Войти
Исполнитель, играющий Сугрива в Кудияттам форме Санскритский театр 
Ханна Причард как Леди Макбет и Дэвид Гаррик как Макбет в Theatre Royal, Drury Lane в апреле 1768 года. 895>История театра описывает развитие театра за последние 2500 лет. Хотя перформативные элементы присутствуют в каждом обществе, принято признавать различие между театром как формой искусства и развлечением, а также театральными или перформативными элементами в других видах деятельности. История театра в первую очередь связана с возникновением и последующим развитием театра как автономной деятельности. Начиная с классических Афин в 6 веке до нашей эры, яркие традиции театра процветали в культурах по всему миру.Театр возник как исполнение ритуальных действий, не требующих инициации со стороны зрителя. Это сходство раннего театра с ритуалом отрицательно подтверждается Аристотелем, который в своей «Поэтике» определил театр в отличие от представлений священных мистерий : театр не требовал от зрителя поститься, выпить кикеон, или марш в процессии; Однако театр действительно напоминал священные мистерии в том смысле, что он приносил зрителю очищение и исцеление посредством видения, теамы. Физическое местоположение таких представлений было соответственно названо театром.
По словам историков Оскара Брокетта и Франклина Хилди, ритуалы обычно включают элементы, которые развлекают или доставляют удовольствие, такие как костюмы и маски, а также опытные исполнители. По мере того как общества становились все более сложными, эти зрелищные элементы начали разыгрываться в неритуальных условиях. Когда это произошло, были сделаны первые шаги к театру как автономной деятельности.
Наиболее хорошо сохранившийся образец классического греческого театра, Театр Эпидавр, с круглым оркестром и, вероятно, дает лучшее представление о первоначальной форме афинского театра, хотя он датируется 4 веком до нашей эры. Греческий театр, наиболее развитый в Афинах - это корень западной традиции; Слово «театр» по происхождению греческое. Это было частью более широкой культуры театральности и перформанса в классической Греции, которая включала фестивали, религиозные ритуалы, политику, право, легкая атлетика и гимнастика, музыка, поэзия, свадьбы, похороны и симпозиумы. Участие во многих фестивалях города-государства - и посещение City Dionysia в качестве зрителя (или даже в качестве участника театральных постановок) - было важной частью гражданства. Гражданское участие также включало оценку риторики ораторов, свидетельствующих о выступлениях в суде или политическом собрании, оба из которых воспринимались как аналог театра и все больше поглощали его драматический словарь. театр древней Греции состоял из трех типов драмы : трагедии, комедии и пьесы сатиров.
Афинская трагедия - древнейшая сохранившаяся форма трагедии - представляет собой разновидность танцевальной драмы, которая составляла важную часть театральной культуры города-государства. Возникнув где-то в 6 веке до нашей эры, он расцвел в 5 веке до нашей эры (с конца которого начал распространяться по греческому миру) и продолжал оставаться популярным до начала эллинистического периода. Не сохранилось ни одной трагедии VI века, и только 32 из более тысячи разыгранных в V веке не сохранились. У нас есть полные тексты , сохранившиеся, написанные Эсхилом, Софоклом и Еврипидом. Истоки трагедии остаются неясными, хотя к V веку она была институционализирована в соревнованиях (агон ), проводимых в рамках празднования Диониса (бог вина и плодородия ). В качестве участников конкурса Городской Дионисии (самый престижный из фестивалей театральной постановки) драматурги должны были представить тетралогию пьес (хотя отдельные произведения не обязательно были связаны сюжетом или темой), которые обычно состояла из трех трагедий и одной пьесы сатиров. Действие трагедий в Городе Дионисии могло начаться еще в 534 г. до н.э.; официальные записи (дидаскалий) начинаются с 501 г. до н.э., когда была введена игра сатиров. Большинство афинских трагедий драматизируют события из греческой мифологии, хотя персы - что представляет собой персидский ответ на известие об их военном поражении в битве при Саламине. в 480 г. до н.э. - заметное исключение в сохранившейся драме. Когда Эсхил получил за нее первую премию в Городе Дионисии в 472 г. до н.э., он писал трагедии более 25 лет, но его трагическая трактовка недавней истории - самый ранний из сохранившихся примеров драмы. Более 130 лет спустя философ Аристотель проанализировал афинскую трагедию V века в старейшем сохранившемся произведении драматической теории - его Поэтике (ок. 335 до н. Э.). Афинская комедия условно делится на три периода: «Старая комедия», «Средняя комедия» и «Новая комедия». Старая комедия сохранилась сегодня в основном в виде одиннадцати сохранившихся пьес Аристофана, тогда как средняя комедия в значительной степени утрачена (сохранилась только в относительно коротких фрагментах у таких авторов, как Афиней из Навократа ). Новая комедия известна прежде всего по содержательным папирусным фрагментам пьес Менандра. Аристотель определил комедию как представление смехотворных людей, в котором присутствует какая-то ошибка или уродство, не причиняющее боли или разрушения.
Римский театр в Беневенто, Италия Западный театр развился и значительно расширился при римлянах. Римский историк Ливий писал, что римляне впервые познакомились с театром в 4 веке до нашей эры, где выступали этрусские актеры. Бичем утверждает, что римляне были знакомы с «до-театральной практикой» в течение некоторого времени до того зарегистрированного контакта. театр древнего Рима был процветающим и разнообразным видом искусства, начиная от фестивалей представлений уличного театра, танцев обнаженной натуры и акробатики до постановок В целом привлекательная ситуация Плавта комедии, высокий стиль, устно продуманные трагедии из Сенеки. Хотя у Рима была местная традиция исполнения, эллинизация римской культуры в III веке до нашей эры оказала глубокое и воодушевляющее влияние на римский театр и способствовала развитию латинской литературы. высочайшего качества для сцены.
После расширения Римской республики (509–27 до н.э.) на несколько греческих территорий между 270–240 до н.э. Рим столкнулся с греческой драмой. С более поздних лет республики и с помощью Римской империи (27 г. до н.э. - 476 г. н.э.) театр распространился на запад по Европе, вокруг Средиземного моря и достиг Англии; Римский театр был более разнообразным, обширным и сложным, чем театр любой другой культуры до него. В то время как греческая драма продолжала разыгрываться на протяжении всего римского периода, 240 г. до н.э. знаменует начало регулярной римской драмы. Однако с самого начала империи интерес к полнометражной драме снизился в пользу более широкого спектра театральных развлечений.
Первыми важными произведениями римской литературы были трагедии и комедии, которые Ливий Андроник писал с 240 г. до н.э. Пять лет спустя Гней Невий также начал писать драму. Пьес ни одного из авторов не сохранилось. В то время как оба драматурга писали в обоих жанрах, Андроника больше всего ценили за свои трагедии, а Невия за его комедии; их преемники, как правило, специализировались на том или другом, что привело к разделению последующего развития каждого типа драмы. К началу II века до нашей эры драма прочно утвердилась в Риме, и была сформирована гильдия писателей (collegium поэтарум).
Все римские комедии, сохранившиеся до наших дней, fabula palliata (комедии на греческие сюжеты) и исходят от двух драматургов: Тита Макция Плавта (Плавт) и Публия Теренция Афера (Теренс). При переработке греческих оригиналов римские комедийные драматурги упразднили роль хора в разделении драмы на эпизоды и добавили музыкальное сопровождение к его диалогу ( между одной третью диалогов в комедиях Плавта и двумя третями в комедиях Теренция). Действие всех сцен происходит на внешней стороне улицы, и его сложности часто возникают из подслушивания. Плавт, наиболее популярный из них, написал между 205 и 184 годами до нашей эры, и сохранилось двадцать его комедий, из которых наиболее известны его фарсы ; им восхищались за остроумие его диалогов и использование разнообразных поэтических приемов. Сохранились все шесть комедий, написанных Теренсом между 166 и 160 годами до нашей эры; Сложность его сюжетов, в которых он часто сочетал несколько греческих оригиналов, иногда осуждалась, но его двойные сюжеты позволили изощренно представить контрастное человеческое поведение.
Ни одна раннеримская трагедия не сохранилась, хотя она была высоко оценена в свое время; историкам известны три ранних трагика: Квинт Энний, Марк Пакувий и Луций Акций. Со времен империи сохранились произведения двух трагиков: один - неизвестный автор, а другой - философ-стоик Сенека. Сохранились девять трагедий Сенеки, и все они являются fabula crepidata (трагедиями, адаптированными с греческих оригиналов); его Федра, например, был основан на Еврипиде 'Ипполите. Историки не знают, кто написал единственный сохранившийся пример fabula praetexta (трагедии, основанные на римских сюжетах), Октавия, но в прежние времена его ошибочно приписывали Сенеке из-за его внешности. как персонаж трагедии.
В отличие от древнегреческого театра, театр в Древнем Риме допускал женщин-исполнителей. Хотя большинство из них были заняты танцами и пением, меньшинство актрис, как известно, исполняло роли говорящих, и были актрисы, добившиеся богатства, славы и признания за свое искусство, такие как Евхарис, Дионисия, Галерея Копиола и Фабия Арете : они также сформировали свою собственную действующую гильдию, Sociae Mimae, которая, очевидно, была довольно богатой.
Поскольку Западная Римская империя пришла в упадок в 4-5 веках, центр римской власти переместился в Константинополь и Восточная Римская империя, сегодня называемая Византийской империей. Хотя сохранившиеся свидетельства византийского театра немногочисленны, существующие записи показывают, что пантомима, пантомима, сцены или декламации из трагедий и комедий, танцы и другие развлечения были очень популярны. В Константинополе было два театра, которые использовались еще в V веке. Однако истинное значение византийцев в истории театра состоит в том, что они сохранили многие классические греческие тексты и составили огромную энциклопедию под названием Suda, из которой получено большое количество современной информации о греческом театре.
С V века Западная Европа погрузилась в период общего беспорядка, который длился (с коротким периодом стабильности при Каролингской империи в IX веке.) до 10 века. Таким образом, большая часть организованной театральной деятельности исчезла в Западной Европе. Хотя кажется, что небольшие кочевые группы путешествовали по Европе на протяжении всего периода, выступая там, где они могли найти публику, нет никаких доказательств того, что они создавали что-либо, кроме грубых сцен. Эти исполнители были осуждены Церковью в Темные века, поскольку считались опасными и языческими.
Хросвита из Гандершейма, первый драматург постклассической эпохи. К раннему средневековью церкви в Европе начали ставить театрализованные версии определенных библейские события в определенные дни года. Эти инсценировки были включены, чтобы оживить ежегодные праздники. Символические предметы и действия - облачения, жертвенники, кадильницы и пантомима в исполнении священников - напоминали о событиях, отмечаемых христианским ритуалом. Это были обширные наборы визуальных знаков, которые можно было использовать для общения с в основном неграмотной аудиторией. Эти представления превратились в литургические драмы, самая ранняя из которых - пасхальный троп «Кого ты ищешь» (Quem-Quaeritis), датируемый ок. 925. Литургическая драма исполнялась ответственно двумя группами, и в ней не участвовали актеры, изображавшие персонажей. Однако где-томежду 965 и 975 годами Этельволд из Винчестера составил Regularis Concordia (Монашеский договор), который содержит пьесу с указаниями к исполнению.
Хросвита (ок. 935 - 973), канонисса из северной Германии, написала шесть пьес по образцу комедий Теренция, но с использованием религиозных сюжетов. Эти шесть пьес - «Авраам, Каллимах, Дульциций, Галликан, Пафнутий и Сапиентия» - первые известные пьесы, написанные драматургом-женщиной, и первые известные западные драматические произведения постклассической эпохи. Впервые они были опубликованы в 1501 году и оказали значительное влияние на религиозные и дидактические пьесы шестнадцатого века. За Хросвитой последовала Хильдегард Бингенская (ум. 1179), бенедиктинская настоятельница, написавшая латинскую музыкальную драму под названием Ordo Virtutum в 1155 году.
Сценический рисунок из XV века роговица пьеса о нравственности Замок стойкости (как указано в Макро-рукописи ).Поскольку вторжения викингов прекратились в середине 11 века, литургическая драма распространилась из России <С 88 по Скандинавия по Италия. Только на Пиренейском полуострове, оккупированном мусульманами, литургические драмы вообще не были представлены. Несмотря на большое количество сохранившихся литургических драм с того времени многие церкви должны были проводить только один или два выступления в год, а большее количество вообще никогда не проводилось.
Праздник дураков был особенно важен в развитии комедии. Фестиваль перевернул статус низшего духовенства и позволил им высмеивать начальство и распорядок церковной жизни. Иногда в рамках этого праздника ставились пьесы, и в эти представления входило определенное количество бурлеска и комедии. Хотя комические эпизоды действительно должны были дождаться отделения драмы от литургии, Праздник дураков, несомненно, оказал глубокое влияние на развитие комедии как в религиозных, так и в светских пьесах.
Исполнение религиозных пьес за пределами Церковь зародилась где-то в XII веке в результате традиционного процесса объединения коротких литургических драм в более длинные пьесы, которые затем были переведены на народный и исполнялись мирянами. (1150) подтверждает эту теорию, поскольку подробное описание постановки предполагает, что она была поставлена на открытом воздухе. Сохранился ряд других пьес того времени, в том числе «Воскрешение сены» (Норман ), «Игра королей-волхвов» (испанский ) и «Спонсус» (французский ).
Важность Средневековья в развитии театра заключалась в экономических и политических изменениях, которые привели к формированию гильдии и рост городов. Это привело бы к значительным изменениям в позднем средневековье. На Британских островах в средние века пьесы ставились в 127 различных городах. Эти народные мистические пьесы были написаны циклами из большого количества пьес: York (48 пьес), Chester (24), Wakefield (32) и Неизвестно (42). Большее количество пьес сохранилось в Франции и Германии того периода, а некоторые религиозные драмы ставились почти во всех европейских странах в позднем средневековье. Многие из этих пьес содержали комедию, чертей, злодеев и клоунов.
. Большинство актеров в этих пьесах были привлечены из местного населения. Например, в Валансьен в 1547 году 72 актерам было отведено более 100 ролей. Пьесы ставились на театральных подиумах, которые представляли собой платформы, установленные на колесах для перемещения декораций. Часто самодеятельные исполнители в Англии предоставляли свои собственные костюмы, но в других странах были исполнители-женщины. Сцена платформы, которая представляла собой неопознанное пространство, а не конкретный регион, допускала резкие изменения местоположения.
Моральные пьесы возникли как отдельная драматическая форма около 1400 года и процветали до 1550 года. Самая интересная моральная пьеса - Замок стойкости, которая изображает прогресс человечества от от рождения до смерти. Однако самая известная пьеса о морали и, возможно, самая известная средневековая драма - это Обычный человек. Каждый получает вызов Смерти, пытается убежать и, наконец, смиряется с необходимостью. По пути его покидают Сородич, Товары и Братство - только Добрые дела отправляются с ним в могилу.
Был также ряд светских спектаклей, поставленных в средние века, самым ранним из которых является «Пьеса Зеленого леса» Адама де ла Галле в 1276 году. Он содержит сатирические сцены и народный материал, такой как фейри и другиесверхъестественные явления. Фарсы также резко выросли в росте после 13 века. Большинство этих пьес происходит из и Германии и похожи по тону и форме, подчеркивая секс и телесные выделения. Самый известный драматург фарсов - Ганс Закс (1494–1576), написавший 198 драматических произведений. В Англии Вторая пьеса пастырей из цикла Уэйкфилда - самый известный ранний фарс. Однако фарс не появлялся в Англии до 16-го века с работами Джона Хейвуда (1497–1580).
Существенным предшественником развития елизаветинской драмы были Палаты риторики в Нижних странах. Эти общества интересовались поэзией, музыкой и драматургией и провели конкурсы, чтобы увидеть, какое общество могло бы сочинить лучшую драму по заданному вопросу.
В конце позднего средневековья профессиональные актеры начали появляться в Англии и Европе. Ричард III и Генрих VII оба содержали небольшие компании профессиональных актеров. Их пьесы ставились в Большом зале дворянской резиденции, часто с приподнятой платформой на одном конце для зрителей и «экраном» на другом для актеров. Также важны пьесы ряженых, поставленные в период Рождества, и придворные маски. Эти маски были особенно популярны во время правления Генриха VIII, у которого в 1545 году был построен Дом Ревелей и Офис Ревелей.
Конец средневековой драмы возникло из-за ряда факторов, включая ослабление католической церкви, протестантской реформации и запретных пьес во многих странах. Елизавета I запретила все религиозные пьесы в 1558 году, а к 1580-м годам великие пьесы из цикла замолчали. Аналогичным образом религиозные пьесы были запрещены в Нидерландах в 1539 г., Папских государствх в 1547 г. и в Париже в 1548 г. Отказ от этих пьес разрушил международный театр это уже существовало и заставляло каждую страну свою собственную форму драмы. Это также предлагает драматургам обратиться к светским предметам, и возрождающийся интерес к греческому и римскому театру предоставил им прекрасную возможность.
Жадный, статусный Панталоне комедия дель'арт замаскированный персонаж. Труппы комедии дель'арте веками исполняли живые импровизационные пьесы по всей Европе. Он возник в Италии в 1560-х годах. Комедия дель арте была театром, ориентированным на актера, и требовала небольшого количества декораций и очень мало реквизита. Пьесы возникли не из письменной драмы, а из сценариев под названием lazzi, которые были свободными рамками, которые обеспечивают ситуации, сложности и результат действия, вокруг которого актеры импровизировали. В пьесах использовались обычные персонажи, которых можно разделить на три группы: любовники, хозяева и слуги. В большинстве пьес влюбленные имели разные имена и характеристики и часто были детьми мастера. Роль мастера обычно основывалась на одном из трех стереотипов: Панталоне, пожилой венецианский купец; Доттор, друг или соперник Панталоне, педантичный врач или юрист, который действовал намного умнее, чем он был на самом деле; и Капитано, который когда-то был любовником, превратился в хвастуна, который хвастался своими подвигами в любви и войне, но часто был ужасно неопытен в обоих. Обычно он носил меч, накидку и головной убор с перьями. У персонажа-слуги (называемого дзанни ) была только одна повторяющаяся роль: Арлекино (также называемый Арлекин ). Он был хитрым и невежественным, но прекрасным танцором и акробатом. Обычно он носил деревянную палку с трещиной посередине, поэтому она издавала громкий звук при ударе по чему-либо. Это «оружие» дало нам термин «фарс ».
Труппа обычно состояла из 13-14 человек. Большинству актеров платили, получая долю прибыли от пьесы, примерно равную размеру их роли. Стиль театра был на пике с 1575 по 1650 год, но даже после этого времени были написаны и исполнены новые сценарии. Венецианский драматург Карло Гольдони написал несколько сценариев, начиная с 1734 года, но, считая этот жанр слишком вульгарным, он уточнил собственные темы, сделав их более сложными. Он также написал несколько пьес, основанных на реальных событиях, в которые включил персонажей комедии.
комедия дель арте разрешила профессиональным женщинам выступать на ранних этапах: Лукреция Ди Сиена, имя которой указано в актерском контракте с 10 октября 1564 года, было указано как первая итальянская актриса, известная по имени, с Винченца Армани и Барбара Фламиния как первые примадонны и первые хорошо задокументированные актрисы в Италии (и Европе).
Эскиз 1596 года, показывающий спектакль, проходящий на сцене удара из Лебедь, типичный елизаветинский открытый театр на крыше. Театр эпохи Возрождения нескольких религиозных фестивалей в Англии и других частях Европы в средние века. Другие источники включают «пьесы о морали » и «Университетскую драму», которые пытались воссоздать афинскую трагедию. Итальянская традиция комедии дель арте, а также тщательно продуманные маски, часто представляемые при дворе, также внесли свой вклад в формирование общественного театра.
Еще до правления Елизаветы I роты игроков были прикреплены к домам аристократов и сезонно выступали в различных местах. Они стали для профессиональных игроков, выступавших на елизаветинской сцене. Гастроли этих игроков постепенно вытеснили местных игроков в мистических и нравственных пьесах, а 1572 года устных оставшихся компаний, не имевших формального покровительства, назвав их бродягами.
. спектаклей, но его враждебность перекрывалась пристрастием королевы к пьесам и поддержке Тайного совета. Театры возникли в пригородах, особенно в районе Саутварк, доступном через Темзу для городских жителей, но неподконтрольному властям. Они утверждают, что их публичные выступления были всего лишь репетициями выступлений перед королевой, но, как минимум, первые были реальным доходом для профессиональных игроков.
Вместе с экономикой профессии к концу периода изменился характер драмы. "Елизавете драма представляет собой единое выражение с точки зрения социального класса": "Рассматривайте те же пьесы, что и простолюдины в общественных театрах". С развитием частных театров драма стала больше ориентироваться на вкусы и ценности аудитории высшего класса. К более позднему периоду правления Карла I для публичных театров было написано несколько новых пьес, которые опираются на накопленные произведения последних десятилетий.
Пуританин оппозиция сцена (на основе аргументов ранних отцов церкви, писавших критики против упаднических и жестоких римлян) утверждал не только, что сцена в целом была языческой, но и что любая пьеса, представляющая религиозную фигуру, была по своей сути идолопоклонник. В 1642 году, когда разразилась Гражданская война в Англии, пуританские власти запретили показ всех пьес в пределах Лондона. Широкая атака на якобы безнравственность театра сокрушила все, что осталось в Англии от драматической традиции.
Кальдерон де ла Барка, ключевая фигура театра испанского золотого века Во время его золотого века, примерно с 1590 по 1681 год, Испания увидела колоссальный рост производства живого театра, а также значение театра в испанском обществе. Это была доступная форма для всех участников эпохи Возрождения в Испании, которая одновременно сильно спонсировалась аристократическим классом и широко известными низшими классами. Объем и разнообразие испанских пьес Золотого века были беспрецедентными в истории мирового театра, превосходя, например, драматическую постановку английского Возрождения как минимум в четыре раза. Несмотря на то, что он подчеркивал количество, а не качество, большое количество из 10 000–30 000 пьес этого периода по-прежнему считается шедеврами.
Крупные художники этого периода были Лопе де Вега, современник Шекспира, часто и одновременно замечавший его параллели для испанской сцены, и Кальдерон де ла Барка, изобретатель зарзуэлы и Лопе. преемник выдающего испанского драматурга. Хиль Висенте, Лопе де Руэда и Хуан дель Энсина помогли заложить основы испанского театра в середине шестнадцатого века., а Франсиско де Рохас Соррилья и Тирсо де Молина внесли значительный вклад во вторую половину Золотого века. Среди важных исполнителей были Лопе де Руэда (ранее упоминавшийся среди драматургов) и позже.
Источники влияния на зарождающийся национальный театр Испании были столь же разнообразны, как и театр, созданный страной. Традиции рассказывания историй, берущие начало в итальянской комедии дель арте, уникальное испанское выражение развлечения историческое прошлое Европы, связанных с путешествиями менестрелей, оказавших популистское влияние на повествование и музыку, соответственно, раннего испанского языка. театр. С другой стороны, неоаристотелевская критика и литургические драмы внесли свой вклад в литературные и моралистические перспективы. В свою очередь, испанский театр Золотого века оказал огромное влияние на театр более поздних поколений в Европе и во всем мире. Испанская драма оказала немедленное и значительное влияние на современное развитие английского театра эпохи Возрождения. Он также оказал сильное влияние на театр во всем испаноязычном. Кроме того, переводится все больше произведений, расширяет охват испанского театра Золотого века и укрепляет его репутацию среди критиков и меценатов.
Выдающиеся драматурги:
Утонченность встречается с бурлеском в Реставрационная комедия. В этой сцене из фильма Джорджа Этериджа «Любовь в ванне» (1664) музыканты и благовоспитанные дамы окружают мужчину в ванне, потому что он потерял свои брюки.сценические представления были запрещены пуританским режимом в течение 18 лет, повторное открытие театров в 1660 году означало возрождение английской драмы. После реставрации монарха в 1660 году театр был восстановлен и вновь открыт. Английские комедии, написанные и исполненные в период Реставрации с 1660 по 1710 годы, собирательно называются «Реставрационной комедией». Комедия-реставрация известна своей сексуальной откровенностью, качеством, поощряемым лично Карлом II (1660–1685) и ракистами аристократами этос его двора. Впервые женщинам было разрешено действовать, что положило конец практике мальчика-игрока, который играл роль женщин. Социально разнообразная аудитория включала как аристократов, их слуг и прихлебателей, так и значительный сегмент среднего класса. Зрители реставрации любили видеть добрый триумф своих трагедий и восстановление законного правительства. В комедии им нравилось видеть любовную жизнь молодых и модных, когда центральная пара успешно завершала свои ухаживания (часто преодолевая сопротивление старших). Героини должны были быть целомудренными, но при этом независимыми и откровенными; теперь, когда в них играли женщины, драматург получил больше возможностей замаскировать их в мужскую одежду или избавить от изнасилования. Этих любителей пьес привлекали комедии с учетом актуальных моментов, многолюдных и шумных сюжетов, появления первых профессиональных актрис и появления первых знаменитостей. Не любителям театра эти комедии казались распущенными и подозрительными с моральной точки зрения, вызывающими восхищение выходками небольшого привилегированного и декадентского класса. Этот же класс доминировал в аудитории Театра Реставрации. В этот период появилась первая профессиональная женщина-драматург, Афра Бен.
. Как реакция на упадок постановок эпохи Карла II, сентиментальная комедия стала популярной. Этот жанр ориентирован на поощрение добродетельного поведения путем показа персонажей среднего класса, преодолевших серию моральных испытаний. Драматурги вроде Колли Сиббера и Ричарда Стила считали, что люди по своей природе хороши, но способны сбиться с пути. С помощью таких пьес, как Сознательные любовники и Последний сдвиг любви, они стремились апеллировать к благородным чувствам публики, чтобы зрители могли измениться.
Зрелищная Реставрация, или тщательно проработанная "машинная игра", поразила Лондон публичную сцену в конце 17-го века Реставрация период, очаровав публику с действием, музыкой, танцами, подвижными декорациями, иллюзионистской живописью в стиле барокко, великолепными костюмами и спецэффектами, такими как трюки с люком, " летающие »актеры и салюты. У этих шоу всегда была плохая репутация вульгарной и коммерческой угрозы остроумному, «законному» драма Реставрации ; однако они привлекли лондонцев в беспрецедентном количестве и оставили их в восторге и восторге.
В основном доморощенные и уходящие корнями в начало 17 века двор маскировка, хотя никогда не стеснялись заимствовать идеи и сценические технологии из французской оперы спектакли иногда называют «английской оперой». Однако их разнообразие настолько неопрятно, что большинство театральных историков вообще отчаялись определить их как жанр. Лишь немногие произведения этого периода обычно употребляются под термином «опера», поскольку музыкальное измерение большинства из них подчинено визуальному. Это были зрелище и декорации, которые привлекали толпы, о чем свидетельствуют многие комментарии в дневнике любителя театра Сэмюэля Пеписа. Расходы на постановку все более сложных сценических постановок вогнали две конкурирующие театральные компании в опасную спираль больших расходов и соответственно огромных убытков или прибыли. Такое фиаско, как Альбион Джона Драйдена и Альбаниус привело бы к серьезным долгам у компании, в то время как блокбастеры, такие как Томас Шедвелл Психея или Драйдена Король Артур надолго комфортно разместил бы его в черном.
Неоклассический театр XVIII века в Останкино, Москва Неоклассицизм был доминирующей формой театра в 18 веке. Он требовал приличия и неукоснительного следования классическим единствам. Неоклассический театр, как и период времени, отличается своей грандиозностью. Костюмы и декорации были сложными и продуманными. Для актерской игры характерны крупные жесты и мелодрама. Неоклассический охват эпохи Реставрации, Августа и Джонстина. В каком-то смысле неоклассическая эпоха напрямую следует за эпохой Возрождения.
Театры начала 18 века - сексуальные фарсы Реставрации были вытеснены политически сатирическими комедиями. Парламент 1737 года принял Закон о лицензировании сцены, ввел государственных цензуру публичных представлений и ограничил количество театров в Лондоне двумя.
Театр XIX века делится на две части: раннюю и позднюю. В ранний период преобладали мелодрама и романтизм.
. Начало с Франции, мелодрама стала самой популярной театральной формой. «Мизантропия и раскаяние» Августа фон Коцебу (1789 г.) часто первой мелодраматической пьесой. Пьесы Коцебу и Рене Шарль Гильбер де Пиксерекур установили мелодраму как доминирующую драматическую форму начала XIX века.
В Германии наблюдалась тенденция к историческому развитию. точность в костюмах и декораций, революция в театральной романуре и введение театральной немецкого формытизма. Подходящих тенденций философии 19 века и изобразительного искусства, немецкие писатели все больше увлекались своим тевтонским прошлым и испытывали раствалическое чувство национализма.. Пьесы Готтхольда Эфраима Лессинга, Иоганна Вольфганга фон Гете, Фридриха Шиллера и других драматургов «Буря и натиск» вдохновляли растущую веру в чувствах и инстинктах как руководящих принципов нравственного поведения.
Эдвард Булвер-Литтон.В Британии, Перси Биши Шелли и лорд Байрон были самыми известными драматургами своего времени (хотя пьесы Шелли были не исполнялись до конца века). В малых театрах самой большой популярностью пользовались бурлетта и мелодрама. Пьесы Коцебу были переведены на английский язык, и «Тайна» Томаса Холкрофта была первой из многих английских мелодрам. Пирс Иган, Дуг Уильям Джерролд, Эдвард Фицбол и Джон Болдуин Бакстон инициировали тенденцию к более современным и сельским историям, а не обычные исторические или фантастические мелодрамы. Джеймс Шеридан Ноулз и Эдвард Бульвер-Литтон создали «джентльменскую» драму, которая начала восстанавливать свой престиж театра с аристократией.
Поздний период XIX века увидел рост двух конфликтующих типов драмы : реализма и нереализма, таких как символизм и предшественники экспрессионизма.
. Реализм зародился раньше в 19 век в России, чем где-либо в Европе, принял более бескомпромиссную форму. Начиная с пьес Ивана Тургенева (который использовал «домашнюю деталь для раскрытия внутреннего смятения»), Александра Островского (первого профессионального драматурга в России), Алексея Писемского (чья Горькая судьба (1859) предвосхитила Натурализм ) и Лев Толстой (чей Сила тьмы (1886) «одна из самых эффектных натуралистических пьес»), традиция психологического реализма в России завершилась созданием МХАТ Константином Станиславским и Владимиром Немировичем- Данченко.
Самой известной театральной силой в Германии конца XIX века была сила Георга II, герцога Саксен-Майнингенского и его ансамбль Майнинген под руководством Людвиг Хронегк. Спектакли ансамбля часто наиболее исторически достоверными за период XIX века, хотя его основной целью было служить интересам драматурга. Ансамбль Майнинген стоит у истоков нового движения к единому производству (или того, что Рихард Вагнер назвал бы Gesamtkunstwerk ) и возвышения режиссера (в за счет актера ) как доминирующего артиста в театральном творчестве.
Театр Байройтского фестиваля Рихарда Вагнера. Натурализм, театральное движение, рожденное Книга Чарльза Дарвина Происхождение видов (1859) и современные политические и экономические условия нашла своего главного сторонника в Эмиле Золя. Реализации идей Золя препятствовало отсутствие способных драматургов, пишущих драму-натуралист. Андре Антуан появился в 1880-х годах со своим Театром Libre, который был открыт только для членов и, следовательно, не подвергался цензуре. Он быстро завоевал одобрение Золя и начал ставить натуралистические произведения и другие зарубежные реалистические пьесы.
В Великобритании мелодрамы, легкие комедии, оперы, Шекспира и классическая английская драма, викторианский бурлеск, пантомимы, переводы французских фарсов и, с 1860-х годов, французских оперетт, продолжали оставаться популярными. Настолько успешными были комические оперы Гилберта и Салливана, такие как H.M.S. Передник (1878) и Микадо (1885), что значительно расширило аудиторию музыкального театра. Это, вместе со значительно улучшенным уличным освещением и транспортом в Лондоне и Нью-Йорке, привело к позднему викторианскому и эдвардианскому буму театрального строительства в Вест-Энде и на Бродвее. Позже работы Генри Артура Джонса и Артура Винга Пинеро положили начало новому направлению на английской сцене.
Хенрик Ибсен Хотя их работа проложила путь, развитие более значительной драмы больше всего обязано драматургу Хенрику Ибсену. Ибсен родился в Норвегии в 1828 году. Он написал двадцать пять пьес, самые известные из которых: Кукольный дом (1879), Призраки (1881), Дикая утка (1884) и Хедда Габлер (1890). Кроме того, его работы Росмерсхольм (1886) и When We Dead Awaken (1899) вызывают ощущение таинственных сил, действующих в судьбе человека, что должно было стать главной темой символизм и так называемый «Театр абсурда ".
После Ибсена британский театр пережил возрождение благодаря работам Джорджа Бернарда Шоу, Оскара Уайльда, Джон Голсуорси, Уильям Батлер Йейтс и Харли Грэнвилл Баркер. В отличие от большинства мрачных и чрезвычайно серьезных работ их современников, Шоу и Уайлд писали в первую очередь в комической форме. Эдвардианские музыкальные комедии были чрезвычайно популярны, удовлетворяя вкусы среднего класса в гей-девяностых и удовлетворяя предпочтение публики к бегству от действительности развлечения во время Первой мировой войны.
В то время как театр XX века продолжил и расширил проекты реализма и Натурализм, был также большая часть экспериментального театра, отвергающая эти условности. Эти эксперименты являются частью модернистского и постмодернистского движений и включали формы политического театра, а также более эстетически ориентированные работы. Примеры включают: Эпический театр, Театр жестокости и так называемый «Театр абсурда ».
Термин театральный деятель стал использоваться для обозначения человека, который одновременно создает театральные спектакли и создает теоретические дискурс, информирующий об их практической работе. Театр может быть режиссером, драматургом, актером или, что характерно, часто сочетанием этих традиционно отдельных ролей. «Театральная практика» описывает коллективную работу, которую выполняют различные театральные деятели. Он используется для описания театральной практики от развития Константином Станиславским его «системы » до Всеволода Мейерхольда биомеханика, эпос Бертольда Брехта и театр Ежи Гротовского бедняк, вплоть до наших дней, с современные театральные деятели, включая Аугусто Боала с его Театром угнетенных, Дарио Фо, Эухенио Барба и Точки зрения Анны Богарт .
Другие ключевые фигуры театра 20 века: Антонен Арто, Август Стриндберг, Антон Чехов, Фрэнк Ведекинд, Морис Метерлинк, Федерико Гарсия Лорка, Юджин О'Нил, Луиджи Пиранделло, Джордж Бернард Шоу, Гертруда Стайн, Эрнст Толлер, Владимир Маяковский, Артур Миллер, Теннесси Уильямс, Жан Жене, Эжен Ионеско, Сэмюэл Беккет t, Гарольд Пинтер, Фридрих Дюрренматт, Хайнер Мюллер и Кэрил Черчилль.
Ряд эстетики движения продолжились или возникли в 20 веке, в том числе:
После большой популярности британских эдвардианских музыкальных комедий, американский музыкальный театр стал доминировать на музыкальной сцене, начиная с Princess Theatre мюзиклы, за которыми следуют произведения братьев Гершвин, Коул Портер, Джером Керн, Роджерс и Харт, а позже Роджерс и Хаммерштейн.
На протяжении большей части истории английская художественная литература и театр были разделены, но эти две формы искусства неразрывно связаны. взаимосвязаны. Однако, если они не научатся работать рука об руку, это может нанести ущерб этому виду искусства. Проза английской литературы и рассказы в ней должны быть исполнены, и театр обладает такой способностью. С самого начала американский театр был уникальным и разнообразным, отражая общество какАмерика, преследующая свою национальную идентичность. Самой первой пьесой, поставленной в 1752 году в Вильямсбурге, штат Вирджиния, была «Венецианская купец» Шекспира . Из-за сильного христианского общества театр был запрещен с 1774 по 1789 год. Этот общественный стандарт был обусловлен тем, что Библия была священной, а любые другие развлечения (развлечения) рассматривались как неуместные, легкомысленные. (без цели) и чувственный (доставляющий удовольствие). Во время запрета театр часто скрывался, называя себя моральными лекциями. Театр взял короткую паузу из-за революционной войны, но быстро возобновился после окончания войны в 1781 году. Театр начал распространяться на запад, и часто в городах были театры до того, как появились тротуары или канализация.. Вначале существовало несколько ведущих профессиональных театральных трупп, но одна из самых влиятельных была в Филадельфии (1794–1815); однако у труппы были шаткие корни из-за запрета на театр.
По мере расширения страны театр; после войны 1812 театр двинулся на запад. Многие из новых театров принадлежали сообществу, но в Новом Орлеане в 1791 году французы основали профессиональный театр. Несколько трупп разошлись и создали театр в Цинциннати, Огайо. Первый официальный западный театр появился в 1815 году, когда Сэмюэл Дрейк (1769–1854) провел свою профессиональную театральную труппу из Олбани в Питтсбург до реки Огайо и Кентукки. Вместе с этим маршрутом он иногда возил труппу в Лексингтон, Луисвилл и Франкфорт. Иногда он приводил труппу в Огайо, Индиана, Теннесси и Миссури. В то время как были труппы кольцевой верховой езды, более постоянные театральные сообщества на западе часто располагались на реках, чтобы было легко добраться на лодке. В то время очень мало театров находилось над рекой Огайо, и фактически Чикаго не имел постоянного театра до 1833 года. Из-за неспокойных времен в Америке и экономического кризиса. из-за войн театр в самое разветвленное время пережил банкротство и смену руководства. Также самый ранний американский театр имел большое европейское влияние, потому что многие из актеров были англичанами, и обученными. Между 1800 и 1850 годами неоклассическая философия почти полностью исчезла из-за романтизма, который оказал большое влияние 19-го века американского театра, боготворившего «благородного дикаря. " Благодаря новым психологическим открытиям и приемам актерского мастерства романтизм в конечном итоге породил реализм. Эта тенденция к реализму возникла между 1870 и 1895 годами.
В эту эпоху театра нравственный герой смещается в сторону современного человека, который является продуктом своего окружения. Этот серьезный сдвиг частично связан с гражданской войной, потому что Америка теперь была залита собственной кровью, потеряв невиновность.
В этот период театра, Голливуд возник и угрожал американскому театру. Однако театр в это время не пришел в упадок, а был известен во всем мире.
Самое раннее записанное квазитеатральное событие датируется 2000 годом до н.э. с «пьесами о страсти » Древнего Египта. История бога Осириса ежегодно разыгрывалась на фестивалях по всей цивилизации.
Современный театр в Гана возникла в начале 20 века. Впервые он появился как литературный комментарий о колонизации Африки Европой. Среди самых ранних работ, в которых это можно увидеть, это «Мигалки», написанные Кобиной Секи в 1915 году. «Мигалки» - это откровенная сатира на африканцев, которые приняли европейскую культуру, которая была им принесена. В нем Секии унижает три группы людей: любого европейца, любого, кто подражает европейцам, и богатого африканского фермера какао. Однако это внезапное восстание было лишь первой искрой в литературном театре Ганы.
Пьеса, имеющая сходство сатирической точки зрения, - Anowa. Написанный ганским автором Амой Ата Айдоо, он начинается с того, что одноименная героиня Анова отвергает предложения руки и сердца своих многочисленных женихов. Она настаивает на том, чтобы самостоятельно решать, за кого она выйдет замуж. В пьесе подчеркивается необходимость гендерного равенства и уважения к женщинам. Этот идеал независимости, а также равенства ведет Anowa по извилистому пути счастья и несчастья. Анова выбирает себе мужчину, чтобы выйти замуж. Анова поддерживает своего мужа Кофи как физически, так и эмоционально. Благодаря ее поддержке Кофи преуспевает в богатстве, но становится бедным как духовное существо. Накопив богатство, Кофи теряет в нем себя. Его когда-то счастливый брак с Ановой меняется, когда он начинает нанимать рабов вместо того, чтобы выполнять какую-либо работу сам. Для Ановы это не имеет смысла, потому что это делает Кофи не лучше европейских колонистов, которых она ненавидит за то, как, по ее мнению, они использовали людей Африки. Их брак бездетный, что, как предполагается, было вызвано ритуалом, который Кофи совершил, променяв свое мужское достоинство на богатство. Наблюдение Ановой за нажитое рабами богатство и неспособность Кофи иметь ребенка приводит к ее самоубийству. Имя Anowa означает «Высшая моральная сила», в то время как имя Kofi означает только «Рожденный в пятницу». Это различие даже в основе их имен, кажется, подразумевает моральное превосходство женщин в обществе, управляемом мужчинами.
Другая значимая пьеса - «Женитьба Анансевы», написанная в 1975 году Эфуа Сазерленд. Вся пьеса основана на устной традиции акан, называемой Анансем (народные сказки). Главный герой спектакля - Ананс (паук). Качества Анансе - одна из самых распространенных частей пьесы. Анансе хитер, эгоистичен, прекрасно понимает человеческую и животную природу, амбициозен, красноречив и изобретателен. Вкладывая слишком много себя во все, что он делает, Ананс разрушает все свои планы и становится бедным. Анансе используется в пьесе как некий обыватель. Он написан в преувеличенном смысле, чтобы форсировать процесс самоанализа. Ananse используется как способ зажечь разговор о переменах в обществе любого читающего. Пьеса повествует о том, как Ананс пытается выдать свою дочь Анансеву замуж за любого из избранных богатых вождей или другого богатого жениха одновременно, чтобы собрать деньги. В конце концов, все женихи приходят к нему домой сразу, и ему приходится использовать всю свою хитрость, чтобы разрядить обстановку. Рассказчик не только рассказывает, но и разыгрывает, реагирует и комментирует действие сказки. Наряду с этим используется Mbuguous, Mbuguous - это название очень специализированной секты ганской театральной техники, которая допускает участие публики. Самыми интересными в этой сказке являются песни, которые приукрашивают рассказ или комментируют его. Спонтанность с помощью этой техники, а также импровизация используются достаточно, чтобы соответствовать любым стандартам современного театра.
В своем новаторском исследовании театра йоруба Джоэл Адедеджи проследил его истоки к маскараду из Эгунгун («культ предка»). Традиционная церемония завершается самой сутью маскарада, когда считается, что предки возвращаются в мир живых, чтобы навестить своих потомков. Помимо своего ритуального происхождения, театр йоруба может быть «прослежен до« театрогенной »природы ряда божеств из пантеона йоруба, таких как Обатала арха божества, Огун божественность творчества, а также Железо и технологии, и Санго божественность бури ", чье почтение пронизано" драматизмом и театром и символической общей значимостью с точки зрения его относительной интерпретации. "
Аларинджо театральная традиция возникла из маскарада Эгунгун в 16 веке. Aláàrìnjó был труппой путешествующих исполнителей, чьи замаскированные формы создавали атмосферу таинственности. Они создали короткие сатирические сцены, в которых использовался ряд устоявшихся стереотипных персонажей. В их выступлениях использовались пантомима, музыка и акробатика. Традиция Аларинджо повлияла на популярный передвижной театр, который был наиболее распространенной и высокоразвитой формой театра в Нигерии с 1950-х по 1980-е годы. В 1990-х годах популярный передвижной театр перешел на телевидение и в кино и теперь дает живые выступления лишь изредка.
«Тотальный театр» также появился в Нигерии в 1950-х годах. В нем использовались ненатуралистические техники, сюрреалистические физические образы и проявлялось гибкое использование языка. Драматурги середины 1970-х годов использовали некоторые из этих приемов, но формулировали их с «радикальным пониманием проблем общества».
Традиционные способы представления сильно повлияли на главных фигур современного нигерийского театра. Работа Хьюберта Огунде (иногда называемого «отцом современного йорубанского театра») основана на традиции Аларинджо и маскарадах Эгунгун. Воле Сойинка, который «широко известен как Величайший из ныне живущих драматургов Африки », придает божеству Огун сложное метафизическое значение в своем творчестве. В своем эссе «Четвертая стадия» (1973) Сойинка противопоставляет драму йоруба классической афинской драме, относясь как к анализу последней, сделанному немецким философом 19 века Фридрихом Ницше в Рождение трагедии (1872). Он утверждает, что Огун представляет собой «совокупность дионисийских, аполлонических и прометеев добродетелей».
Среди сторонников передвижного театра в Нигерии - Дуро Ладипо и Моисей Олайя (популярный комический акт). Эти мастера внесли большой вклад в развитие африканского театра в период смешения и экспериментирования местного и западного театра.
История афроамериканского театра имеет двоякое происхождение. Первый основан на местном театре, где афроамериканцы выступали в хижинах и парках. Их выступления (народные сказки, песни, музыка и танцы) уходят корнями в африканскую культуру, прежде чем на них повлияла американская среда. African Grove Theater был первым афроамериканским театром, основанным в 1821 году Уильямом Генри Брауном ISBN 0521465850
Мани Дамодара Чакьяр как король Удаяна в Свапнавасавадаттам Бхасы Кудияттам - единственный сохранившийся древний санскритский театр.Самой ранней формой индийского театра был санскритский театр. Он возник где-то между 15-м веком до нашей эры и 1-м веком и процветал между 1-м и 10-м веками, что было периодом относительного мира в истории Индии, когда были написаны сотни пьес. Ведические тексты, такие как Ригведа, содержат свидетельства того, что драматические пьесы разыгрывались во время церемоний Яджны. Диалоги, упомянутые в текстах, варьируются от монолога одного человека до диалога трех человек, например, диалог между Индрой, Индрани и Вришакапи. Диалоги являются не только религиозными по своему контексту, но также и светскими, например, один ригведический монолог рассказывает об игроке, жизнь которого разрушена из-за этого и который разлучил свою жену, а родители также ненавидят его. Панини в V веке до нашей эры упоминает драматический текст Натасутра, написанный двумя индийскими драматургами Шилалиным и Кришашвой. Патанджали также упоминает названия утраченных пьес, таких как кемсавадха и Балибандха. Пещеры Ситабенга, относящиеся к III веку до нашей эры, и пещеры Кхандагири со II века до нашей эры - самые ранние образцы театральной архитектуры в Индии. С исламскими завоеваниями, начавшимися в 10-м и 11-м веках, театр не поощрялся или был полностью запрещен. Позже, в попытке вновь утвердить ценности и идеи коренных народов, на всем субконтиненте поощрялся деревенский театр, который развивался на большом количестве региональных языков с 15 по 19 века. Современный индийский театр развивался в период колониального господства при Британской империи, с середины XIX века до середины XX века.
Наиболее ранние из сохранившихся фрагментов санскритской драмы датируются I веком. Обилие археологических свидетельств более ранних периодов не указывает на существование театральной традиции. Веды (самая ранняя индийская литература, датируемая 1500–600 гг. До н.э.) не содержат намека на это; хотя небольшое количество гимнов составлено в форме диалогов ), ритуалы ведического периода, похоже, не превратились в театр. Махабхашья от Патанджали содержит самое раннее упоминание о том, что могло быть семенами санскритской драмы. Этот трактат по грамматике 140 г. до н.э. дает возможную дату начала театра в Индии.
. Однако, хотя до этой даты не сохранились фрагменты какой-либо драмы, возможно, что Ранняя буддийская литература является самым ранним свидетельством существования индийского театра. Пали сутты (датируемые 5–3 веками до нашей эры) относятся к существованию трупп актеров (во главе с главным актером), которые разыгрывали драмы на сцене. Указывается, что эти драмы включали танец, но были указаны как отдельная форма исполнения, наряду с танцами, пением и декламацией рассказов. (Согласно более поздним буддийским текстам, король Бимбисара, современник Гаутамы Будды, поставил драму для другого царя. Это было уже в V веке до н.э., но событие описывается только в гораздо более поздних текстах, начиная с III-IV веков нашей эры.)
Основным источником свидетельств санскритского театра является Трактат о театре (Nātyaśāstra), сборник, датируемый состав неизвестен (оценки варьируются от 200 г. до н.э. до 200 г. н.э.), а авторство приписывается Бхарате Муни. «Трактат» - наиболее полное драматургическое произведение античного мира. В немISBN 0-415-11894-8.
 | На Викискладе есть материалы, связанные с Историей театра. |
 | В Викиучебнике есть книга на тему: История западного театра: От греков до елизаветинцев |
| В Викиучебнике есть книга о топи c of: История западного театра: с 17 века до наших дней |
