Войти
Филиппо Липпи, Поклонение в лесу, by 1459 
Чимабуэ, Мадонна Санта-Тринита, ок. 1285, когда-то в церкви Санта-Тринита, теперь в галерее Уффици.флорентийская живопись или флорентийская школа относится к художникам из, из, или под области натуралистического стиля, развитого во Флоренции в 14 веке, во многом благодаря усилиям Джотто ди Бондоне, а в 15 веке ведущей школой Западная живопись. Некоторые из наиболее известных художников ранней флорентийской школы: Фра Анджелико, Боттичелли, Филиппо Липпи, Гирландайо, Мазолино и Мазаччо.
Флоренция была колыбелью Высокого Возрождения, но в начале 16 века наиболее значимые художники, в том числе Микеланджело и Рафаэля привлек Рим, где тогда были самые большие комиссии. Отчасти это произошло после Медичи, некоторые из которых стали кардиналами и даже папой. Подобный процесс коснулся и более поздних флорентийских художников. К периоду барокко многие художники, работавшие во Флоренции, редко были крупными фигурами.
Мозаика потолок Баптистерия Святого Иоанна во Флоренции, датируемая примерно 1225 годом. Самое раннее самобытное тосканское искусство, созданное в 13 веке в <279 году>Пиза и Лукка, легли в основу более позднего развития. Никола Пизано показал свою высокую оценку формальных форм, как и его сын Джованни Пизано, который привнес новые идеи готической скульптуры в тосканский язык, образуя фигуры беспрецедентного натурализма. Это нашло отражение в творчестве пизанских художников XII и XIII веков, особенно в работах Джунты Пизано, который, в свою очередь, оказал влияние на таких великих деятелей, как Чимабуэ, а через него - на Джотто и ранние XIV век флорентийские художники.
Самый старый из дошедших до нас крупномасштабных флорентийских живописных проектов - это мозаичное украшение внутренней части купола баптистерия Святого Иоанна, начатое около 1225 года. В рамках проекта принимали участие венентские художники, тосканские художники создавали выразительные, показывающие эмоциональные сцены, показывающие эмоциональное содержание, в отличие от преобладающих византийских традиций. Коппо ди Марковаль, как говорят, отвечал за центральную фигуру Христа и является самым ранним фентийским художником, участвовавшим в этом проекте. Подобно панелям Богородицы с младенцем, нарисованным для сервитских церквей в Сиене и Орвието, иногда приписываемых Коппо, фигуре Христа имеет чувство объема.
Аналогичные работы были заказаны для флорентийских церквей Санта-Мария-Новелла, Санта-Тринита и Огниссанти в конце 13 века и начале 14 века.. Панель Дуччо около 1285 года, Мадонна с младенцем на троне и шестью ангелами, или Мадонна Ручеллаи, для Санта-Мария-Новелла, ныне находящаяся в Галерее Уфици, демонстрирует развитие естественного пространства и формы и, возможно, изначально не предназначались для запрестольного образов. Панно с изображением Богородицы использовалось наверху кровельных экранов, как в базилике Сан-Франческо д'Ассизи, где есть панель на фреске Подтверждения стигматов в Цикл "Жизнь святого Франциска". Мадонна Санта-Тринита Чимабуэ и Мадонна Ручеллаи Дуччо, тем не менее, сохраняют более ранний стилистический подход к изображению драпировки в виде сети линий.
фреска Джотто, Траур Святого Франциска в Барди часовне Санта-Кроче.На светочувствие Джотто повлияли фрески, которые он видел во время работы в Риме, и в его повествовательных настенных росписях, особенно тех, которые были заказаны семьей Барди, его фигуры помещены в натуралистическое пространство и обладают измерением и драматическим выражением. Подобный подход к свету использовали его современники, такие как Бернардо Дадди, их внимание к натурализму, нанесли предметы, заказанные для XIV века францисканец и доминиканец церквей и оказал влияние на флорентийских художников в последующие века. В то время как некоторые из них были традиционными композициями, например, посвященными основателями ордена и ранним святым, другими как недавних событий, людей и мест, не имели прецедентов, что позволяло создавать изобретения.
В 13 веке наблюдался рост спроса на религиозные панно, особенно на алтари, хотя причина неясна, тосканские художники и мастера по дереву в начале 14 века создавали алтари, которые были более сложными, многопанельными предметами со сложным обрамлением.. Когда нанимали художника. Однако содержание повествовательных на панелях предел редко включается в контрактах и, возможно, было оставлено на усмотрение соответствующих художников. Флорентийские церкви поручили многим сиенским художникам создать алтарь, например, Уголино ди Нерио, которого попросили нарисовать крупномасштабную работу для алтаря для Базилики Санта-Кроче, которая может быть ранним полиптихом на флорентийском алтаре. Гильдии, осознавая стимулы, которые создают внешнее мастерство, облегчают художникам других работу во Флоренции. У скульпторов была своя собственная гильдия, имевшая второстепенный статус, а к 1316 году художники были влиятельного Arte dei Medici e Speziali. Сами гильдии стали крупными покровителями искусства, и с начала 14 века различные крупные гильдии наблюдали за поддержанием и улучшением отдельных религиозных построек; все гильдии участвовали в восстановлении Орсанмикеле.
. Натурализм, развитый ранними флорентийскими художниками, пришел в упадок в третьей четверти XIV века. Основные заказы, такие как запрестольный образ семьи Строцци (датируемый примерно 1354-57 гг.) В Санта-Мария-Новелла, были возложены на Андреа ди Чионе, чьи работы, а также в работе его братья, более знаковые в своем обращении с фигурами и более раннее сжатого пространства.
Флоренция продолжала оставаться важнейшим центром итальянской живописи Возрождения. Самые ранние изображения эпохи Возрождения во Флоренции датируются 1401 годом, первым годом века, известным по-итальянски как Quattrocento, синонимом раннего Возрождения; однако это не картины. В этот день был проведен конкурс, чтобы найти художника для создания пары бронзовых дверей для баптистерия Святого Иоанна, самой старой сохранившейся церкви в городе. Баптистерий - большое восьмиугольное здание в романском стиле. Внутренняя часть его купола украшена огромной мозаичной фигурой велич в величии, которая, как считается, была создана Коппо ди Марковальдо. В нем есть три больших портала, центральный в то время был заполнен дверью, созданной Андреа Пизано восемьдесят лет назад.
Двери Пизано были разделены на 28 четырехлистных отсеков, обеспечивающих сцены из жизни Иоанна Крестителя. Каждый из участников конкурса, среди которых было создано семь молодых художников, представлял собой бронзовое панно аналогичной формы и размера. Сохранились две панели: Лоренцо Гиберти и Брунеллески. Каждая панель демонстрирует несколько строго классических мотивов, указывающих направление, в котором демонстрируются искусство и философия в то время. Гиберти использовал обнаженную фигуру Исаака для создания небольшой скульптуры в классическом стиле. Он становится на колени на могиле, украшенной свитками аканта, которые также являются отсылкой к искусству Древнего Рима. На панели Брунеллески одна из дополнительных фигур, включенных в сцену, напоминает хорошо известную римскую бронзовую фигуру мальчика, вытаскивающего шип из своей ноги. Творчество Брунеллески бросает вызов своей динамичной насыщенности. Менее элегантный, чем у Гиберти, он больше о драме и надвигающейся трагедии.
Гиберти выиграл соревнование. На его изготовление первого набора дверей баптистерия ушло 27 лет, после чего ему было поручено изготовить еще один. За 50 лет работы над ними Гиберти двери стали тренировочной площадкой для многих художников Флоренции. Будучи повествовательной по сюжету и используя не только навыки построения фигтивных композиций, но и растущее мастерство линейной перспективы, двери должны были иметь огромное влияние на развитие флорентийского изобразительного искусства. Они были объединяющим фактором, создателем гордости и товарищества как для города, так и для его художников. Микеланджело назвал их Вратами рая.
В 1426 году два художника приступили к написанию цикла фресок Жития Святого Петра в часовне семьи Бранкаччи, в церкви кармелитов Флоренции. Их обоих звали Томмазо по прозвищам Мазаччо и Мазолино, Словенский Том и Маленький Том.
Больше, чем любой другой художник, Мазаччо осознавал значение творчества Джотто. Он продолжил практику рисования с натуры. Его картины демонстрируют понимание анатомии, ракурса, линейной перспективы, света и исследования драпировки. Среди его работ фигуры Адама и Евы, изгнанные из Эдема, нарисованные сбоку от арки в часовне, известны своим реалистичным изображением человеческого облика и человеческих эмоций. Они контрастируют с нежными и красивыми фигурами, нарисованными Масолино на противоположной стороне Адама и Евы, получающих запретный плод. Роспись капеллы Бранкаччи осталась незавершенной, когда Мазаччо умер в 26 лет. Позднее работа была закончена Филиппино Липпи. Работы Мазаччо стали вдохновения для многих более поздних художников, в том числе Леонардо да Винчи и Микеланджело.
Паоло Уччелло: Представление Богородицы показывает его эксперименты с перспективой и свет. В течение первой половины 15 века достижение эффекта реалистичного пространства в картине с применением линейной перспективы было главной заботой многих художников, а также художников. архитекторы Брунеллески и Альберти, которые теоретизировали по этому поводу. Известно, что Брунеллески провел ряд тщательных исследований площади и восьмиугольного баптистерия за пределами Флорентийского собора, и считается, что он помог Мазаччо в создании его знаменитой trompe l'oeil ниши. вокруг Святой Троицы он писал в Санта-Мария-Новелла.
По словам Вазари, Паоло Уччелло был настолько одержим перспективой, что мало о чем думал и экспериментировал с ней во многих картинах, наиболее наиболее из них. это три фотографии Битвы при Сан-Романо, на котором используется сломанное оружие на земле и поля на далеких холмах, чтобы создать впечатление перспективы.
В 1450-х годах Пьеро делла Франческа в картинах таких, как Бичевание Христа, применил свое мастерство в линейной перспективе, а также в науке о свете. Существует еще одна картина - городской пейзаж, написанная неизвестным художником, возможно, Пьеро делла Франческа, которая демонстрирует своего рода эксперимент, который проводил Брунеллески. С этого времени линейная перспектива была понята и регулярно использовалась, например, Перуджино в его Христе, дающем ключи Святому Петру в Сикстинской капелле.
Пьеро делла Франческа: Флагелляция демонстрирует способность художника контролировать перспективу и свет. Джотто использовал тональность для создания формы. Таддео Гадди в своей ночной сцене в часовне Барончелли применил, как можно использовать свет для создания драмы. Паоло Уччелло, сто лет спустя, экспериментировал с драматическим эффектом света на некоторых из своих почти монохромных фресок. Он сделал несколько из них в terra verde или «зеленая земля», оживив свои композиции красными оттенками. Наиболее известен его конный портрет Джона Хоквуда на стене Флорентийского собора. И здесь, и на четырех головах пророков, которые он нарисовал вокруг внутреннего внутреннего вала в соборе, он использовал резко контрастирующие тона, предполагая, что каждая фигура освещалась источником света, как если бы был настоящий окном в соборе.
Пьеро делла Франческа развил свое исследование света дальше. В «Бичевании» он демонстрирует знание того, как свет пропорционально от точки его происхождения. На этой картине есть два источника света: один внутри здания, а другой - снаружи. Что касается внутреннего источника, то, хотя сам свет невидим, его положение можно вычислить с математической точностью. Леонардо да Винчи должен был продолжить работу Пьеро о свете.
Одно из нескольких Благовещений Фра Анджелико, Прадо Пресвятой Богородицы Марию, почитаемую католической церковью во всем мире, особенно вспоминали во Флоренции, где было чудесное изображение ее на колонне на кукурузном рынке и где находился Собор Богородицы. Цветы »и большая доминиканская церковь Санта-Мария-Новелла были названы в ее честь.
Чудесный образ на кукурузном рынке был уничтожен пожаром, но заменен новым изображением в 1330-х годах Бернардо Дадди, помещенным в тщательно спроектированный и богато выполненный навес Орканья. Открытый нижний этаж здания был огорожен и посвящен как Орсанмикеле.
. Изображения Мадонны с младенцем были очень популярным видом искусства во Флоренции. Они принимали любую форму: от небольших терракотовых бляшек массового производства до великолепных алтарей, например, Чимабуэ, Джотто и Мазаччо. Маленькие мадонны для работы среди малярных мастеров. Общественные здания и правительственные учреждения.
Бартоломео ди Фруозино, 1420, типичная оборотная сторона desco da parto, с геральдикой и младенцем, мочущимся Среди тех, кто рисовалные религиозные Мадонны во время Раннего Возрождения, есть Фра Анджелико, Фра Филиппо Липпи, Верроккьо и Давид Гирландайо. Позжеим ведущим поставщиком Боттичелли и его мастерская, которые изготовили большое количество мадонн для церквей, жилых домов, а также общественных зданий. Он представил большой круглый формат тондо для больших домов. Мадонны и святые Перуджино известны своей сладостью. Сохранилось несколько небольших Мадонн, приписываемых Леонардо да Винчи, таких как Мадонна Бенуа. Даже Микеланджело, в первую очередь был скульптором, который убедили написать Дони Тондо, а для Рафаэля они являются одними из самых популярных и использованных его работ.
Флорентийским фирменным блюдом был круглый или 12-сторонний desco da parto или поднос для родов, на котором молодая мать подавала сладости подругам. который посетил ее после родов. В остальное время они, кажется, висели в спальне. Обе стороны нарисованы, одна со сценами, чтобы ободрить мать во время беременности, часто голого малыша мужского пола; Считалось, что просмотр положительных изображений изображенному результату.
Примерно с середины века Флоренция стала ведущим центром Италии новой индустрии гравюры, как и некоторые из Многие флорентийские ювелиры обратились к изготовлению пластин для гравюр. Они часто копировали стиль художников или предоставленные ими рисунки. Боттичелли был одним из первых, кто экспериментировал с рисунками для книжных иллюстраций, в случае с Данте. Антонио дель Поллайоло был не только печатником, но и ювелиром, и сам выгравировал свою Битву обнаженных ; Благодаря своему размеру и изысканности он поднял итальянский язык на новый уровень и остается одним из самых известных принтов эпохи Возрождения.
Боттичелли: Рождение Венеры для Медичи Во Флоренции в конце 15 века большинство произведений искусства, даже те, которые служили украшением церквей, обычно заказывались и оплачивались частными покровителями. Большая часть покровительства исходила от семьи Медичи или тех, кто был тесно связан с ними или был связан с ними, например, Сассетти, Ручеллаи и Торнабуони.
В 1460-х годах Козимо Медичи Старший назначил Марсилио Фичино своим постоянным философом-гуманистом и способствовал его переводу Платона и его учение платонической философии, которое фокусировалось на человечестве как центре естественной вселенной, на личных отношениях каждого человека с Богом и на братской или «платонической» любви как на самом близком, к которому человек может приблизиться подражание или понимание любви Бога.
В Средневековый период все, что относилось к классическому периоду, воспринималось как связанное с язычеством. В эпоху Возрождения это все больше ассоциировалось с просвещением. Фигуры классической мифологии начали брать на себя новую символическую роль в христианском искусстве, и, в частности, Богиня Венера обрела новое усмотрение. Родившаяся полностью сформировавшейся в результате своего рода чуда, она была новой Евой, символом невинной любви или даже, в более широком смысле, символом самой Девы Марии. Мы видим Венеру в обеих этих ролях в двух известных темперных картинах, которые Боттичелли написал в 1480-х годах для племянника Козимо, Пьерфранческо Медичи, Примавера и Рождение Венеры.
Между тем, Доменико Гирландайо, скрупулезный и аккуратный рисовальщик и один из лучших портретистов своего времени, выполнил два цикла фресок для сотрудников Медичи в двух более крупных церквях Флоренции, капелле Сассетти в Санта-Трините и Капелла Торнабуони в Санта-Мария-Новелла. В этих циклах Жития Святого Франциска и Жития Девы Марии и Жития Иоанна Крестителя было место для портретов покровителей и покровителей покровителей. Благодаря покровительству Сассетти, есть портрет самого человека с его нанимателем Лоренцо иль Магнифико и трех сыновей Лоренцо с их наставником, поэтом и философом-гуманистом Аньоло Полициано. В часовне Торнабуони находится еще один портрет Полициано в сопровождении других влиятельных членов Платонической академии, включая Марсилио Фичино.
Примерно с 1450 года, с прибытием в Италию фламандского художника Рогира ван дер Вейдена и, возможно, раньше, художники познакомились со средой масляной краски. Несмотря на то, что и темпера, и фреска подходили для изображения узора, ни один из них не представлял собой успешного способа реалистичного изображения природных текстур. Очень гибкая среда масел, которую можно было сделать непрозрачной или прозрачной и допускать изменения и дополнения в течение нескольких дней после того, как она была заложена, открыла новый мир возможностей для итальянских художников.
В 1475 году огромный алтарь Поклонения пастырей прибыл во Флоренцию. Расписанный Хуго ван дер Гус по просьбе Портинари, он был доставлен из Брюгге и установлен в часовне Сант-Эджидио в больнице Санта-Мария-Нуова. Алтарь светится яркими красными и зелеными оттенками, контрастируя с глянцевыми черными бархатными одеяниями жертвователей Портинари. На переднем плане натюрморт с цветами в контрастных сосудах, один из глазурованной керамики, а другой из стекла. Одной стеклянной вазы было достаточно, чтобы привлечь внимание. Важным аспектом триптиха была естественная и реалистичная картина трех пастухов с короткими бородками, изношенными руками и выражениями, различными от восхищения до удивления и непонимания. Доменико Гирландайо тут же написал свою версию, с красивой итальянской Мадонной вместо длиннолицой фламандской, а сам, театрально жестикулируя, как один из пастырей.
Перуджино: Христос передает ключи Петру В 1477 Папа Сикст IV заменил заброшенную старую часовню в Ватикане, в которой проводились многие папские службы были проведены. Интерьер новой капеллы, названной Сикстинской капеллой в его честь, по всей видимости, изначально планировался так, чтобы иметь серию из 16 больших фресок между ее пилястрами на среднем уровне, с серией росписей. над ними портреты пап.
В 1480 году группа художников из Флоренции получила заказ на работу: Боттичелли, Пьетро Перуджино, Доменико Гирландайо и Козимо Росселли. Цикл фресок должен был изображать Истории из жизни Моисея с одной стороны часовни и Истории из жизни Христа с другого, причем фрески дополняли друг друга по тематике. Рождество Иисуса и Обретение Моисея соседствовали на стене за алтарем, между ними находился алтарь Успения Богородицы. Эти картины, все работы Перуджино, были позже уничтожены, чтобы нарисовать Страшный суд Микеланджело.
Остальные 12 показывают виртуозность, которые используют очень разные стили и навыки. Картины раскрывали весь их возможности, как они включали большое количество фигур мужчин, женщин и детей, а также персонажей, от ангелов-проводников до разъяренных фараонов и самого дьявола. Каждая картина требовала пейзажа. Из-за масштаба фигур, о которых договорились художники, на каждой картине пейзаж и небо занимают всю верхнюю половину сцены. Иногда, как в сцене Боттичелли «Очищение прокаженного», в ландшафте проходят небольшие повествования, в данном случае Искушения Христа.
Перуджино 'Сцена «Христос дает ключи апостолу Петру. » отличается ясностью и простотой композиции, красотой образной живописи, включающей автопортрет среди зрителей, и особенно перспективным городским пейзажем. который включает упоминание о служении Петра в Риме наличием двух триумфальных арок и расположенных в центре восьмиугольным зданием, которое может быть христианским баптистерием или римским мавзолеем.
Флоренция была колыбелью Высокого Возрождения, но в начале 16 века наиболее значимые художники были привлечены в Рим, где начали поступать самые большие заказы. Отчасти это произошло после Медичи, некоторые из которых стали кардиналами и даже папой.
Леонардо, из-за размаха его интересов и необычайной степени таланта, который онал во многих различных областях, считается архетипом "человека эпохи Возрождения" " Он опирался на первые знания, которые он почерпнул из всех своих интересов.
Леонардо был научным наблюдателем Винчи: Тайная вечеря Леонардо был научным наблюдателем. Он изучал и рисовал цветы полей, водовороты реки, формы скал и гор, то, как свет отражался от листвы и сверкал в драгоценном камне, в частности, он изучал человеческую форму, рассекая тридцать или более невостребованных трупов из больницы, чтобы понять мышцы и сухожилия.
Больше, чем любой другой художник, он продвинул исследование «атмосферы». В своих картинах, таких как Мона Лиза и Дева в скалах, он использовал свет и тень с такой тонкостью, что, за неимением лучше слова го, это стало известно как «сфумато Леонардо». "или" дым ".
Одновременно с приглашением зрителей в таинственный мир движущихся теней, хаотических гор и кружащихся потоковых потоков, обладающих высокой степенью реализма в выражении человеческих эмоций, прообразом которых был Джотто, но неизвестный со времен Адама и Евы Мазаччо. «Тайная вечеря» Леонардо, написанная в трапезной монастыря в Милане, стала эталоном религиозной повествовательной живописи на следующие полвека.
Помимо прямого воздействия, исследования Леонардо в области света, анатомии, пейзажи и человеческое выражение были распространены частично благодаря его щедрости среди свиты студентов.
Микеланджело: Сотворение Адама В 1508 Папе Юлию II удалось добиться от с кульптора Микеланджело согласия на продолжение декоративной схемы Сикстинской капеллы. Потолок Сикстинской капеллы был построен таким образом, что поддерживает двенадцать наклонных подвесов, поддерживающих свод, которые образовывали идеальные поверхности, на которых можно было нарисовать Двенадцать апостолов. Микеланджело, без особого изящества уступил требованиям Папы, вскоре разработал совершенно иную схему, гораздо более сложную как по дизайну, так и по иконографии. Масштаб работы, которую он выполняет в одиночку, за исключением ручной помощи, был титаническим, и на ее выполнение ушло почти пять лет.
План Папы для апостолов тематически образовал бы наглядную связь между Ветхим Заветом и Новым Заветом повествованиями на стенах и папами в галерее портреты. Этот мост строят двенадцать апостолов и их лидер Петр как первый епископ Рима. Но план Микеланджело пошел в противоположном направлении. Тема потолка Микеланджело - это не великий Божий план спасения человечества. Тема о позоре человечества. Это о том, почему человечество и вера нуждались в Иисусе.
На первый взгляд потолок - это гуманистическая конструкция. Фигуры обладают сверхчеловеческими размерами и в случае Адама, такая красота, что, по словам биографа Вазари, действительно кажется, что фигуру создал сам Бог, а не Микеланджело. Но, несмотря на красоту отдельных фигур, Микеланджело не прославил человеческое государство и, конечно же, не представил гуманистический идеал платонической любви. Фактически, предки Христа, которые он нарисовал вокруг верхней части стены, демонстрируют все худшие аспекты семейных отношений, демонстрируют дисфункцию в таком же количестве различных форм, как и семей.
Вазари похвалил, казалось бы, Микеланджело. безграничные возможности изобретательства в создании поз для фигур. Рафаэль, на превью которого Браманте после того, как Микеланджело в ярости рванул в Болонью, нарисовал по крайней мере две фигуры в подражание пророкам Микеланджело, одну из них церковь Сант-Агостино и в в Ватикане, его портрет самого Микеланджело в Афинская школа.
С Леонардо да Винчи и Микеланджело, Имя Рафаэля является синонимом Высокого Возрождения, хотя он был моложе Микеланджело на 18 лет и Леонардо почти на 30. Нельзя сказать, что он значительно продвинул состояние живописи, как это сделали два его знаменитых современника. Скорее, его творчество было кульминацией всех достижений Высокого Возрождения.
Рафаэль: Афинская, заказанная Папой Юлием II для свиты, теперь известная как Комнаты Рафаэля в Ватикане Рафаэль Ему посчастливилось родиться сыном художника, поэтому его карьера, в отличие от Микеланджело, сына мелкой знати, была решена без ссор. Через несколько лет после смерти он работал в умбрийской мастерской Перуджино, превосходный живописец и превосходный техник. Его первая подписанная и датированная картина, выполненная в возрасте 21 года, - «Обручение Богородицы», которая сразу же обнаруживает свое происхождение в «Христе Перуджино, передающем ключи Петру».
Рафаэль был беззаботным персонажем, который без стыда черпал вдохновение. мастерство известных художников, чья продолжительность жизни охватывала его. В его работах сочетаются индивидуальные качества многих художников. Округлые формы и светящиеся цвета Перуджино, реалистичные портреты Гирландайо, реализм и освещение Леонардо и мощное рисование Микеланджело объединились в картинах Рафаэля. За свою короткую жизнь он выполнил больших запрестольных образов, впечатляющую классическую фреску с изображением морских нимфов, Галатеи, выдающиеся портреты с двумя папами и известным писателем среди них, а также пока Микеланджело писал потолок Сикстинской капеллы, серия настенных фресок в залах Ватикана поблизости, из которых Афинская школа имеет особое значение.
Эта фреска изображает собрание всех наиболее образованных древних афинян, собравшихся в величественной классической обстановке вокруг центральной фигуры Платона, которого Рафаэль создал по образцу Леонардо да Винчи. Задумчивая фигура Гераклита, сидящего у большой каменной глыбы, является портретом Микеланджело и является отсылкой к его картине Пророка Иеремии в Сикстинской капелле. Его собственный портрет находится справа, рядом с его учителем Перуджино.
Но главным источником популярности Рафаэля были не его основные работы, а его маленькие флорентийские изображения Мадонны и Младенца Христа. Снова и снова он рисовал одну и ту же пухлую блондинку с спокойным лицом и череду ее пухлых младенцев, наиболее известной из которых, вероятно, была «Прекрасный сад» («Мадонна в прекрасном саду»), которая сейчас находится в Лувре. Его большая работа, Сикстинская Мадонна, использованная в качестве дизайна для бесчисленных витражей окон, появилась в 21 веке, чтобы обеспечить культовое изображение двух маленьких херувимов, которые были воспроизводится на всем, от бумажных салфеток до зонтиков.
Якопо Понтормо, Entombment, 1528; Санта-Фелисита, Флоренция Ранние маньеристы во Флоренции, особенно ученики Андреа дель Сарто, такие как Якопо да Понтормо и Россо Фиорентино, примечательны вытянутыми формами, ненадежно сбалансированными позами, сжатой перспективой, иррациональной обстановкой и театральным освещением. Будучи лидером Первой школы Фонтенбло, Россо сыграл важную роль в распространении стиля Возрождения во Франции.
Пармиджанино (ученик Корреджо ) и Джулио Романо (главный помощник Рафаэля) двигались в сходно стилизованных эстетических направлениях в Риме. Эти художники созрели под влиянием Высокого Возрождения, и их стиль был охарактеризован как реакция на него или его преувеличенное расширение. Вместо непосредственного изучения природы молодые художники начали изучать эллинистическую скульптуру и картины мастеров прошлого. Поэтому этот стиль часто называют «антиклассическим», но в то время он считался естественным продолжением Высокого Возрождения. Самая ранняя экспериментальная фаза маньеризма, известная своими «антиклассическими» формами, продолжалась примерно до 1540 года. или 1550. Марсия Б. Холл, профессор истории искусств в Университете Темпл, отмечает в своей книге «После Рафаэля», что преждевременная смерть Рафаэля знаменовала начало маньеризма в Риме.
Бронзино ( ум. 1572), ученик Понтормо, был в основном придворным портретистом при дворе Медичи, в несколько холодном формальном стиле маньеризма. В том же поколении Джорджо Вазари (ум. 1574) помнят гораздо лучше как автор Жизни самых выдающихся художников, скульпторов и архитекторов, которые оказали огромное и продолжительное влияние на укрепление репутации флорентийской школы. Но он был ведущим художником истории живопись при дворе Медичи, хотя его работы сейчас обычно рассматриваются как напрягаясь после воздействия, которое оказывает работа Микеланджело, и не сумел его достичь. Это стало распространенной ошибкой флорентийской живописи к десятилетиям после 1530 года, поскольку многие художники пытались подражать гигантам Высокого Возрождения.
Кристофано Аллори, Юдифь с головой Олоферна, 1613, Королевская коллекция версия К периоду барокко Флоренция была больше не был самым важным центром живописи в Италии, но, тем не менее, был важным. Ведущие художники, родившиеся в городе, и которые, в отличие от других, провели там большую часть своей карьеры, включают Кристофано Аллори, Маттео Росселли, Франческо Фурини и Карло Дольчи. Пьетро да Кортона родился в Великом герцогстве Тоскане и много работал в городе.
 | На Викискладе есть материалы, связанные с флорентийской школой. |
