Войти
Тони Смит, Free Ride, 1962, 6'8 × 6'8 × 6'8, Музей современного искусства (Нью-Йорк) 
Дональд Джадд, Без названия, 1991, Музей Израиля Art Garden, Иерусалимkl Минимализм описывает движения в различных формах искусства и дизайна, особенно в визуальном искусстве и музыке, где работа направлена на раскрытие сущности, основных моментов или идентичности предмета. путем устранения всех несущественных форм, функций или концепций. Как особое направление в искусстве, оно отождествляется с развитием западного искусства после Второй мировой войны, в первую очередь с американским изобразительным искусством 1960-х и начала 1970-х годов. Выдающиеся художники, связанные с этим движением, включают Эд Рейнхардт, Тони Смит, Дональд Джадд, Джон Маккракен, Агнес Мартин, Дэн Флавин, Роберт Моррис, Ларри Белл, Энн Труитт, Ив Кляйн и Фрэнк Стелла. Сами художники иногда выступали против этого лейбла из-за негативного смысла упрощения работы. Минимализм часто интерпретируется как реакция на абстрактный экспрессионизм и мост к постминимальным художественным практикам.
Минимализм в изобразительном искусстве, обычно называемый «минималистским искусством», буквальным искусством и искусством ABC, появился в Нью-Йорке в начале 1960-х годов. Первоначально минималистское искусство появилось в Нью-Йорке в 60-х годах, когда новые и старые художники двигались в сторону геометрической абстракции ; изучение через живопись в случаях Фрэнка Стеллы, Кеннета Ноланда, Эла Хельда, Элсворта Келли, Роберта Раймана и другие; и скульптура в работах разных художников, включая Дэвида Смита, Энтони Каро, Тони Смита, Сола Левитта, Карла Андре, Дэн Флавин, Дональд Джадд и другие. Скульптура Джадда была представлена в 1964 году в Green Gallery на Манхэттене, как и первые работы Флавина с люминесцентными лампами, а также другие ведущие галереи Манхэттена, такие как Leo Castelli Gallery и Pace Gallery также начали выставлять художников, занимающихся геометрической абстракцией. Кроме того, были проведены две плодотворные и влиятельные музейные выставки: Основные структуры : молодая американская и британская скульптура », показанная с 27 апреля по 12 июня 1966 года в Еврейском музее в Нью-Йорке. York, организованный куратором музея живописи и скульптуры Кинастоном МакШайном и системной живописью в Музее Соломона Р. Гуггенхайма под куратором Лоуренсом Аллоуэй также в 1966 году, где были представлены 76>геометрическая абстракция в мире американского искусства с помощью формованного холста, цветового поля и живописи с резкими краями. Вслед за этими и некоторыми другими выставками возникло художественное направление, называемое минимальным искусством.
Жан Метцингер, после succès de scandale, созданного из кубизма, показанного в 1911 году Salon des Indépendants в интервью Сирилу Бергеру, опубликованному в журнале Paris-Journal 29 мая 1911 года, заявил:
Мы, кубисты, только выполнили свой долг, создав новый ритм на благо человечества. За нами придут и другие, которые сделают то же самое. Что они найдут? Это потрясающий секрет будущего. Кто знает, не станет ли когда-нибудь великий художник, презрительно взирающий на зачастую жестокую игру предполагаемых колористов и возвращающий семь цветов к изначальному белому единству, которое их все охватывает, не будет выставлять полностью белые холсты, на которых ничего, абсолютно ничего.. (Жан Метцингер, 29 мая 1911 г.)
Фрэнк Стелла, Die Fahne Hoch!, 1959, Музей американского искусства Уитни Смелое (тогда) предсказание Метцингера, что художники будут довести абстракцию до ее логического завершения, полностью отбросив репрезентативный предмет и вернувшись к тому, что Метцингер называет «изначальным белым единством», «полностью белый холст», который будет реализован двумя годами позже. Автор сатирического манифеста, возможно Фрэнсис Пикабиа, в публикации под названием Evolution de l'art: Vers l'amorphisme в Les Hommes du Jour (3 мая 1913 г.), возможно, имел в виду видение Метцингера. когда автор оправдывал чистые холсты аморфизма словами «нам достаточно света». С точки зрения перспективы, пишет историк искусства Джеффри С. Вайс, «Vers Amorphisme может быть тарабарщиной, но это также было достаточно основополагающим языком, чтобы предвидеть крайние редукционистские последствия необъективности».
Монохромная живопись была начата в первая выставка Несвязное искусство »в 1882 году в Париже, с черной картиной поэта Поля Бильо под названием Combat de Nègres dans un tunnel (Негры дерутся в туннеле). На последующих выставках несвязного искусства (также в 1880-х годах) писатель Альфонс Алле предложил семь других монохромных картин, таких как Première communion de jeunes filles chlorotiques par un temps de neige (Первое причастие молодых девушек с анемией). в снегу, белый), или Récolte de la tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Mer Rouge (сбор томатов апоплексическими кардиналами на берегу Красного моря, красный). Однако этот вид деятельности больше похож на Дада 20 века, или Нео-Дада и особенно на работы группы Fluxus 1960-х годов, чем на к монохромной живописи ХХ века со времен Малевича.
Ив Кляйн, ИКБ 191, 1962, Монохромная живопись. Кляйн был пионером в развитии минималистского искусства. В широком и общем смысле можно найти европейские корни минимализма в геометрических абстракциях художников, связанных с Баухаузом, в произведениях Казимира Малевича, Пита Мондриана и других художников, связанных с движением Де Стейл и движением русских конструктивистов, и в работе румынского скульптора Константина Брынкуши. Минимальное искусство также частично вдохновлено картинами Барнетта Ньюмана, Эда Рейнхардта, Йозефа Альберса и работ столь разных художников, как Пабло. Пикассо, Марсель Дюшан, Джорджио Моранди и другие. Минимализм также был реакцией на живописную субъективность абстрактного экспрессионизма, который доминировал в нью-йоркской школе в 1940-х и 1950-х годах.
Широкий спектр возможностей (включая невозможность) интерпретации монохромных картин, возможно, именно поэтому монохромный так привлекает так много художников, критиков и писателей. Хотя монохромный никогда не становился доминирующим, и лишь немногие художники посвятили себя исключительно ему, он никогда не исчезал. Он снова появляется как призрак, преследующий высокий модернизм, или как его символ, появляющийся во времена эстетических и социально-политических потрясений.
Во Франции между 1947 и 1948 годами Ив Кляйн задумал свою монотонную симфонию (1949, формально Симфонию монотонной тишины), которая состояла из одного 20-минутного устойчивого аккорда, за которым следовало 20-минутное молчание - прецедент как Ла Монте Янга дрон-музыки, и 4′33 ″ Джона Кейджа. Хотя Кляйн нарисовал монохромы еще в 1949 году и провел первую частную выставку этой работы в 1950 году, его первым публичным показом стала публикация книги художника Ив: Peintures в ноябре 1954 года.
Художник и критик Томас Лоусон отметил в своем эссе 1981 года «Последний выход: живопись» Artforum, октябрь: 40–47, минимализм не столько отвергал утверждения Клемента Гринберга о сведении модернистской живописи к поверхности и материалам, сколько воспринимал его утверждения буквально. По словам Лоусона, результатом стал минимализм, хотя термин «минимализм» обычно не принимался художниками, связанными с ним, и многие практики искусства, названные критиками минималистскими, не идентифицировали его как движение как таковое. Против этого утверждения возражал и сам Гринберг; в своем постскриптуме 1978 года к эссе «Модернистская живопись» он отверг эту неправильную интерпретацию того, что он сказал; Гринберг писал:
Были некоторые дальнейшие конструкции из того, что я написал, которые переходят в абсурд: что я рассматриваю плоскостность и заключенную плоскостность не только как ограничивающие условия изобразительного искусства, но как критерии эстетического качества в изобразительном искусстве. ; что чем дальше произведение продвигает самоопределение искусства, тем лучше оно должно быть. Философ или историк искусства, который может вообразить меня - или кого-либо вообще - приходящего к эстетическим суждениям таким образом, шокирует больше в себе, чем в моей статье.
Ларри Белл, Без названия (1964), висмут, хром, золото и родий на позолоченной латуни; Музей и сад скульптур Хиршхорна В отличие от более субъективных абстрактных экспрессионистов предыдущего десятилетия, за исключением Барнетта Ньюмана и Эда Рейнхардта, минималисты также находились под влиянием композиторов Джон Кейдж и Ла Монте Янг, поэт Уильям Карлос Уильямс и ландшафтный архитектор Фредерик Лоу Олмстед. Они недвусмысленно заявили, что их искусство не о самовыражении, в отличие от более субъективной философии предыдущего десятилетия о том, что их искусство было «объективным». В общем, черты минимализма включали геометрические, часто кубические формы, очищенные от многих метафор, равенства частей, повторения, нейтральных поверхностей и промышленные материалы.
Роберт Моррис, влиятельный теоретик и художник, написал эссе, состоящее из трех частей, «Заметки о скульптуре 1-3», первоначально опубликованное в трех выпусках Artforum в 1966 году. В этих эссе Моррис попытался определить концептуальную основу и формальные элементы для себя и такой, который охватил бы практики его современников. В этих эссе большое внимание уделяется идее гештальта - «части... связанные вместе таким образом, что они создают максимальное сопротивление разделению восприятия». Позже Моррис описал искусство, представленное «заметным боковым распространением и отсутствием регуляризованных единиц или симметричных интервалов...» в «Примечаниях к скульптуре 4: За пределами объектов», первоначально опубликованных в Artforum, 1969, продолжая говорить, что «неопределенность расположения части - это буквальный аспект физического существования вещи ". Общий сдвиг в теории, выражением которого является это эссе, предполагает переход к тому, что позже будет обозначено как постминимализм. Одним из первых художников, непосредственно ассоциировавшихся с минимализмом, был художник Фрэнк Стелла, чьи ранние «полосатые» картины были включены в выставку 1959 года 16 американцев, организованную Дороти Миллер в Музей современного искусства в Нью-Йорке. Ширина полос на картинах в тонкую полоску Стелласа определялась размерами пиломатериалов, используемых для подрамников, видимой как глубина картины, если смотреть сбоку, используемой для создания поддерживающего каркаса, на котором было натянуто полотно. Таким образом, решения о структурах на лицевой поверхности холста не были полностью субъективными, а были заранее обусловлены «заданной» особенностью физической конструкции опоры. В каталоге выставки Карл Андре отметил: «Искусство исключает ненужное. Фрэнк Стелла счел необходимым нарисовать полосы. В его картине больше ничего нет». Эти редуктивные работы резко контрастировали с наполненными энергией и явно очень субъективными и эмоционально заряженными картинами Виллема де Кунинга или Франца Клайна и, с точки зрения прецедента, среди предыдущего поколения художников. абстрактные экспрессионисты больше склонялись к менее жестким, часто мрачным, цветовому полю картинам Барнетта Ньюмана и Марка Ротко. Хотя Стелла сразу привлекла внимание шоу MoMA, артисты, в том числе Кеннет Ноланд, Джин Дэвис, Роберт Мазервелл и Роберт Райман, также начали для изучения полос, монохроматических и жестких форматов с конца 50-х по 1960-е гг.
Из-за тенденции минимального искусства исключать изобразительное, иллюзионистское и фиктивность в пользу буквального, движение от живописи к скульптуре. Дональд Джадд начинал как художник, а закончил как создатель предметов. Его основополагающее эссе «Конкретные объекты» (опубликовано в «Ежегоднике искусств № 8» за 1965 год) стало пробным камнем теории для формирования эстетики минимализма. В этом эссе Джадд нашел отправную точку для новой территории для американского искусства и одновременный отказ от остаточных унаследованных европейских художественных ценностей. Он указал на свидетельства этого развития в работах множества художников, работавших в Нью-Йорке в то время, включая Джаспера Джонса, Дэна Флавина и Ли Бонтеку. «Предварительное» значение для Джадда имела работа Джорджа Эрла Ортмана, который конкретизировал и преобразовал формы живописи в грубые, жесткие, философски заряженные геометрии. Эти Особые Объекты обитали в пространстве, которое тогда нельзя было классифицировать ни как живопись, ни как скульптуру. То, что категориальная идентичность таких объектов сама по себе ставилась под сомнение и что они избегали легкой ассоциации с изношенными и слишком знакомыми условностями, было частью их ценности для Джадда.
Это движение подверглось резкой критике со стороны модернистских формалистов-искусствоведов и историков. Некоторые критики считали, что минимальное искусство представляет собой непонимание современной диалектики живописи и скульптуры, как это определено критиком Клементом Гринбергом, возможно, главным американским критиком живописи в период до 1960-х годов. Наиболее заметная критика минимализма была произведена Майклом Фридом, критиком-формалистом, который возражал против работы на основании ее «театральности». В книге «Искусство и объектность», опубликованной в Artforum в июне 1967 года, он заявил, что минимальное произведение искусства, особенно минимальная скульптура, основано на взаимодействии с физическим телом зрителя. Он утверждал, что такие работы, как работа Роберта Морриса, преобразовали акт просмотра в тип зрелища, в котором искусность акта наблюдение и участие зрителя в работы были представлены. Фрид увидел в этом смещении восприятия зрителя от эстетического вовлечения к событию вне произведения искусства как провал минималистского искусства. Эссе Фрида было немедленно оспорено постминималистом и художником земли Робертом Смитсоном в письме редактору в октябрьском номере Artforum. Смитсон заявил: «Фрид больше всего боится осознания того, что он делает, а именно того, что он сам театральный». Другая критика минималистского искусства касается того факта, что многие художники были только дизайнерами проектов, в то время как фактические произведения искусства были выполнены неизвестными мастерами.
Кроме Роберта Морриса, Фрэнка Стелла, Карла Андре, Роберта Раймана и Дональда Джадда Среди других художников-минималистов: Роберт Мангольд, Ларри Белл, Дэн Флавин, Сол Левитт, Рональд Бладен, Мино Ардженто, Агнес Мартин, Джо Баер, Рональд Дэвис, Чарльз Хинман, Брайс Марден, Блинки Палермо, Джон Маккракен, Эд Рейнхардт, Фред Сэндбэк, Ричард Серра, Тони Смит, Патрисия Йохансон и Энн Труитт.
Эд Рейнхардт, на самом деле художник поколения абстрактных экспрессионистов, но тот, редуктивно почти полностью черные картины, казалось, предвосхищали минимализм, писали о ценности редуктивного подхода к искусству: «Чем больше в нем материала, тем труднее произведение искусства, тем оно хуже. Больше значит меньше. Меньше значит больше. Глаз опасен для ясного зрения. непристойно. Искусство начинается с избавления от природы ».
Замечание Рейнхардта напрямую касается и противоречит взгляду Ганса Хофмана на природу как на источник его собственных абстрактных экспрессионистских картин. В знаменитом обмене мнениями между Хофманн и Джексон Поллок, как рассказали Ли Краснер в интервью с Дороти Стриклер (1964-11-02) для Смитсоновского института Архивы американских Искусство. По словам Краснера,
Когда я привел Хофманна, чтобы встретиться с Поллоком и посмотреть его работы, которые были до того, как мы сюда переехали, Хофманн отреагировал - один из вопросов, которые он задал Джексону, был: «Вы работаете с натуры?» Вокруг не было натюрмортов или моделей, и Джексон ответил: «Я - природа». И Хофманн ответил: «А, но если вы работаете наизусть, вы будете повторяться». На что Джексон вообще не ответил.
Встреча Поллока и Хофманна произошла в 1942 году.
 | На Wikimedia Commons есть медиа связанные с Минимализм. |
