Войти
| Полдень - Отдых от работы (по Милле) | |
|---|---|
 | |
| Художник | Винсент Ван Гог |
| Год | 1890 |
| Средний | Холст, масло |
| Местоположение | Музей Орсе, Париж |
Копии Винсент Ван Гог составляют важную группу картин, выполненных Винсентом Ван Гогом между 1887 и началом 1890 года. Находясь в психиатрической больнице Сен-Поль в Сен-Реми-де -Прованс, Франция, где Ван Гог признал себя, он стремился иметь предметы в холодные зимние месяцы. Стремясь к художественному обновлению, Ван Гог сделал более 30 копий работ некоторых из своих любимых художников. Примерно двадцать одна работа была копией после Жан-Франсуа Милле или вдохновлена им. Вместо того, чтобы копировать, Ван Гог стремился передать сюжеты и композицию через свою перспективу, цвет и технику. Духовный смысл и эмоциональный комфорт были выражены через символику и цвет. Его брат Тео Ван Гог назвал бы части в этой серии одними из своих лучших работ.
Зимой в Сен-Реми Ван Гог испытывал нехватку предметов для своих работ. Проживая в приюте Сен-Поль, он не имел той свободы, которой пользовался в прошлом, погода была слишком холодной для работы на открытом воздухе, и у него не было доступа к моделям для картин. Ван Гог занялся копированием одних из своих любимых работ других, что стало основным источником его работ в зимние месяцы. Пьета (после Делакруа ) знаменует начало серии картин Ван Гога, написанных по мотивам таких художников, как Жан-Франсуа Милле, Оноре Домье и Рембрандт. Работы Милле, оказавшие большое влияние на Ван Гога, занимают видное место в этой серии. Он написал Тео об этих копиях: «Я начал делать их непреднамеренно и теперь обнаружил, что могу учиться у них и что они дают мне своего рода утешение. Затем моя кисть движется сквозь мои пальцы, как смычок по струнам скрипки - полностью для моего удовольствия ».
Несколько религиозных произведений, таких как« Пьета », были включены в серию, за исключением его произведений. Психиатрическая лечебница Святого Павла, расположенная в старом монастыре, возможно, послужила источником вдохновения для этой конкретной темы. Набожность монахинь иногда раздражала его, но он находил утешение в религии. Он писал: «Я небезразличен, и благочестивые мысли часто утешают меня в моих страданиях».
Музей Ван Гога утверждает, что Ван Гог, возможно, отождествлял себя со Христом, «который также страдал и был неправильно понят». Они также предлагают гипотезу некоторых ученых о сходстве между Ван Гогом и рыжебородым Христом в «Пьете» и Лазаря в копии после Рембрандта. Однако неизвестно, было ли это намерением Ван Гога.
Эмиль Бернар, художник и католический мистик, был близким другом Ван Гог. Бернар оказал на Ван Гога художественное влияние несколькими способами. Бернар обрисовал фигуры черным, повторяя внешний вид религиозных гравюр изображений средневековья. В результате получилась уплощенная, более примитивная работа. Картина Ван Гога Вороны над пшеничным полем - один из примеров того, как упрощенная форма Бернарда повлияла на его работу. Бернард также научил Ван Гога, как управлять перспективой в его работах. Подобно тому, как Ван Гог использовал цвет для выражения эмоций, он использовал его как средство художественного выражения и средство «модернизации» своей работы.
В качестве демонстрации разделения художественных точек зрения Ван Гог нарисовал копию в акварель эскиза Бернарда бретонской женщины. Ван Гог написал Бернарду утопический идеал, в котором художники работали сообща, сосредоточились на общей идее, чтобы достичь художественных высот, «недоступных для изолированного человека». В качестве пояснения он заявил, что это не означает, что несколько художников будут работать над одной и той же картиной, но каждый из них создаст произведение, которое «тем не менее, должно быть вместе и дополнять друг друга». Бретонские женщины - один из многих примеров того, как Ван Гог и один из его друзей объединили свои уникальные темпераменты и навыки в единую идею.
Ван Гог написал Бернарду свое ремесло бретонских женщин Полу Гоген : "Позвольте мне прояснить, что я с нетерпением ждал возможности увидеть то, что есть на вашей картине, которая есть у Гогена, этих бретонок женщин, гуляющих по лугу, так красиво сложенных, цвет с таким наивным различием ". Гоген создал работу Бретонские женщины на помиловании, которая, возможно, была вдохновлена работой Бернара о бретонских женщинах.
Бретонские женщины на лугу Эмиля Бернара, август 1888 г.
Винсент Ван Гог, Бретонские женщины и дети, ноябрь 1888, Civica Galleria d'Arte Moderna, Милан, Италия (F1422)
Ван Гог написал работу по гравюре «Человек в море», выполненную Виржини Демон-Бретон, дочерью Жюля Бретона. Ее гравюра экспонировалась в Салоне 1889 г.. Картина изображает, почти полностью в оттенках фиолетового, мирную сцену матери, сидящей у костра с младенцем на коленях.
Вирджиния Демонт-Бретон, ее мужчина в море
Мужчина в море ( по Демон-Бретону), 1889, Частное собрание (F644)
В 1882 году Ван Гог заметил, что он обнаружил Оноре Домье Четыре возраста пьющего одновременно красивый и душевный.
Ван Гог писал своему брату Тео о художественной перспективе и человечности Домье: «Что меня тогда так сильно впечатлило, так это что-то столь твердое и мужественное в концепции Домье, что-то, что заставило меня думать, что это должно умейте думать и чувствовать подобное, упускать из виду или игнорировать множество вещей и концентрироваться на том, что заставляет нас сидеть и думать и что касается нас как людей более непосредственно и лично, чем луга или облака ». Художественные таланты Домье включали живопись, лепку и создание литографий. Он был хорошо известен своими социальными и политическими комментариями.
Ван Гог создал пьющих после работы Домье в Сен-Реми около февраля 1890 года.
Оноре Домье, Пьющие, 1862; из Monde Illustré, 25 октября 1862 г., под заголовком «Physiologie du buveur, les quatre age» («Психология пьющих, четыре возраста»)
Винсент Ван Гог, «Пьющие мужчины» (по мотивам Домье), 1890, Художественный институт Чикаго, Иллинойс (F667)
Ван Гог, мотивированный книга Подражание Христу, которая включала изображение Христа как страдающего слугу, работала над репризами Эжена Делакруа Пьета и добрый самаритянин. Вместо того, чтобы представлять «торжествующего Христа во славе», он изобразил Христа в его наиболее опасный и болезненный период - его распятие и смерть. Ван Гог, запечатлевший сцены своего религиозного творчества с давних времен, описал взгляд Делакруа на то, как изображать исторических религиозных деятелей: «Эж. Делакруа, когда он делал Гефсиманский собор, заранее хотел увидеть, на что похожа оливковая роща на берегу моря. То же самое и с морем, взбитым сильным мистралем, и поскольку он, должно быть, сказал себе, эти люди, которых мы знаем из истории, дожи Венеции, крестоносцы, апостолы, святые женщины, были того же типа, что и жили так же, как и их нынешние потомки ».
Влияние Делакруа помогло Ван Гогу развиваться в художественном плане и получить знания в области теории цвета. Своему брату Тео он написал: «Что я так восхищаюсь в Делакруа... это то, что он заставляет нас чувствовать жизнь вещей и выражение движения, что он абсолютно доминирует в своих цветах».
| Изображение Ван Гога | Имя и детали | Комментарии |
|---|---|---|
 | Добрый самаритянин (по Делакруа). 1890. Музей Креллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды (F630) | В 1889 году Ван Гог выразил желание сделать копии картин, в том числе «Добрый самаритянин» Делакруа в качестве учебного опыта.. |
 | The Pietà (после Делакруа), первая версия. 1889. Ватиканская коллекция современного религиозного искусства, Ватикан (F757) | Ван Гог сделал картины Пьета из литографии картины Делакруа. Сюжет и композиция оригинала остались, но Ван Гог привносит в произведение свой стиль. О Пьете Ван Гог пишет: «Делакруа - это« Пьета », то есть мертвый Христос с Mater Dolorosa. Измученный труп лежит на земле у входа в пещеру, руки перед ним с левой стороны, а женщина позади него. Вечер после грозы, и эта одинокая фигура в синей одежде - свободная одежда взволнована ветром - резко выделяется на фоне неба, в котором фиолетовый плывут облака с золотыми краями. Она тоже протягивает перед собой пустые руки в большом жесте отчаяния, и можно увидеть добрые крепкие руки работающей женщины. Форма фигуры с ее струящейся одеждой почти такая же широкая, как и она. лицо покойника находится в тени - но бледная голова женщины четко выделяется на фоне облака - контраст, который заставляет эти две головы казаться одним мрачным цветком и одним бледным цветком, сложенным таким образом, чтобы взаимно усилить эффект ». |
 | The Pietà (по Dela croix). 1889. Музей Ван Гога, Амстердам, Нидерланды (F630) | Музей Ван Гога рассказывает, как Ван Гог спешно начал работу над Пьета: «Литография Делакруа« Ла Пьета », как и некоторые другие, попала в мои масла и краски и была повреждена. Это меня ужасно расстроило, и сейчас я занят его рисунком, как вы увидите ». Хотя литография была в пятнах, она сохранилась. |
Раунд заключенных (по Гюставу Доре) было сделано Ван Гогом в психиатрической больнице Сен-Поль в Сен-Реми. Эта работа напоминает репризы Эжена Делакруа и Рембрандта., вызывает у Ван Гога чувство изолированности, как заключенный или умирающий человек. Хотя грустно, но есть чувство утешения. В письме своему брату Тео Ван Гог упомянул, что он нашел это и "Пьющие мужчины" (после Домье) довольно сложно.
Гюстав Доре, Тренажерный зал Ньюгейт, из «Лондон: паломничество» Гюстава Дора и Бланшара Джеррольда 1872
Винсент Ван Гог, Раунд заключенных (по Гюставу Доре), 1890, Музей Пушкина, Москва, Россия (F669)
После похорон Ван Гога Эмиль Бернар написал об исследованиях вокруг своего гроба: «На стенах комнаты, где находилось его тело. был выложенные все его последние холсты были развешаны, создавая для него своего рода ореол, и сияние гения, исходившее от них, сделало эту смерть еще более болезненной для нас, художников, которые там были ». О репризе Доре он сказал:« Осужденные идут пешком. в круге, окруженном высокими тюремными стенами, холст, вдохновленный ужасающей жестокостью Доре и также символизирующий его конец. Разве для него не была такая жизнь, такая высокая тюрьма с такими высокими стенами - такими высокими... и эти люди, бесконечно ходящие вокруг этой ямы, разве они не бедные художники, бедные проклятые души, проходящие мимо под плетью Судьбы? ? "
Живя в Антверпене Ван Гог познакомился с японским гравюрами на деревянных блоках. В Париже гравюра Кейсая Эйзена появилась на обложке журнала Paris Illustré в мае 1886 года, что вдохновило Ван Гога на создание «Куртизанки». Выпуск журнала был полностью посвящен Японии. Японский автор, Тадамаса Хаяси, который жил в Париже, знакомил парижан с информацией о Японии. Помимо предоставления информации о ее истории, климате и изобразительном искусстве, Хаяси объяснил, каково это жить в Японии, например, о ее обычаях, религия, образование, религия и природа его народа.
Ван Гог скопировал и увеличил изображение. Он создал ярко-желтый цвет. kground и красочное кимоно. Под влиянием других японских гравюр он добавил «водянистый пейзаж» из бамбука и водяных лилий. Лягушки и журавли, термин, используемый во Франции для обозначения проституток в XIX веке, с лодкой на расстоянии, украшающей границу.
Куртизанка, Нишики-э, Кейсай Эйзен
Куртизанка (по Эйзену) Винсента Ван Гога, 1887, Музей Ван Гога, Амстердам (F373)
В середине XIX века Япония открылась для торговли, делая японское искусство доступным западу. Работы японских печатников, Хиросигэ и Хокусая оказали большое влияние на Ван Гога, как из-за красивого сюжета, так и из-за стиля плоских цветных узоров без тени. Ван Гог собрал сотни японских гравюр и сравнил работы великих японских художников, таких как Хиросигэ, с произведениями Рембрандта, Хальса и Вермеера. Ван Гог исследовал различные влияния, формируя из них уникальный стиль. Японские картины изображают поиски безмятежности Ван Гога, которые он описывает в письме к сестре в этот период: «Максимальное количество этой безмятежности, которое возможно, даже если человек знает мало - ничего - наверняка, возможно, лучшее средство от
Хиросигэ, один из последних великих мастеров Укиё-э, был известен серией гравюр знаменитых японцев.
Цветущее сливовое дерево считается первым из трех масляных картин Ван Гога из «Утагавы Хиросигэ» Японские гравюры на дереве. Он использовал цвет, чтобы имитировать эффект чернил принтера, такой как красный и зеленый фон и оттенок зеленого на белых цветках. После переезда в Арль Ван Гог написал сестре, что ему больше не нужно мечтать о поездке в Японию, «потому что я всегда говорю себе, что я здесь, в Японии».
The Plum Фруктовый сад в Камейдо Хиросигэ
Японский сериал: Цветущее сливовое дерево (по Хиросиге), Винсент Ван Гог, 1887, Музей Ван Гога, Амстердам (F371)
«Вечерний душ на Атаке» и «Великий мост » Утагава Хиросигэ; гравюра на дереве, которую он имел в своей коллекции, вдохновила Ван Гога своей простотой. Например, ливень передается параллельными линиями. Такие методы были почитаемы, но их также трудно было выполнить при создании штампа на деревянных блоках для печати. Создавая картину, мазки Ван Гога «смягчили смелость японской гравюры на дереве». Каллиграфические фигуры, заимствованные из других японских гравюр, заполняют рамку вокруг изображения. Вместо того, чтобы следовать цветным узорам оригинальной гравюры на дереве, он использовал яркие цвета или контрастирующие цвета.
Вечерний душ в Атаке и на Великом мосту, Хиросигэ
Японский сериал: Мост под дождем (по Хиросигэ), Винсент Ван Гог, 1887, Музей Ван Гога, Амстердам (F372)
Ван Гог использовал сюжет и композицию Йордана для своего исполнения коров. Более поздний художник, Эдвард Хоппер, также использовал «Коровы» Йордана как источник вдохновения для своих работ. Картина находится в Музее изящных искусств в Лилле во Франции. Ян Хульскер отмечает, что картина представляет собой исследование цвета офорта Др. Гаше сделан по картине Йордана.
Коровы, Йордан
Коровы (по Жордану) 1890 г. Дворец изящных искусств в Лилле, Лилль, Франция (F822, JH2095)
Винсент Ван Гог, Сеятель (по Милле), 1881, рисунок, (F830) 
Винсент Ван Гог, Сеятель, Арль, июнь 1888 года, Музей Креллер-Мюллер, Оттерло «Крестьянский жанр », оказавший большое влияние на Ван Гога, начался в 1840-х годах с работ Жан-Франсуа Милле, Жюль Бретон и другие. В 1885 году Ван Гог назвал живопись крестьян важнейшим вкладом в современное искусство. Он охарактеризовал религиозно значимые произведения Милле и Бретона как «нечто возвышенное». Общим знаменателем его любимых авторов и художников было сентиментальное отношение к обездоленным и угнетенным. Он требовал от рабочих высокого стандарта того, насколько преданно ему следует подходить к живописи: «Надо действовать уверенно, с определенной уверенностью, что человек поступает разумно, как фермер, который водит свой плуг... (тот, кто) тащит борона позади себя. Если у кого-то нет лошади, он сам себе. " Ссылаясь на живопись крестьян, Ван Гог писал своему брату Тео : «Как мне удастся нарисовать то, что я так люблю?»
Музей Ван Гога говорит о влиянии Миллета на Ван Гога : «Картины Милле с их беспрецедентными изображениями крестьян и их труда знаменуют собой поворотный момент в искусстве XIX века. До Милле фигурки крестьян были лишь одним из многих элементов в живописных или ностальгических сценах. В работах Милле отдельные мужчины и женщины стало героическим и реальным. Милле был единственным крупным художником барбизонской школы, который не интересовался «чистой» пейзажной живописью »
Ван Гог написал двадцать одну картину в Сен-Реми. это были «переводы» работы Жана-Франсуа Милле. Ван Гог не предполагал, что его работы будут дословными копиями оригиналов. Говоря конкретно о произведениях после Милле, он объяснил: «Это не просто копирование, которое можно было бы делать. Это скорее перевод на другой язык, язык цветов, впечатления светотени, белого и черного». Он сделал копию The Gleaners (Des glaneuses) Милле.
Тео писал Ван Гогу: «Копии после Милле, возможно, лучшее, что вы когда-либо делали, и заставляют меня поверить, что в тот день, когда вы перейдете к рисованию композиций из фигур, мы можем ожидать больших сюрпризов.. "
| Изображение Милле | Изображение Ван Гога | Комментарии |
|---|---|---|
 . Утро: Идем на работу. ок. 1858-60. Музей Ван Гога, Амстердам, Нидерланды |  . Утро: крестьянская пара идет на работу. 1890. Эрмитаж, Св. Петербург, Россия (F684) | Милле создал серию гравюр на дереве под названием «Четыре часа дня» (1860). Эта идея, как сообщается, заимствована из средневековой «Книги часов», в которой говорилось, что сельская жизнь структурирована ритмами Бога и природы. В этой работе мужчина и женщина идут к полям, вырисовываемые утренним солнцем. Простая композиция изображает суровость их жизни. Ван Гог сказал о работах Миллета: «Кажется, они были нарисованы той самой землей, которую собирались обрабатывать». |
 . Полдень: Отдых. 1866. Музей изящных искусств, Бостон |  . Сиеста или Полдень - Отдых от работы. 1890. Musée d'Orsay, Париж, Франция (F686) | Оставаясь верным композиции Милле, Ван Гог использует цвет, чтобы показать мирный характер полуденного отдыха. Использование контрастных цветов, сине-фиолетового против желто-оранжевого, придает работе интенсивность, уникальную для его стиля. |
 . Конец дня. 1867-69. Мемориальная художественная галерея Университета Рочестера, Рочестер |  . Человек в поле или вечер, конец дня. ноябрь 1889 г.. Художественный музей Менара, Комаки, Япония (F649) | В этой работе фермер заканчивает свой день на фоне вечернего неба. Ван Гог писал яркие цвета желтого и фиолетового в своем уникальном пуантилистическом стиле. В то время как он клеймит работу своим собственным стилем, он остается верен композиции Милле. |
 . Ночь. 1867. Музей изящных искусств, Бостон |  . | Работа изображает счастливую жизнь сельской семьи: отца, матери и ребенок. Здесь изображение кажется залитым желтым светом, как изображение Святого Семейства. Лампа отбрасывает длинные разноцветные тени на пол скромного коттеджа. В картине использованы мягкие оттенки зеленого и фиолетового. Работа основана на гравюре Милле из его серии «Четыре времени дня». |
 . Первые шаги. ок. 1858. Художественный музей Лорен Роджерс, Лорел, Миссисипи |  . Первые шаги. 1890. Метрополитен-музей, Нью-Йорк (F668) | Ван Гог Для этой работы использовалась фотография оригинальной картины. Вместо ярких цветов здесь он использовал более мягкие оттенки желтого, зеленого и синего. На картине изображен отец, отложивший свои инструменты, с вытянутыми руками, чтобы сделать первые шаги своего ребенка. Мать заботливо направляет движения ребенка. |
 Сеятель. 1850. Музей изящных искусств, Бостон |  . Сеятель. 1889. Коллекция Ниархоса, Цюрих (F690). | Сделав Более 30 работ сеятеля Ван Гог исследовал символизм сева: «Не ожидаешь получить от жизни того, что уже изучено, она не может дать; скорее, человек начинает яснее видеть, что жизнь - это своего рода время сева, и жатвы еще нет ". Когда сеятель бросает семена, на соседнем поле виден другой фермер, вспахивающий поле. Ван Гог изобразил сеятеля в «простейшей форме» и с цветами синего, красного, желтого, пурпурного и оранжевого, придавая жизнь и смысл составу вечных циклов жизни. |
| Сеятель. 1850. Музей изящных искусств, Бостон |  . Сеятель. 1889. Музей Кроллера-Мюллера (F689). | Оценка Ван Гога творчества Миллета проистекала из душевности, которую он привнес в произведения, особенно в честь крестьян » сельскохозяйственная роль. Вспашка, посев и сбор урожая рассматривались Ван Гогом как символы господства человека над природой и ее вечными жизненными циклами. Кей Ларсон из New York Magazine написала о работе Миллета: «Сеятель, шагающий, как стихийная сила природы, по холодной, только что расколотой земле, - это такой значок, что Simon Schuster использует его в качестве логотипа. " |
 |  . Жнец. 1889. Частное собрание (F688) | В овладении человеком циклами природы:« сеятель и сноп пшеницы стояли вечно, а жнец и его коса для безвозвратной смерти ». О жнеце Ван Гог выразил свое символическое, духовное видение тех, кто работал близко к природе в письме своей сестре в 1889 году:« Разве мы, живущие на хлебе, не к в значительной степени, как пшеница, по крайней мере, мы не вынуждены подчиняться тому, чтобы расти, как растение без возможности двигаться, под которым я подразумеваю, каким бы образом наше воображение ни побуждало нас, и тому, что мы пожинаем, когда мы созреем, как то же самое пшеница? » Ван Гог говорил о символическом значении жнеца:« Ибо я вижу в этом жнеце - смутную фигуру, сражающуюся, как дьявол посреди жары, чтобы добраться до конец его задачи - я вижу в нем образ смерти в том смысле, что человечество может быть пшеницей, которую он пожинает. Так что это - если хотите - противоположность сеятелю, который я пытался сделать раньше. Но в этой смерти нет ничего печального, она проходит средь бела дня, когда солнце заливает все светом чистого золота ». |
 |  . Жнец с серпом. 1889. Музей Ван Гога, Амстердам, Нидерланды (F687) | Создавая эту картину и другие картины из серии «Работа в поле Миллета», Ван Гог упомянул, что в отсутствие моделей он был рад иметь семь из них. десять из серии завершены. |
 |  . Крестьянка с граблями. 1889. Частная коллекция (F698) | |
 |  . Крестьянка связывает снопы. 1889. Музей Ван Гога, Амстердам, Нидерланды (F700) | В «Крестьянке, связывающей снопы» (по Милле) Работа Ван Гога показывает, что она прекрасна своей простотой и любовью к природе. Выражение лица женщины скрыто для нас и выглядит как один из ожидающих связок пшеницы. Настоящий фокус сцены - согнутая спина женщины. |
 |  . Переплетчик снопов. 1889. Музей Ван Гога, Амстердам, Нидерланды (F693) | |
 |  . Крестьянка, режущая соломинку. 1889. Музей Ван Гога, Амстердам (F697) | |
 |  . The Thresher. 1889. Музей Ван Гога, Амстердам, Нидерланды (F692) | |
 Двое мужчин переворачивают землю. 1866. Музей изящных искусств, Бостон |  . Два копающих крестьянина. 1889. Музей Стеделик, Амстердам, Нидерланды (F648) | |
| Лесоруб. ок. 1853. Музей Лувра, Париж |  . Лесоруб. 1890. Музей Ван Гога, Амстердам (F670) | |
 . Стрижка овец. ок. 1852-53. Музей изящных искусств, Бостон |  . Овечники. 1889. Музей Ван Гога, Амстердам, Нидерланды (F634) | |
 . La grande bergère assise. Гравюра на дереве, ок. 1874. Различные коллекции |  . Пастушка. 1889. Тель-Авивский художественный музей, Израиль (F699) | Источником послужила гравюра на дереве (27,3 x 21,9 см) Жан-Батиза Милле после его брата Жан-Франсуа Милле. Его четкая контурная линия послужила источником вдохновения для «Скорби» Винсента Ван Гога. |
 |  . Женщина, прядущая. 1889. Коллекция Сары и Моше Майер, Тель-Авивский художественный музей, Израиль (F696) | |
| Зима: равнина Шайи. 1862. Osterreichische Gallerie, Вена |  . Заснеженное поле с бороной или плугом и бороной. январь 1890 г.. Музей Ван Гога, Амстердам, Нидерланды (F632) | Ван Гог использовал работу Милле и его гравюру Альфреда Делоне в качестве вдохновения для этой картины. В версии Ван Гога он добавил черных ворон и сделал зимнюю сцену более мрачной, пустынной и холодной. Выбор цвета, композиции и мазка делает эту работу уникальной. |
 |  . Две крестьянки, копающие снег. апрель 1890 г.. Фонд Э. Бюрле, Цюрих, Швейцария (F695) | Ван Гог использовал женщин из «Собирателей урожая» Миллета в качестве вдохновения для этой картины женщин, копающихся в замерзшем снегу. В отличие от других, эта работа не является дословным переводом оригинальной картины. Заходящее солнце бросает теплое сияние на снежные поля. Холодные цвета поля контрастируют с красным на солнце и небе. Ян Хульскер помещает картину как одно из «воспоминаний о Севере » Ван Гога. |
От Рембрандта Ван Гог научился рисовать свет в темноте. Влияние Рембрандта, казалось, присутствовало однажды вечером 1877 года, когда Ван Гог гулял по Амстердаму. Он писал: «Земля была темной, небо все еще освещалось отблеском солнца, уже зашедшего, ряд домов и башен возвышался наверху, повсюду свет в окнах, все отражалось в воде». Ван Гог нашел Рембрандта особенно искусным в наблюдении за природой и в выражении эмоций с большой нежностью.
Не ясно, копировал ли Ван Гог определенные работы Рембрандта для своих копий или дух фигур, которые он изображал. Примеры ангелов Рембрандта и Лазаря приведены здесь в иллюстративных целях.
Авраам с тремя ангелами, Рембрандт
Ангел, являющийся пастырям, Рембрандт
Иаков с ангелом, Рембрандт 1659
Половина ангела (по Рембрандту) 1889 (F624)
In В версии Ван Гога «Воскрешение Лазаря» (после Рембрандта) Христос символически изображен через солнце, чтобы пробудить целительные силы веры. Далее Христос двояко упоминается в обстановке и обстоятельствах. Сначала он чудесным образом вернул к жизни Лазаря. В нем также предсказывалась собственная смерть и воскресение Христа. На картине изображены мертвый Лазарь и две его сестры. Белый, желтый и фиолетовый использовались для Лазаря и пещеры. Одна из женщин в ярком зеленом платье с оранжевыми волосами. Другой одет в полосатое зелено-розовое платье и черные волосы. Позади них виднеется сельская местность синего цвета и ярко-желтого солнца.
В «Воскресении Лазаря» (по Рембрандту) Ван Гог радикально обрезал композицию офорта Рембрандта и удалил фигуру Христа, сосредоточив внимание на Лазаре и его сестры. Предполагается, что в их лицах можно обнаружить сходство с художником и его друзьями Августином Рулином и Мари Жину. Ван Гог только что оправился от продолжительной болезни и, возможно, отождествил себя с чудом библейского воскресения, «личности которого - герои моих снов».
Воскрешение Лазаря, Рембрандт
Воскрешение Лазаря, Рембрандт
Воскрешение Лазаря, Рембрандт
Воскрешение Лазаря (по Рембрандту), Винсент Ван Гог 1890 Ван Гог Музей, Амстердам, Нидерланды (F677)
