Войти
Создание Адам ; Микеланджело ; 1508–1512; фреска; 480,1 × 230,1 см (15,7 × 7,5 футов); Сикстинская капелла (Ватикан )История искусства фокусируется на объектах, созданных людьми в визуальной форме для эстетических целей. Визуальный искусство может быть классифицировано различными способами, такими как отделение изобразительного искусства от прикладного искусства ; сосредоточение внимания на человеческом творчестве; или сосредоточение внимания на различных средствах массовой информации, таких как как архитектура, скульптура, живопись, пленка, фотография и графика. В последние годы технический прогресс привел к появлению видео искусства, компьютерного искусства, перформанса, анимации, телевидения и видеоигры.
История искусства часто описывается как хронология шедевров, созданных во время каждой цивилизации. Таким образом, это может быть оформлено как история высокая культура, олицетворенная чудесами света. С другой стороны, просторечие художественные выражения также могут быть интегрированы в художественно-исторические повествования, именуемые народным искусством или ремеслом. Чем ближе историк искусства занимается этими последними формами низкой культуры, тем более вероятно, что они будут идентифицировать свою работу как исследование визуальной культуры или материальной культуры, или как вклад в области, связанные с историей искусства, такие как антропология или археология. В последних случаях предметы искусства могут упоминаться как археологические артефакты.
Этот Homo панцирь erectus с геометрическими насечками был объявлен первым известным произведением искусства; около 500000 лет назад; От Тринил (Ява ); Центр биоразнообразия Naturalis (Нидерланды )
Резьба лошади со следами охры росписи; 40,000–18,500 лет назад; из пещеры Хаоним, Левантийский ориньяк ; Музей Израиля (Иерусалим ). Это может быть одним из самых ранних известных проявлений человеческого искусства вместе с произведениями охры из пещеры Бломбос в Южной Африке до излияния париетального искусства в Европе. Гравированные раковины, созданные Homo erectus датировкой были обнаружены еще 500000 лет назад, хотя эксперты расходятся во мнениях относительно того, можно ли эти гравюры должным образом классифицировать как «искусство». Был сделан ряд заявлений о неандертальском искусстве, украшениях и структурах, датируемых приблизительно от 130 000 до настоящего времени и предполагая, что неандертальцы могли быть способны символически мыслить, но ни одно из этих утверждений не является широко принятым.
Древнейшие s Настоящее человеческое искусство, которое было обнаружено, относится к позднему каменному веку во время верхнего палеолита, возможно, около 70000 г. до н.э., но с уверенностью около 40000 г. до н.э., когда были созданы первые творческие работы из ракушек, камня и краски. Автор Homo sapiens, используя символическую мысль. В верхнем палеолите (50 000–10 000 до н.э.) люди практиковали охоту и собирательство и жили в пещерах, где была разработана наскальная живопись. В период неолита (10 000–3 000 до н.э.) началось производство изделий ручной работы.
Появление творческих способностей в этих ранних обществах является примером эволюционного избирательного преимущества творческих личностей. Поскольку выживание не зависит от производства произведений искусства, люди, занимающиеся производством произведений искусства, продемонстрировали свою свободу действий по отношению к окружающей среде, поскольку у них было свободное время для творчества, как только их основные обязанности, такие как охота и собирательство, были выполнены. Эти предварительные художники были редкими и «очень одаренными» в своих общинах. Они указали на прогресс в познании и понимании символизма.
Однако самые ранние человеческие артефакты, свидетельствующие о мастерстве с художественной целью, являются предметом некоторых споров. Понятно, что такое мастерство существовало 40 000 лет назад в эпоху верхнего палеолита, хотя вполне возможно, что оно началось раньше.
Художественные проявления верхнего палеолита достигли своего пика в магдалине период (± 15 000–8 000 до н.э.). Этот всплеск творческих излияний известен как «Верхнепалеолитическая революция» или «Творческий взрыв». Сохранившееся искусство этого периода включает резные фигурки на камне или кости и наскальную живопись. Первые следы рукотворных объектов появились на юге Африки, Центральной и Восточной Европы (Адриатическое море ), <2080 г.>Сибирь (озеро Байкал ), Индия и Австралия. Эти первые следы обычно представляют собой обработанные каменные (кремень, обсидиан ), деревянные или костяные инструменты. Для краски в красный использовался оксид железа. Цвет, узор и визуальное сходство были составляющими палеолитического искусства. Используемые узоры включали зигзаг, крест-накрест и параллельные линии.
Наскальные рисунки были найдены в франко-кантабрийском регионе. Есть изображения, которые являются абстрактными, а также изображения, которые являются натуралистичными. Наскальные рисунки символически представляли деятельность, для которой требовались образованные участники - они использовались в качестве обучающих инструментов и демонстрируют возросшую потребность в общении и специальных навыках у первых людей. Животных изображали в пещерах Альтамира, Trois Frères, Chauvet и Lascaux. Скульптура представлена так называемыми фигурками Венеры, женскими фигурами, которые, возможно, использовались в культах плодородия, таких как Венера Виллендорфская. Существует теория, что эти фигурки могли быть сделаны женщинами как выражение собственного тела. Другими репрезентативными произведениями этого периода являются «Человек из Брно и Венера из Брассемпуи.
Функция палеолитического искусства была магической, использовалась в ритуалах. Художники палеолита были особыми людьми, уважаемыми в обществе, потому что их произведения искусства были связаны с религиозными верованиями. Таким образом, артефакты были символами определенных божеств или духов.
Возможно, это «самый древний известный рисунок, сделанный руками человека», обнаруженный в пещере Бломбос в Южной Африке. Возраст около 73 000 лет.
Человек-лев или фигурка Löwenmensch; c. 35 000-40 000 лет до н.э. (ориньяк - верхний палеолит ); бивень мамонта; Музей Ульма (Германия)
Фогельхерд лошадь; c. 34 000–31 000 лет до нашей эры; бивень мамонта; длина: 5 см; Протоистория исредневековая археология, Тюбингенский университет (Германия)
Наскальные рисунки из пещер Ласко (Монтиньяк, Дордонь, Франция)
Венера Виллендорфская ; c. 26000 г. до н.э. (граветтианский период ); известняк с охристой окраской; Музей естествознания (Вена, Австрия)
Венера из Дольни Вестонице ; c. 26000 г. до н.э.; обожженная глина; высота: 11,5 см; Моравский музей (Брно, Чехия )
Венера Брассемпуская ; ок. 23000 до н.э.; бивень мамонта; высота: 3,5 см; Национальный археологический музей Музей Франции (Сен-Жермен-ан-Ле, Франция)
Укус насекомого, облизывающего бизон ; 15000–13000 до н.э.; рог ; Национальный музей Предыстория (Ле-Эзи-де-Тайак-Сирей, Франция)
Любители Айн-Сахри ; около 9000 г. до н.э. (конец Эпипалеолит Ближний Восток <1767 г.>); кальцит ; высота: 10,2 см, ширина: 6,3 см; из Айн-Сахри (около Вифлеема, Израиль ); Британский музей (Лондон) В археологии Старого Света мезолит (греч. : μέσος, mesos «средний»; λίθος, lithos «камень») - это период между верхним палеолитом и неолит. Термин эпипалеолит часто используется как синоним, особенно за пределами северной Европы, и для соответствующего p эриод в Леванте и Кавказе. Мезолит имеет разные временные рамки в разных частях Евразии. Он относится к последнему периоду культур охотников-собирателей в Европе и Западной Азии, между концом Последнего ледникового максимума и неолитической революцией. В Европе он охватывает примерно от 15 000 до 5 000 лет до нашей эры, в Юго-Западной Азии (Эпипалеолит Ближний Восток ) примерно от 20 000 до 8 000 лет до нашей эры. Этот термин реже используется в районах дальше на восток, а не за пределами Евразии и Северной Африки.
Период неолита начался около 10 000 лет до нашей эры. Это - датируемое эпохами мезолита и неолита - содержало небольшие схематические изображения человеческих фигур с яркими примерами в Эль Когуле, Валлторте, Альпере и Минатеде.
Неолитическая живопись похожа на картины, найденные в северной Африке (Атлас, Сахара) и в районе современного Зимбабве. Неолитическая живопись часто схематична, выполнена базовыми мазками (мужчины в виде креста и женщины в форме треугольника ). Есть также наскальные рисунки в реке Пинтурас в Аргентине, особенно в Куэва-де-лас-Манос. В переносном искусстве был создан стиль под названием Кардиумная керамика, украшенный оттисками ракушек. В искусстве использовались новые материалы, такие как янтарь, кристалл и яшма. В этот период появились первые следы городского планирования, такие как останки в Телль ас-Султан (Иерихон ), Ярмо (Ирак ) и Чатал-Хойюк (Анатолия ). В Юго-Восточной Европе появилось много культур, таких как Кукутенско-Трипольская культура (из Румынии, Республика Молдова и Украина ) и культура Хамангии (из Румынии и Болгарии ). Другими регионами со многими культурами являются Китай, наиболее известными из которых являются культура Яншао и культура Луншань ; и Египет с культурами Бадариан, Накада I, II и III.
Обычными материалами неолитических скульптур из Анатолии являются слоновая кость, камень, глина и кость. Многие из них антропоморфны, особенно женщины, зооморфные встречаются редко. Женские фигурки бывают и толстыми, и стройными. И зооморфные, и антропоморфные резные фигурки были обнаружены в Сибири, Афганистане, Пакистане и Китае.
Урфа Ман ; из современной Турции ; c. 9000 г. до н.э.; песчаник ; высота: 1,8 м; Музей археологии и мозаики Шанлыурфа (Урфа, Турция)
Фрагмент чаши; культура халаф из Месопотамии ; 5600-5000 гг. До н.э.; цермаик; 8,2 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Шаровидная банка; по культура Димини из Греции; 5300-4800 гг. До н.э.; керамический; высота: 25 см (9 ⁄ 4 дюйма), диаметр по ободу: 12 см (4 ⁄ 4 дюйма); Национальный археологический музей (Афины )
Мыслитель; по культуре Хамангии из Румынии; ок. 5000 г. до н. Э.; терракота; высота: 11,5 см (4 ⁄ 2 in.); Национальный музей истории Румынии ( Бухарест )
Женская фигура; от культуры Винча из Сербии ; 4500- 3500 г. до н.э.; обожженная глина с краской; общий размер: 16,1 см; Кливлендский художественный музей (Огайо, США)
Фигурка бородатого мужчины; автор Накада I. культура из Египта; 3800-3500 до н.э.; брекчия ; из Верхнего Египта ; Musée des Confluences (Лион, Франция)
сосуд «пламенный»; из периода Дзёмон Японии; ок. 2750 г. до н.э.; фаянсовая посуда с резным и декоративным орнаментом; высота: 61 см, диаметр: 55,8 см; Музей Кливленда of Art (Огайо, США)
Точечный керамический горшок, полугорный тип; по культуре Яншао из Китая; 2700–2300 до н.э.; Ганьсу Губернский музей (Ланьчжоу ; Китай)
Солнечная колесница Трундхольма ; c. 1400 г. до н.э.; бронза; высота: 35 см (14 дюймов), ширина: 54 см (21 дюйм); Национальный музей Дании (Копенгаген )Последняя доисторическая фаза - это Металлический век (или трехвековая система ), в течение которого использовалась медь, бронза и железо преобразовали древние общества. Когда люди могли плавить и выковывать металл, металлические орудия можно было использовать для изготовления новых инструментов, оружия и предметов искусства.
В энеолите (медный век) возникли мегалиты. Примеры включают дольмен, менгир и английский кромлех, как видно из комплексов Ньюгрейндж и Стоунхендж. В Испании культура Лос-Милларес, которая характеризовалась была сформирована культура кубков. На Мальте, храмовые комплексы состоят из Чагар Ким, Мнайдра, Были построены Tarxien и gantija. На Балеарских островах были развиты известные мегалитические культуры с разными виды памятников: навета, гробница в виде усеченной пирамиды, с удлиненной погребальной камерой; таула, два больших камня, один поставленный вертикально, а другой горизонтально друг над другом; и талайот, башня с закрытой камерой и ложным куполом.
В железном веке культуры Гальштата (Австрия ) и Ла-Тен (Швейцария ) возникли в Европе. Первый был разработан между 7-м и 5-м веками до н.э., был отмечен некрополем с курганными гробницами и деревянной погребальной камерой в виде дома, часто сопровождаемого четырехколесной повозкой. Керамика была полихромной, с геометрическими украшениями и аппликациями металлических орнаментов. Ла-Тен был основан между V и IV веками до нашей эры и более известен как раннее кельтское искусство. Он произвел много железных предметов, таких как мечи и копья, которые не дожили до 2000-х годов из-за ржавчины.
Бронзовый век относится к периоду, когда бронза была лучшим доступным материалом. Из бронзы были изготовлены богато украшенные щиты, фибулы и другие предметы с разными этапами развития стиля. На оформление оказали влияние греческое, этрусское и скифское искусство.
Статуя Гудеа I, посвященная богу Нингишзида ; 2120 г. до н.э. (неошумерский период); диорит ; высота: 46 см, ширина: 33 см, глубина: 22,5 см; Лувр В первый период письменной истории искусство совпало с письмом. Возникли великие цивилизации Ближнего Востока : Египет и Месопотамия. Во всем мире в этот период у крупных рек появились первые крупные города: Нил, Тигр и Евфрат, Инд и Желтая река.
Одним из величайших достижений этого периода было письмо, которое возникло из традиции общения с помощью изображений. Первой формой письма были символы Цзяху из неолитического Китая, но первым настоящим письмом было клинопись, появившееся в Месопотамии c. 3500 г. до н.э., написано на глиняных табличках. Он был основан на пиктографических и идеографических элементах, тогда как позже шумеры разработали слоги для письма, отражающие фонологию и синтаксис шумерского языка . В Египте иероглифическое письмо было развито также с использованием изображений, появляющихся в искусстве, таких как палитра Нармера (3100 г. до н.э.). Цивилизация долины Инда лепила печати с короткими текстами и украшала изображения животных и людей. Между тем, ольмеки вылепили колоссальные головы, а другие скульптуры украсили своими иероглифами. В те времена письменность была доступна только избранным.
Месопотамское искусство было развито на территории между Тигром и Евфратом реками в современной Сирии и Ираке, где с 4-го тысячелетия До н.э. существовало много разных культур, таких как шумер, аккад, аморит и халдей. Месопотамская архитектура характеризовалась использованием кирпича, перемычек и мозаики конуса. Яркими примерами являются зиккураты, большие храмы в виде ступенчатых пирамид. Гробница представляла собой камеру, покрытую ложным куполом , как в некоторых примерах, найденных в Уре. Были также дворцы, обнесенные стеной с террасой в виде зиккурата, где сады были важной особенностью. Висячие сады Вавилона были одним из семи чудес древнего мира.
Рельефная скульптура была разработана из дерева и камня. Скульптура изображала религиозные, военные и охотничьи сцены, включая фигуры людей и животных. В шумерский период были изготовлены небольшие статуи людей. Эти статуи имели угловую форму и были изготовлены из цветного камня. У фигур обычно была лысина со сложенными на груди руками. В аккадский период статуи изображали фигуры с длинными волосами и бородой, такие как стела из Нарам-Сина. В период амореев (или неосумериец ) статуи представляли королей из Гудеа из Лагаша, в мантии и чалмах на головах, и руки на груди. Во время вавилонского правления, стела Хаммурапи имела важное значение, поскольку на ней изображался великий царь Хаммурапи над письменной копией введенных им законов. Ассирийская скульптура примечательна своим антропоморфизмом крупного рогатого скота и крылатым джинном, который изображен летящим на многих рельефах, изображающих сцены войны и охоты, например, в Черный обелиск из Салманасер III.
Стоящий прихожанин, одна из двенадцати статуй в кладе Телль Асмар ; 2900-2600 гг. До н.э.; гипсовый алебастр, ракушечник, черный известняк и битум; 29,5 × 12,9 × 10 см; Метрополитен-музей
Шумерские статуи прихожан (мужчин и женщин); 2800-2400 гг. До н.э. (раннединастический период ); Национальный музей Ирака (Багдад )
Орнамент в виде головы быка из лиры; 2600-2350 гг. До н.э.; бронза, инкрустированная ракушкой и лазуритом ; высота: 13,3 см, ширина : 10,5 см; Метрополитен-музей
A Баран в зарослях ; 2600–2400 гг. До н.э.; золото, медь, ракушечник, лазурит и известняк ; высота: 45,7 см (1 фут 6 дюймов); Британский музей (Лондон)
Штандарт Ура ; 1600–1400 до н.э. (раннединастический период III); ракушка, красный известняк и лазурит на дереве; высота: 21,7 см, длина: 50,4 см; обнаружен на Королевском кладбище в Уре (провинция Ди-Кар, Ирак); Британский музей
1298>Статуя Эбих-Ила ; ок. 2400 до н.э.; гипс, сланец, ракушки и лазурит; высота: 52,5 см; Лувр ( Париж)
Печать Хаш-хамера, изображающая восседающего на троне царя Ур-Намму, с современным оттиском; около 2100 г. до н.э.; зеленый камень; высота: 5,3 см; Британский музей (Лондон)
ассирийский рельеф с крылатым джинном с ведром и конусом ; 713-706 гг. До н.э.; высота: 3,3 м, ширина: 2,1 м; Лувр
Одна из первых великих цивилизаций возникла в Египте, у которой были сложные и сложные произведения искусства, созданные профессиональными художниками и мастерами. Искусство Египта было религиозным и символическим. Учитывая, что культура имела высокоцентрализованную структуру власти и иерархию, большое количество произведений искусства было создано в честь фараона, включая великие памятники. Египетское искусство и культура подчеркивали религиозную концепцию бессмертия. Позднее египетское искусство включает коптское и византийское искусство.
архитектура характеризуется монументальными сооружениями, построенными из больших каменных блоков, перемычек и массивных колонн. Погребальные памятники: мастабы, гробницы прямоугольной формы; пирамиды, которые включали ступенчатые пирамиды (Saqqarah ) или пирамиды с гладкими сторонами (Гиза ); и гипогей, подземные гробницы (Долина царей ). Другими великими постройками были храм, который, как правило, представлял собой монументальные комплексы, которым предшествовала аллея сфинксов и обелисков. В храмах использовались пилоны и трапециевидные стены с гипаэтросом и гипостильными залами и святынями. Храмы Карнака, Луксора, Филы и Эдфу являются хорошими примерами. Другой тип храма - каменный храм в форме гипогея, найденный в Абу-Симбел и Дейр-эль-Бахари.
Живопись в египетскую эпоху использовали сопоставление перекрывающихся плоскостей. Изображения были представлены иерархически, то есть фараон крупнее обычных предметов или врагов, изображенных рядом с ним. Египтяне рисовали контур головы и конечностей в профиль, а туловище, руки и глаза - спереди. Прикладное искусство было развито в Египте, в частности изделия из дерева и работы по металлу. Есть превосходные примеры, такие как кедр мебель , инкрустированная с черным деревом и слоновой костью, которые можно увидеть в гробницах на египетской Музей. Другие примеры включают предметы, найденные в гробнице Тутанхамона, которые имеют большую художественную ценность.
Сидящий писец ; 2613–2494 гг. До н. Э.; известняк крашеный и инкрустированный кварцем ; высота: 53,7 см; Лувр
Стела принцессы Нефертиабет ест; 2589–2566 гг. До н. Э.; известняк и краска; высота: 37,7 см, длина: 52,5 см, глубина: 8,3 см; из Гизы ; Лувр (Париж)
Пектораль и ожерелье принцессы Ситаториунет ; 1887–1813 гг. До н.э.; золото, сердолик, лазурит, бирюза, гранат полевой шпат ; высота грудной клетки: 4,5 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Ушебти из Аменхотеп II ; 1427–1400 гг. До н. Э.; змеевик ; 29 × 9 × 0,65 см, 1,4 кг; Британский музей (Лондон)
Игровая доска с надписью Amenhotep III с отдельным выдвижным ящиком; 1390–1353 гг. До н. Э.; глазированный фаянс; 5,5 × 7,7 × 21 см; Бруклинский музей (Нью-Йорк)
Статуэтка дамы Тийе ; 1390-1349 гг. До н.э.; дерево, сердолик, золото, стекло, египетский синий и краска; высота: 24 см; Метрополитен-музей
Маска Тутанхамона ; c.1327 г. до н.э.; золото, стекло и полудрагоценные камни; высота: 54 см; Египетский музей (Каир )
Рельеф царской семьи: Эхнатон, Нефертити и три дочери; 1352–1336 до н.э.; окрашенный известняк ; 25 × 20 см; Египетский музей Берлина (Германия)
Бюст Нефертити ; 1352–1332 гг. до н.э.; расписанный известняк ; высота: 50 см; Новый музей (Берлин)
Вход в Великий храм из храмов Абу-Симбела, основанных около 1264 года.
Стела Пепи, главный гончар; 8 век до н.э.; расписной известняк; Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия)
Иллюстрация различные типы капителей, нарисованные египтологом Карлом Ричардом Лепсиусом
Танцующей девушкой ; 2400–1900 гг. до н.э.; бронза; высота: 10,8 см (4 / 4 дюйма); Национальный музей (Нью-Дели, Индия) Открыт намного позже современной цивилизации Месопотамии и Египет, цивилизация долины Инда или цивилизация Хараппа (ок. 2400–1900 гг. До н.э.) теперь признан чрезвычайно развитым, во многом сопоставимым с этими культурами.
На раскопках были найдены различные скульптуры, печати, бронзовые сосуды керамика, золотые украшения и анатомически подробные фигурки из терракоты, бронзы и стеатита.
Ряд золотых, терракотовых и каменных фигурок девушек в танцевальных позах обнаруживает наличие какой-то танцевальной формы. Эти терракотовые фигурки изображали коров, медведей, обезьян и собак. Животное, изображенное на большинстве тюленей на участках зрелого периода, четко не идентифицировано. Наполовину бык, наполовину зебра, с величественным рогом, это было источником предположений. Пока нет достаточных доказательств для подтверждения утверждений о том, что изображение имело религиозное или культовое значение, но преобладание изображения поднимает вопрос о том, являются ли животные на изображениях цивилизации религиозными символами.
Реалистично. статуэтки были найдены на этом месте в цивилизации долины Инда. Одна из них - знаменитая бронзовая статуэтка стройной Танцующей девушки, украшенная браслетами, найденная в Мохенджо-даро. Две другие реалистичные статуэтки были найдены в Хараппе при надлежащих многослойных раскопках, которые демонстрируют почти- классическое обращение счеловеческими формами: статуэтка танцора, которая кажется быть мужчиной и мужским торсом из красной яшмы, оба сейчас находятся в Национальном музее Дели. Археолог сэр Джон Маршалл удивился, увидев эти две статуэтки из Хараппы:
Когда я впервые увидел их, мне было трудно поверить, что они были доисторическими; они, казалось, полностью опровергли все устоявшиеся представления о раннем искусстве и культуре. Подобное моделирование было неизвестно в древнем мире вплоть до эллинистической эпохи Греции, и поэтому я подумал, что, несомненно, была допущена некоторая ошибка; что эти фигуры попали на уровни примерно на 3000 лет старше, чем те, к которым они принадлежали... Теперь, в этих статуэтках, именно анатомическая истина поражает; Это заставляет нас задаться вопросом, могли ли скульпторы древних времен на берегах Инда предвосхищать греческое искусство в этом чрезвычайно важном деле.
Эти статуэтки остаются спорными из-за их передовой техники. Что касается туловища из красной яшмы, то первооткрыватель, Ватс, утверждает, что это дата Хараппа, но Маршалл счел, что эта статуэтка, вероятно, историческая, датируемая периодом Гупта, сравнивая ее с гораздо более поздним Торс Лоханипура. Вторая довольно похожая статуэтка танцующего мужчины из серого камня была также найдена примерно в 150 метрах от безопасного слоя зрелого хараппа. В целом антрополог Грегори Поссель склонен считать, что эти статуэтки, вероятно, являются вершиной искусства Инда в период зрелого Хараппана.
В Мохенджо-Даро были найдены печати, изображающие стоящую на нем фигуру. голова, а другой сидит, скрестив ноги, в том, что некоторые называют йогой -подобной позой, такой как так называемый Пашупати. Эта фигура была идентифицирована по-разному. Сэр Джон Маршалл обнаружил сходство с индуистским богом Шивой. Если это может быть подтверждено, это будет свидетельством того, что некоторые аспекты индуизма предшествуют самым ранним текстам, Ведам.
Церемониальному сосуду; 2600-2450 гг. До н.э.; терракота с черной краской; 49,53 × 25,4 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес (США)
Гербовая печать и современный оттиск: единорог и курильница (?); 2600-1900 гг. До н.э.; обожженный стеатит ; 3,8 × 3,8 × 1 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Король-священник; 2400–1900 гг. До н. Э.; стеатит слабого обжига; высота: 17,5 см; Национальный музей Пакистана (Карачи )
Танцующий торс мужчины; 2400-1900 гг. До н.э.; известняк; высота: 9,9 см; Национальный музей (Нью-Дели <1767 г.)>, Индия)
В течение китайского бронзового века (династии Шан и Чжоу ) судебные ходатайства и общение с духовным миром управлял шаман (возможно, сам король). В династии Шан (ок. 1600–1050 до н.э.) верховным божеством был Шангди, но аристократические семьи предпочитали чтобы контактировать с духами своих предков. Они готовили для них тщательно продуманные трапезы с едой и напитками, нагревали и подавали их в бронзовых ритуальных сосудах. упал, около 1050 г. до н.э., его завоеватели, Чжоу (ок. 1050–156 до н. э.), продолжали использовать эти сосуды в религиозных ритуалах, но в основном для еды, а не для питья. d чрезмерного пьянства, и Чжоу, продвигая имперский Тянь («Небеса») как главную духовную силу, а не предков, ограничили вино в религиозных обрядах в пользу еды. Использование ритуальных бронз продолжалось в начале династии Хань (206 г. до н.э. - 220 г. н.э.).
Одним из наиболее часто используемых мотивов был таоти, стилизованное лицо, разделенное по центру на две почти зеркальные половины, с ноздрями, глазами, бровями, челюстями, щеками и рогами, окруженными резными узорами. Невозможно определить, представляли ли даоты реальных, мифологических или полностью вымышленных существ.
Загадочные изделия из бронзы в Саньсиндуи, около Гуанхань (в провинции Сычуань ), являются свидетельством таинственной религиозной системы жертвоприношений, не похожей ни на что другое древний Китай и весьма отличное от искусства современного Шаня в Аньяне. При раскопках в Саньсиндуи с 1986 года было обнаружено 4 ямы, содержащих артефакты из бронзы, нефрита и золота. Там была найдена большая бронзовая статуя человеческой фигуры, стоящая на постаменте, украшенном абстрактными головами слона. Помимо стоящей фигуры, первые 2 ямы содержали более 50 бронзовых голов, некоторые из которых были в головных уборах и 3 с фронтальным покрытием из сусального золота.
Стоящая статуя короля и вождя шаманов; c. 1200–1000 гг. До н.э.; вероятно бронза; общая высота: 2,62 м; Музей Саньсиндуи (Гуанхань, провинция Сычуань, Китай)
Хоумуву дин, самая большая древняя бронза из когда-либо найденных; 1300–1046 гг. До н.э.; бронза; Национальный музей Китая (Пекин)
Алтарь; конец 11 века до нашей эры; бронза; габаритный (стол): высота: 18,1 см, ширина: 46,4 см, глубина: 89,9 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Один из воинов Терракотовой армии, знаменитой коллекции терракотовых скульптур, изображающих армии Цинь Шихуанди <1767 г.>, первый император Китая
Еще в древности искусство Греции считалось выдающимся в других культурах. Латинский поэт Гораций, писавший в эпоху римского императора Августа (I век до н.э. - I век нашей эры), как известно, заметил, что, хотя он был побежден на поле битвы, «плененная Греция победила своего дикого завоевателя и принесла искусство в деревенский Рим». Сила греческого искусства заключается в том, что оно изображает человеческую фигуру и сосредотачивается на людях и антропоморфных богах как главных предметах. В классический период (V-IV вв. До н.э.) реализм и идеализм тонко уравновешивались. Для сравнения, работы более ранних геометрических (9-8 вв. До н.э.) и архаических (7-6 вв. До н.э.) эпох иногда кажутся примитивными, но у этих художников были разные цели: натуралистическое изображение не обязательно было их целью. Римское искусство Любитель коллекционировал древнегреческие оригиналы, римские копии греческого искусства или недавно созданные картины и скульптуры, выполненные в различных греческих стилях, таким образом сохраняя для потомков произведения искусства, которые иначе были бы утеряны. Стена и панно, скульптуры и мозаики украшали общественные пространства и зажиточные частные дома. Греческие изображения также появлялись на римских украшениях, сосудах из золота, серебра, бронзы и терракоты и даже на оружии и торговых грузах. Начиная с Возрождения, искусство Древней Греции, переданное через Римскую Империю, служило основой западного искусства.
Греческий и этрусские художники опирались на художественные основы Египта, развивая искусство скульптуры, живописи, архитектуры и керамики. Греческое искусство началось как меньше и проще, чем египетское искусство, и влияние египетского искусства на греков началось на Кикладских островах между 3300 и 3200 годами до нашей эры. Кикладские статуи были простыми, без черт лица, кроме носа.
Арфистка, самое знаковое кикладское произведение искусства; 2750-2200 до н.э.; мрамор; высота: 29,5 см; предположительно из Кероса (Киклады ); Национальный археологический музей (Афины )
Женская кикладская статуэтка; 2700–2600 до н.э.; мрамор; высота: 37,1 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Камаресская посуда кувшин с клювом; 1850-1675 гг. До н.э.; керамика; высота: 27 см; из Фест (Крит, Греция); Археологический музей Ираклиона (Греция)
Маска Агамемнона, наиболее знаковое микенское произведение искусства; 1675-1600 гг. До н.э.; золото; высота: 25 см, ширина: 27 см, вес: 169 г ; Национальный археологический музей (Афины)
Минойская фреска , названная Фреска прыжка через быка ; 1675-1460 гг. До н.э.; известковая штукатурка; высота: 0,8 м, ширина: 1 м; из дворца в Кносе (Крит); Археологический музей Ираклиона
Минойская богиня змей ; 1460-1410 гг. до н.э. (из минойского нео-дворцового периода); фаянс ; высота: 29,5 см; из Храмового хранилища в Кноссе; Археологический музей Ираклиона
Три микенские женские фигуры; 140 0-1300 г. до н.э.; терракота; рост: 10,8 см, 10,8 см и 10,5 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
микенское ожерелье; 1400-1050 гг. До н.э.; позолоченная терракота; диаметр розеток: 2,7 см, с вариациями около 0,1 см, длина кулона 3,7 см; Метрополитен-музей
После краха микенского общества возник стиль греческого искусства, который ясно иллюстрирует разрыв в культуре и искусстве между бронзовым веком и последующий железный век. Протогеометрический (около 1050–900 гг. До н.э.) и последующие геометрические (около 900–700 гг. До н.э.) стили характеризуются абсолютной простотой декора, поскольку старые цветочные и морские мотивы были заменены абстрактные узоры. В новых стилях узор был строго применен к форме, каждый декоративный элемент подчинялся целому, но усиливал его. Поверхности были украшены треугольниками, линиями и полукругами и концентрическими кругами, сделанными с помощью множественной кисти, прикрепленной к циркулю. Меандр (греческий ключ) узор был популярен, как и шахматные доски, ромбы, шевроны и звезды. Геометрические фигуры,нарисованныеили вылепленные, соответствуют абстрактной эстетике. Хотя они имеют узнаваемые формы, люди и животные состоят из комбинации кругов, треугольников и прямоугольников, а не из органических, реалистичных форм.
Кратер с крышкой, увенчанной маленькой гидрией ; 750-740 гг. До н.э.; терракота; высота: 114,9 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Кратер; 750-735 гг. До н.э.; терракота; высота: 108,3 см, диаметр: 72,4 см; Метрополитен-музей
Статуэтка лошади; 750-700 гг. До н.э.; бронза; габаритные: 11,5 × 10 × 2,6 см; Кливлендский музей искусств (Кливленд, Огайо, США)
Статуэтка лошади; около 740 г. до н.э.; бронза; высота: 6,5 см; Лувр
Человеческая фигура оставалась самым значительным изображением в греческой скульптуре классического периода (V-IV вв. До н.э.). Художники стремились уравновесить идеализированную красоту тела и все более реалистичную анатомию, имитируя природу, точно воспроизводя связки, мускулатуру и изгибы человеческого тела.
Амфора Панафинейского приза художника Эуфилета ; около 530 г. до н.э.; крашеная терракота; высота: 62,2 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Artemision Bronze ; 460-450 гг. До н. Э.; бронза; высота: 2,1 м; Национальный археологический музей (Афины )
Парфенон на Афинском Акрополе, самый знаковый дорический греческий храм, построенный из мрамор и известняк между примерно 460-406 годами до нашей эры, посвященный богине Афине
Зеркало с подставкой в виде драпированной женщины; середина V века до нашей эры; бронза; высота: 40,41 см; Метрополитен-музей
Чашечка - кратер ; 400-375 гг. До н.э.; керамика; высота: 27,9 см, диаметр: 28,6 см; из Фивы (Греция); Лувр
Надгробный рельеф Фразея и Евандрии ; 375-350 до н.э.; пентелийский мрамор ; высота: 160 см, ширина: 91 см; Пергамский музей (Берлин )
Улитка кратер; 320–310 до н. Э.; керамика; высота: 1,1 м; Художественный музей Уолтерса (Балтимор, США)
Статуэтка драпированной женщины; 2 век до н.э.; терракота; высота: 29,2 см; Метрополитен-музей
Венера Милосская ; 130–100 гг. до н.э.; мрамор; высота: 203 см (80 дюймов); Лувр
L аокоон и его сыновья ; начало первого века до нашей эры; мрамор; высота: 2,4 м; Музеи Ватикана (Ватикан )
Мозаика, представляющая Богоявление Диониса ; II век нашей эры; из виллы Диониса (Дион, Греция )); Археологический музей Диона
Иллюстрации примеров древнегреческих орнаментов и узоров, нарисованные в 1874 году
Фигурки Библа, финикийские статуэтки из Библа ; 19–18 век до нашей эры; бронза, вероятно, позолоченная; Национальный музей Бейрута (Ливан) Финикийскому искусству не хватает уникальных характеристик, которые могли бы отличить его от его современников. Это связано с его высокой ценностью. находился под влиянием зарубежных художественных культур: прежде всего Египет, Греция и Ассирия. Финикийцы, обучавшиеся на берегах Нила и Евфрата приобрели богатый художественный опыт и, наконец, пришли к созданию собственного искусства, которое представляло собой смесь зарубежных моделей и перспектив. В статье из The New York T В imes, опубликованном 5 января 1879 года, финикийское искусство описывалось следующим образом:
Он участвовал в трудах других людей и использовал большую часть своего наследия. Сфинкс Египта стал азиатским, и его новая форма была перенесена в Ниневию с одной стороны и в Грецию с другой. Розетки и другие узоры вавилонских цилиндров были введены в дело рук Финикии и так переданы на Запад, а герой древнего халдейского эпоса стал первым Тириан Мелькарт, а затем Геракл из Эллады.
Декоративная табличка, изображающая битву человека и грифона ; 900–800 до н.э.; Нимруд слоновая кость ; Кливлендский музей искусств (Огайо, США)
Маска; 4 век до нашей эры; найден в могиле в Сан-Сперате (Сардиния, Италия); Национальный археологический музей Кальяри (Кальяри, Сардиния, Италия)
Лицевая бусина; середина IV – III вв. до н. э.; стекло; высота: 2,7 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Серьга из пары, каждая с четырьмя рельефными гранями; конец IV – III вв. до н. э.; золото; габаритные: 3,5 × 0,6 см; Метрополитен-музей
этрусское искусство было создано этрусской цивилизацией в центральной Италии между IX и II веками до нашей эры. Примерно с 600 г. до н.э. он находился подсильным влиянием греческого искусства, которое было импортировано этрусками, но всегда сохраняло отличительные черты. Особенно сильны в этой традиции изобразительная скульптура из терракоты (особенно в натуральную величину на саркофагах или храмах), настенная живопись и обработка металла, особенно в бронзе. Были произведены ювелирные изделия и гравированные драгоценные камни высокого качества.
Этрусская скульптура из литой бронзы была известна и широко экспортировалась, но сохранилось относительно немного крупных экземпляров (материал был слишком ценным и позже был переработан.). В отличие от терракоты и бронзы, этрусских скульптур из камня было относительно мало, несмотря на то, что этруски контролировали прекрасные источники мрамора, в том числе каррарский мрамор, который, кажется, не использовался до римлян.
Подавляющее большинство уцелевших вещей происходило из гробниц, которые обычно были забиты саркофагами и погребальным инвентарем, а также терракотовыми фрагментами архитектурной скульптуры, в основном вокруг храмов. В гробницах созданы все фрески фрески, на которых изображены сцены пира и некоторые сюжетные мифологические сюжеты.
колесница Монтелеоне ; 2-я четверть VI века до нашей эры; бронза и слоновая кость; общая высота: 130,9 см, длина шеста: 209 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Саркофаг супругов ; 530–520 гг. До н. Э.; терракотовый ; 111 × 194 × 69 см; Лувр
Кувшин для воды с Гераклом и Гидрой ; около 525 г. до н.э.; чернофигурная керамика ; высота: 44,5 см, диаметр: 33,8 см; Гетти Вилла (Калифорния, США)
Аполлон Вейский ; c. 510 г. до н. Э.; крашеная терракота; высота: 1,81 м; Национальный этрусский музей (Рим )
Фреска с танцорами и музыкантами; ок. 475 г. до н.э.; фреска секко; высота (стены); 1,7 м; Могила леопардов <1767 г.>(Некрополь Монтероцци, Лацио, Италия)
Комплект украшений Вульчи ; начало V века; золото, стекло, горный хрусталь, агат и сердолик ; различные размеры; Метрополитен-музей
Основание штатива для тимиатерия (курильницы) ; 475-450 гг. до н.э.; бронза; высота: 11 см ; Музей Метрополитен
Серьга в виде дельфина; V век до н.э.; золото; 2,1 × 1,4 × 4,9 см; Музей Метрополитен
Искусство Даков - искусство, связанное с народы, известные как даки или северные фракийцы (геты) ; даки создали художественный стиль, в котором прослеживается влияние скифов и греков. были высококвалифицированными специалистами в обработке золота и серебра, а также в гончарном производстве. красные украшения с цветочными, геометрическими и анималистичными мотивами. Подобные украшения были выполнены из металла, особенно фигура лошади, которая была обычна на дакийских монетах. Сегодня большая коллекция дачических шедевров находится в Национальном музее истории Румынии (Бухарест ), одним из самых известных является Шлем Кожофенешти.
Гето. -Даки жили на очень большой территории, простирающейся от Балкан до северных Карпат и от Черного моря и реки Тирас до Тисской равнины, иногда даже до Среднего Дуная. Между 15 и 12 веками культура даков и гетов находилась под влиянием эпохи бронзы курганов - воинов урнфилдов.
браслет; V-IV вв. До н. Э.; золото; Национальный исторический музей Румынии (Бухарест, Румыния)
Шлем Кожофенешти ; 4 век до нашей эры; Национальный исторический музей Румынии
Ритон ; IV-III вв. До н.э.; возможно из золота и серебра; Национальный исторический музей Румынии
Шлем Перету ; 310–290 гг. До н. Э.; позолоченное серебро; из Перету (Графство Телеорман, Румыния); Национальный исторический музей Румынии
Доримское иберийское искусство относится к стилям, разработанным иберами с бронзового века до Римское завоевание. По этой причине его иногда называют «иберийским искусством».
Почти все дошедшие до нас работы иберийской скульптуры явно отражают греческое и финикийское влияния, а ассирийское, хеттское и Египетские влияния, от которых они произошли; все же у них есть свой уникальный характер. В рамках этого сложного стилистического наследия отдельные работы могут быть помещены в спектр влияний - некоторые из них имеют более очевидное финикийское происхождение, а некоторые настолько похожи на греческие произведения, что они могли быть напрямую импортированы из этого региона.В целом степень влияния коррелирует с регионом происхождения произведения, и поэтому они классифицируются на группы на этом основании.
Бича из Балазота ; 6 век до нашей эры; вырезан из двух блоков известняка ; высота: 73 см; Национальный археологический музей Испании (Мадрид)
Леди Эльче ; c. 450 г. до н.э.; известняк ; Национальный археологический музей Испании
Лев из Новой Картейи; 4 век до нашей эры; известняк; высота: 60 см; Археологический и этнологический музей Кордовы (Испания)
Фигурка стоящего мужчины; III-II века до нашей эры; литая бронза; высота: 6,8 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес (США)
Искусство хеттов было создано хеттской цивилизацией в древней Анатолии, в современная Турция, а также простирается на Сирию во втором тысячелетии до нашей эры с девятнадцатого века до двенадцатого века до нашей эры. Этот период относится к анатолийскому бронзовому веку. Для него характерна давняя традиция канонизированных образов и мотивов, переставляемых, но все еще узнаваемых, художниками для передачи значения в основном неграмотному населению:
Из-за ограниченного словаря фигуральных типов [и мотивов] изобретение для хеттов Художник обычно объединял элементы и манипулировал ими для создания более сложных композиций.
Многие из этих повторяющихся изображений вращаются вокруг изображения хеттских божеств и ритуальных практик. Также преобладают сцены охоты в хеттских рельефах и изображениях животных. Большая часть произведений искусства происходит из таких поселений, как Алаца-Хёюк или столица хеттов Хаттуса около современного Богазкале. Ученые действительно испытывают трудности с датированием значительной части хеттского искусства, ссылаясь на тот факт, что там нет надписей, а большая часть найденного материала, особенно из захоронений, была перемещена с их первоначальных мест и распределена между музеями в XIX веке.
Поилка в форме кулака; 1400-1380 гг. До н.э.; Серебряный; из Центральной Турции; Музей изящных искусств (Бостон, США)
Судно, заканчивающееся в носовой части оленя; c. 14–13 вв. До н. Э.; серебро с золотой инкрустацией; высота: 18 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Печать короля Миры ; около 1220 г. до н.э.; Серебряный; высота: 1 см, диаметр: 4,2 см; Художественный музей Уолтерса (Балтимор, США)
Три рельефа из Археологического музея Аданы (Турция)
Бактрийско-Маргианский археологический комплекс (он же цивилизация Окс) - современное археологическое обозначение цивилизации бронзового века цивилизации Центральной Азии, датируемой к с. 2300–1700 гг. До н.э., в современном северном Афганистане, восточном Туркменистане, южном Узбекистане и западном Таджикистане с центром в верхнем Амударья (река Оксус). Его памятники были обнаружены и названы советским археологом Виктором Сарианиди (1976). Были обнаружены монументальные городские центры, дворцы и культовые сооружения, особенно в Гонур-депе в Туркменистане.
Материалы BMAC были обнаружены в цивилизации долины Инда, на Иранском плато и в Персидском заливе. Находки на сайтах BMAC служат дополнительным свидетельством торговых и культурных контактов. Среди них цилиндрическая печать типа эламитская и печать хараппанская со слоном и индским письмом, найденная на Гонур-депе. Связь между Алтын-депе и долиной Инда, кажется, была особенно сильной. Среди находок были две хараппанской печати и предметы из слоновой кости. Хараппанское поселение Шортугай в Северном Афганистане на берегу Амударьи, вероятно, служило торговой станцией.
Известным типом бактрийских произведений искусства являются «бактрийские» принцессы »(он же« дамы Оксуса »). В больших стилизованных платьях с рукавами-фонариками, а также в головных уборах, сливающихся с волосами, они олицетворяют высокопоставленную богиню, персонаж среднеазиатской мифологии, которая играет регулирующую роль, умиротворяя необузданные силы. Эти статуэтки созданы путем комбинирования и сборки материалов контрастных цветов. Предпочтительными материалами являются хлорит (или аналогичные темно-зеленые камни), беловатый известняк или крапчатый алебастр или морские раковины из Индийского океана. Различные элементы тела и костюма были вырезаны отдельно и соединены, как в пазл, с помощью шипа и пазового клея.
Топор с орлиным демоном и животными; конец 3-го тысячелетия - начало 2-го тысячелетия до нашей эры; серебро позолоченное ; длина: 15 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Фигурка верблюда; конец 3 - начало 2 тыс. до н. э.; медный сплав; 8,89 см; Метрополитен-музей
Чудовищная мужская фигура; конец 3 - начало 2 тыс. до н. э.; хлорит, кальцит, золото и железо; высота: 10,1 см; Метрополитен-музей
Женская фигурка типа "принцесса Бактрия"; 2500–1500 до н.э.; хлорит (платье и головной убор) и известняк (голова, руки и нога); высота: 13,33 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес (США)
Искусство кельтов связано с народами, известными как кельты ; те, кто говорил на кельтских языках в Европе от доисторической эпохи до современного периода. Это также относится к искусству древних народов, чей язык является неопределенным, но имеет культурное и стилистическое сходство с носителями кельтских языков.
Кельтское искусство - это трудный термин для определения, охватывающий огромное пространство времени, географии и культур. Доказывается преемственность искусства в Европе с бронзового века и, действительно, с предшествующего неолита ; однако археологи обычно используют термин «кельтский» для обозначения культуры европейского железного века примерно с 1000 г. до н.э. до завоевания Римской империей большей части территории, и Историки искусства обычно начинают говорить о «кельтском искусстве» только с периода Ла-Тена (в целом с V по I века до нашей эры) и далее. Раннее кельтское искусство - еще один термин, используемый для этого периода, простирающийся в Британии примерно до 150 г. Раннесредневековое искусство Британии и Ирландии, в результате которого появилась Келлская книга и другие шедевры, и именно то, что "кельтское искусство" вызывает у большей части широкой публики в англоязычных странах. мир, называется островным искусством в истории искусства. Это наиболее известная часть, но не все кельтское искусство раннего средневековья, которое также включает пиктское искусство Шотландии.
; культура Ла Тена ; конец 4 века до нашей эры; бронза, железо, сусальное золото и эмаль; высота: 21,4 см; Национальный археологический музей Франции (Сен-Жермен-ан-Ле, Франция)
Деталь щита Баттерси ; С 4 по 3 век до н.э.; медный сплав и эманель; высота: 77,5 см; Британский музей (Лондон)
Голова Мшецке Жегровице ; 150-50 гг. До н. Э.; мергель ; высота: 23,4 см, ширина: 17,4 см; Национальный музей Чешской Республики (Прага )
; 20 г. до н.э. - 20 г. н.э.; медный сплав; высота (с ручкой): 35 см; Британский музей
Ахеменидское искусство включает фризовые рельефы, изделия из металла, украшение дворцов, кладку из глазурованного кирпича, изящное мастерство (кладка, столярные изделия и т. Д.) И садоводство. Большинство пережитков придворного искусства - это монументальная скульптура, прежде всего рельефы, двуглавые животные персидские колонны капители и другие скульптуры Персеполя.
Хотя персы брали художников с их стилями и техниками со всех уголков своей империи, они произвели не просто комбинацию стилей, но синтез нового уникального персидского стиля. Кир Великий фактически имел обширное древнеиранское наследие; богатые ахеменидские золотые изделия, которые, как предполагают надписи, могут были специальностью мидян, например, в традициях более ранних мест.
Есть ряд очень тонких украшений или инкрустаций из драгоценных металлов, также в основном с изображениями животных, а Сокровище Оксуса имеет широкий выбор типов. Небольшие предметы, обычно из золота, пришивались к одежде элитой, и сохранилось несколько золотых торков.
Рельеф из Персеполя (Иран ) изображающий людей, несущих чаши и амфоры
Фриз лучников; c. 510 г. до н. Э.; кирпичи; из Дворца Дария в Сузы ; Лувр
Золотой браслет, часть Сокровища Оксуса ; 5-4 века до нашей эры; золото; ширина: 11,6 см; Британский музей (Лондон)
Капитель колонны; 5-4 века до нашей эры; камень; высота: 1,75 м; из Персеполис ; Национальный музей Ирана (Тегеран )
Maison Carrée в Ниме (Франция), один из наиболее хорошо сохранившихся древнеримских храмы, сфотографированные с двух сторон Римское искусство иногда рассматривается как производное от греческих прецедентов, но также имеет свои собственные отличительные особенности. Римская скульптура часто менее идеализирована, чем греческие прецеденты, поскольку она очень реалистична. Часто используется римская архитектура Были изобретены бетон и такие детали, как круглая арка и куполмастерством между хорошо одетыми знатными гостями.
Маска Шиутекутли; 1400–1521; дерево цедрела, бирюза, сосновая смола, перламутр, ракушка, киноварь ; высота: 16,8 см, ширина: 15,2 см; Британский музей (Лондон)
Маска Тескатлипока ; 1400–1521; бирюза, пирит, сосна, лигнит, человеческая кость, кожа оленя, раковина и агава ; высота: 19 см, ширина: 13,9 см, длина: 12,2 см; Британский музей
Двуглавый змей ; 1450–1521; кедр дерево (Cedrela odorata), бирюза, ракушка, следы позолоты и 2 смолы используются в качестве клея (сосновая смола и смола Bursera); высота: 20,3 см, ширина: 43,3 см, глубина: 5,9 см; Британский музей
Страница 12 из Codex Borbonicus, (на большой площади): Tezcatlipoca (ночь и судьба) и Quetzalcoatl (пернатый змей); до 1500; лубяная бумага; высота: 38 см, длина всей рукописи: 142 см; (Париж)
каменный календарь ацтеков ; 1502–1521; базальт ; диаметр: 358 см; толщина: 98 см; обнаружен 17 декабря 1790 г. при ремонте Собора Мехико ; Национальный музей антропологии (Мехико )
Тлалок чучело сосуд; 1440–1469; расписная фаянсовая посуда; высота: 35 см; Museo del Templo Mayor (Мексика Город)
Стоящая на коленях женская фигура; XV – начало XVI века; расписной камень; габаритные размеры: 54,61 × 26,67 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Ожерелья в виде лягушек; 15-е - начало 16 века; золото; высота: 2,1 см; Метрополитен-музей
Искусство древних майя относится к материальным искусствам цивилизации майя, восточной и южной- восточная мезоамериканская культура, сформировавшаяся в течение более позднего доклассического периода (500 г. до н.э. - 200 г. н.э.). Ее величайший художественный расцвет пришелся на семь веков классического периода. (ок. 200–900 гг. Н. Э.). Древнее искусство майя затем прошло расширенную постклассическую фазу, прежде чем потрясения XVI века разрушили придворную культуру и положили конец ремеслам майя. тиковая традиция. Существовало множество региональных стилей, которые не всегда совпадали с изменяющимися границами политик майя. Ольмеки, Теотиуакан и тольтеки оказали влияние на искусство майя. Традиционные виды искусства сохранились в основном в ткачестве и дизайне крестьянских домов.
Нефрит произведения искусства считаются одними из самых замечательных произведений искусства, которые майя оставили нам. Большинство найденных предметов относятся к классическому периоду, но обнаруживается все больше и больше артефактов, относящихся к доклассическому. К самым ранним из них относятся простые бусы без украшений, найденные в захоронениях в Куэлло (Белиз ), датируемых периодом между 1200 и 900 годами до нашей эры. В то время огранка камня была уже высоко развита среди ольмеков, которые работали с нефритом еще до майя. В Мезоамерике нефрит встречается исключительно как жадеит ; нефрит, другая разновидность нефрита, там не существует. Однако в этой области Мезоамерики «нефрит» - собирательный термин для ряда других зеленых или синих камней. Нефритовые предметы помещали в погребения, использовали в ритуалах и, конечно же, в качестве украшений. Помимо того, что они использовались для изготовления бус, которые часто нанизывали вместе, чтобы сделать богато украшенные подвески и ожерелья, они также использовались для ушных катушек, браслетов для рук, голеней и ступней, ремней, грудных мышц (нагрудные украшения), а также для украшения одежды и головных уборов..
Древнее искусство майя славится своей эстетической красотой и повествовательным содержанием. Из всех средств массовой информации, в которых работали художники майя, их картины на керамике являются одними из самых впечатляющих благодаря своей технической и эстетической изысканности. Эти сложные живописные сцены, сопровождаемые иероглифическими текстами, рассказывают об исторических событиях классического периода и раскрывают религиозную идеологию, на которой майя построили великую цивилизацию.
Сидящая курильница в форме короля; 4 век; керамический; высота: 80 см, ширина: 31,1 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Нефритовая доска короля майя; 400-800 (классический период); высота: 14 см, ширина: 14 см; найдено в Теотиуакане ; Британский музей (Лондон)
Статуя, изображающая связанного заключенного; 600-900 гг. Нашей эры; известняк; из Тонина (Мексика); Музей на набережной Бранли - Жак Ширак (Париж)
Портрет Кинич Джанааб Пакаля I; 615–683; лепнина; высота: 43 см; Национальный музей антропологии (Мехико)
ваза в стиле кодекса с мифологической сценой; VII – VIII века; керамический; высота: 19 см, диаметр: 11,2 см; Метрополитен-музей
Сосуд с тронной сценой; конец VII – VIII вв.; керамический; 21,59 см; Метрополитен-музей
Одна из перемычек Яшчилана, на которой изображен ритуал кровопускания, совершенный королем Яшчилана и его женой, леди К'аб'ал Зук; 723–726; известняк; высота: 108 см, ширина: 78 см; Британский музей
Рельеф, на котором Ай Чак Маакс представляет пленников перед правителем Ицамнадж Баламом III из Яшчилана ; 22 августа 783 г.; известняк со следами пигмента; высота: 1,15 м; Художественный музей Кимбелла (Форт-Уэрт, Техас, США)
Долгое время считались заводью культуры и эстетического самовыражения, динамичными обществами Центральной Америки теперь признаны надежными и новаторскими в искусстве древней Америки. Люди доколумбовой Никарагуа, Коста-Рики и Панамы разработали свои собственные отличительные стили, несмотря на то, что регион тысячелетиями являлся перекрестком дорог. Его народы не подвергались влиянию извне, а вместо этого создавали, принимали и адаптировали всевозможные идеи и технологии в соответствии со своими потребностями и темпераментом. Самобытные культурные традиции, религиозные верования и социально-политические системы региона отражены в уникальных произведениях искусства. Фундаментальным духовным принципом был шаманизм, центральный принцип которого гласил, что в состоянии транса, трансформировавшись в форму своего духовного спутника, человек может войти в сверхъестественное царство и обрести особую силу, чтобы влиять на мирские дела. Художники из Центральной Америки изобрели изобретательные способы изобразить эту трансформацию, объединив в одну фигуру человеческие и животные черты; ягуар, змей и птичий рапорт (сокол, орел или гриф) были основными духовными формами.
Кулон "Птица"; 1–5 века; жадеит ; высота: 6,7 см, ширина: 1,9 см, глубина: 4,7 см; из Коста-Рика ; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Пектораль; 5-10 века; золотой сплав; габаритные: 25,1 × 26,7 см; из Ситио Конте (Панама ); Кливлендский музей искусств (Огайо, США)
Судно в форме панциря черепахи; 11-14 века; крашеная керамика; габаритные: 22,9 × 29,2 см; из Панамы; Кливлендский художественный музей
Кулон с двумя воинами-летучими мышами, несущими копья; 11–16 века; золото; общий: 7,62 см (3 дюйма); из провинции Чирики (Панама ); Музей Метрополитен
Золото - вечно блестящий металл статуса, богатства и власти - вдохновляло испанцев на исследование земного шара и было важным атрибутом престижа, авторитета и религиозной идеологии среди людей Центральная Америка и Колумбия.
В Колумбии золото было важно из-за его связи с божественной силой солнца. Это было частью сложной идеологии универсальных бинарных противоположностей: мужской и женский, светлый и темный, земной и духовный миры. Золотые украшения для тела были отлиты в сложной форме, их иконография передавала социальную, политическую и духовную мощь через изображения могущественных шаманов-правителей, тотемов родословной и сверхъестественных духов-защитников.
Yotoco кулон в виде головы животного; I – VII века; золото; высота: 6,35 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Куимбайя контейнер для извести; V – IX века; золото; высота: 23 c; Метрополитен-музей
Муиска мужская фигура (тунжо ); X – середина XVI века; золото; высота: 14,9 см; Метрополитен-музей
Тайрона кулон; 10–16 века; золото; высота: 14 см; Метрополитен-музей
Древние цивилизации Перу и Боливия питали уникальные художественные традиции, в том числе одну из самых эстетически впечатляющих традиций волоконного искусства в мире. на артефактах, от одежды до погребальных пелен до архитектурных украшений. Истоки андской цивилизации восходят к 3000 году до нашей эры. Осваивая сложные природные условия, включая самую засушливую прибрежную пустыню в мире, пустынные, продуваемые ветрами высокогорья и грозные горы, жители Анд преуспели в сельском хозяйстве, морском рыболовстве и животноводстве. К 1800 г. до н.э. ритуальные и общественные здания, возведенные на массивных глиняных платформах, преобладали в крупных поселениях, особенно в прибрежных долинах рек. Двумя первыми важными культурами этой земли являются чавин и культура Паракас.
моче контролировали долины рек на северном побережье, а Наска на юге Перу властвовала над прибрежными пустынями и прилегающими горами, унаследовав технологические достижения - в сельском хозяйстве и архитектуре - а также художественные традиции более ранних людей Паракас. Обе культуры процветали примерно в 100–800 годах нашей эры.Керамика моче - одна из самых разнообразных в мире. Использование технологии пресс-форм очевидно. Это позволило бы массовое производство определенных форм. После упадка Моче в регионе Анд возникли две большие сосуществующие империи. На севере Империя Вари (или Хуари). Вари известны своей каменной архитектурой и скульптурными достижениями, но наибольшим мастерством они занимались керамикой. Вари производили великолепные большие керамические изделия, многие из которых изображали изображения бога посоха.
. Чиму предшествовал простой керамический стиль, известный как Sicán (700–900 гг. Н.э.), который становился все более декоративным. пока он не стал узнаваемым как Чиму в начале второго тысячелетия. Чиму создавали прекрасные портретные и декоративные работы из металла, особенно золота, но особенно серебра. Чиму также известны своей работой с перьями, изготовив множество эталонов и головных уборов из различных тропических перьев, которые были сделаны в виде запеканок и рыб, оба из которых были в почете у чиму.
Раймонди Стела ; по чавинской культуре ; V-III века до нашей эры; гранит; высота: 1,95 м; Национальный музей археологии, Антропология и история Перу (Лима, Перу)
Аэрофотоснимок одной из линий Наски, сделанный в июле 2015 года. На этом фото видна линия под названием «Обезьяна»
Церемониальная мантия с изображениями сверхъестественных существ; по культуре Паракас ; 100 г. до н.э. - 100 г. н.э.; вышитая гладкая хлопковая ткань; высота: 12,8 см, ширина: 12,9 см; Художественный музей Лимы (Лима, Перу)
сосуд с портретом моче правителя; по культуре моче ; 100 г. до н.э.-500 г. н.э.; керамика и пигмент; Институт искусств Чикаго (США)
Антропоморфная фигура; из империи Вари ; 7-10 века; обожженная глина; из долины Мантаро; Музей Ритберга (Цюрих, Швейцария )
Погребальная маска; по сиканской культуре ; 900–1100; золото, серебро и киноварь ; высота: 29,2, ширина: 49,5 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Церемониальный нож (туми ); по сиканской культуре; 10–13 века ; золото, бирюза, зеленый камень ракушка; высота: 33 см (1 фут 1 дюйм); Метрополитен-музей
Статуэтки человека и ламы ; из империи инков ; 1400–1532; золото; Кливлендский музей искусств (Огайо, США)
Тропический климат Карибского бассейна острова и тропические леса Амазонки не способствуют сохранению артефактов, сделанных из дерева и других материалов. То, что сохранилось, свидетельствует о сложных обществах, люди которых создавали искусство, богатое мифологическим и духовным смыслом.
Люди таино, которые оккупировали Карибские острова, когда прибыли испанцы, были культурологи, чье общество было сосредоточено на потомственных вождях, называли касиками. В их городах были впечатляюще построенные церемониальные площади, на которых играли в мяч и проводились религиозные ритуалы, связывающие их культуру с культурой майя с полуострова Юкатан. Большая часть искусства таино была связана с шаманскими ритуалами и религией, включая ритуал, в котором шаман или касик входит в гипнотическое состояние, вдыхая галлюциногенный порошок кохоба. Скульптуры, изображающие бога-творца Йокаху, часто изображают обнаженную мужскую фигуру в сидящем на корточках положении со слегка вогнутой чашей на макушке, чтобы удерживать порошок кохоба. Другие фигуры (всегда мужчины) стоят прямо перед собой, демонстративная демонстрация их гениталий явно свидетельствует о важности фертильности. Целью этих ритуалов было общение с предками и духовным миром. Вожди и шаманы (часто один и тот же человек) иногда заступались за духовных существ со скульптурного стула, или духо.
Между тем культура марахоара процветала на острове Мараджо в устье реки Амазонки в Бразилии. Во время раскопок на острове археологи нашли изысканную керамику. Эти большие предметы тщательно расписаны и вырезаны изображениями растений и животных. Это стало первым свидетельством существования сложного общества на Марахо. Свидетельства кургана также свидетельствуют о том, что на этом острове возникли густонаселенные, сложные и сложные поселения, поскольку только такие поселения считались пригодными для таких масштабных проектов, как крупные земляные работы. Глиняная посуда, которую они сделали, украшена абстрактными линиями и спиралями, предполагая, что они, вероятно, употребляли галлюциногенные растения. Культура Марахоара произвела множество видов сосудов, включая урны, кувшины, бутылки, чашки, миски, тарелки и тарелки.
шпатель; 10-15 века; ламантин кость; габаритные: 19,1 × 3,2 × 11 см; Кливлендскиймузей искусств (Огайо, США)
фигурка божества таино (Земи ); 15–16 вв. Н. Э.; дерево и ракушка; вероятно из Доминиканской Республики ; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Мараджоара цилиндрический сосуд; 400–1000 CE; керамика с кремово-белой накладкой под красновато-коричневой краской; высота: 38,5 см; с острова Мараджо (Бразилия)
Большое погребальное судно; 400–1400; керамика с кремово-белой накладкой под красновато-коричневой краской; высота: 89 см; с острова Мараджо
Самый известный стиль искусства американских специалистов из США и Канады - один из Северо-западное побережье, известное своими тотемами и сочетаниями цветов.
Искусство хайда, тлинкитов, хейлцук, цимшиан и других более мелких племен, живущих в прибрежных районах из штата Вашингтон, Орегон и Британской Колумбии, представляет собой современную стилистическую лексику, выраженную в основном в технике резьбы по дереву. Известные примеры включают тотемные столбы, маски трансформации и каноэ. В дополнение к изделиям из дерева, двумерная роспись и украшения с гравировкой из серебра, золота и меди важными после контакта с европейцами.
Восточные лесные угодья, или просто лесные культуры, населялионы Северной Америки к востоку от реки Миссисипи по крайней мере с 2500 г. до н.э. Несмотря на то, что существовало много разных культур, между ними была общая практика хоронить своих мертвецов в земляных холмах, которые сохранили часть их искусства. Из-за этой черты культуры известны под общим названием строители курганов.
тотем кваквака'вакв в Оттаве (Канада)
Моголлон чаша с геометрическим рисунком и вилорогом антилопа ; 1000–1150; фаянсовая посуда; диаметр: 31,2 см, общий: 12,5 × 32 см; Кливлендский музей искусств (Огайо, США)
Кваквака'вакв фигурка кита; 19 век; древесина кедра, кожа, хлопковый шнур, гвозди и пигмент; 60 × 72,4 × 206 см; Бруклинский музей (Нью-Йорк)
маска трансформации Тандерберда; 19 век; кедр, пигмент, кожа, гвозди и металлическая пластина; 121,9 × 180,3 × 38,1 см; Бруклинский музей
Модель каноэ с амуницией; до 1845 г.; береста, дерево, растительное волокно, птичье перо и шелк; высота: 6,4 см, ширина: 8,3 см, длина: 40,6 см; Музей Метрополитен (Нью-Йорк)
Сумка с патронташем; 1880-е годы; шерстяные и хлопчатобумажные торговые ткани, шерстяная пряжа, стекло и металл; высота: 87,6 см, ширина: 30,5 см; Метрополитен-музей
маска Комоква; 1880–1890; дерево и пигмент; высота: 38,1 см, ширина: 30,5 см; Метрополитен-музей
Погремушка; начало 1900-х годов; дерево и пигмент; общие: 31,8 × 9,3 × 11,2 см; Кливлендский художественный музей (Огайо, США)
Искусство инуитов относится к произведениям искусства, произведенным инуитами люди, то есть люди Арктики, известные как эскимосы, термин, который теперь считается наступательным за пределами Аляски. Исторически их предпочтительным языком была моржовая кость, но с момента создания южных рынков инуитского искусства в 1945 году гравюры и фигурные изделия, вырезанные из относительно мягкого камня, такого как мыльный камень, серпентинит или аргиллит также стали популярными. Цветовая гамма холодная, чаще всего встречаются: черный, коричневый, серый, белый и серо-голубой.
Художественная галерея Виннипега имеет большую публичную коллекцию современного искусства инуитов. В 2007 году Музей инуитского искусства открылся в Торонто, но был закрыт из-за нехватки ресурсов в 2016 году. Карвинг Нунавут, принадлежащий Инуку Лори Идлаут, открылся в 2008 году и вырос до самой большой частной коллекции в Нунавуте. Галерея, принадлежащая и управляемая инуитами, включает в себя широкий выбор произведений искусства инуитов, инвентарь которых насчитывает миллионы.
Старое Берингово море голова; 2–4 века; слоновая кость (морж); высота: 6,35 см (2 ⁄ 2 дюйма); Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Пунук ручка ножа; 11–12 века; моржовая кость; высота: 3,8 см, ширина: 14 см; Метрополитен-музей
Юпик маска с духом тюленя или калана; конец 19 века; дерево, краска, кишки и перья; Художественный музей Далласа (Техас, США)
Юпик-лодка с маской шамана; 1883; Этнологический музей Берлина (Германия)
Восточная цивилизация широко включает Азию, а также сложную традицию создания искусства. Один из подходов к истории восточного искусства разделяетобласть по нациям с акцентом на индийское искусство, китайское искусство и японское искусство. Из-за размеров континента можно ясно увидеть различие между Восточной Азией и Южной Азией в контексте искусства. В большей части Азии гончарное дело было преобладающим видом искусства. Керамика часто украшается геометрическими узорами или абстрактными изображениями животных, людей или растений. Другими очень распространенными видами были скульптура и живопись.
Искусство древней и средневековой Средней Азии отражает богатую историю этой обширной территории, где проживало огромное количество, религий и образований жизни. Художественные остатки региона демонстрируют замечательное сочетание влияний, которое показывает мультикультурный характер среднеазиатского общества.
С конца второго тысячелетия до нашей эры и до самого недавнего времени пастбища Центральной Азии от Каспийского моря до центрального Китая и от юга России до северной Индии - были домом для мигрирующих пастухов. кто практиковал смешанную экономику в отрыве от оседлых обществ. Доисторическое искусство «звериного стиля» этих кочевников-скотоводов не демонстрирует их зооморфную мифологию и шаманские традиции, но и их гибкость вении символов оседлого общества в их собственных произведениях искусства.
Центральная Азия всегда была перекрестком культурного обмена, центром так называемого Шелкового пути - сложной системы торговых путей, простирающихся от Китая до Средиземного моря. Уже в бронзовом веке (3-е и 2-е тысячелетие до нашей эры) растущие поселения составляли часть обширной торговой сети, связывающей Центральную Азию с долиной Инда, Месопотамией и Египтом.
Женская статуэтка, образец «бактрийской принцессы»; конец 3 - начало 2 тыс. до н. э.; стеатит или хлорит и алебастр ; 9 × 9,4 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Лицо со шрамом; 2200-1700 гг. До н.э.; хлорит, кальцит, метеоритное железо и ракушечник; высота: 12 см; Лувр
Финал (кулан); 6-5 век до н.э.; бронза; 14,5 × 9 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес (США)
Пряжка для ремня; III-I вв. До н. Э.; золото; длина: 7,9 см; Метрополитен-музей
Дева; 4-5 века нашей эры; штукатурка ; высота: 55 см; Музей Гиме (Париж)
Богиня и небесный музыкант; 7 век; пигменты на гипсе; высота: 2,03 м; Музей азиатского искусства (Берлин, Германия)
Статуя воина; 8-10 века; из Кош-Агачского района (Алтайский ); Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия)
Сузани (церемониальное повешение); конец 1700-х годов; хлопок; 92 × 63; из Узбекистана ; Художественный музей Индианаполиса (США)
Ранние буддисты в Индии разработали символы, связанные с Буддой. Основные пережитки буддийского искусства начинаются в период после буддийского искусства маурьев, в Северной Индии кушанское искусство, греко-буддийское искусство в гандхара и, наконец, «Классический» период искусства Гупта. Большое количество скульптур сохранилось с некоторыми ключевыми памятниками, таких Санчи, Бхархут и Амаравати, некоторые из остаются на месте, а другие - в музеях в Индии или которых поблизости. мир. Ступы были окружены церемониальными оградами с четырьмя обильно вырезанными торанами или орнаментальными воротами, обращенными по сторонам света. Они выполнены из камня, хотя явно принимают формы, созданные из дерева. Они и стены самой ступы могут быть сильно украшены рельефами, в основном украшающими жизнь Будды. Постеплялись фигуры в натуральную форму, сначала с глубоким рельефом, но затем отдельно стоящие. Искусство Матхуры было наиболее важным развитием в этом развитии, относилось к индуистскому, так и к джайнскому искусству, а также к буддизму. Фасады и интерьеры высеченных в скале чайтья молельных залов и монастырских вихар сохранились лучше, чем аналогичные отдельно стоящие строения в других местах, которые долгое время были в основном деревянными. Пещеры в Аджанте, Карле, Бхаджа и в других местах содержат ранние скульптуры, которых часто меньше, чем более поздние работы, такие как изображения Будды и бодхисаттв, которые не найдены, по крайней, до 100 лет нашей эры.
Голова и грудь льва; около 5 века; песчаник ; высота: 61 см, ширина: 35,6 см; Музей изящных искусств (Бостон, США)
Сидящий Будда; около 475; песчаник; высота: 1,6 м; Музей Сарнатха (Индия)
идол Чаумукха; около 600; песчаник; 58,42 × 43,18 × 44,45 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес (США)
Бодхисаттва Падмапани; 450–490; пигменты на камне; высота: около 1,2 м; Пещеры Аджанты (Индия)
Четырехголовый бог Харихара ; 9 век; мыльный камень ; из Кашмира (Индия); Этнологический музей Берлина (Германия)
Бодхисаттва Локешвара (как «Владыка мира»); 9 век; базальт ; Музей Ритберга (Цюрих, Швейцария)
Модель сикхары буддийского храма; 900-е годы; каолинит ; 28 × 9 × 9 см; Музей искусств Кливленда (Кливленд, США)
Натараджа ; около 11 века; медный сплав; высота: 68,3 см, диаметр: 56,5 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Статуя Ганеша ; 11 век; песчаник; Музей Ритберга
Охота на слонов Махараджи Ануп Сингха из Биканера; 1690–1700; бумага непрозрачная акварель, золото и серебро; высота: 31,1 см, ширина: 39,4 см; Художественный музей Цинциннати (Цинциннати, США)
Портрет Шаха Джахана на Павлиньем троне; 19 век; высота страницы: 37,2 см, высота картины: 16,5 см; Метрополитен-музей
Расписная дверь; 1815; цвет по дереву; общие: 190 × 88,9 × 43,7 см; Кливлендский музей искусств
Более тысячи лет тибетские художники играли ключевую роль в культурной жизни Тибета. От дизайна расписной мебели до сложных фресок в религиозных зданиях - их усилия пронизали практически все аспекты жизни на тибетском плато 1767. Подавляющее большинство сохранившихся произведений искусства, созданных до середины 20 века, посвящено изображению религиозных сюжетов, основными формами которых являются тханка, темпер картины на ткани, тибетские Буддийские настенные росписи и маленькие статуи из бронзы или большие из глины, лепнины или дерева. Они были заказаны религиозными учреждениями или благочестивыми людьми для использования в практике тибетского буддизма и производились в больших мастерских монахами и мирскими художниками, которые в большинстве своем неизвестны.
Искусство Тибета можно изучать с точки зрения влияний, которые способствовали ему на протяжении веков, от других китайцев, непальцев, индийцев <1767 г.>и священные стили. Считается, что многие изделия из бронзы в Тибете, предполагающие влияние Палы, были либо изготовлены индийскими скульпторами, либо привезены из Индии.
Искусство Бутана похоже на искусство Тибета. Оба основаны на буддизме Ваджраяны с его пантеоном божественных существ. Основными орденами буддизма в Бутане являются Друкпа Кагью и Ньингма. Первая является ветвью школы Кагью и известна картинами, документирующими родословную буддийских мастеров и 70 Дже Кхенпо (лидеров бутанского монашеского истеблишмента). Орден Ньингма известен изображениями Падмасамбхавы, которому приписывают распространение буддизма в Бутане в 7 веке. Согласно легенде, Падмасамбхава спрятал священные сокровища, чтобы их нашли будущие буддийские мастера, особенно Пема Лингпа. искатели сокровищ (tertön ) также часто встречаются в искусстве ньингма.
Фигурка; 14–15 века; позолоченно-медный сплав; высота: 13,5 см, ширина: 9,8 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Алтарь; 1700–1899; металл, камни и филигрань; длина: 130,7 см; Британский музей (Лондон)
Горжет; 18-ый век; серебро и различные драгоценные камни; габарит: 8,9 см, цепочка: 13,7 см; из Тибета; Музей искусств Кливленда (Кливленд, США)
Нарисованный Будда медицины мандал с богиней Праджняпарамитой в центре; 19 век; Художественный музей Рубина (Нью-Йорк)
В Восточной Азии возникла из практики каллиграфии, а портреты и пейзажи писались на шелковой ткани. Большинство картин представляют собой пейзажи или портреты. Самые впечатляющие скульптуры - это ритуальные бронзовые скульптуры и бронзовые скульптуры из Саньсиндуи. Очень известный пример китайского искусства - Терракотовая армия, изображающая армия Цинь Шихуаня, первого императора Китая. Это форма погребального искусства, похороненного вместе с императором в 210–209 гг. До н.э. целью была защита императора в его загробной жизни.
Китайское искусство является одним из рейших непрерывных искусств в мире и отличается необычайной степенью преемственности внутри и осознанием этой традиции, не имеющей эквивалента западному краху и должному возрождению классической стили. Средства массовой информации, которые обычно классифицируются на Западе с Возрождения как декоративное искусство, чрезвычайно важны в китайском искусстве, и большая часть лучших работ была произведена в больших мастерских илифабриках. по сути неизвестные художники, особенно в китайской керамике. Ассортимент и качество товаров, которыми украшали китайские дворцы и дома, а также их жителей, поражают воображение. Материалы поступали со всего Китая и далеко за его пределами: золото и серебро, перламутр, слоновая кость и рог носорога, дерево и лак, нефрит и мыло. камень, шелк и бумага.
Вотивная стела с Буддой Шакьямуни ; датировано 542 годом (династия Восточная Вэй ); известняк; Музей Ритберга (Цюрих, Швейцария)
Статуэтки танцоров; 8 век (Империя Тан ); керамический; Исторический музей Берна (Швейцария)
Ван Сичжи наблюдает за гусями; Цянь Сюань ; 1235 - до 1307 г.; ручная прокрутка (бумага, тушь, цвет, золото); Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Крытая коробка с павильоном и фигурами; 1300-е годы (династия Юань ); резной лак; Токийский национальный музей (Токио)
Вазы Давида ; 1351 год (династия Юань); фарфор, кобальтовый синий декор под глазурь; высота: 63,8 см; Британский музей (Лондон)
Две фляги с драконами; 1403–1424; подглазурный голубой фарфор; высота (левая) 47,8 см, высота (правая) 44,6 см; Британский музей
Фляга паломника, украшенная персиками и гранатами, сделанная в технике перегородчатой перегородки ; 1-я половина 17 века (династия Мин ); Музей Ритберга
Мирное начало нового года; Дин Гуаньпэн ; 1748; бумага, тушь и цвет; рост: 179,3 см; Национальный дворец-музей (Тайбэй, Тайвань )
Цветущая вишня и осенние клены с отрывками из стихотворений; автор Тоса Мицуоки ; 1654– 1681; пара шестипанельных экранов: тушь, цвет, золото и серебро на шелке; высота: 144 см, ширина: 286 см; Художественный институт Чикаго (Чикаго, США) Японское искусство охватывает широкий спектр художественных стилей и материалов, включая древнюю керамику, скульптуру, живопись тушью и каллиграфию на шелке и бумаге, картины укиё-э и гравюры на дереве, керамика, оригами и совсем недавно манга - современный японский карикатуры и комиксы - наряду с множеством других типов.
Первые поселенцы Японии, люди Дземон (ок. 11 000–300 до н. Э.). богато украшенные сосуды для хранения глиняной посуды, глиняные фигурки под названием dogū. Япония стала объектом внезапных нашествий новых идей с последующими длительными периодами минимального контакта с внешним миром. Со временем японцы развили способность впитывать, подражать и, наконец, ассимилировать те элементы иностранной культуры, которые дополняли их эстетические предпочтения. Самое раннее комплексное искусство в Японии возникло в VII и VIII веках в связи с буддизмом. В 9 веке, когда японцы начали отворачиваться от Китая и развивать местные формы самовыражения, светское искусство становилось все более важным; до конца 15 века процветали как религиозное, так и светское искусство. После Онинской войны (1467–1477) Япония вступила в период политических, социальных и экономических потрясений, продолжавшихся более века. В государстве, которое возникло под руководством сёгуната Токугава, организованная религия играла гораздо менее важную роль в жизни людей, а сохранившиеся искусства были в основном светскими.
Фудо Мью (Акала), царь мистических знаний; конец XII века (период Фудзивара); древесина кипариса с остатками цветного каркаса; Музей Ритберга (Цюрих, Швейцария)
Игра по угадыванию благовоний; 1615–1868; лак ; общий: 23 × 25,4 × 16,6 см; Кливлендский музей искусств (Кливленд, Огайо, США)
Роб; начало 1700-х годов; шелковая и парчовая металлическая нить; габаритные: 139,7 × 133,3 см; Кливлендский художественный музей
Японский сундук с картушем, изображающим фигуры на ослах в пейзаже; 1750–1800; резной красный лак на деревянной основе с металлической фурнитурой и нефритовым замком; 30,64 × 30,16 × 12,7 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес (США)
Три красавицы нашего времени ; автор Китагава Утамаро ; около 1793 г.; высота: 3,87 см (15,23 дюйма), ширина: 2,62 см (10,31 дюйма); Художественный музей Толедо (Толедо, Огайо, США)
Пластина; 1800-е годы; надглазурный эмалированный фарфор; диаметр: 48,3 см, общий: 5,7 см; Кливлендский музей искусств
Инро ; 19 век; дерево, лак и золото; Исторический музей Берна (Швейцария)
Раскрашенный раскладной веер; автор Ямамото Байицу ; 1832; бумага, тушь и цвет; Изображение: 17 × 47,5 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Лицевая 
Надпись Королевская печать с набалдашником в виде черепахи; конец 16–17 вв.; литая бронза с позолотой; 6,98 × 15,24 × 15,24 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес (Лос-Анджелес, США) Корейское искусство включает традиции каллиграфии, музыки, живописи и керамики, часто отмеченные использованием естественных формы, украшения поверхности и яркие цвета или звуки.
Самые ранние образцы корейского искусства включают произведения каменного века, датируемые 3000 годом до нашей эры. В основном они состоят из вотивных скульптур и, совсем недавно, петроглифов, которые были обнаружены заново. За этим ранним периодом последовали художественные стили различных корейских королевств и династий. Корейские художники иногда видоизменяли китайские традиции, отдавая предпочтение простой элегантности, непосредственности и цениванию чистоты природы.
Корё Династия (918–1392) была одним из самых плодотворных периодов для широкого круга дисциплин, особенно гончарного. Рынок корейского искусства сконцентрирован в районе Инсадон в Сеуле, где более 50 небольших галерей проводят выставки, а иногда и аукционы изобразительного искусства. Галереи создаются совместно, они небольшие и часто содержат тщательно продуманные и тщательно продуманные экспонаты. В каждом городе есть небольшие региональные галереи с местными художниками, показывающими традиционные и современные средства массовой информации. В художественных галереях обычно используются разные средства массовой информации. Попытки вывести западное концептуальное искусство на передний план обычно имели наибольший успех за пределами Кореи в Нью-Йорке, Сан-Франциско, Лондоне и Париже.
Статуя Майтрейи в медитации; 6-7 века; позолоченная бронза; высота: 83,2 см; Национальный музей Кореи (Сеул )
Водяная луна Квансеум; начало 14 века; свиток, тушь и краски на шелке; 1,14 × 0,55 м; Музей Метрополитен (Нью-Йорк)
Семья тигров; 17 век; чернила и цвет на бумаге; высота: 584,20 мм, ширина: 371,47 мм; Денверский художественный музей (Денвер, Колорадо, США)
Будда Сокгамони (Шакьямуни) проповедует собранию на пике стервятников; 1755 год; без опоры, тушь и цвет на шелке; приблизительно 335,28 × 406,4 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес
Прамбанан панель; начало IX века; вулканический камень; высота: около 23 см. Эта панель украшает Канди Лоро Джонгранг, или Храм Стройной Девы, главный памятник храмового комплекса Прамбанан в Центральной Ява (Индонезия ). Здесь находится статуя Дурги, супруги Шивы в ее жестоком облике Искусство Юга Восточная Азия, регион простирающийся от Бирмы (также известной как Мьянма) и индонезийского острова Суматра на западе до Папуа-Новой Гвинеи и Филиппин на востоке, чрезвычайно богат и разнообразен, во многом благодаря культурному влиянию Индии, пришедшему с введением индуизма и буддизма в первые века нашей эры. Здесь живут популяции самого разного этнического происхождения, говорящие на сотнях разных языков и существующие на разных этапах культурной эволюции. За некоторыми исключениями, эти народы на протяжении своей долгой истории подвергались внешнему культурному влиянию различной интенсивности со стороны исламского мира, Китая и Запада, а также из Индии. Большая часть искусства Юго-Восточной Азии носит религиозный характер. Проникновение индуистских и буддийских влияний из Индии было особенно сильным в материковых странах: Бирме, Таиланде, Камбодже и Лаосе. Христианские влияния преобладают на Филиппинах и Тиморе-Лешти. Китайское влияние было более ограниченным, за исключением Вьетнама, который находился под китайской гегемонией со II века до нашей эры до десятого века нашей эры.
Ранние правители Юго-Восточной Азии строили государственные храмы, чтобы утвердить свою легитимность и материально выразить свою мощь и авторитет. Их часто украшали рельефные скульптуры большой живости и оригинальности, которые, тем не менее, всегда соответствовали установленным иконографическим традициям для изображения индуистских и буддийских тем.
Художники Юго-Восточной Азии издавна преуспели в фресковой живописи и росписи по лаку, особенно в буддийских странах на материке и на индуистском Бали. Фрески и обычно расписываются на внутренних стенах галерей, окружающих ограды храма, в то время как крашеный лак в основном наносится надеревянные предметы: панели, шкафы, сундуки, двери и ставни. Сюжет обеих форм живописи обычно ограничивается изображениями индуистскихбожеств; рассказы из индуистских эпосов Рамаяна и Махабхарата ; эпизоды из жизни исторического Будды и рассказы из его предыдущих жизней (джатаки ); и другие индуистские и буддийские темы.
Сидящее божество; конец 9-го; песчаник ; из Чампа (Провинция Куангнам, Храмовый комплекс Донг-ду'онг); Музей Ритберга (Цюрих, Швейцария )
Толлитама фронтон ; из Камбоджи; 976; розовый песчаник; 196 × 269 см; Musée Гиме (Париж)
статуя Шивы ; 10-12 века; песчаник ; высота: 150 см; Музей Гиме
Статуя богини; 1775–1825; дерево, стекло, краска и позолота; высота: 41,2 см, ширина: 18,5 см, глубина: 12,0 см, вес: 1,5 кг; Рейксмузеум (Амстердам, Нидерланды )
Страница Манускрипта Пхра Малай ; непрозрачная акварель и чернила на бумаге; обложки: позолоченная и лакированная бумага; ок. 1860–1880; 13,97 × 68,26 × 6,35 см; Музей искусств округа Лос-Анджелес (США)
Каин саронг прада (ткань для церемониальной юбки); из Индрамайи (Ява, Индонезия); конец XIX века; хлопок, сусальное золото, полотняное переплетение, батик (окрашенный резист); Художественный музей Гонолулу (Гавайи, США)
изображение Агусана божество; 9-10 века; золотая статуя; из Ph илиппины ; Полевой музей естественной истории (Чикаго)
Статуя Мадонны с младенцем; 1600-е годы; слоновая кость с серебром ; из Филиппин ; Севильский собор (Испания)
Маска Прабу Девакусума, принца Дженггала; около 1890 г.; крашеное дерево; с восточной Явы; Музей Ритберга
Ваянг Кулит, также известный как Ваджанг Коэлит, представляет собой разновидность кукольного театра на Яве, в Индонезии и других частях Юго-Восточной Азии
Африканские произведения искусства, выставленные в Музей Ритберга из Цюриха (Швейцария ), в августе 2011 африканское искусство включает в себя обе скульптуры, олицетворяемые латунными отливками народ Бенина, а также народное искусство. Одновременно с европейским средневековьем в XI веке нашей эры в Великом Зимбабве была основана нация, которая создавала величественную архитектуру, золотые скульптуры и замысловатые украшения. Впечатляющая скульптура была одновременно отлита из латуни народом йоруба на территории современной Нигерии. Такая культура росла и в конечном итоге трансформировалась в Королевство Бенин, где были созданы элегантные алтарные бивни, латунные головы, латунные таблички и дворцовая архитектура. Королевство Бенин было уничтожено британцами в 1897 году, и в Нигерии осталось немного искусства культуры. Сегодня самым значительным местом искусства в Африке является.
Африка к югу от Сахары отличается высокой плотностью культур. Примечательны, люди догонов из Мали ; Эдо, Йоруба, Игбо люди и цивилизация Нок из Нигерии ; куба и луба из Центральной Африки ; народ ашанти из Ганы ; народ зулу из Южной Африки ; и клыкастый народ из Экваториальной Гвинеи (85%), Камеруна и Габона; цивилизация Сао люди из Чада; Народ квеле из восточного Габона, Республика Конго, и Камерун.
Множество форм африканского искусства являются компонентами некоторых из самых ярких и отзывчивых художественных традиций в мире и являются неотъемлемой частью жизни африканцев. Произведения искусства, созданные для определенных целей, могут раскрыть свою непреходящую важность посредством физических преобразований, которые улучшают как их внешний вид, так и их силу. Многие традиционные африканские формы искусства создаются как проводники в мир духов и меняют внешний вид по мере добавления материалов, которые усиливают их красоту и силу. Чем больше используется и благословляется произведение, тем более абстрактным оно становится из-за нарастания жертвенного материала и стирания оригинальных деталей.
Сидящая фигура; по Нок Культура ; V век до нашей эры - V век нашей эры; терракота; высота: 38 см; Музей на набережной Бранли (Париж)
Голова короля или сановника; от народ йоруба ; 12–15 века нашей эры; терракота; обнаружен в Ифе (Нигерия); Этнологический музей Берлина (Германия)
Сидящая фигура; 13 век; терракота; высота: 29,9 см; из Дженне-Дженно (Мали ); Метрополитен-музей (Нью-Йорк )
Бенинская маска изслоновой кости, на которой изображен Идиа ; из Королевства Бенин ; начало XVI века века; слоновая кость с инкрустацией из железа; высота: 23,8 см, вес: 12,7 см, глубина: 8,3 см; Метрополитен-музей
Табличка с воинами и служителями; из Королевства Бенин; XVI – XVII века; латунь; высота: 47,6 см; Метрополитен-музей
кресло Prestige; автор; около 1800; дерево; общий: 80,7 × 53,3 × 44,5 см; Кливлендский художественный музей (Огайо, США)
Подголовник; от народ Люба ; 19 век; дерево; высота: 18,5 см (7,2 дюйма), ширина: 19 см (7,4 дюйма), толщина: 8 см (3,1 дюйма); Музей на набережной Бранли
Маска; от людей клыка ; около 1895 г.; дерево окрашено каолином ; высота: 78 см; этнологический музей Берлина (Германия)
Маска; от народа квеле ; начало 20 века; расписное дерево; высота: 63 см; Muséum d'Histoire naturelle de La Rochell e (Ла-Рошель, Франция)
Маска; народ яка ; начало 20 века; дерево, рафия и цветные пигменты; Музей Ритберга (Цюрих, Швейцария)
маска буйвола; возможно, людьми Bwa ; начало-середина 1900-х годов; волокна и крашенная древесина; Кливлендский художественный музей
Традиционный дом тата-сомба в Бенине
Искусство Океании включает географические области Микронезии, Полинезии, Австралия, Новая Зеландия и Меланезия. Один подход рассматривает территорию тематически, с акцентом на родословную, войны, тело, пол, торговлю, религию и туризм. К сожалению, от Океании сохранилось немного древнего искусства. Ученые считают, что это вероятно потому, что художники использовали скоропортящиеся материалы, такие как дерево и перья, которые не выжили в тропическом климате, и нет исторических записей, которые могли бы указать на большую часть этого материала. Таким образом, понимание художественной культуры Океании начинается с ее документирования западными людьми, такими как капитан Джеймс Кук в 18 веке. На рубеже 20-го века французский художник Поль Гоген провел значительное количество времени на Таити, живя с местными жителями и создавая современное искусство - факт, который до сих пор неразрывно связан с визуальной культурой Таити. Искусство коренных народов Австралии часто выглядит как абстрактное современное искусство, но имеет глубокие корни в местной культуре.
Искусство Океании - последняя великая традиция искусства, получившая признание всего мира. Несмотря на то, что это одна из самых давних традиций искусства в мире, насчитывающая не менее пятидесяти тысячелетий, она оставалась относительно неизвестной до второй половины 20 века.
Часто эфемерные материалы искусства аборигенов Австралии затрудняют определение древности большинства форм искусства, практикуемых сегодня. Самые прочные формы - это множество наскальных рисунков и наскальных рисунков, которые можно найти по всему континенту. В откосе Арнемленда есть свидетельства того, что картины были созданы пятьдесят тысяч лет назад, что предшествовало палеолитическим наскальным рисункам Альтамира и Ласко в Европе.
Руководитель; 9–11 века; везикулярный базальт ; высота: 19,7 см, ширина: 15,5 см; из Гавайи ; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Моаис в Рано Рараку (Остров Пасхи ). Моаи - это монолитные человеческие фигуры, вырезанные народом рапа-нуи на острове Пасхи между 1250 и 1500 годами
Таурапа (маори <1767 г.)>штанга каноэ); конец 18 - начало 19 века; дерево и брус; рост: 148 см; Музей набережной Бранли (Париж)
Маори часть сундука с сокровищами; около 1850 г.; из Новой Зеландии ; Musée du quai Branly (Париж)
Ули, фигура ; около 19 века; крашеное дерево, улитка каури, шапка из турбоулитки и лубяные волокна; из провинции Новая Ирландия (Папуа-Новая Гвинея); Музей Ритберга (Цюрих, Швейцария)
Боевой щит; 19 - начало 20 веков; дерево, трава и рафия ; из Камбрамбо (Нижний Сепик, Папуа-Новая Гвинея); Музей Ритберга
Маси (ткань из коры); 20 век; из Фиджи ; Художественный музей Гонолулу (Гавайи, США)
Мужской клуб, 1907, из Палау, сейчас в этнологическом музее Берлина (Германия)
Фрагмент парадного дома снабжения из Папуа-Новой Гвинеи, сейчас находится в этнологическом музее Берлина
Ожерелье; до 1909 г.; позвонки акулы, панцирь (Cassis rufa), стеклянные бусины, волокно; диаметр: около 35 см; из Вувулу (Папуа-Новая Гвинея); Музей пяти континентов (Мюнхен, Германия)
Ожерелье; до 1912 г.; колючки морского ежа, клетчатка; диаметр: около 30 см; Музей «Пять континентов»
Изображение тотемного предка кенгуру; 1915; роспись по коре; 92,5 × 35,5 × 5,5 см; Аллигатор Риверс (Арнемленд, Австралия ); Musée du quai Branly (Париж)
С упадком Римской империи, средневековье началось, продолжавшееся тысячелетие. Раннехристианское искусство начинается период, за которым следуют византийское искусство, англосаксонское искусство, искусство викингов, оттонское искусство, романское искусство и готическое искусство, причем исламское искусство доминирует в восточном Средиземноморье.
В византийском и готическом искусстве средневековья господство церкви привело к появлению большого количества религиозного искусства. В картинах широко использовалось золото, на котором фигуры изображались в упрощенной форме.
Две страницы Евангелия с комментариями: Портрет Марка; 1000–1100; тушь, темпера, золото, пергамент и кожаный переплет; лист: 28 × 23 см; Кливлендский музей искусств (Кливленд, Огайо, США) 
Византийский угольщик; конец VI – VII вв.; золото, изумруд, сапфир, аметисты и жемчуг ; диаметр: 23 см; из мастерской Константинополь ; Antikensammlung Berlin (Берлин, Германия) Византийское искусство также относится к совокупности христианских греческих художественных произведений Восточной Римской (Византийской) империи. как нации и государства, культурно унаследовавшие от империи. Хотя сама империя возникла из упадка Рима и просуществовала до падения Константинополя в 1453 году, дата начала византийского периода в истории искусства более ясна, чем в политической истории, хотя и неточна. Многие восточно-православные государства в Восточной Европе, а также в некоторой степени мусульманские государства востока сохранили многие аспекты культуры и искусства империи на протяжении столетий после этого.
Иконы (от греческого εἰκών eikōn «образ», «сходство») являются наиболее важными визуальными элементами в византийской религиозной практике, занимающими центральное место в православном богослужении с конца иконоборчества. в девятом веке. Согласованные в своем формате, чтобы сохранить ощущение портретной живописи и близость любимых изображений, они, тем не менее, со временем трансформировались. Необычной чертой византийского искусства являются золотые задники. Прозрачное стекло часто покрывали сусальным золотом, чтобы создать богатый мерцающий эффект.
Священные книги, которые несли патриархи в восточных процессиях, читали монахи в уединенных пещерах и держали императоры на важных церемониях, часто красиво иллюстрировали, занимали центральное место в византийской вере и ритуалах. Похоже, что в ранневизантийский период между шестым и восьмым веками нашей эры было создано немного рукописей, но после окончания иконоборчества в девятом веке был расцвет расписных книг.
Ювелирные изделия, которые носили мужчины, женщины и дети, были явным показателем положения и богатства в византийском обществе. Стили варьировались от смелой, тяжелой работы из золота с яркими крупными камнями кабошон до необычайно тонкой золотой филиграни и зернистости. Орнамент варьировался от декоративных узоров до цветочных и животных мотивов и сложной христианской иконографии. Часто украшения прикрепляли к парадным платьям, которые не часто требовали чистки. Популярной техникой с 3-го по 7-й века была opus interrasile или diatrita, в которой тонкие тонкие листы золота прокалывались, создавая эффект кружева, который одновременно красив и экономичен, поскольку снижает вес используемого золота. К V веку, стимулированные торговлей с Востоком, были включены цветные драгоценные и полудрагоценные камни, полированные, а не ограненные. Декоративные узоры были выбраны из работы с золотой оценкой, выделенной темным чернью (сульфид серебра, контрастирующий с золотом и серебром) или, из 9 века, изображенных на эмалированной.
плите с рельеф с изображением Рождества Христова ; 4 - начало 5 века; мрамор; Византийский и христианский музей (Афины )
Апсида церкви Санта-Мария-Маджоре в Риме, украшенная в V веке этой гламурной мозаикой
Собор Святой Софии, вероятно, самый ранний христианский собор, построенный в 542–547 годах в Константинополе императором Юстинианом. После падения Византии в 15 веке. он стал мечетью, а с 1934 года стал музеем
Столица корзины из Святой Софии (Стамбул, Турция)
Мозаики на потолке и некоторых стенах Базилики Сан-Витале в Равенне (Италия), около 547 г. н.э.
Маленькая метрополия в Афинах, построенная в неизвестные даты, между 9-м до XIII века
Икона со Святым Димитрием; 950–1000; слоновая кость; габаритные: 19,7 × 12,1 × 1 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Камея; 10- 11 века; яшма, альмандин, изумруд и c хризопраз ; из Константинополь ; Музеи Московского Кремля (Россия)
Евангелие; около 1100 г.; темпера, золото, тушь на пергаменте и кожаном переплете; общие: 36,8 × 29,6 × 12,4 см, лист: 35 × 26,2 см; Метрополитен-музей
Медальон с Христом из рамы для иконы; около 1100 г.; золото, серебро и эмаль, обработанные в перегородчатой ткани ; диаметр: 8,3 см; Метрополитен-музей
Икона новозаветной Троицы; около 1450 г.; темпера, золото на деревянной панели (тополь); Музей искусств Кливленда (Кливленд, Огайо, США)
Страница армянской иллюминированной рукописи ; 1637–1638; темперные краски, золотая краска и сусальное золото на пергаменте; высота: 25,2 см; Центр Гетти (Лос-Анджелес)
Англосаксонское искусство охватывает искусство, созданное в рамках англосаксонского периода английской истории, начиная с стиль периода миграции, который англосаксы принесли с континента в V веке, и завершился в 1066 году нормандским завоеванием большого англосаксонского национального государства, чья сложная искусство имело влияние на большую часть северной Европы. Двумя периодами выдающихся достижений были VII и VIII века, связанные с изделиями из металла и драгоценностями из Саттон-Ху и серией великолепных иллюминированных рукописей, и последний период после 950 года, когда произошло возрождение английского языка. культура после окончания нашествий викингов. Ко времени Конкисты переход к романскому стилю почти завершен. Важные художественные центры, насколько это возможно, были сосредоточены на окраинах Англии, в Нортумбрии, особенно в ранний период, и Уэссексе и Кенте. около южного побережья.
Пряжка Саттон Ху ; 580–620; золото и чернь; длина: 13,1 см; Британский музей (Лондон)
шлем Саттон-Ху ; начало 7 века нашей эры; медный сплав, железо, золото и гранат ; высота: 31,8 см; Британский музей
Застежки из Саттон-Ху ; начало 7 века; золото, стекло и гранат ; длина: 12,7 см; Британский музей
The Incipit Мэтью из Книги Линдисфарна ; конец 7 века; тушь и пигменты на пергаменте; 34 × 25 см; Британская библиотека (Лондон)
Оттонское искусство - это стиль в дороманском немецком искусстве, охватывающий также некоторые работы из Нидерландов, северной Италии и восточной Франции. Он был назван историком искусства Хубертом Яничком в честь династии Оттонов, которая правила Германией и северной Италией между 919 и 1024 годами при королях Генрихе I, Отто I, Отто II, Отто III и Генрих II. С оттоновской архитектурой, это ключевой компонент оттоновского Возрождения (ок. 951–1024). Однако стиль не начинался и не заканчивался, чтобы точно совпадать с правлением династии. Он просуществовал несколько десятилетий после их правления и сохранялся после оттоновских императоров в период правления ранней династии Салиан, которая не имеет собственного художественного «стилевого ярлыка». В традиционной схеме истории искусства оттоновское искусство следует за каролингским искусством и предшествует романскому искусству, хотя переходы на обоих концах периода происходят скорее постепенно, чем внезапно. Подобно первому и в отличие от последнего, этот стиль в значительной степени ограничивался несколькими небольшими городами того периода и важными монастырями, а также придворными кругами императора и его руководства вассалы.
реликварий в форме книги; около 1000; слоновая кость, позолоченное серебро, жемчуг, рубины, изумруды, кристаллы, оникс, сердолик и дуб; габаритные: 31,6 × 24,4 × 7,5 см; Кливлендский художественный музей (США)
Евангелие Генриха II; около 1020; иллюминация на пергаменте; Библиотека Ватикана (Рим)
Крест Матильды ; 11 век; дуб, золото, стекло, бронза, эмаль и другие материалы; высота: 45 см, ширина: 30,5 см; Сокровищница Эссенского собора (Германия)
Колонна Бернварда ; 1000–1200; медный сплав; высота: 3,8 м; Хильдесхайм (Нижняя Саксония, Германия)
Искусство викингов, также широко используемое как скандинавское искусство, является термином, широко используемымдля искусство из скандинавских поселений норманнов и викингов в отдаленных районах, особенно на Британских островах и Исландии - в эпоху викингов VIII - XI вв. Н. Э. Искусство викингов имеет много общих элементов дизайна с кельтским, германским, более поздним романским и восточноевропейским искусством, разделяя много влиятельным с каждой из этих традиций.
Один из камней Стора Хаммарс ; около 750; известняк; высота: 3,7 м; Лэрбро (Швеция)
Мемориальная доска, украшенная головами стоящих перед лицом монстров; 8 - конец 9 века; китовая кость; 22 × 18,3 × 0,8 см; Художественный музей Уолтерса (Балтимор, США)
Столб животного головы; около 820; дерево; высота: 51 см; Музей кораблей викингов (Осло, Норвегия)
Терминал для брошки с открытым кольцом; около 950; серебро, золото и чернь; габаритные: 5 × 3,7 × 3,6 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Весь гобелен из Байе. Отдельные изображения каждой сцены находятся на Bayeux Tapestry tituli. (Проведите пальцем влево или вправо.) Романский был первым панъевропейским стилем, возникшим после Римской империи, с середины десятого по тринадцатый век. В этот период возродились монументальные каменные сооружения со сложными структурными программами.
Романские церкви характеризуются жесткой артикуляцией и геометрической четкостью, объединенными в единое объемное целое. Архитектура строгая, но оживленная декоративной скульптурой капителей и порталов, а также интерьерами, расписанными фресками. Геометрические и лиственные узоры уступают место все более трехмерной фигуративной скульптуре.
С середины одиннадцатого до начала тринадцатого веков романская живопись была двумерной, определяемой смелыми, линейными очертаниями и геометрией, особенно в обращении с драпировкой; подчеркнута симметрия и фронтальность. Практически все западные церкви были расписаны, но, вероятно, только несколько художников были монахами; вместо этого большую часть этой работы выполняли странствующие художники. Основное перекрытие выполнено на мокрой штукатурке земляных оттенков. Ограниченная палитра, в которой преобладают белые, красные, желтые охры и лазурь, была использована для максимального визуального эффекта с плотной окраской, образующей фон из полос, практика, которая возникла в позднем классическом искусстве как попытка различить землю и небо.
В конце одиннадцатого и двенадцатого веков, великой эпохи западного монашества, Европа пережила беспрецедентные экономические, социальные и политические изменения, приведшие к растущему богатству землевладельцев, в том числе монастырей. Спрос на книги рос, а экономическое богатство позволило обильно иллюминировать многие рукописи.
. Одним из выдающихся артефактов того времени является 70-метровый гобелен Байе. На нем изображены события, приведшие к нормандскому завоеванию Англии с главными героями Вильгельмом, герцогом Нормандии, и Гарольдом, графом Уэссексом, впоследствии королем Англии, и завершилась битвой при Гастингсе. Считается, что он датируется 11 веком. Он рассказывает историю с точки зрения норманнов-завоевателей, но теперь считается, что он был сделан в Англии, скорее всего, женщинами, хотя дизайнер неизвестен. Он расположен в Франции.
Аббатстве Марии Лаах (около Андернах, Германия), одной из самых знаковых романских церквей
Каменный барельеф Иисуса, из аббатства Везеле (Бургундия, Франция)
Миниатюра Святого Иоанна Богослова ; до 1147 г.; иллюминация на пергаменте; 35,5 см; Авен-сюр-Хельп (Франция)
побивание камнями святого Стефана; 1160-е годы; фреска; высота: 1,3 м; Аббатство Святого Иоанна (Валь Мюстаир, кантон Граубюнден, Швейцария)
Диптих Вильтона ; 1395–1459; темпера, золото на панели; 53 × 37 см; Национальная галерея (Лондон) Готическое искусство развилось в Северной Франции из романского стиля в XII веке нашей эры и во главе с параллельным развитием готической архитектуры. Он распространился на всю Западную Европу и большую часть Южной и Центральной Европы, никогда не стирая более классические стили в Италии. В конце 14 века развился утонченный придворный стиль международной готики, который продолжал развиваться до конца 15 века.
Величественные готические соборы с их скульптурными программами и витражами олицетворяют готический стиль. От романского он отличается своими ребристыми хранилищами и использованием огивов. Вместо толстых романских стен готические здания тонкие и высокие. Винтовые лестницы в башнях характерны для готической архитектуры.
Готическая живопись, большая часть которой выполнена темперой, а позже маслом на панелях, а также фресками и всеми более широкой палитрой вторичных цветов, как правило, считается более «натуралистическим», чем романский. Подчеркнута человечность религиозного повествования и индивидуализировано эмоциональное состояние персонажей. Возросшая урбанистика средневековой экономики и рост клерикалов и мир привели к изменению характера рынка произведений искусства, что можно увидеть в развитии готической подсветки рукописей. В мастерских работали специалисты для различных элементов страницы, таких как фигуры или виноградные лозы по краям.
Часть Королевского портала; 1145–1155; известняк; Шартрский собор (Шартр, Франция)
Окна северного трансепта; около 1230–1235 годов; витраж; диаметр (окно-розетка): 10,2 м; Шартрский собор
Французский диптих с коронацией Богородицы и Страшным судом; 1260–1270; слоновая кость с металлическими креплениями; габаритные: 12,7 × 13 × 1,9 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Немецкий диптих с религиозными сценами; 1300–1325; серебро позолота с полупрозрачными и непрозрачными эмалями; габаритный (открытый): 6,1 × 8,6 × 0,8 см; Метрополитен-музей
Страница из Très Riches Heures du Duc de Berry изображает похороны Раймона Диокреса; 1411–1416 и 1485–1486; темпера на веллуме ; высота: 29 см, ширина: 21 см; Музей Конде (Шантильи, Франция )
Леди и Единорог, название данной серии из шести гобеленов, сотканных во Фландрии <1767 г.>, этот назывался À Mon Seul Désir; конец 15 века; шерсть и шелк; 377 × 473 см; Musée de Cluny (Париж)
Австрийская статуя Девы на престоле; 1490–1500; известняк с левкасом, роспись и позолота; 80,3 × 59,1 × 23,5 см; Метрополитен-музей
Вход в Иерусалим ; около 1500 г.; живопись; Музей Лион (Лион, Франция)
Архитектурная история России обусловлена православной Восточной Европой: в отличие от Запада, но точно так же, хотя и слабо, связанное с традициями классической древности (через Византию ). Время от времени она испытывала западнические движения, кульминацией стали всеобъемлющей реформы Петра Великого (около 1700 г.). восточные времена для народной русской архитектуры было дерево. Византийские церкви и архитектура Киевской Руси характеризовались более широкими, плоскими куполами без специального каркаса, возведенного над барабаном. В отличие от этой древней формы, каждый барабан русского храма увенчан особой конструкцией из металла или дерева, облицованной листовым железом или плиткой. В русской экономике купольная форма использовалась не только для церквей, но и для других построек. Некоторые характеристики славянских языческих храмов - это внешние галереи и множество башен.
Использование и изготовление икон вошло в Киевскую Русь после ее обращения в православие из Восточной Римской (Византийской ) империи в 988 году нашей эры. Как правило, иконы эти строго следовали моделям и формулам, освященным употреблением, некоторые из которых возникли в Константинополе. Со временем русские - особенно Андрей Рублев и Дионисий - расширили словарный запас культовых типов и стилей, намного превзойдя все, что можно найти где-либо еще. Личные, импровизационные и творческие традиции западноевропейского религиозного искусства в степени отсутствуют в России до семнадцатого века, когда на живопись Симона Ушакова оказали сильное влияние религиозные картины и гравюры из протестантской, а также католической Европы.
Вход в Успенский собор со стороны Московского Кремля (Россия)
Фронт храмовой подвески с двумя птицами по бокам древа жизни ; 11–12 века; перегородчатая ткань эмаль и золото; габаритные: 5,4 × 4,8 × 1,5 см; сделано в Киеве (Украина ); Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Собор Василия Блаженного с Красной площади (Москва ). Его необычные луковичные купола, окрашенные в яркие цвета, изображения незабываемые яркие горизонты, сделанные Василия Блаженного символом как Москвы, так и России в целом
Святая Троица, Гостеприимство, Гостеприимство ; Автор Андрей Рублев ; c. 1411; темпера на панно; 1,1 × 1,4 м; Третьяковская галерея (Москва)
Чудо иконы «Знамение Богоматери» (битва новгородских и суздальских воинов); 1-я половина-середина 15 века; темпера по дереву; 133 × 90 см; Третьяковская галерея
Братская поилка (ендова); 1560–1577; частично позолоченное серебро; высота: 15,2 см, ширина: 26 см;Художественный музей Уолтерса (Балтимор, США)
Генеалогия государства Московия; от Симон Ушаков ; 1668; темпера по дереву; высота: 105 см, ширина: 62 см; Третьяковская галерея
Украинский диптих; 1736; серебряная рамка (оклайд), частично позолоченная; общие: 7,8 × 5,4 × 3,8 см; Метрополитен-музей
Рождение Венеры ; Сандро Боттичелли ; 1484–1485; темпера на панно; высота: 172,5 см, длина: 278,5 см; Галерея Уффици (Флоренция, Италия) Начало с 13 века, Италия начала переживать период великого художественного расцвета. Трудно, если не бесполезно, определить единственный стимул для произошедших изменений, но этот способствовал ряд факторов: новое осознание древности и ее самобытности, экономическое процветание и совпадающее чувство между меценатами и художниками, а также новое осознание исторического и светского мира.
Средневековые европейцы не заметили принципиальной разницы между своим временем и древностью. Люди были в основном безразличны к разбросанным остаткам прошлого вокруг них, поскольку древние памятники были знакомы до такой степени, что их нельзя было увидеть. Некоторые из них считались «чудесами» из-за их размера или прекрасной резьбы, но это только наводило на них подозрения. Пантеон в Риме, например, был построен демонами и сохранился только потому, что был преобразован в церковь.
Возобновление желания к прошлому в отличие от настоящего и, что более важно, возродить его, произошло серией волн. В веке 13 император Священной Римской империи Фридрих II (годы правления 1220–1250), правивший южной Италией, стремился возродить славу имперского Рима, в том числе его искусства. Скульптор Никола Пизано изучил свое ремесло в этой среде, прежде чем переехать на север, в Тоскана и вдохновить местных скульпторов. В XIV веке итальянский поэт Петрарка (1304–1374) постулировал окончательный разрыв между золотым веком античности и его собственным временем упадка культуры. В 15 веке Леон Баттиста Альберти (1404–1472) в своем трактате «О живописи» писал о талантливых художниках древности, по сравнению с самыми живыми живописцами и скульпторами «ничем не уступали». Это чувство дистанции побудило итальянцев взглянуть на римское прошлое свежим взглядом, чтобы поучиться на достижениях древних. Конкуренция также была решающим фактором мотивации, поскольку города, правители и частные лица стремились превзойти друг друга в своем покровительстве общественным и частным произведениям искусства.
кафедра; автор Никола Пизано ; 1265–1268; мрамор; высота: 4,6 м; Пизанский баптистерий (Италия)
Флорентийский собор, построенный между 1296 и 1436 годами во Флоренции (Италия)
Портрет Арнольфини ; автор Ян ван Эйк ; 1434; масло на панели; 82,2 × 60 см; Национальная галерея (Лондон)
Страшный суд; автор Фра Анджелико ; 1435–1450; древесина тополя; 103 × 65,3 см; Gemäldegalerie (Берлин)
Pietà от Микеланджело ; 1498–99; мрамор; 517 см × 199 см; Базилика Святого Петра Ватикан
Мона Лиза ; от Леонардо да Винчи ; c. 1503–1506, возможно, продолжаясь до ок. 1517; масло на тополе; 77 см × 53 см; Лувр
Сад земных наслаждений ; от Иеронима Босха ; c. 1504; масло на панели; 2,2 × 1,95 м - центральная панель; Музей Прадо (Мадрид, Испания)
Афинская школа ; автор Рафаэль ; 1509–1510; фреска; 5,8 × 8,2 м; Апостольский дворец (Ватикан )
Раковина или чаша с дамой по имени Лаура Белла; около 1510 года; майолика (глазурованная глиняная посуда); общий размер: 6 × 27,3 см; Метрополитен-музей искусства (Нью-Йорк)
Носорог ; автор Альбрехт Дюрер ; 1515; гравюра на дереве; 23,5 см × 29,8 см; Национальная галерея (Вашингтон, округ Колумбия )
итальянское обрамление алтаря; около 1530–1550 гг.; Мрамор; высота: 4,2 м, ширина: 3,3 м; вероятно, из Тоскана ; Музей Метрополитен
Послы ; Ганс Гольбейн Младший ; 1533; масло на панели; 2,07 × 2,09; Национальная галерея (Лондон)
Пара аптечных бутылок; около 1550 г.; майолика (олово-глазированная глиняная посуда); общий: 38,4 × 24,9 × 21 см; Метрополитен-музей
Фрагмент; 16 век; шелк и металлическая нить; 33,7 × 34,3 см; Метрополитен-музей
Кассон (сундук), с gadroonings ; середина 16 века; орех, резной и частично позолоченный, хвойная древесина; высота: 73,6 см, ширина: 1,7 м, глубина: 63,5 см; Метрополитен-музей
Овальная чаша или блюдо с предметом из Амадиса из Галлии; около 1559–1564 гг.; майолика; габаритные: 6 × 67,3 × 52,4 см; Метрополитен-музей
Лето; Джузеппе Арчимбольдо ; 1563; масло на панели; 67 × 50,8 см; Художественно-исторический музей (Вена, Австрия)
Вавилонская башня ; автор Питер Брейгель Старший ; 1563; Масло на панели: 1,14 × 1,55 см; Художественно-исторический музей
Французский комод (dressoir aux harpies); около 1570–1590 гг.; резной орех с элементами интерьера из дуба, сосны и некоторыми металлическими аксессуарами; высота: 144,8 см, ширина: 137,8 см, глубина: 50,8 см; Метрополитен-музей
Чернильница с Аполлоном и Музами ; 1584; майолика (фаянс, глазированный оловом); общие: 48,3 × 52,1 × 37,8 см; Метрополитен-музей
Тайная вечеря, холст, масло размером 7х2 метра, сохранившийся в базилике Санта-Мария-Новелла, является единственной подписанной работой Плаутилья Нелли (1524–1588), религиозный самоучка (веками женщины в Европе были исключены из уроков анатомии и искусства) 
Изнасилование сабинянок ; автор Николя Пуссен ; 1634–1635; масло на холсте; 154,6 × 209,9 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк) Барокко возникло в конце Возрождения (XVI век), как реакция на классические каноны в следующем два века, 17-е и 18-е. XVII век был периодом нестабильных перемен. Астрономические открытия и научные изобретения, такие как телескоп и микроскоп, сопровождались развитием географии, исследований, естествознания и философии. К смеси добавились религиозные потрясения, поскольку католическая контрреформация оспорила растущую популярность протестантской веры. В эпоху Возрождения и барокко высшая цель живописи заключалась в том, чтобы предоставить моральные образцы, изображая поучительные события из литературы, истории и мифологии. Эти работы известны как исторические картины. Художники-историки 17 века были озабочены передачей эмоций в самый важный момент истории. В этом процессе использовались жесты и мимика, чтобы передать "страсть души". Это часто сопровождалось заботой о ясности повествования и драматической концентрации, особенно в случае Николя Пуссена. Таким образом художники усилили драматическое воздействие повествовательных сцен, как в «Похищении сабинянок» Пуссена, в котором ужас и страх, показанные женщинами, контрастируют с агрессией и решимостью мужчин, создавая образы силы и ужасной красоты..
В декоративном и прикладном искусстве барокко впервые возникло на территории современной Италии и распространилось по всей Европе. Это был очень богато украшенный и часто экстравагантный стиль архитектуры, музыки, танцев, живописи, скульптуры и других искусств. Основные декоративные мотивы: рога изобилия, фестоны, ангелочки, львиные головы с металлическим кольцом во рту, женские лица в окружении гирлянд, картушей, листьев аканта, классических колонн, фронтонов и других элементов классической архитектуры скульптурных на некоторых частях предметов мебели.
Призвание святого Матфея ; автор Караваджо ; 1599–1600; масло на холсте; 3,2 × 3,4 м; Церковь Святого Людовика французского (Рим)
Юдифь убивает Олоферна; автор Артемизия Джентилески ; 1614–1620; масло на холсте; 199 × 162,5 см; Уффици (Флоренция, Италия)
Четыре континента ; автор Питер Пауль Рубенс ; около 1615 г.; масло на холсте; 209 × 284 см; Художественно-исторический музей (Вена, Австрия)
Аполлон и Дафна ; автор Джан Лоренцо Бернини ; 1622–1625; мрамор; высота: 2,43 м; Лувр
Голландский гардероб; 1625–1650; дуб со шпоном эбенового дерева и розового дерева; общие: 244,5 × 224,3 × 85,2 см; Кливлендский музей искусств (Кливленд, Огайо, США)
Карл I на охоте ; автор Энтони ван Дайк ; около 1635 г.; масло на холсте; 2,66 × 2,07 м; Лувр
Эглиз Сен-Поль-Сен-Луи из Парижа, Этьен Мартелланж и Франсуа Деран, завершено в 1641 году
Ночной дозор ; Рембрандт ; 1642; масло на холсте; 363 × 437 см; Рейксмузеум (Амстердам, Нидерланды )
Интерьер церкви Фара из Познань (Польша), 1651-1701 гг.
Las Meninas ; автор Диего Веласкес ; 1656–1657; холст, масло; 318 см × 276 см; Museo del Prado (Мадрид, Испания)
Версальский дворец, самое культовое здание в стиле барокко ; работы Луи Ле Вау, Жюля Ардуэна-Мансара и др.; начата в 1623 г. (охотничий домик) -1710 г. (с достройкой часовни); кирпич, белый тесак камень и мрамор ; площадь: 63 154 м; в Версале (Франция)
Бюст Людовика XIV ; Джан ЛоренцоБернини; 1665; мрамор; 105 × 99 × 46 см; Версальский дворец
Искусство живописи ; автор Иоганнес Вермеер ; 1666–1668; холст, масло; 1,3 × 1,1 м; Художественно-исторический музей
Ковер со славой и силой духа; 1668–1685; завязанный и резаный ворс шерсти, соткан примерно 90 узлов ots на квадратный дюйм; 909,3 × 459,7 см; Метрополитен-музей
Портрет Людовика XIV ; автор Гиацинт Риго ; 1701; масло на холсте; 277 × 194 см; Лувр
Комод; Андре Шарль Буль ; 1710–1720; оправы из черного дерева, позолоченной бронзы и др. материалы; 87,6 × 128,3 × 62,9 см; Метрополитен-музей
Фасад Дворца Рохан (Страсбург, Франция), обращенный к реке, 1732-1742 гг.
Атрибуты музыки; Энн Валлайер-Костер ; 1770; масло на холсте; 116 × 88 см; Лувр
Брак в моде ; Уильям Хогарт ; около 1743 г.; масло на холсте; Национальная галерея (Лондон) 
Le Salon Oval de la Princesse; Габриэль-Жермен Бофран, Шарль-Жозеф Натори и Жан-Батист Лемуан; 1737-1729; около 9,4 × 7 м; Hôtel de Soubise (Париж) 
Schloss Münster, образец архитектуры рококо, построенный между 1767 и 1787 годами в Мюнстере (Германия) Изысканность, веселье юность и чувственность были идеалами французской рококо живописи. Легкомыслие было добродетелью, и портретная живопись становилась все более востребованной в обществе, в котором очаровательное сходство было неотъемлемой частью соблазнения. Рококо, прежде всего стиль поверхностного орнамента, отводил скульптуру и живопись второстепенным ролям и использовал позолоту для разделения стен, зеркал и декоративных панелей. Этот стиль быстро распространился по всей Европе и до Османской Турции и Китая, благодаря книгам с орнаментом, в которых были изображены картуши (криволинейные, часто асимметричные панели), арабески (извилистые, переплетенные, как растения форм) и отделочных работ, а также конструкции стеновых панелей и каминов. Французское рококо развивалось в период Реганса (1715-1723), когда Людовик XV (правил с 1715 по 1774 год) был ребенком, а страной правил Филипп Орлеанский.. Он вырос из более тяжелого барочного стиля двора Людовика XIV, включающего более легкие элементы, более изящные формы, асимметрию и игривость. В декоративно-прикладном искусстве и архитектуре его можно узнать по огромному количеству изгибов и C -образных завитушек, легкости цвета и веса или по низкому рельефу из лент, завитков, ракушек., цветочные венки, птицы и животные. В Франции он входит в стиль, известный как Луи Квинз, здесь также известный как Помпадур. В отличие от барокко, рококо отказалось от симметрии. Этот стиль сначала замечен в декоративном искусстве и дизайне, но его высотой около 1730 года он распространился на живопись и скульптуру. Пан и Венера заменил Аполлона и Геркулеса в возрождении богов, богинь и героев, и в отличие от иногда задумчивой тьмы, связанной с в стиле барокко - светлая палитра. Три французских художника, с которыми чаще всего ассоциируется термин рококо: Франсуа Буше, Жан-Антуан Ватто и Жан-Оноре Фрагонар.
Термин «рококо» происходит от французское рокайль, что означает «галька», относится к органическим изображениям, которые украшают стены и панели, некоторые интерьеры имеют вид пещеры, например, овальный салон в Hôtel de Soubise из Парижа.
Интерьер Hôtel de Soubise в Париже является одним из наиболее характерных элегантных и изысканных образцов декоративного стиля рококо. Это один из самых красивых городских особняков 18 века в Париже. Он был построен для принца и принцессы Субиза в 1375 году и реконструирован в 1704 году по указанию Франсуа де Рохана, принца де Субиза. В здании, которое разделено на две квартиры - принца на первом этаже и принцессы на верхнем этаже, или фортепиано нобиле, на обоих этажах есть овальные салоны с видом на сад. салоны были созданы между 1735 и 1739 годами Жерменом Боффраном, учеником французского архитектора Франсуа Мансара. Боффранд смягчил очертания Salon Oval de la Princesse извилистыми изгибами, умножив зеркальное отражение. Стены плавно переходят в своды, а скульптурные ниши неправильной формы разделены рокайльскими раковинами. Архитектура, скульптура и живопись создают богатую и гармоничную атмосферу. Восемь потолочных полотен, написанных Шарлем-Жозефом Натуаром между 1737 и 1739 годами, иллюстрируют историю Амура и Психеи. До своего возвращения из Италии в 1730 году Натуар провел несколько лет в Риме в Академии Франции, где изучал работы Паоло Веронезе, Антонио Корреджо и, особенно, Пьетро да Кортона, художник декоративных фресок XVII века. Их влияние проявляется в гибких и элегантных композициях, световых эффектах и способах адаптации фигур к ограничениям декора. Палитра розового, синего и зеленого цветов создает очаровательный аркадный эффект, воплощая в себе зрелый рококо.
Португальцы были первыми европейцами, которые торговали напрямую с народами Восточной Азии вскоре после открытия Прямой маршрут вокруг Африки в 1498 году. Великобритания и Голландия последовали их примеру чуть более века спустя, основав свои Ост-Индские компании. Протестантские вызовы могуществу Португалии и китайский фарфор, индийские ткани и японские лаки наводнили рынки Амстердама и Лондона. Эти предметы были популярны как предметы престижа, символизирующие не только личное богатство, но и влияние стран, способных их импортировать. Европейское воображение подпитывалось восприятием Азии как места богатства и роскоши, и, следовательно, покровители от императоров до купцов соперничали друг с другом в украшении своих жилых помещений азиатскими товарами и украшении их в азиатских стилях. Там, где азиатские предметы было трудно достать, европейские мастера и художники вмешались, чтобы заполнить брешь, создав смесь форм рококо и аутентичных азиатских фигур, мотивов и техник. Мода на шинуазри была повсеместной: интерьеры в азиатском стиле охватили Европу от Швеции до Сицилии и процветали в Америке с Новой Англии в Новая Испания (Мексика ), Бразилия в Аргентина.
Китайский дом, автор Иоганн Готфрид Бюринг, садовый павильон в стиле шинуазри в парке Сан-Суси, из Потсдама (Германия)
Удивительный интерьер Wilhering Abbey (Вилхеринг, Австрия ). В этом интерьере есть trompe-l'œil на потолке, окруженный богато украшенной штукатуркой
буазери от Hôtel de Varengeville; около 1736–1752 гг.; различные материалы, в том числе резной, крашеный и позолоченный дуб; высота: 5,58 м, ширина: 7,07 м, длина: 12,36 м; в Метрополитен-музей (г. Нью-Йорк)
Дизайн салона; автор Juste-Aurèle Meissonnier ; 1738–1749; травление; 31,3 × 50,5 см; Рейксмузеум (Амстердам, Нидерланды )
Гравюра Юсте Ауреле Мейссонье; 1738–1749; офорт на бумаге; 51,6 × 34,9 см; Рейксмузеум
Фасад стены с секретером из "Schreibtische"; Иоганн Георг Хертель; 1748–1770; офорт; 29,7 × 19,1 см; Metropolitan Museum of Art
комод в стиле рококо; около 1750 года; дуб, маркетри из тюльпанного дерева, позолоченные металлические оправы и мрамор ; общий: 88 × 156,5 × 69,9 см; Кливлендский музей искусств (Кливленд, Огайо, США)
Пара канделябров; 18 век; мягкий -паста фарфоровая; высота (слева): 26,8 см, (справа): 26,4 см; от фарфоровой фабрики Челси ; Метрополитен-музей
Мистер и миссис Эндрюс ; Томас Гейнсборо ; около 1750 года; холст, масло; 69,8 × 119,4 см; Национальная галерея (Лондон)
Картонье с часами Фредерика Великого ; 1752–1753; различные породы дерева, золочение, эмаль на бронзе. ; 242,5 × 90 × 49 см; Национальный музей в Варшаве (Варшава, Польша )
Мадам де Помпадур ; автор Франсуа Буше ; 1756; холст, масло; 2.01 × 1,57 м; Старая пинакотека (Мюнхен, Германия)
Ковчег Завета, из Книги Картушей; автор Франсуа Буше; середина XVIII века; офорт и гравюра ( реверсная копия); лист (обрезанный): 30 × 19,8 см; Метрополитен-музей
Супница крытая (terrine du roi); 1756 год; фарфор мягкая паста с эмалевым и позолоченным декором; общий: 24,2 см, тара: 15,9 × 22,6 × 16,5 см; Кливлендский музей искусств
Веер с садом виллы Чизвик; 1757; ребенок и слоновая кость; 26,4 × 47,9 см; Метрополитен-музей
Качели ; автор Жан-Оноре Фрагонар ; 1767–1768; холст, масло; высота: 81 см, ширина: 64 см; Коллекция Уоллеса (Лондон)
Пара китайских ваз с французскими креплениями; ( фарфор): начало 18 в., (опоры): 1760–1770 гг.; фарфор твердой пасты с оправы из позолоченной бронзы; (каждая) высота: 32,4 см; Метрополитен-музей
Прическа; производства Людвигсбургского фарфорового завода; около 1770 г.; фарфор с твердой пастой; габаритные: 12,4 × 9,8 × 7 см; Метрополитен-музей
Портрет Марии-Антуанетты Австрийской; Жан-Батист Андре Готье-Даготи; 1775; масло на холсте; 160 × 128 см; Версальский дворец (Версаль, Франция)
Дама в синем ; автор Томас Гейнсборо ; конец 1770-х - начало 1780-х годов; масло на холсте; 76 × 64 см; Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия)
Персонификацииконтинентов (слева направо): Америка, Европа, Африка и Азия ; 1780–1788; фарфор с твердойпастой; различные размеры; Метрополитен-музей
Вид на так называемый Храм Согласия с Храмом Сатурна, справа Арка Септимия Севера; автор Джованни Баттиста Пиранези ; 1760–1778; травление ; размер всего листа: 53,8 × 79,2 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк) Возрождение классических стилей во второй половине 18 века было в некотором смысле реакцией на кажущееся легкомыслие и упадок рококо. Это было стимулировано повторным открытием древних памятников Помпеи и Геркуланум, которые вдохновили греческую и римскую древность и повлияли на все искусства, от живописи и скульптуры до архитектуры, моды, литературы и музыки.
Самая оригинальная фаза неоклассицизма может быть связана с Французской революцией 1789–1799 годов, когда художники и архитекторы явные сравнения между своим желанием Liberté, Egalité et Fratenité и то, что они понимали как политические принципы классического Рима и Греции. Ампир представляет собой новое французское общество, возникшее в результате революции, которая задает тон во всех сферах жизни, включая искусство. Этот стиль ввел понятие производства в декоративном искусстве. Другие неоклассические стили включают: Адам (английский) и Федеральный (американский). Мотивы, широко используемые в неоклассическом прикладном искусстве : фронтоны, листья аканта, пальметты, фестоны, карташи, древние трофеи и музыкальные инструменты, грифоны, химеры, сфинксы, рога изобилия, львиные головы с металлическим кольцом во рту и иногда крылатые женщины. Большинство из них взяты из греческих, этрусских или римских предметов, интерьеров и архитектуры; но некоторые из них, например, картуш, относится к эпохе Возрождения.
Шато де Багатель из Парижа, маленькому неоклассическому замку
Суд Парижа; автор Анжелика Кауфман ; около 1781 г.; холст, масло; 100,9 × 80 см; Museo del Ponce (Пуэрто-Рико )
Храм Сибиллы, первый музей Изабелы Чарторыйской в Пулавы ; автор Петр Айгнер (Польша ); около 1775 г;
вазы с крышками; 1784–1795; фарфор с мягкой пастой; высота (с крышкой): 47,6 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Клятва Горациев ; Жак-Луи Давид ; 1784; холст, масло; высота: 330 см, ширина: 425 см; Лувр
Смерть Сократа ; Жак -Луи Давид; 1787; холст, масло; 129,5 см × 196,2 см; Метрополитен-музей
Девушка с голубем; автор Анна Раецка ; 1789–1790; бумага, пастель; 64 × 53 см; Национальный музей (Варшава, Польша )
Двойная дверь с греческими и римскими орнаментами; автор Пьер Руссо ; 1790-е годы; масло на панели; в раме: 287 × 154 × 6 см, без рамы: 274 × 63 см; Кливлендский художественный музей (Кливленд, Огайо, США)
Чашка кофе с символом s Aucer; около 1790 г.; посуда из яшмы с рельефным декором; диаметр: 13,6 см; фабрикой Веджвуд (Англия); Кливлендский художественный музей
Персей с головой Медузы ; автор Антонио Канова ; 1804–1806; мрамор; высота: 242,6 см, ширина: 191,8 см, глубина: 102,9 см; Метрополитен-музей
Венера-победительница ; автор Антонио Канова ; 1805–1808; мрамор; Galleria Borghese (Рим)
Рабочий стул (fauteuil de bureau); 1805–1808; красное дерево, обивка из позолоченной бронзы и сатинированного бархата; 87,6 × 59,7 × 64,8 см; Метрополитен-музей
Часы с Марсом и Венерой ; около 1810 г.; позолоченная бронза и патина; высота: 90 см; Лувр
Леонид в Фермопилах ; Жак-Луи Давид; 1814; масло на холсте; 395 × 531 см; Лувр
Исаакиевский собор в Санкт-Петербурге (Россия), завершено в 1858 году
Столовая Centralhotel (Берлин), спроектированная в 1881 году фон дер Худе и Хеннике
Призрак блохи; автор Уильям Блейк ; 1819; темпера, золото на панно (21,4 × 16,2 см); Тейт Британия, Лондон Многие историки искусства относят истоки современного искусства к концу 18 века, другие - к середине 19 века. Историк искусства Х. Гарвард Арнасон утверждал, что «в течение ста лет произошла вызванная метаморфоза». Такие события, как эпоха просвещения, революции и демократии в Америке и Франции, а также Промышленная революция имели далеко идущие последствия в западных странах. культура. Люди, товары, идеи и информация могли путешествовать между странами и континентами с беспрецедентной скоростью, и эти изменения отразились на искусстве. Изобретение фотографии в 1830-х годах еще больше изменило некоторые аспекты искусства, особенно живопись. К началу XIX века был завершен долгий и первый городской сдвиг парадигмы - от готики, когда считали мастерами, служащими церкви и монархиям, к идее искусства ради искусства, где идеи и видения отдельные художники пользовались большим уважением и покровительством все более грамотного, богатого и среднего среднего и высшего населения, которое появлялось в течение 200 лет (особенно в Лондоне). В конце 18 века начинается дихотомия между неоклассицизмом и романтизмом, которая подразделяет и продолжает проникать практически в каждое новое движение в современном искусстве: «Распространяясь волнами, эти« измы »бросают вызов национальным, этническим и хронологическим границам; никогда нигде не доминируют надолго., они конкурируют или сливаются друг с другом, образуя бесконечно изменяющиеся узоры ».
Современное искусство постоянно движется в сторону международных влияний и обменов, от экзотического любопытства ориентализма, более глубокого влияния Японизм, искусство Океании, Африки и Америки. И наоборот, современное искусство все больше распространяется за пределы Западной Европы. В России и США к концу XIX века искусство развивалось настолько, что соперничало с ведущими европейскими странами. Многие из основных движений появились в Латинской Америке, Австралии и Азии, а география и национальность с каждым десятилетием становились все менее значимыми. К 20-му веку во всем мире появлялись важные и влиятельные художники: например, Фуджита (Япония), Аршил Горки (Армения), Диего Ривера и Фрида Кало (Мексика), Вифредо Лам (Куба), Эдвард Мунк (норвежский), Роберто Матта (чилийский), Марк Ротко (литовско-американский), Фернандо Ботеро Ангуло (Колумбия), Константин Бранкуши и Виктор Браунер (Румыния).
Кенотаф Ньютона, снаружи ночью; автор Этьен-Луи Булле ; 1784; тушь и тушь, 40,2 × 63,3 см.; Bibliothèque Nationale, Париж
Собака; Франсиско де Гойя ; ок. 1819–1823; Масло на гипсе, перенесено на холст, 131,5 × 79,3 см.; Музей Прадо, Мадрид
Смерть на бледном коне; Дж. М. В. Тернер ; c. 1830; холст, масло, 60 × 76 см.; Тейт Британия, Лондон
Смеющийся беззубик, Чарльз Филипон из среды «Селебрите дю Жюст»; Оноре Домье ; 1832–33; расписная глина высотой 6,12; Musée d'Orsay (Париж)
Натюрморт со статуей Юпитера Тонана; автор Луи Жак Дагер ; c. 1839; дагерротип
Кошмар; автор Джон Генри Фузели ; 1781; масло на холсте; 101,6 × 127 см; Детройтский институт искусств (Детройт, США) Романтизм зародился в конце 18 века и процветал в первой половине 19 века со значительными международными проявлениями в музыка, литература, поэзия и архитектура, а также изобразительное искусство. Одно из первых проявлений романтизма было в Английском ландшафтном саду, тщательно спроектированном, чтобы казаться естественным и резко контрастирующим с формальными садами того времени. Концепция «естественного» английского сада была принята в Европе и Америке в последующие десятилетия. В архитектуре романтики часто обращались к альтернативным источникам, отличным от греческих и римских примеров, которыми восхищались неоклассицисты. Романтическая архитектура часто возрождала готические формы и другие стили, такие как экзотические восточные образцы. Вестминстерский дворец (здание парламента) в Лондоне является примером романтической архитектуры, также называемой готическим возрождением. В живописи романтизм представлен картинами Франсиско Гойя в Испании, Эжена Делакруа и Теодора Жерико во Франции, Уильяма Блейка, Генри Фузели, Сэмюэл Палмер и Уильям Тернер в Англии, Каспар Давид Фридрих и Филипп Отто Рунге в Германии, Франческо Хайес в Италии, Йохан Кристиан Клауссен Даль в Норвегии и Томас Коул в Америке. Примеры скульпторов романтического периода: Антуан-Луи Бари, Жан-Батист Карпо, Огюст Прео и Франсуа Руд. По мере того как романтизм развивался, некоторые аспекты движения превратились в символизм.
«Неоклассицизм - это новое возрождение классической античности... в то время как романтизм относится не к определенному стилю, а к мировоззрению, которое может проявляться». разными способами ». Романтизм часто обращается к зрителю через сердце и душу, пробуждая страсти и эмоции, часто размышляя об отношениях и месте человечества в природе в промышленной революции; в отличие от симметрии, рациональности, «культа разума» в неоклассицизме.
Английский ландшафтный сад в Стоурхеде, Англия ( спроектирован ок. 1744-1765 гг. / Сфотографирован в 1993 г.) Генри Флиткрофт (дизайнер), Генри Хоар (владелец, планировщик).
Пейзаж с охотой на кабана; автор Филипп Жак де Лутербург ; около 1780 г.; масло на холсте; 144,1 × 155,6 см; Музей изящных искусств, Хьюстон (США)
Ньютон; автор Уильям Блейк ; 1795; цветная печать, перо, тушь, акварель; 46 × 60 см; Тейт Британия (Лондон)
Преподобный Роберт Уокер, катающийся на коньках на озере Даддингстон сэр Генри Реберн ; 1790-е годы; масло на холсте; 25 дюймов × 30 дюймов; Национальная галерея Шотландии (Эдинбург )
Мадам де Сталь в роли Коринн на мысе Мизено; автор Элизабет Виже-Лебрен ; 1807–09; холст, масло; 140 см × 118 см; Musée d'Art et d'Histoire (Женева) Швейцария
Утро; автор Филипп Отто Рунге ; 1808; холст, масло; 106 × 81 см; Кунстхалле Гамбург (Гамбург, Германия)
Третье мая; Франсиско Гойя; 1814; холст, масло; 2,6 × 3,4 м; Museo del Prado
Le tre Grazie (Три грации); автор Антонио Канова ; 1815–1817; мрамор; 173 × 97,2 × 57 см; Музей Виктории и Альберта (Лондон)
Плот Медузы; Теодор Жерико ; 1818–1819; холст, масло; 491 × 716 см; Лувр
Крушение надежды; автор Каспар Давид Фридрих ; 1823– 1824; холст, масло; 97 × 127 см; Кунстхалле Гамбург
Смерть Сарданапала; автор Эжен Делакруа ; 1827; холст, масло; 3,9 × 14,9 м; Лувр
Долина из Дедхэм ; автор Джон Констебл ; 1828; масло на холсте; 145 см × 122 см; Национальная галерея Шотландии
Памятник Гете; Карл Густав Карус ; 1832; масло на холсте; 71 × 52,2 см; Кунстхалле Гамбург
Питон убивает гну; автор Антуан-Луи Бари ; 1834–39; бронза; 21,6 × 29,2 × 24,1 см; Художественный музей Уолтерса (Балтимор, США)
Палаты парламента; сэр Чарльз Барри и А. Велби Пугин ; начат в 1836 г.; Лондон
Орсзагхаз Палаты парламента; автор Имре Штайндл ; готическое возрождение ; начат в 1885 г.; Будапешт
Курс империи: дикое государство; автор Томас Коул ; 1836; масло на холсте; 100 × 161 см; Историческое общество Нью-Йорка (Нью-Йорк)
Корабль рабов (Работорговцы, выбрасывающие за борт мертвых и умирающих, наступление тайфуна); Автор Дж. М. В. Тернер ; 1840; холст, масло (90,8 × 122,6 см.); Музей изящных искусств Бостона (Массачусетс, США)
Разрушение Содома и Гоморры; автор Джон Мартин ; 1852; масло на холсте; 136,3 × 212,3 см; Художественная галерея Лаинг (Ньюкасл-апон-Тайн, Англия)
Уголино и его сыновья ; автор Жан-Батист Карпо ; 1857–60; Мрамор; 197,5 × 149,9 × 110,5 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Монарх Глен; Эдвин Генри Ландсир ; 1851; масло на холсте; 163,80 × 168,90 см; Шотландская национальная галерея Эдинбург Реализм возник в середине девятнадцатого века, примерно в 1840 году, имел аналоги в скульптуре, литературе и драматургии, называемой натурализмом. в литературе. В живописи девятнадцатого века термин реализм больше относится к изображаемому предмету, чем к стилю или технике. Реалистические картины обычно представляют собой обычные места и людей, занятых повседневной деятельностью, в отличие от великих, идеализированных пейзажей, мифологических богов, библейских сюжетов, а также исторических персонажей и событий, которые часто доминировали в живописи в западной культуре. Курбе сказал: «Я не могу нарисовать ангела, потому что никогда его не видел». Реализм также был отчасти реакцией на часто драматические, экзотические и эмоционально заряженные произведения романтизма. Термин «реализм» образ по отношению к идеализированным неоклассицизма и романтизированный образам романтизма. Такие художники, как Жан-Батист-Камиль Коро и Оноре Домье имели слабые ассоциации с реализмом, как и члены барбизонской школы, особенно Жан- Франсуа Милле, но, возможно, именно Гюстав Курбе был центральной фигурой в движении, идентифицировавшим себя как реалист, защищавшим реализм и оказавшим влияние на молодых художников, таких как Эдуард Мане. Одним из важных аспектов реализма была практика написания пейзажей на пленэре и ее последующее влияние на импрессионизм. За пределами Франции примером реализма являются такие художники, как Вильгельм Лейбл в Германии, Форд Мэдокс Браун в Англии и Уинслоу Гомер в Соединенных Штатах. Историк искусства Х. Х. Арнасон писал: «Хронологическая последовательность неоклассицизма, романтизма и реализма - это, конечно, только удобное расслоение движений или тенденций, так неразрывно связанных друг с другом и с предшествующими движениями, что это невозможно. сказать, где одно закончилось, а другое началось », и это становится еще более уместным и сложным, если проследить все движения и« измы »в конце 19-го и начале 20-го веков.
Сен-Андре-ан-Морван; автор Жан-Батист-Камиль Коро ; 1842; масло на холсте; 31 × 59 см; Лувр
Бассейн в лесу; Теодор Руссо ; начало 1850-х годов; масло на холсте; 39,4 × 57,4 см; Музей изящных искусств (Бостон, США)
Последний в Англии ; Форд Мэдокс Браун ; 1852–1855; масло на панели; высота: 82,5 см, ширина: 75 см; Бирмингемский музей и художественная галерея (Англия)
Встреча («Bonjour, Monsieur Courbet»); 1854; масло на холсте; Музей Фабра Монпелье
вагон третьего класса; Оноре Домье; 1856–58; масло на панели; 26 × 33,9 см; Музей изящных искусств (Сан-Франциско, США)
Любитель абсента; автор Эдуард Мане ; 1859; масло на холсте; 18,05 × 10,56 мм; Нью-Карлсберг Глиптотек (Копенгаген, Дания)
Девушка-гусь; автор Жан-Франсуа Милле ; 1866–67; масло на холсте; 45,7 × 55,9 см; Художественный музей Фудзи в Токио (Хатиодзи, Токио, Япония)
Художники зарисовывают в Белых горах; Автор Уинслоу Гомер ; 1868; масло на панели; 24,1 см × 40,3 см; Портлендский музей искусств (Мэн, США)
Смерть Клеопатры; автор Эдмония Льюис ; 1876; мрамор; Смитсоновский музей американского искусства
Четверка в степях ; автор Юзеф Хелмонски ; 1881; масло на холсте; 275 см × 660 см Национальный музей, Краков
Три женщины в церкви; автор Вильгельм Лейбл ; 1882; масло красное дерево дерево; высота: 113 см, ширина: 77 см; Кунстхалле Гамбург (Германия)
Праздник труб ; автор Александр Герымский ; 1884; масло на холсте; 47 × 64,5 см; Национальный музей, Варшава
Черная женщина ; от Анны Билинской-Богданович ; 1884; масло на холсте; 63 × 48,5 см; Национальный музей (Варшава)
Рыбак со своими сетями; Леон Вычулковский ; 1890-е годы; картон, масло; Гданьский музей (Польша)
Обед на лодке; автор Пьер Огюст Ренуар ; 1881; масло на холсте; 130 × 175 см; Коллекция Филлипса (Вашингтон, округ Колумбия (США) Импрессионизм возник во Франции под влиянием реализма, барбизонской школы и на пленэре художники, такие как Эжен Буден, Камиль Коро, Шарль-Франсуа Добиньи и Йохан Бартольд Йонгкинд. Начиная с конца 1850-х годов, несколько импрессионистов завели знакомства и подружились, будучи студентами в Париже, особенно в бесплатной Académie Suisse и студии Чарльза Глейра. Их прогрессивные работы часто отвергалось консервативным жюри престижных салонов Académie des Beaux Arts, форума, куда многие художники обращались, чтобы завоевать свою репутацию, и многие из молодых художников были включены в широко разрекламированный, но много высмеиваемый Salon des Refusés в 1863 году. В 1874 году они сформировали Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs, независимые Академии и организовал первую из нескольких выставок импрессионистов в Париже вплоть до 1886 года, когда состоялась их восьмая и последняя выставка. Важными фигурами движения были Фредерик Базиль, Гюстав Кайботт, Мэри Кассат, Поль Сезанн, Эдгар Дега, Арман Гийомен, Эдуард Мане, Клод Моне, Берта Моризо, Камиль Писсарро, Пьер - Огюст Ренуар и Альфред Сислей. Хотя импрессионизм был прежде всего движением художников, Дега и Ренуар также создавали скульптуры, и другие, такие как Огюст Роден и Медардо Россо, иногда связаны с импрессионизмом. К 1885 году импрессионизм приобрел известность, однако молодое поколение уже выходило за рамки импрессионизма. Художники из России, Австралии, Америки и Латинской Америки вскоре переняли стили импрессионизма. Некоторые из первых импрессионистов продолжали создавать значительные работы в 1910-е и 1920-е годы.
Хотя это и не было беспрецедентным, многие из используемых техник контрастировали с традиционными методами. Картины часто завершались за часы или дни, когда влажная краска наносилась на влажную краску (в отличие от мокрой краски на сухой, которая завершалась за недели и месяцы). Вместо нанесения глазури и смешанных цветов, чистые цвета часто наносились рядом, толстыми,непрозрачными, импасто мазками; смешивание в глазах зрителя при наблюдении на расстоянии. Черный использовался очень экономно или совсем не использовался, а определяющие линии заменялись тонкими штрихами цвета, формирующими предметы, контуры и формы. Историк искусства Х. В. Янсон сказал, что «вместо того, чтобы усиливать иллюзию реального пространства, оно усиливает единство фактической окрашенной поверхности». Картины импрессионистов обычно изображают пейзажи, портреты, натюрморты, домашние сцены, повседневный досуг и ночную жизнь, все обработанные в реалистической манере. Композиции часто основывались на необычных перспективах, казались спонтанными и откровенными. Картины обычно лишены дидактического, символического или метафорического значения и редко затрагивают библейские, мифологические и исторические темы, которые так высоко ценились академиями, или более темные и психологические интересы, исследуемые символистами. Были исследованы нюансы света, тени, атмосферы и отражения цветов от поверхностей, иногда подчеркивая изменения этих элементов во времени. Сама картина была предметом картины. Это было искусство ради искусства, идея, которая витала в воздухе несколько десятилетий, но, возможно, достигла нового пика и последовательности в импрессионизме.
Танцоры в розовом; Эдгар Дега ; 1867; масло на холсте; 59 × 74 см; Музей Хилл-Стед (Фармингтон, Коннектикут, США)
Вид на деревню; Фредерик Базиль ; 1868; холст, масло, 130 × 89 см.; Musée Fabre (Монпелье, Франция)
Soleil couchant à Ivry; автор Арманд Гийомен ; 1873; холст, масло, 65 × 81,0 см.; Музей Орсе, Париж
Клод Моне в Аржантее; автор Эдуард Мане ; 1874; масло на холсте; 80 × 98 см; Neue Pinakothek (Мюнхен, Германия)
Железнодорожный мост в Аржантёе; автор Клод Моне ; 1874; масло на холсте; 60 × 80 см; Musée d'Orsay (Париж)
Mademoiselle Boissière Knitting; Автор Гюстав Кайботт ; 1877; масло на холсте; 65 × 80 см; Музей изящных искусств (Хьюстон, США)
Чаша с яблоками; автор Поль Сезанн ; 1878–79; масло на холсте; 45,5 × 55 см; Коллекция Анненберга (Палм-Спрингс, США)
Летний день: озеро в Булонском лесу; автор Берта Моризо ; 1879; масло на холсте; 45,7 × 75,2 см; Национальная галерея (Лондон)
Берег Сены в Би; Альфреда Сислея; ок. 1880–81; масло на холсте; 54,3 × 73,3 см; Институт искусств Кларка (Уильямстаун, Массачусетс, США)
Осень, Лидия Кассат; Мэри Кассат ; 1880; масло на холсте; 92,5 × 65,5 см; Petit Palais (Париж)
The Loge; автор Пьер Огюст Ренуар ; 1881; масло на холсте; 127 × 92 см; Институт искусств Курто (Лондон)
Бар в Фоли-Бержер; автор Эдуард Мане ; 1881–82; холст, масло 96 × 130 см.; Институт искусств Курто
Бордигера; автор Клод Моне ; 1884; холст, масло, 81 × 65 см.; Институт искусств Чикаго (США)
Place du Théâtre Français, Париж: Дождь; Автор Камиль Писсарро ; 1898; холст, масло 73,6 × 91,4 см.; Институт искусств Миннеаполиса (США)
Водяные лилии, утро; автор Клод Моне ; ок. 1914–24; холст, масло, 2000 × 12750 мм; Musée de l'Orangerie (Париж)
Фракийская девушка с головой Орфея на лире; автор Гюстав Моро ; 1865; масло; 154 × 99,5 см; Musée d'Orsay (Париж) Символизм возник во Франции и Бельгии в 3-й четверти XIX века и распространился по Европе в 1870-х годах, а затем в меньшей степени в Америке. Он развился из романтизма без четкой или определяющей точки разграничения, хотя поэзия, литература и, в частности, публикация Les Fleurs du mal (Цветы зла) Шарля Бодлера в 1857 году имели большое значение. в развитии символизма. Он получил международное выражение в поэзии, литературе, драме и музыке. В архитектуре, прикладном искусстве и символике декоративно-прикладного искусства произошли параллели и пересекались в стиле модерн. Символизм часто неразрывно связан с другими движениями современного искусства, проявляясь и находя выражение в других стилях, таких как постимпрессионизм, Les Nabis, декадентское движение, Fin-de Siecle, Art Nouveau, Мюнхенский Сецессион, Венский Сецессион, Экспрессионизм и даже Прерафаэлиты, которые сформировались раньше и также повлияли на символизм. Такие разные художники, как Джеймс Макнил Уистлер, Эжен Каррьер, Фердинанд Ходлер, Фернан Кнопф, Джованни Сегантини, Люсьен Леви-Дурмер, Жан Делвиль и Джеймс Энсор в разной степени связаны с символизмом. Историк искусства Роберт Л. Делевой писал: «Символизм был не столько школой, сколько атмосферой того времени». Он быстро начал исчезать с началом фовизма, кубизма, футуризма и в значительной степени рассеялся с началом Первой мировой войны, но все же нашел некоторые устойчивое развитие и актуальность в метафизической школе, которая, в свою очередь, оказала глубокое влияние на сюрреализм.
Сюжеты, темы и значения символического искусства часто скрыты и неясны, но при этом лучше всего удается найти глубокий отклик на психологическом или эмоциональном уровне. Субъекты часто представлены в виде метафор или аллегорий, направленных на то, чтобы вызвать у зрителя очень субъективные, личные, интроспективные эмоции и идеи без четкого определения или прямого обращения к предмету. Поэт Стефан Малларме писал: «изображать не вещь, а эффект, который она производит» и «Назвать объект - значит подавить три четверти удовольствия от стихотворения, которое нужно понимать понемногу». Английский художник Джордж Фредерик Уоттс заявил: «Я рисую идеи, а не вещи».
Голубь-перевозчик; автор Пьер Пюви де Шаванн ; 1871; масло на холсте; 136,7 × 86,5 см; Musée d'Orsay (Париж)
Pornocrates; автор Фелисьен Ропс ; 1878; акварель, гуашь, пастель; 75 × 48 см; Musée Félicien Rops (Намюр, Бельгия)
Entführung [Похищение]; автор Макс Клингер ; 1891; травление и акватинта ; 11,9 × 26,9 см; Альбертина (Вена, Австрия )
Химера; автор Одилон Редон ; 1883; уголь и черный мел на бумаге; 50,4 × 34 см Музей Крёллер-Мюллер (Оттерло, Нидерланды )
Андромеда (предыдущее название Данаид); автор Огюст Роден ; 1886; мрамор; 29 × 32 × 20 см; Национальный музей изящных искусств (Буэнос-Айрес, Аргентина )
Остров мертвых (5-я версия); автор Арнольд Бёклин ; 1886; масло на панели (80,7 × 150 см.); Museum der bildenden Künste (Лейпциг)
Могила, где твоя Победа; Ян Тороп ; 1892; карандаш и мел; 60,4 × 75,3 см; Рейксмузеум (Амстердам)
Син; автор Франц фон Штук ; 1893; холст, масло; 94,5 × 59,5 см; Neue Pinakothek (Мюнхен, Германия)
Vampire; автор Эдвард Мунк ; 1894; холст, масло; 100 × 110 см; Музей Мунка (Осло, Норвегия )
Гоночная трасса (Смерть на конь бледный); Альберт Пинкам Райдер ; с 1896 по 1908 год; масло на холсте; 70,5 × 90 см; Художественный музей Кливленда (США)
Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?; автор Поль Гоген ; 1897; масло на холсте; 141 × 376 см; Музей изящных искусств (Бостон, США)
Медуза; автор Фернан Кнопф ; 1900; бронза, мраморная основа; Музей Fin de Siècle (часть Королевских музеев изящных искусств Бельгии, в Брюсселе )
Дама на коне; автор Альфред Кубин ; 1901; ручка, тушь, смыть и спрей; 39,7 × 31 см
Падший демон; автор Михаил Врубель ; 1902; Государственная Третьяковская галерея (Москва)
Дорелия в черном платье; Гвен Джон ; 1903–4; Тейт Британия (Лондон)
Три возраста женщины; Густав Климт ; 1905; холст, масло; 180 × 180 см; Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea (Рим)
Образец обоев от Уильяма Морриса ; 1915–1917; печатная бумага; 54,6 × 36,8 см; Бруклинский музей (Нью-Йорк) Движение Искусство и ремесла в основном работало в архитектуре и декоративном искусстве, где он поощрял традиционное мастерство, использование местных материалов и целостность в способах изготовления вещей. в конце 19 века Британия, когда такие писатели, как Джон Раскин и Уильям Моррис отвергали массовое производство и зачастую низкокачественные изделия машинного производства. которые были найдены во многих домах и магазинах. Моррис, в частности, верил в важность отдельного мастера и выступал за возвращение к ручным мастерам, которые, как он утверждал, не только производили бы лучшую мебель, керамику, текстиль и другие предметы, но и также помогают людям вести лучшую и полноценную жизнь. Он утверждал, что массовое производство несет ответственность за снижение стоимости. Многие дизайнеры декоративно-прикладного искусства опиралисьRené Lalique, Louis Comfort Tiffany, and many others. Japanese art, particularly the Начали появляться гравюры на дереве с новыми для европейцев концепциями дизайна, которые нашли там восприимчивую аудиторию, например, такие художники-графики,как Обри Бердсли, Жюль Шере, Уолтер Крейн, Эжен Грассе, Альфонс Муха и Анри де Тулуз-Лотрек разработали новаторские плакаты, рекламу, моду, переплет, обложки и иллюстрации..
В стиле модерн часто отказывались от геометрических форм и углов в пользу причудливых линий, напоминающих о растительности, вьющихся виноградных лозах и других элементах природы. Многие ремесленники стремились разрушить разрыв между изобразительным искусством, прикладным искусством и декоративным искусством и объединить их все во всех аспектах повседневной жизни. Отдельные художники часто переходили из одной дисциплины в другую и работали в нескольких медиа. Для архитекторов было обычным делом производить мебель и другие предметы интерьера для домов и зданий, которые они спроектировали, для художников - для разработки рекламных плакатов и книжных иллюстраций, для ювелиров - для производства художественного стекла и витражей.
Кульминация, иллюстрация для "Саломеи" Оскара Уайльда; автор Обри Винсент Бердсли ; 1893; строчная блочная печать; 34 × 27 см; частная коллекция
Divan Japonais ; автор Анри де Тулуз-Лотрек ; около 1893–1894 гг.; литограф; 81 × 62,3 см; Музей изящных искусств (Бостон, США)
Лой Фуллер Танцы; автор Пьер Рош ; 1894 г. (бронза, 1901 г.); Musée des Arts Décoratifs (Париж)
Ворота Кастель-Беранже (многоквартирный дом); автор Гектор Гимар ; 1895–1898; Париж
Hôtel Solvay; Автор Виктор Орта ; 1895–1898; Брюссель (Бельгия )
Masque; автор Луи Велден Хокинс ; 1895–1905; светло-коричневая бумага, черный мел и карандаш; 43,2 × 23,8 см; Музей of Fine Arts (Хьюстон, США)
Ваза; автор Эмиль Галле ; 1896; стекло; высота: 17,5 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Biscuits Lefèvre-Utile, реклама; автор Альфонс Муха ; 1897; литография; 62 × 43,5 см; частная коллекция
брошь «Стрекоза»; автор Рене Лалик ; около 1897–1898 гг.; золото, стекловидная эмаль, хризопраз, халцедон, лунный камень и алмаз; высота: 23 см, ширина: 26,5 см; Музей Галуста Гюльбенкяна (Лиссабон, Португалия)
Шкаф-витрина; автор Gustave Serrurier-Bovy ; 1899; красное дерево нарра, ясень, медь, эмаль и стекло; высота: 248,9 см, ширина: 213,4 см, глубина: 63,5 см; Метрополитен-музей
Le Jeu de l'echarpe (Танцовщица с шарфом); автор Agathon Le онард; до 1901 г.; позолоченная бронза; Hessisches Landesmuseum Darmstadt (Дармштадт, Германия)
Украшение для волос; автор Рене Лалик ; около 1902 г.; золото, изумруды и бриллианты; Музей Орсе (Париж)
Дом Бальо ; Антони Гауди; Барселона
Кабинет; Евгений Валлин в сотрудничестве с Виктором Пруве ; около 1903–1906 гг.; вероятно из красного дерева; Musée de l'École de Nancy (Nancy, Франция)
Балкон с рельефом под ним, на фасаде Hôtel Brion из Страсбург (Франция), завершено в 1904 г.
Life Class в École des Beaux-Arts; автор Альбер Марке ; 1898; холст, масло, 73 × 50 см; Musée des Beaux-Arts de Bordeaux, Франция Фовизм возник из постимпрессионизма, постепенно превратившись в первое крупное движение 20 века. Его зарождение произошло в 1895 году, когда Анри Матисс, старейшая и центральная фигура, вошел в студию Гюстав Моро в Ecole des Beaux-Arts. Там он встретил Жоржа Руо, Шарля Камуана, Анри Мангена, и Альбер Марке. Марке сказал: «Еще в 1898 году мы с Матиссом работали в том, что позже было названо фовистом. Аннер. Первые выставки в Indepéndants, на которых, я полагаю, были единственными, кто рисовал чистыми тонами, относятся к 1901 году. «К 1902–03 годам круг художников-единомышленников расширился и включил Жоржа Брака, Андре Дерен, Рауль Дюфи, Отон Фриес, Жан Метцингер, Жан Пюи, Луи Валтат, Кес ван Донген и Морис де Вламинк. В этот период в Париже прошел ряд влиятельных ретроспективных выставок: Сёра (1900, 1905), Ван Гог (1901, 1905), Тулуз-Лотрек (1902), Гоген (1906), Сезанн (1907), все относительно неизвестные публике в то время.Матисс и Дерен собирали африканские резные фигурки- роман, но растущее любопытство того времени. Матисс провел лето 1904 года в Сен-Тропе, рисуя с неоимпрессионистом Полем Синьяком и Анри-Эдмоном Кроссом, а в 1905 году - Камуаном, Мангеном и Marquet. Художник регулярно выставлялся. в Salon des Indepéndants и Salon d'Automne 1903–1908, а в 1905 году их работы вызвали сенсацию и скандал. Матисс заявил: «Мы выставлялись в Осеннем салоне, Дерен, Манген, Марке, Пюи и еще несколько человек висели вместе в одной из больших галерей. В центре этой комнаты скульптор Марк показал детский бюст в итальянском стиле. Воксель [искусствовед Гил Блас ] вошел в комнату и сказал: «Ну! Хорошо! Донателло в тумане диких зверей! [Donatello chez les fauves] ". Общество не воспринимало движение как единое целое, но после того, как оно было опубликовано, название прижилось. В отличие от импрессионистов и их долгой борьбы за признание, к 1906–1907 гг. Авангард имел нетерпеливую аудиторию, а фовисты привлекали коллекционеров из Америки в Россию. Однако в 1908 году фовизм в значительной степени растворился, когда появился кубизм, большинство художников начали исследовать другие стили и двигаться в разных направлениях. Только Матисс и Дюфи продолжали исследовать фовизм до 1950-х годов.
Фовист писал пейзажи на пленэре, интерьеры, фигуры и натюрморты, следуя образцам реализма, импрессионизма и пост- импрессионизм. Они наносили краски рыхлыми мазками густыми, неестественными, часто контрастными, яркими цветами, иногда прямо из тюбика. Влияние Гогена с его исследованием выразительных ценностей и пространственных аспектов узоров с плоскими чистыми цветами, а также его интерес к примитивизму были значительными, как и неоимпрессионизм. Матисс объяснил - долгое время цвет служил дополнением дизайна, художники эпохи Возрождения строили картину по линиям, добавляя впоследствии местный колорит - написав: «От Делакруа до Ван Гога и главным образом до Гогена, через импрессиониста, который расчистил почву, и Сезанна, который дал последний импульс и представил цветные объемы, мы можем проследить эту реабилитацию функции цвета, это восстановление его эмоциональной силы. «Фовизм стал кульминацией перехода от рисования и линия как фундаментальная основа дизайна в живописи к цвету, и они изображали свои предметы на грани абстракции.
Le bonheur de vivre, Анри Матисс ; 1905–1906; масло на холсте; 175 × 241 см; Фонд Барнса
Дома в Шату; автор Морис де Вламинк ; ок. 1905; холст, масло, 81 × 101 см; Чикагский институт искусств (США)
Фовский пейзаж; автор Луи Валтат ; 1905–1906; масло на холсте; Музей скоростного искусства, Луисвилл, Кентукки
Мост Чаринг-Кросс, Лондон; Андре Дерен ; 1906; холст, масло, 80,3 × 100,3 см.; Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия.
Ла Сьота; Автор Отон Фриес ; 1907; холст, масло 65,7 х 81 см.; коллекция неизвестна
Девушка под японским зонтом; автор Эрнст Людвиг Кирхнер ; 1906; холст, масло 36,5 × 31,5; Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Дюссельдорф, Германия Экспрессионизм был международным движением в живописи, скульптуре, графике, поэзии, литературе, театре, кино и архитектуре. Некоторые связывают Вторую венскую школу и другую музыку того периода с движением. Большинство историков относят начало экспрессионизма к 1905 году с основанием Die Brücke. Тем не менее, несколько художников создали влиятельные работы в духе экспрессионизма примерно 1885–1905 годов, в том числе Ловис Коринт, Джеймс Энсор, Кете Коллвиц, Паула Модерсон-Беккер, Эдвард Мунк, Эмиль Нольде, и Кристиан Рольфс и другие. Многие из этих художников позже выставлялись и ассоциировались с различными группами экспрессионистов. Для экспрессионистской живописи характерна рыхлая, спонтанная, часто толстая, импасто манера письма. Он часто передавал, как художник относился к своему предмету, в отличие от того, как он выглядел, ставя интуицию и интуицию выше реалистичных представлений или теорий искусства. Экспрессионизм часто был наполнен тревогой или радостью, а также общим интересом к современной жизни и социальным вопросам, который часто отсутствовал в фокусе фовизма на дизайне и цвете, применяемом к нейтральным предметам. Ксилография особенно примечательна в экспрессионизме. Экспрессионизм иногда может пересекаться и интегрироваться с другими стилями и движениями, такими как символизм, фовизм, кубизм, футуризм, абстракция и дада. Несколько групп и фракций экспрессионистов появлялись в разное время и в разных местах.
Die Brücke (Мост: 1905-1913) стремились соединить «все революционные и набирающие силу элементы». Он был основан четырьмя студентами-архитекторами Эрнстом Людвигом Кирхнером, Эрихом Хекелем, Карлом Шмидт-Ротлуффом и Фрицем Блейлом. В однойстудии в Дрездене они создавали картины, резьбу, гравюры и организовывали выставки, а летом отделялись друг от друга, чтобы работать самостоятельно. Их первая выставка была в 1905 году, позже к ним присоединились Эмиль Нольде и Макс Пехштейн в 1906 году, а также Отто Мюллер в 1910 году и другие. Влияния включали готическое искусство, примитивизм, ар-нуво и события в Париже, в частности Ван Гог и фовизм. Группа переехала в Берлин в 1911 году, а затем распалась в 1913 году. Der Blaue Reiter (Синий всадник: 1911–1914), основанная Василием Кандинским и Франц Марк была относительно неформальной группой, которая организовывала выставки искусства из Парижа и Европы, а также свои собственные. Это была одна из ряда прогрессивных групп, отделяющихся от Академии художеств в Мюнхене, включая Мюнхенский сецессион в 1892 году (реалист и импрессионист), Phalanx в 1901 году (постимпрессионист), Neue Kunstler Vereiningung в 1909 году и The Синий всадник в 1911 году. Художники, связанные с двумя последними группами, включали братьев Бурлюк, Генрих Кампендонк, Алексей фон Явленский, Пауль Клее, Август Маке, Габриэле Мюнтер и Марианна фон Веревкин. Благозвучный альманах Der Blaue Reiter, собрание влиятельных эссе, и книга Кандинского О духовном в искусстве с его идеями о беспредметном искусстве были опубликованы в 1912 году. «Синий всадник» закончился началом мировой войны. I, в котором умерли Мак и Марк.
Мать с мертвым ребенком; автор Кэте Коллвиц ; 1903; травление; Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия Другие художники, такие как Оскар Кокошка, Эгон Шиле и Ричард Герстль возник в Австрии. Французский художник Жорж Руо и Хаим Сутин были близки к этому движению. Скульпторы включают Эрнст Барлах, Вильгельм Лембрук, Герхард Маркс и Уильям Вауэр. Архитекторы, связанные с экспрессионизмом: Макс Берг, Герман Финстерлин, Иоганн Фридрих Хёгер, Мишель де Клерк, Эрих Мендельсон, Ганс Пельциг, Ганс Шарун, Рудольф Штайнер и Бруно Таут. Der Sturm (Буря 1910–1932) был журналом с большим количеством экспрессионистского содержания, основанным Хервартом Вальденом, с ассоциированной галереей в Берлине, открытой в 1912 году, и театральной труппой и школой. 1918. Фильмы, которые считаются экспрессионистскими, а некоторые - классическими, включают Кабинет доктора Калигари (Роберт Виен, 1920), Носферату (FW Мурнау, 1922) и Метрополис (Фриц Ланг, 1927).
После Первой мировой войны многие склонны к отходу от авангарда. художник, замеченный в работах оригинальных фовистов в течение 1920-х годов, Пикассо и неоклассических периодов Стравинского и поздних работ Де Кирико. Эта тенденция получила название Новая объективность (приблизительно 1919–1933) в Германии, и, в отличие от ностальгического характера этой работы в других странах, она характеризовалась разочарованием и безжалостной социальной критикой. Художники новой объективности в основном вышли из среды экспрессионистов и дада, включая Отто Дикса, Кристиана Шада, Рудольфа Шлихтера, Георга Шольца и Жанна Маммен. Макс Бекманн и Джордж Гросс также какое-то время ассоциировались с новой объективностью. Staatliches Bauhaus (Строительная школа: 1919–1933), хотя и не по своей сути экспрессионистский, была влиятельной немецкой школой, объединяющей ремесла, декоративное и изящное искусство. Переезжая из Веймара в Дессау и в Берлин, он со временем менялся и развивался. Среди директоров были архитекторы Вальтер Гропиус (1919–1928), Ханнес Мейер (1928–1930) и Людвиг Мис ван дер Роэ (1930–1933). В разное время на факультете входили Йозеф Альберс, Тео ван Дусбург, Лионель Фейнингер, Йоханнес Иттен, Пауль Клее, Василий Кандинский, Эль Лисицкий, Герхард Маркс, Ласло Мохоли-Надь, Оскар Шлеммер. Архитекторы Баухауза оказали большое влияние на Международный стиль, который характеризовался упрощенными формами, отсутствием орнамента, объединением дизайна и функции и идеей о том, что массовое производство может быть совместимо с личным художественным видением. Когда нацистская партия пришла к власти, современное искусство было названо «дегенеративным искусством », а Баухаус был закрыт в 1933 году, подчинив себе модернизм в Германии на несколько лет.
Скелеты борются за Тело повешенного; автор Джеймс Энсор ; 1891; масло на холсте; 59 × 74 см; Королевский музей изящных искусств Антверпена, Бельгия
На бойне; автор Ловис Коринф ; 1893; холст, масло, 78 × 89 см.; Государственная галерея Штутгарта, Германия
Крик; Эдвард Мунк ; 1893; картон, масло, темпера, пастель, 91 × 73 см; Национальная галерея Норвегии, Осло, Норвегия
Казаки; от Василий Кандинский ; 1910–11; холст, масло 94 × 130 см.; Тейт Модерн, Лондон
Желтая корова; автор Франц Марк ; 1911; холст, масло, 140,5 × 189,2 см.; Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк
Мститель; автор Эрнст Барлах ; 1914; бронза, 58,4 см. ширина; Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия
Автопортрет в образе солдата; автор Эрнст Людвиг Кирхнер ; 1915 г., 69,2 × 60,9 см.; Мемориальный художественный музей Аллена, Оберлин-колледж, Огайо (США)
Смерть и девушка; Эгон Шиле ; 1915; холст, масло, 150 × 180 см; Österreichische Galerie Belvedere, Вена, Австрия.
Падшие: Вильгельм Лембрук ; 1915–16; гипс 29,5 × 94,5; Музей Вильгельма Лембрука, Дуйсбург
Ночь; автор Макс Бекманн ; 1918–19; холст, масло, 133 × 154 см, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf
Натюрморт с лучами; Хаим Сутин ; ок. 1924; холст, масло, 81,3 × 100 см.; Метрополитен-музей, Нью-Йорк
Grosses Schauspielhaus (Большой театр); автор Ганс Пельциг ; 1919; Берлин, Германия
Башня Эйнштейна; автор Эрих Мендельсон ; 1920 г. Потсдам, Германия
Кабинет доктора Калигари; от Atelier Ledl Bernhard; 1920; рекламный плакат к фильму режиссера Роберта Вайна
Fish Magic; автор Пауль Клее ; 1925; холст, масло, акварель, 77 × 98 см.; Художественный музей Филадельфии, Пенсильвания
Кубизм заключался в отказе от перспективы, что приводит к новой организации пространства, в которой точки обзора множатся, создавая фрагментацию объекта, передающего Пристрастие к форме превыше содержания представления очевидно. Пабло Пикассо, Жорж Брак и другие художники-кубисты были вдохновлены скульптурами Иберии, Африки и Океании выставлялись в Лувре и этнографическом музее в Трокадеро и продавались на блошином рынке и в торговых залах.
«Пикассо изучает объект так же, как хирург препарирует труп», - писал критик и поэт Гийом Аполлинер в 1913 году. Пятью годами ранее Пабло Пикассо и Жорж Брак - друзья, коллеги и соперники - начал отвергать перспективный реализм как разновидность художественного вскрытия: совершенно революционный стиль живописи, который рассматривал объекты внутри и вокруг, представляя их аналитически, объективно и полностью безлично.
Les Demoiselles d'Avignon ; Пабло Пикассо ; 1907; масло на холсте; 244 × 234 см; Музей современного искусства (Нью-Йорк)
Дома в Л'Эстаке ; автор Жорж Брак ; 1908; масло на холсте; 73 × 59,5 см; Лилльский метропольский музей современного искусства и искусства аутсайдеров (Вильнёв-д'Аск, Франция)
Бокал пива и игральные карты; автор Хуан Грис ; 1913; холст, масло, коллаж; 52,5 × 36,5 см; Художественный музей Колумбуса (Колумбус, Огайо, США)
Уникальные формы непрерывности в космосе ; автор Умберто Боччони ; 1913; бронза; высота: 1,09 м; Музей современного искусства (Нью-Йорк)
Слон-знаменитость ; автор Макс Эрнст ; 1921; масло на холсте; 125,4 × 107,9 см; Тейт Модерн (Лондон) Сюрреализм возник как фракция Дада, официально объявив о своем возникновении в 1924 году с Манифестом сюрреализма Андре Бретона. Первоначально литературная группа поэтов и писателей в Париже, вскоре превратилась в международное движение, в которое вошли художники, скульпторы, фотографы и кинематографисты. Второй Manifeste du Surréalisme был опубликован в 1929 году. Сюрреализм не имел значительного выражения в прикладном или декоративном искусстве, архитектуре или музыке, хотя можно было выделить несколько отдельных примеров (например, шахматные наборы, мебель и Las Pozas ). Маленькая и недолговечная Метафизическая школа (ок. 1910–1921), с Джорджо де Кирико в качестве главной фигуры, оказала большое влияние на сюрреализм. Сюрреалист исследовал множество инновационныхтехник, некоторые из которых были недавно разработаны в кубизме и дада, другие были новыми, в том числе коллаж, найденные объекты, сборка, случайная случайность, рентгенограммы (фотографии), рисование на песке, капание и брызги краски, декалькомания, фроттаж, окуривание и ракладж. В сюрреалистическом искусстве преобладают два фундаментальных подхода. Автоматизм доминировал в первые годы, что можно увидеть в работах таких художников, как Андре Массон и Жоан Миро. Другой художник, вдохновленный работами Джорджо де Кирико, использовал более традиционные методы и средства, чтобы проиллюстрировать неотфильтрованные мысли и несочетаемые сопоставления, в том числе Сальвадор Дали и Рене Магритт. Среди известных художников: Жан Арп, Ганс Беллмер, Виктор Браунер, Луис Бунюэль, Джозеф Корнелл, Оскар Домингес, Макс Эрнст, Вифредо Лам, Ив Танги, Ман Рэй, Альберто Джакометти, Мерет Оппенгейм и Роберто Матта. К другим важным художникам, неофициально обращающимся к сюрреализму, относятся Марсель Дюшан, Пабло Пикассо и Фрида Кало. Идеи и теории сюрреализма обсуждались в серии журналов: La Révolution Surréaliste (1924–1929), Le Surrealisme au service de la Revolution (1930–1933), Minotaure (1933–1939), VVV (1942–1944). Автоматические картины, созданные Андре Массоном и Джуной Миро, а также опоздавшими в сюрреализм, такими как Роберто Матта и Аршил Горки, оказали значительное влияние на абстрактного экспрессиониста в конце 1940-х.
С некоторой долей непочтительности и презрения Дада к традиционным политическим, религиозным и буржуазным ценностям западной культуры, которые, по их мнению, привели мир к Первой мировой войне (Бретон и другие члены-основатели были ветеранами); сюрреалист исследовал возможности, которые были открыты Зигмундом Фрейдом в отношении подсознания: «Чистый психический автоматизм, с помощью которого человек намеревается выразить словесно, письменно или любым другим способом реальное функционирование разум. Диктовка мыслью, в отсутствие какого-либо контроля со стороны разума и вне всяких эстетических или моральных забот ". Сюрреализм стремился выразить чистую мысль, не отфильтрованную и не подвергшуюся цензуре политическими, религиозными, моральными или рациональными принципами.
Провидец; автор Джорджо де Кирико ; 1914–15; холст, масло, 89,6 × 70,1 см, Музей современного искусства, Нью-Йорк
Пейзаж (Кузнечик); автор Жоан Миро ; 1926; холст, масло, 114 × 146 см. Музей современного искусства Гуландриса, Афины
Остановившееся время; автор Рене Магритт ; 1938; холст, масло, 147 × 98,7 см.; Чикагский институт искусств, Чикаго (США)
Сигне (Левент), автор Виктор Браунер ; 1942; белый мрамор, 31 см, Cimetière de Montmartre, Париж
Книги об искусстве, проданные в Картурашти Карусель (Бухарест, Румыния ), апрель 2019 г. Быстрый прогресс науки и технологий привел к позднему модерну и постмодерну. В эти периоды искусство и культуры мира претерпели множество изменений, и между культурами было много смешения, поскольку новые коммуникационные технологии способствовали национальному и даже глобальному распространению музыки, искусства и стиля.. Разделение региональных культур, отмеченное в XIX веке, сменилось глобальной культурой. Постмодернизм описывает широкое движение, развившееся в середине-конце 20-го века в философии, искусстве, архитектуре и критике, которое обозначило отход от модернизма. Один современный взгляд на постмодернистское искусство показывает, что его можно понимать как расширение технологических медиа, позволяющих одновременно создавать несколько новых форм искусства. Переход от линейных художественных движений эпохи модерна начала 20-го века к множественным одновременным движениям постмодерна прошлого 20-го века показан на Хронологии искусства 20-го века и новых медиа. Художественные направления, характерные для конца 20-го и начала 21-го веков, включают ленд-арт, видеоарт, фотореализм, гиперреализм и цифровое искусство.
Dona i Ocell ; автор Жоан Миро ; 1983; Parc Joan Miró (Барселона, Испания)
Карандаши; автор Геррино Боатто ; 1 августа 1986 г.;акрил по схоллеру; 70 × 50 см; частная коллекция
Роза; автор Иса Гензкен ; 1993; напротив Neue Leipziger Messe (Лейпциг, Германия)
L'Ange Protecteur; автор Ники де Сен-Фалль ; создание в 1997 году; Zürich Hauptbahnhof (Zürich, Switzerland )
Maman; от Louise Bourgeois ; бронза и стекло; начало конца 1990-х; Guggenheim (Бильбао, Испания)
Китайский лев-хранитель ; автор Ай Вэйвэй ; 2014; лед; Стокгольмский международный кинофестиваль 2014
 | На Викискладе есть материалы, связанные с История искусства. |
 | В Викицитаторе есть цитаты, связанные с: История искусства |
 | В Викиучебнике есть книга на тему: История искусства |
