его президенту Рузвельту во время Второй мировой войны. Это еще один пример одного из фильмов, утверждавших, что жизнь лучше. Выпущенный в разгар сталинских чисток, он обеспечил общественность утешительной иллюзией и эскапизмом.
Ресурсы библиотеки о Музыкальном фильме |