Войти
Герберт фон Караян дирижирование в 1941 году Дирижирование это искусство управления музыкальным исполнением, например, оркестровым или хоровым концертом. Это было определено как «искусство управлять одновременным исполнением нескольких исполнителей или певцов с помощью жеста». Основные обязанности проводника - интерпретировать партитуру таким образом, чтобы она отражала признаки в этой партитуре, устанавливая темп, правильность ввода элементов ансамбля и "форму" формулировку там, где это необходимо. Дирижеры общаются своими музыкантами в основном с помощью жестов рук, обычно с помощью жезла, и могут использовать другие жесты или сигналы, например зрительный контакт. Дирижер обычно дополняет свое руководство устными инструкциями музыкантам репетиции.
Дирижер обычно стоит на приподнятом подиуме с большим пюпитром для полной партитуры, который содержит нотная запись для всех инструментов или голосов. С середины XIX века большинство дирижеров не играет в каком-либо другом инструменте во время дирижирования, хотя в более раннем периоде классической музыки руководство ансамблем при игре на инструменте было обычным явлением. В музыке барокко с 1600-х по 1750-е годы группы обычно возглавлял клавесинист или первый скрипач (см. концертмейстер ), подход, который в современных условиях был возрожденственными музыкальными директорами этого периода. Дирижирование во время игры на фортепиано или синтезаторе также может работать с музыкальным театром пит-оркестрами. Во время выступления обычно бывает невербальным (это относится к художественной музыке, но в джазовых биг-бэндах или больших поп-ансамблях могут быть случайные голосовые инструкции, такие как «считать»). Однако на репетициях частные перерывы позволяют дирижеру устно указывать, как следует играть или петь музыку.
Дирижеры как гиды оркестров или хоров, которые они дирижируют. Они выбирают произведения для исполнения и изучают свои оценки, которые они могут внести корректировки (например, темп, артикуляцию, фразировку, повторение частей), выработать свою интерпретацию и передать свое видение исполнители. Они также могут заниматься организационными вопросами, такими как планирование репетиций, планирование концертного сезона, прослушивание прослушиваний и выбор участников, а также продвижение своего ансамбля в СМИ. Оркестры, хоры, концертные группы и другие крупные музыкальные ансамбли, такие как биг-бэнды, обычно используются проводники.
Главного дирижера оркестра или оперной труппы иногда называют музыкальным руководителем или главным дирижер, или немецкими словами Kapellmeister или Dirigent. Дирижеров хоров или хоров иногда называют хоровым руководителем, хормейстером или хормейстером, особенно для хоров, связанных с оркестром. Дирижеры концертных оркестров, военных оркестров, маршевых оркестров и других оркестров могут иметь титулы директора оркестра, капельмейстера или барабанщика. Уважаемых старших дирижеров иногда называют итальянским словом маэстро, которое переводится как «мастер» или «учитель».
Ранней формы дирижирования является хейрономия, использование жестов рук для обозначения мелодической формы. Это практиковалось, по крайней мере, еще в Средние века. В христианской церкви человек, дающий эти символы, держал посох, чтобы обозначить свою роль, и кажется, что когда музыка стала ритмически более сложной, посох стал перемещались вверх и вниз, чтобы обозначить ритм, действуя как ранняя форма дубинки.
. В 17 заведомо установление другие, указывающие на ход времени. Свернутые листы бумаги, палочки поменьше и руки без украшений показаны на рисунках того периода. Большой посох был ответственен за смерть Жан-Батиста Люлли, который повредил ногу одной во время проведения Te Deum для выздоровления короля из болезни. Рана стала гангренозной, и Лулли отказался от ампутации, после чего гангрена распространилась на ногу, и он умер через два месяца.
В инструментальной музыке на протяжении 18 века участник ансамбля обычно играл. как дирижер. Иногда это был концертмейстер, который мог использовать свой смычок как жезл, или лютнист, который двигал шеей своего инструмента в такт. Было распространено дирижирование от клавесина в пьесах с партией bassocontino. В оперных постановках иногда было два дирижера: клавишник отвечал за певцов, главный скрипач или лидер отвечал за оркестр.
Пт, 30 сентября 1791 г. в Вене опера Моцарта Die Zauberflöte (Волшебная флейта ) премьера в Theater auf der Wieden, согласно документам, оркестром дирижировал сам Моцарт. и рекламные плакаты того времени.
В 1798 году Йозеф Гайдн провел премьеру Сотворения руками и дубинкой, в то время как «капельмейстер Вейгл >[сидел] за фортепиано».
Джузеппе Верди дирижирует свою оперой Аида в 1881 году К началу 19 века (примерно 1820) стало нормой иметь выделенного дирижера, который также не играл на музыкальном инструменте во время выступления. В то время как некоторые оркестры протестовали роль против дирижера, как они привыкли к тому, что концертмейстер или клавишник выступают в лидера, в конечном итоге дирижера была установлена. Размер обычного оркестра в этот период увеличился, использование и дубинки стало более распространенным, чем ее было легче увидеть, чем голыми или свернутой бумагой. Среди первых известных дирижеров были Луи Шпор, Карл Мария фон Вебер, Луи-Антуан Жюльен и Феликс Мендельсон, все из которых были также композиторы. Мендельсон, как утверждается, был первым дирижером, который использовал свою дубинку, чтобы отсчитывать время, - практика, которая обычно используется в 2010-х годах. Среди выдающихся дирижеров, которые не использовали или не использовали дубинку, были Пьер Булез, Курт Мазур, Джеймс Конлон, Юрий Темирканов, Леопольд Стокский, Василий Сафонов, Евгений Орманди (на время) и Дмитрий Митропулос.
Композиторы Гектор Берлиоз и Рихард Вагнер достиг величия как дирижер, и они написали два из самых ранних этого эссе, посвященных предмету. Берлиоз считается первым дирижером-виртуозом. Вагнер в степени отвечает за создание роли человека, который навязывает свое собственное представление о произведении, а не как того, кто просто отвечает за то, чтобы записи были сделаны в нужное время и что существует единый ритм. Среди предшественников, которые сосредоточились на дирижировании, были Франсуа Хабенек, который основал Orchester de la Société des Concerts du Conservatoire в 1828 году, хотя Берлиоза позже встревожили неаккуратные репетиционные стандарты Хабенекационные стандарты. Пианист и композитор Ференц Лист также был дирижером.
Одноразовый чемпион Вагнера Ханс фон Бюлов (1830–1894) особенно прославился как дирижер, хотя он также сохранил свою начальную карьеру как исполнителей, инструмент, на его считали как один из величайших исполнителей ( он был признанным учеником Ференца Листа, на дочери Козимы, на чьей дочери Козима он женился - хотя она должна была бросить его ради Вагнера. история дирижирования, добившихся выдающихся результатов).
Бюлов поднял технические стандарты дирижирования до беспрецедентного уровня с помощью таких нововведений, как подробные репетиции разных частей оркестра («репетиции по частям»). В своих должностях руководителя (последовательно) Баварской государственной оперы, Оркестра Майнинген-Корт и Берлинской филармонии он привнес нюансы и тонкость в оркестровое исполнение. раньше слышали только в сольной инструментальной игре, и тем самым произвели глубокое впечатление на молодых артистов, таких как Рихард Штраус, который в возрасте 20 лет служил его помощником, и Феликс Вайнгартнер, который не одобрял его интерпретаций, но был глубоко впечатлен его оркестровыми стандартами. Композитор Густавер также был известным дирижером.
Технические стандарты были выведены на новый уровень следующим поколением дирижеров, включая Артура Никиша (1855–1922), который сменил Бюлова на посту музыкального руководителя Берлинский филармонический оркестр в 1895 году. Никиш ранее руководил Лейпцигской оперой, Бостонским симфоническим оркестром и Лейпцигским оркестром Гевандхаус и должен был исполнять музыкальные произведения директор Лондонского симфонического оркестра. Никиш представил важные произведения Антона Брукнера и Петра Ильича Чайковского, которые очень восхищались его творчеством; Иоганнес Брамс, услышав, как он дирижирует свою Четвертой симфонией, сказал, что это «весьма образцово, невозможно услышать лучше».
Никиш взял с собой Лондонский симфонический оркестр в турне по Соединенным Штатам в апреле 1912 года, первое американское турне европейского оркестра. Он также сделал одну из самых ранних записей полной симфонии: Пятая Бетховен с Берлинской филармонией в ноябре 1913 года. Никиш был также первым дирижером, чье искусство было запечатлено на пленку - увы, тихо. Фильм подтверждает сообщения о том, что он особенно завораживающе использовал зрительный контакт и выражение лица для общения с оркестром; Такие более поздние дирижеры, как Фриц Райнер, заявили, что этот аспект его техники имеет сильное влияние на них самих.
Дирижеры поколений после Никиша часто оставляли обширные письменные свидетельства своего искусства. Две особо влиятельные и широко известные фигуры часто, несколько неточно, как трактирующие антиподы. Это были итальянский дирижер Артуро Тосканини (1867–1957) и немецкий дирижер Вильгельм Фуртвенглер (1886–1954). Тосканини играл в оркестрах под руководством Джузеппе Верди и дебютировал как дирижер Аиды в 1886 году, заменив в последнюю минуту больного дирижера. Такие авторитеты, как Джеймс Левин, по сей день считают его величайшим дирижером Верди. Тосканини был широк, и именно в его интерпретациях немецких симфонистов Бетховена и Брамса он был особенно известен, предпочитая более строгие и быстрые темпы, чем дирижер вроде Бюлова или до него, Вагнера. Тем не менее, в его стиле больше интонаций, чем можно предположить по его репутации, и он был особенно одарен в раскрытии деталей и привлечении оркестров к игре в певческой манере.
Фуртвенглер, которого великий величайшим интерпретатором Вагнера (хотя Тосканини также восхищался этим композитором) и Брукнером, дирижировал Бетховеном и Брамсом с большим изменением темпа - но в целом таким образом, чтобы раскрыть структуру и направление музыки особенно четко. Он был как композитором, так и исполнителем, и учеником теоретика Генриха Шенкера, который подчеркивал заботу об основных гармонических напряжениях и разрешении в производстве, силу Дирижирование Фуртвенглера. Наряду с его интересом масштабам, Фуртвенглер также придал деталям особую убедительность и выразительность.
Леонард Бернстайн дирижировал Королевским оркестром Концертгебау в 1985 году У этих двух мужчин были очень разные техники: у Тосканини был итальянец, с длинной большой дубинкой и четкими ударами (часто без использования своей левая рука); Фуртвенглер отбивал время с менее очевидной точностью, потому что он хотел более округлое звучание (хотя это миф, что его техника была расплывчатой; многие музыканты засвидетельствовали, что ему было легко следовать по своему). В любом случае их иллюстрируют более важный аспект дирижерской техники первой половины 20 века: она не была стандартизирована. Великие и влиятельные дирижеры середины 20 века, такие как Леопольд Стокски (1882–1977), Отто Клемперер (1885–1973), Герберт фон Караян (1908– 1989) и Леонард Бернстайн (1918–1990) - кстати, первый американский дирижер, достигший величия и международной известности - обладал широким разнообразием техники.
Караян и Бернштейн сформировали еще один явный антипод в 1960–1980-е годы: Караян как музыкальный руководитель Берлинской филармонии (1955–89) и Бернштейн как часть того периода, музыкальный руководитель группы Нью Йоркский филармонический оркестр (1957–69), а позже частый приглашенный дирижер в Европе. Техника Караяна строго контролировалась, и, в конце концов, он часто проводил с закрытыми глазами; Техника Бернштейна была демонстративной, очень выразительной мимикой, движениями рук и тела. Караян мог часами дирижировать, не двигая ногами, в то время как Бернштейн, как известно, временами прыгал в воздух в момент кульминации. Как музыкальный руководитель Берлинской филармонии, Караян культивировал теплую смешанную красоту тона, иногда который критиковали как слишком единообразный; Напротив, в единственном выступлении Бернштейна с Берлинским филармоническим оркестром в 1979 году, когда он исполнял симфонию № 9 Малера, он пытался заставить оркестр издавать «уродливый» тон в определенном отрывке, по его мнению, подходил. выразительное значение музыки (первый валторнист отказался и в конце концов согласился дублёру играть вместо себя).
И Караян, и Бернштейн широко использовал достижения средств массовой информации для своего искусства, но совершенно способами. Бернштейн великих национальных телесериалов в прайм-тайм, чтобы рассказать детям и широкой публике о классической музыке и привлечь их внимание; В конце своей жизни Караян снял серию фильмов, но в них он не выступал. Оба вида записей, но их отношение к записи различается: Караян часто делал новые студийные записи, чтобы использовать достижения в технике записи, которые его увлекали. Йорка настаивали на записи (по большей части) живых концертов, полагается, что создание музыки не может появиться в студии без аудитории.
В последней трети 20 века техника дирижирования - особенно правой рукой и дубинкой - стала все более стандартизированной. У таких дирижеров, как Виллем Менгельберг в Амстердаме до конца Второй мировой войны было много времени на репетиции для очень точного формирования оркестров и, следовательно, они могли владеть своеобразной техникой; современные дирижеры, которые получают меньше времени с каким-либо конкретным оркестром, получают результаты с меньшим временем репетиции. Более стандартизованная техника позволяет общаться намного быстрее. Тем не менее, дирижерские приемы по-прежнему отличаются большим разнообразием, особенно с использованием левой руки, выражения лица и глаз, а также языка тела.
Партитура дирижера и дубинки на освещенном, очень большом дирижерском пюпитре Женщины-дирижеры были почти неслыханными в ряде ведущих оркестровых дирижеров на протяжении большей части XIX и 20 века, но сегодня такие артисты, как ведущие [de ],Марин Олсоп и Симона Янг, дирижируютими оркестрами. Олсоп был назначен музыкальным руководителем Балтиморского симфонического оркестра в 2007 году - первой женщины, когда-либо назначенной руководить крупным оркестром США, - а также Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo в 2012 году., и Олсоп была первой женщиной, которая дирижировала последней ночью Променад. Янг добилась того же успеха, когда стала руководителем Гамбургской государственной оперы и Гамбургской филармонии в 2005 году; она также первая женщина-дирижер, записавшая кольцевой цикл из Рихарда Вагнера. Хранитель назвал дирижирование «одним из последних стеклянных потолков в музыкальной индустрии». В статье 2013 года говорилось, что во Франции из 574 концертов только 17 женщин и одна женщина не дирижировала в Национальной опере в Париже. «Бахтрек сообщил, что в списке 150 лучших дирижеров мира того года только пять были женщины».
В то время как Мексика выпустила несколько крупных международных дирижеров, Алондра де ла Парра стала первая женщина мексиканского происхождения, добившаяся успеха в профессии. Точно так же дирижеры восточноазиатского происхождения стали более заметными в современном оркестровом ландшафте - в частности, Сейджи Одзава, который был тематическим директором Бостонского симфонического оркестра с 1973 по 2002 год после проведения аналогичных мероприятий. посты в Сан-Франциско и Торонто, а также Мён-Вун Чунг, который занимал важные должности в Германии и Франции и теперь привлекает Сеульский филармонический оркестр к международному вниманию. В дирижерской профессии все еще мало представлены чернокожие артисты, но были заметные исключения, такие как Генри Льюис, Дин Диксон, Джеймс Депрейст, Пол Фриман и Майкл Морган. Для получения дополнительной информации о черных проводниках см. Черные проводники. Согласно статье 2004 года в The Guardian, «черные дирижеры - редкость в мире классической музыки, и даже в симфонических оркестрах редко можно увидеть более одного или двух черных музыкантов».
. 4,. 2, или быстро. 8время 
. 4или. 8время 
. 4время 
медленно. 8время Дирижирование - это средство передачи артистических указаний исполнителям во время выступления. Хотя существует множество формальных правил о том, как правильно дирижировать, другие субъективны, и существует большое количество различных стилей дирижирования в зависимости от подготовки и уровня подготовки дирижера. Основные обязанности дирижера - объединять исполнителей, задавать темп, выполнять четкие приготовления и ритмы, критически слушать и формировать звучание ансамбля, а также контролировать интерпретацию и ритм музыки. Во время выступления общение является невербальным, однако на репетиции частые перерывы позволяют указать, как следует играть музыку. Во время репетиций дирижер может остановить исполнение произведения, чтобы запросить изменение фразировки или изменение тембра определенного раздела. В любительских оркестрах репетиции часто останавливаются, чтобы привлечь внимание музыкантов к ошибкам исполнения или ошибкам транспозиции.
Дирижирование требует понимания элементов музыкального выражения (темп, динамика, артикуляция ) и умение эффективно передавать их ансамбль. Также полезна возможность передавать нюансы фразировки и выражения посредством жестов. Желательно, чтобы дирижер при изучении балла готовил дирижерские жесты заранее, но иногда они могут быть спонтанными.
Иногда проводится различие между оркестровым и хоровым дирижированием. Обычно оркестровые дирижеры используют жезл чаще, чем хоровые дирижеры. Захват дубинки варьируется от дирижера к дирижеру.
В начале музыкального произведения дирижер поднимает руки (или руку, если он использует только одну руку), чтобы указать, что произведение вот-вот начнется. Это сигнал для участников оркестра подготовить свои инструменты к игре или для певчих быть готовыми и смотреть. Затем дирижер смотрит на различные части оркестра (духовые, струнные и т. Д.) или хор, чтобы убедиться, что все участники оркестра готовы к игре, а участники хора готовы. В некоторых хоровых произведениях дирижер может дать сигнал пианисту или органисту сыграть ноту или аккорд, чтобы участники хора смогли определить свои начальные ноты. Затем дирижер дает одну или несколько подготовительных долей, чтобы начать музыку. Подготовительный бит перед оркестром или хором - это оптимистичный. такт музыка обычно указывается правой рукой дирижера с дубинкой или без нее. Рука очерчивает форму в воздухе в каждом такте (такт) в зависимости от тактового размера, используется каждый удар с изменением движения от нисходящего к восходящему. На изображениях показаны наиболее распространенные паттерны ударов, если смотреть с точки зрения дирижера.
сильная доля указывает первую долю такта, а оптимальная доля указывает долю перед первой нотой пьесы и последней долей такта. Момент, который происходит удар, называется ictus (множественное число: ictūs или ictus) и обычно обозначается внезапным (хотя и не обязательно сильным) щелчком запястья или изменением направления дубинки. В некоторых случаях используется «ictus» для обозначения горизонтальной плоскости, в которой физически установлены все икты, такие как верх пюпитра, где дубинка постукивает по каждому икту. Жест, ведущий к икте, называется «подготовкой», непрерывный поток устойчивых ударов называется «такт» (немецкое слово, обозначающее такт, такт и такт).
Если темп медленный или замедляется, или если размер равенство составной, дирижер иногда будет указывать «подразделения» ударов. Дирижер может сделать это, добавив меньшее движение в том же направлении, которое он принадлежит.
На изменение темпа указывает изменение скорости удара. Для выполнения и управления rallentando (замедление темпа музыки) дирижер может вводить подразделения ударов.
В то время как некоторые дирижеры используют обе руки, чтобы указать ритм, а левая рука отражает правую, формальное образование не использует такой подход. Секундная стрелка разговорное сообщение для указания входов отдельных исполнителей или секций, а также для индикации, фразировки, выражения и других элементов.
Во время инструментальной сольной части (или, в оперном оркестре, во время соло вокалиста без аккомпанемента), некоторые дирижеры перестают считать все подразделения и просто стучат дубинкой один раз за такт, чтобы помочь исполнителям, считающим такты остатков.
Существует разница между "учебным" определением того, где возникает иктус мрачной доли, и реальная исполнительской практикой в профессиональных оркестрах. С резким, громким аккордом sforzando профессиональный оркестр часто играет после удара по точке икоты удара дубинкой.
Динамика обозначаются различными способами. Динамика может быть передана размером проводящих движений, более крупные формы представляет более громкие звуки. Изменения в динамике могут сигнализироваться рукой, которая не используется для обозначения доли: движение вверх (обычно ладонью вверх) указывает на крещендо ; движение вниз (обычно ладонью вниз) указывает на diminuendo. Изменение размера проводящих движений часто приводит к изменению характера музыки в зависимости от обстоятельств.
Динамику можно настроить с помощью различных жестов: показ ладони исполнителям или отклонению от них может показывать уменьшение объема. Чтобы создать общий баланс различных инструментов или голосов, эти сигналы можно настроить или направлять на конкретную секцию или исполнителя.
Индикация записей, когда исполнитель или секция должны начать играть (возможно, после длительного периода отдыха), называется «cueing». Сигнал должен с уверенностью прогнозировать точный моментального ictus, чтобы все исполнители или певцы могли начать играть одновременно. Подсказка наиболее важен в случаях, когда исполнитель или группа не играли в течение длительного времени. Cueing также полезен в случае точки педали у струнных исполнителей, когда секция нажимает точку педали в течение длительного периода; реплика важна, указать, когда они должны перейти на новую ноту. Подсказка достигается за счет «вовлечения» игроков перед их входом (путем направленного взгляда на них) и выполнения четкого подготовительного жеста, часто используемого на конкретных игроков. Вдыхание, которое может быть, может быть и не быть полуслышимым «запахом» от проводника, является обычным элементом в технике реплики некоторых проводников. Простого зрительного контакта или взгляда в общем направлении может быть достаточно во многих случаях, например, когда одновременно входит одна часть ансамбля. Более крупные музыкальные мероприятия могут потребовать использования более крупной или выразительной реплики, стимулирующей эмоции и энергию.
Дирижер, Джеральд Уилсон, руководит джазовым биг-бэндом Артикуляция может быть обозначена характером ictus, начиная с короткого и от острого для стаккато, до длинного и плавного для легато. Многие дирижеры изменяют напряжение рук: напряженные мышцы и жесткие движения могут соответствовать маркато, тогда как расслабленные руки и мягкие движения могут соответствовать легато или эспрессиво. Фразирование может обозначаться широкими дугами над головой или плавным движением руки вперед или из стороны в сторону. Нотачается на удержании часто обозначается ладонью вверх. Конец банкноты, называемый «отсечкой» или «высвобождением», может быть обозначен круговым движением, закрытием ладони или защемлением пальца и большого пальца. Освобождению обычно предшествует подготовка и завершается полной тишиной.
Дирижеры стремятся как можно больше поддерживать зрительный контакт с ансамблем, усилия зрительный контакт в ответ и увеличивая диалог между исполнителями / певцами и дирижером. Выражение лица также может быть важным для демонстрации характера музыки или поощрения игроков.
В некоторых случаях, например, когда было мало времени на репетицию для подготовки пьесы, дирижер может незаметно указать, как будут отбиваться такты музыки непосредственно перед началом движения, подняв пальцы вверх. перед грудью (чтобы могли видеть только исполнители). Например, в пьесе. 4, которую дирижер поднимает «пополам» (две точки ictus или ударов на такт, как если бы это было. 2), дирижер поднимает два пальца перед своей грудью.
В большинстве случаев между частями симфонии, концерта или танцевальной сюиты бывает небольшая пауза. Эта короткая пауза дает группе оркестра или хора время перевернуть страницы своей партии и подготовиться к началу следующей части. Струнные игроки могут нанести канифоль или вытереть пот с рук платком. Игрокам с тростником может пройти это время, чтобы перейти на новый тростник. В некоторых случаях духовые или медные духовые исполнители будут использовать паузу для переключения на другой инструмент (например, с трубы на корнет или с кларнета на кларнет E ♭). Если дирижер желает немедленно начать одно движение за другим по музыкальным причинам, это называется attacca. Дирижер проинструктирует участников оркестра и хористов написать термин в своих партиях, чтобы они были немедленно готовы перейти к следующей части.
Военный дирижер глобет оркестр ВМС США во время церемоний Дня поминовения, проводимых на Арлингтонском внутреннем кладбище. Роли дирижера сильно различаются между разными дирижерскими должностями и разными ансамблями. В некоторых случаях дирижер также будет музыкальным руководителем симфонии, выбирая программу на весь сезон, включая концерты приглашенных дирижеров, концертов солистов, поп-концерты и т. Д. Старший дирижер может присутствовать на некоторых или всех прослушиваниях для новых членов оркестра, чтобы убедиться, что у кандидатов стиль игры и тон, которые предпочитают дирижер, и что кандидаты соответствуют самым высоким стандартам исполнения. Некоторые хоровые дирижеры нанимают для подготовки хора на несколько недель, которыми будет руководить другой дирижер. Хорового дирижера обычно отмечают за подготовительную работу в концертной программе.
Некоторые дирижеры могут играть роль в телевизионных ток-шоу для рекламы предстоящего сезона или конкретных концертов. С другой стороны, дирижер, приглашенный для дирижирования одного концерта, может иметь ответственность только за репетицию оркестра для нескольких произведений и проведение одного или двух концертов. В то время как несколько дирижеров стали хорошо известными знаменитостями, например, Леонард Бернстайн, большинство из них известны только на сцене классической музыки.
Дэвид Бейкер, музыкальный педагог, композитор и дирижер, (крайний слева) планетет Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra во время NEA Jazz Masters церемония награждения и концерт в 2008 году. Классическое хоровое и инструментальное дирижирование сформировано комплексную систему обучения и воспитания. Начинающие дирижеры могут учиться в колледжах, консерваториях и университетах. Музыкальные школы и университеты предоставляют ряд программ дирижирования, включая курсы дирижирования в рамках степени бакалавра, небольшое количество магистров музыки по дирижированию и еще меньшее количество Доктор музыкальных искусств по дирижированию.
Кроме того, существует множество других учебных программ, таких как классические летние лагеря и учебные фестивали, которые дают студентам возможность дирижировать разнообразной музыкой. Начинающим дирижерам необходимо получить обширное образование в области истории музыки, включая основные периоды классической музыки и теории музыки. Многие дирижеры учатся играть на клавишных инструментах, таких как фортепиано или орган, - навык, который помогает им анализировать симфонии и опробовать свои интерпретации, прежде чем они получат доступ к оркестр для дирижирования. Многие дирижеры получают опыт игры в оркестре или пения в хоре - опыт, который дает им хорошее представление о том, как оркестры и хор дирижируют и репетируют.
В 2014 году дирижеры оркестра обычно имели степень магистра музыки, а дирижеры хоров в США обычно имели степень бакалавра музыки. Степени бакалавра (также называемые B.Mus. или BM) - это четырехлетние программы, которые включают уроки дирижирования, опыт работы в любительском оркестре и последовательность курсов по истории музыки, теории музыки и курсам гуманитарных наук ( например, английская литература), которые дают учащемуся более разностороннее образование. Студенты B.Mus обычно не специализируются на дирижировании. этап; вместо этого они обычно развивают общие музыкальные навыки, такие как пение, игра на оркестровом инструменте, выступление в хоре, игра в оркестре и игра на клавишных инструментах, таких как фортепиано или орган.
Еще одна тема, которую изучают студенты, - это языки, используемые в опере классической музыки. Ожидается, что дирижеры оркестра смогут репетировать и руководить хором в произведениях для оркестра и хора. Таким образом, оркестровые дирижеры должны знать основные языки, используемые в хоровом письме (включая французский, итальянский и латынь, среди других), и они должны понимать правильную дикцию этих языков в контексте хорового пения. Верно и обратное: от хорового дирижера ожидается, что он будет репетировать и вести струнный оркестр или полный оркестр при исполнении произведений для хора и оркестра. Таким образом, хоровой дирижер должен уметь репетировать и вести инструментальные части.
Магистр музыки (M.mus. ) по дирижированию состоит из частных уроков дирижирования, ансамблевого опыта, тренерской работы и курсов повышения квалификации по истории музыки и теории музыки, а также одного или двух проводил концерты. Степень магистра музыки (именуемая M.Mus. или M.M.) часто является необходимым минимумом для людей, желающих стать профессором дирижирования.
Доктор музыкальных искусств (именуемый как DMA, DMA, D.Mus.A. или A.Mus..D) в области дирижирования дает возможность продвинутого обучения на самом высоком художественном и педагогическом уровне, что обычно требует дополнительные 54+ кредитных часа после получения степени магистра (что примерно на 30+ кредитов сверх степени бакалавра). По этой причине прием очень избирательный. Требуются экзамены по истории музыки, теории музыки, тренировка слуха / диктант, а также вступительный экзамен и проведение прослушивания. Студенты исполняют ряд дирижируемых концертов, в том числе комбинированный лекционный концерт с сопроводительной докторской диссертацией, продвинутой курсовой работой. Студенты обычно должны поддерживать средний минимум B. DMA в области дирижирования - это окончательная степень, и как таковая, она дает право преподавателю преподавать в колледжах, университетах и консерваториях. В дополнение к академической учебе, другая часть пути обучения многих дирижеров - это дирижирование любительскими оркестрами, такими как молодежные оркестры, школьные оркестры и общинные оркестры.
Небольшое количество дирижеров становятся профессионалами без формального обучения дирижированию. Эти люди часто добились известности как исполнители вокала или инструментария, и они часто прошли серьезную подготовку в своей области знаний (инструментальное исполнение или пение). Еще один способ сделать небольшое количество дирижеров профессионалами без формального обучения дирижированию - это обучение на рабочем месте, дирижируя любительскими оркестрами, школьными оркестрами и общинными оркестрами (или аналогичными хоровыми ансамблями).
Средняя зарплата дирижеров в США в 2014 году было 48 180 долларов. Прогнозируется 3% -ный рост занятости в период с 2014 по 2024 год, что ниже среднего темпа роста.
Портал классической музыки  | Викицитатник содержит цитаты, связанные с: Проводники |
СМИ, связанные с Проводники на Wikimedia Commons