Войти
Плакат оригинальной постановки Les cloches de Corneville Комическая опера - это исполненное драматическое произведение легкий или комический характер, обычно со счастливым концом и часто включающий разговорный диалог.
Формы комической оперы впервые появились в Италии в конце 17 века. К 1730-м годам появился новый оперный жанр opera buffa как альтернатива opera seria. Она быстро добралась до Франции, где стала opéra comique, и, в конце концов, в следующем столетии французской опереттой с Жаком Оффенбахом как наиболее совершенной. практикующий.
Влияние итальянской и французской форм распространилось на другие части Европы. Многие страны разработали свои собственные жанры комической оперы, используя итальянские и французские образцы наряду со своими собственными музыкальными традициями. Примеры: немецкий singspiel, венская оперетта, испанский zarzuela, русская комическая опера, английская баллада и савойская опера, Североамериканская оперетта и музыкальная комедия.
Россини, около 1810–1815 гг. В Италии конца 17 века веселые музыкальные пьесы стали предлагаться в качестве альтернативы более весомой opera seria (итальянская опера 17 века, основанная на классической мифологии ). Il Trespolo tutore (1679) Алессандро Страделла был ранним предшественником opera buffa. У оперы фарсовый сюжет, а персонажи нелепого стража Тресполо и служанки Деспины являются прототипами персонажей, широко использовавшихся позднее в жанре оперы-буффа.
Форма начала процветать в Неаполе с книги Алессандро Скарлатти Il trionfo dell'onore (1718). Эти произведения, написанные сначала на неаполитанском диалекте, были «итальянизированы» с операми Скарлатти, Перголези (La serva padrona, 1733), Галуппи (Il filosofo di campagna, 1754), Piccinni (La Cecchina, 1760), Paisiello (Нина, 1789), Чимароза (Il matrimonio segreto, 1792), а затем великие комические оперы Моцарта и, позднее, Россини и Доницетти.
Вначале комические оперы обычно представлялись как интермецци между актами более серьезных произведений. Неаполитанская, а затем итальянская комическая опера превратилась в самостоятельную форму и стала самой популярной формой постановочного развлечения в Италии примерно с 1750 по 1800 год. В 1749 году, через тринадцать лет после смерти Перголези, его La serva padrona охватила Италию и Францию, вызывая похвалу такие деятели французского Просвещения, как Руссо.
В 1760 году Никколо Пиччинни написал музыку Ла Чеккине к тексту великого венецианского драматурга, Карло Гольдони. Этот текст был основан на популярном английском романе Сэмюэля Ричардсона, Памела, или Вознаграждение добродетели (1740). Много лет спустя Верди назвал La Cecchina "первой настоящей итальянской комической оперой", то есть в ней было все: она была написана на стандартном итальянском языке, а не на диалекте; это было уже не просто интермеццо, а скорее самостоятельная пьеса; в нем была реальная история, которая нравилась людям; в нем было драматическое разнообразие; и, в музыкальном плане, в нем были сильные мелодии и даже сильные оркестровые партии поддержки, включая сильную увертюру «обособленно» (то есть, вы даже могли наслаждаться увертюрой как самостоятельной оркестровой пьесой). Верди был полон энтузиазма, потому что музыка была написана южным итальянцем, а текст - северянином, что соответствовало пан-итальянскому видению Верди.
Этот жанр получил дальнейшее развитие в первой половине XIX века Джоакино Россини в его работах, таких как Севильский цирюльник (1816) и La Cenerentola (1817) и Гаэтано Доницетти в L'elisir d'amore (1832) и Don Pasquale (1843), но отказался в середины XIX века, несмотря на Джузеппе Верди Фальстаф, поставленный в 1893 году.
Плакат к постановке XIX века Орфей в загробном мире Французские композиторы охотно ухватились за итальянский образец и сделали его своим, назвав его opéra comique. Среди первых сторонников были итальянец Эджидио Дуни, Франсуа-Андре Филидор, Пьер-Александр Монсиньи, Андре Гретри, Франсуа- Адриан Бойельдье, Даниэль Франсуа Обер и Адольф Адам. Хотя первоначально термин opéra comique зарезервирован для менее серьезных произведений, термин opéra comique стал обозначать любую оперу, которая включала разговорный диалог, включая такие произведения, как Черубини Médée и Бизе Кармен, которые не являются «комичными» в любом смысле этого слова.
Флоримон Эрве считается изобретателем французской opéra bouffe или opérette. Работая над той же моделью, Жак Оффенбах быстро превзошел его, написав более девяноста оперетт. В то время как ранние французские комические оперы содержали смесь сантиментов и юмора, произведения Оффенбаха были предназначены исключительно для развлечения. Хотя в целом он был хорошо продуман и полон юмористической сатиры и пародий на грандиозные оперы, сюжеты и персонажи в его произведениях часто были взаимозаменяемыми. Учитывая лихорадочный темп, в котором он работал, Оффенбах иногда использовал один и тот же материал более чем в одной опере. Другой француз, принявший эту форму, был Шарль Лекок.
Зингшпиль, разработанный в Вене 18-го века и распространившийся по всей Австрии и Германии. Как и во французском opéra comique, зингшпиль был оперой с разговорным диалогом и обычно комическим сюжетом, например Моцарта Die Entführung aus dem Serail (1782).) и Волшебная флейта (1791). Более поздние зингшпили, такие как Бетховена (1805) и Вебера Der Freischütz (1821), сохранили форму, но исследовали более серьезные предметы.
XIX век Венская оперетта построена как по зингшпилю, так и по французскому образцу. Франца фон Зуппе помнят в основном за его увертюры. Иоганн Штраус II, «король вальса», написал Летучую мышь (1874) и Цыганский барон (1885). Карл Мильёкер давний дирижер Театра ан дер Вин, также сочинил некоторые из самых популярных венских оперетт конца XIX века, в том числе Der Bettelstudent (1882), Гаспарон (1884) и Der arme Jonathan (1890).
После рубежа 20-го века Франц Легар написал Веселая вдова (1905); Оскар Страус предоставил Эйн Вальцертраум («Мечта о вальсе», 1907 г.) и Шоколадный солдат (1908 г.); и Эммерих Кальман составил Die Csárdásfürstin (1915).
Сарсуэла, представленная в Испании в 17 веке, уходит своими корнями в популярный испанский традиционный музыкальный театр. В нем чередуются разговорные и певческие сцены, последние включают танцы, номера припева и юмористические сцены, которые обычно представляют собой дуэты. Эти работы относительно короткие, а цены на билеты часто были низкими, чтобы понравиться широкой публике. Существует две основные формы зарзуэла: барокко сарсуэла (ок. 1630–1750), самый ранний стиль, и романтический сарсуэла (ок. 1850–1950), которые можно разделить дальше. на два поджанра género grande и género chico.
Педро Кальдерон де ла Барка был первым драматургом, который применил термин zarzuela для своего произведения под названием El golfo de las sirenas («Залив сирен», 1657). Лопе де Вега вскоре написал произведение под названием La selva sin amor, drama con orquesta («Нелюбимые джунгли, драма с оркестром»). Инструменты оркестра были скрыты от публики, актеры пели гармонично, а сама музыкальная композиция была призвана вызывать эмоциональный отклик. Некоторые из этих ранних произведений были утеряны, но Los celos hacen estrellas («Зависть превращается в звезды») Хуана Идальго и Хуана Велеса, премьера которого состоялась в 1672 году, сохранилась и дает нам некоторое представление о том, что это за жанр. как в 17 веке.
В 18 веке итальянский оперный стиль оказал влияние на сарсуэлу. Но начиная с правления короля Бурбонов Карла III антиитальянские настроения усилились. Сарсуэла вернулась к своим корням в популярной испанской традиции в таких произведениях, как sainetes (или Entr'actes) Дона Рамона де ла Круса. Первым произведением этого автора в этом жанре было Las segadoras de Vallecas («Жнецы Вальекаса», 1768) на музыку Родригеса де Хиты.
Одноактные zarzuelas были классифицированы как género chico («маленький жанр» или «малая форма») и сарсуэлы из трех или более действий были género grande («большой жанр» или «большая форма»). Сарсуэла Гранде продолжала сражаться в Театро де ла Сарсуэла в Мадриде, но без особого успеха и небольшой посещаемости. Несмотря на это, в 1873 году новый театр Teatro Apolo был открыт для zarzuela grande, который разделял неудачи Teatro de la Zarzuela, пока не был вынужден изменить свою программу на género chico.
Первая опера, представленная в России в 1731 году, была комической оперой (или «commedia per musica»), Каландро, итальянского композитора Джованни Альберто Ристори. За ним последовали комические оперы других итальянцев, таких как Галуппи, Паизиелло и Чимароза, а также бельгийский / Французский композитор Гретри.
Первой русской комической оперой была Анюта (1772). Текст был написан Михаилом Поповым на музыку неизвестного композитора, состоящую из избранных популярных песен, указанных в либретто. Еще одна удачная комическая опера «Мельник - колдун, обманщик и сват» », текст Александра Аблесимова, Москва, 1779), на предмет, напоминающий Руссо Девин, приписывается Михаилу Соколовскому. Иван Керзелли, Василий Пашкевич и Евстигней Фомин также написали серию успешных комических опер XVIII века.
В XIX веке русскую комическую оперу развил Алексей Верстовский, сочинивший более 30 опер-водевилей и 6 больших опер (большинство из них с разговорным диалогом). Позже Модест Мусоргский работал над двумя комическими операми Сорочинская ярмарка и Женитба («Женитьба»), которые он оставил незаконченными (они были закончены только в 20 веке). Петр Чайковский написал комическую оперу Черевички (1885). Николай Римский-Корсаков сочинил Майскую ночь 1878–1879 и Золотой петушок 1906–1907.
В ХХ веке лучшими образцами комической оперы русских композиторов были «Мавра» Игоря Стравинского (1922) и Прогресс повесы (1951), Сергей Прокофьев Любовь к трем апельсинам (1919) и Обручение в монастыре (1940–1941, постановка 1946), Дмитрия Шостаковича Нос (1927–1928, постановка 1930). Одновременно жанры легкой музыки, оперетты, музыкальной комедии, а позже рок-оперы развивались такими композиторами, как Исаак Дунаевский, Дмитрий Кабалевский, Дмитрий Шостакович (Опус 105: Москва, Черемушки, оперетта в 3-х действиях, (1958)), Тихон Хренников, а позже - Геннадий Гладков, Алексей Рыбников и Александр Журбин.
XXI век в русской комической опере начался с шумных премьер двух произведений, жанр которых мог быть описывается как "опера-фарс":
Царь Демьян (Царь Демьян) - Ужасный оперный спектакль. Работу написали коллективный проект пяти авторов: Леонид Десятников и Вячеслав Гайворонский из Санкт-Петербурга. -Петербург, Ираида Юсупова и Владимир Николаев из Москвы, а также творческий коллектив «Композитор», псевдоним известного музыкального критика Петра Поспелова. Либретто Елены Поленовой по мотивам народной драмы «Царь Максимилян», премьера произведения состоялась 20 июня 2001 года в Мариинском театре, Санкт-Петербург. Приз "Золотая маска 2002" и "Золотой софит 2002".
Дети Розенталя (Дети Розенталя), опера в двух действиях Леонида Десятникова с либретто Владимира Сорокина. Премьера спектакля по заказу Большого театра состоялась 23 марта 2005 года. Постановка оперы сопровождалась пикантным скандалом; однако это был огромный успех.
Англия ведет свою легкую оперную традицию к балладной опере, обычно комической пьесе, включающей песни на популярные мелодии. Опера нищего Джона Гэя была самой ранней и самой популярной из них. Дуэнна Ричарда Бринсли Шеридана (1775) с партитурой Томаса Линли была прямо описана как «комическая опера».
Ко второй половине XIX века на лондонской музыкальной сцене доминировали пантомима и музыкальный бурлеск, а также непристойные, плохо переводимые континентальные оперетты, часто включающие в себя «балеты», в которых много похотливый интерес, и посещение театра стало противно респектабельной публике, особенно женщинам и детям. Мистер и миссис Томас Герман Рид, начиная с 1855 года, и ряд других британцев выразили сожаление по поводу рискованного состояния музыкального театра и представили короткие комические оперы, призванные быть более семейными. дружелюбны и повышают интеллектуальный уровень музыкальных развлечений. Джесси Бонд писала:
Сцена была в упадке, елизаветинская слава и грузинские искусственности ушли в прошлое, высокопарная трагедия и пошлый фарс были всем, из чего мог выбирать будущий любитель пьес, и театр стал местом дурной репутации праведного британского домовладельца... Первую попытку преодолеть разрыв сделали немецкие Reed Entertainers.
Сцена из HMS Передник, 1886 Театр Савой сувенирная программа Тем не менее, постановка 1867 года по пьесе Оффенбаха Великая герцогиня Герольштейн (через семь месяцев после французской премьеры) зажгла публику. Английский аппетит к легким операм с более тщательно подобранными либретто и партитурам, а также континентально-европейские оперетты продолжали быть чрезвычайно популярными в Великобритании в 1860-х и 1870-х годах, в том числе Les Cloches de Corneville, Madame Favart и другие в 1880-е годы, часто адаптированные Х. Б. Фарни и Роберт Рис. Ф. К. Бернанд сотрудничал с несколькими композиторами, включая Артура Салливана в Кокса и Бокс, чтобы написать несколько комических опер на английские темы в 1860-х и 1870-х годах.
В 1875 году Ричард Д'Ойли Карт, один из импресарио, стремившийся основать английскую школу семейной световой оперы такими композиторами, как Фредерик Клей и Эдвард Соломон в качестве контрмеры континентальным опереттам поручил сотруднику Клея, У. С. Гилберту и многообещающему молодому композитору Артуру Салливану, чтобы написать короткую одноактную оперу, которая станет афишей к опере Оффенбаха «Перишоль». Результатом было Суд присяжных ; его успех положил начало партнерству Гилберта и Салливана. «Оперная труппа Буффа мистера Р. Д'Ойли Карт» взяла на гастроли «Триал» вместе с французскими произведениями Оффенбаха и Александра Шарля Лекока. Стремясь освободить английскую сцену от рискованного французского влияния, и воодушевленная успехом «Испытания жюри», Карт сформировал в 1877 году синдикат для исполнения «легкой оперы законного толка». Гилберту и Салливану было поручено написать новую комическую оперу Колдун, начав серию, которая стала известна как Савойские оперы (названные в честь Театра Савой, который Carte позже построил для этих работ), в том числе HMS Передник, Пираты Пензанса и Микадо, ставшие популярными во всем мире. D'Oyly Carte Opera Company продолжала исполнять Гилберта и Салливана почти непрерывно, пока не закрылась в 1982 году.
Стилю Гилберта и Салливана широко подражали их современники (например, в Дороти ), и сами создатели писали работы в этом стиле с другими соавторами в 1890-х годах. Однако ни один из них не пользовался устойчивой популярностью, в результате чего Савойские оперы практически остались единственными представителями жанра, сохранившимися до наших дней. Только недавно некоторые из этих других английских световых опер начали изучать ученые, и они получили выступления и записи.
"игрушечный солдатик" из Babes in Toyland, 1903 В Соединенных Штатах Виктор Герберт был одним из одним из первых, кто воспринял семейный стиль световой оперы, который Гилберт и Салливан сделали популярными, хотя его музыка также находилась под влиянием европейских композиторов оперетты. Его ранние произведения, начиная с князя Анании в 1894 году, были стилизованы под «комические оперы», но его более поздние произведения были описаны как «музыкальная феерия», «музыкальная комедия», «музыкальная пьеса», «музыкальный фарс»., и даже "комическая опера". Двумя наиболее успешными его произведениями из более чем полудюжины хитов были Babes in Toyland (1903) и Naughty Marietta (1910).
Другие авторы в том же духе Реджинальд де Ковен, Джон Филип Соуза, Зигмунд Ромберг и Рудольф Фримль. Современный американский мюзикл включил в себя элементы британской и американской световых опер, с такими произведениями, как Show Boat и West Side Story, в которых исследуются более серьезные темы и представлены тесная интеграция книги, движения и текстов песен.
В Канаде Оскар Фердинанд Тельгманн и Джордж Фредерик Камерон сочинили в стиле легкой оперы Гилберта и Салливана. Королевский кадет Лео был впервые исполнен 11 июля 1889 года в Оперном театре Мартина в Кингстоне, Онтарио.
Трудно провести грань между легкой оперой и другими современными формами. Некоторые произведения по-разному называются опереттами или мюзиклами, например, Кандид и Суини Тодд, в зависимости от того, исполняются ли они в оперных театрах или в театрах. Кроме того, в некоторых недавних американских и британских мюзиклах используется оперная структура, например, содержащая повторяющиеся мотивы, и их даже можно петь без диалога. Те, у кого есть оркестровые партитуры, обычно называются «мюзиклами», тогда как те, которые исполняются на электронных инструментах, часто называются рок-операми.
