Войти
   Вверху: Венера и Адонис Питера Пауля Рубенса (1635–40); В центре: «Экстаз Святой Терезы» Бернини (1651); Внизу: Вискирхе в Баварии (1754) | |
| Активные годы | 17–18 вв. |
|---|---|
Барокко (UK :, US : ; Французский: ) - это стиль архитектура, музыка, танец, живопись, скульптура и другие искусства, процветавшие в Европе с начала 17 века до 1740-х годов. На территории Испанской и Португальской империй, включая Пиренейский полуостров, он продолжался вместе с новыми стилями до первого десятилетия 1800-х годов. Он последовал за искусством Возрождения и маньеризмом и предшествовал стилю рококо (в прошлом его часто называли «поздним барокко») и неоклассицизмом.. Католическая церковь использует его как средство противостояния простоте и строгости протестантской архитектуры, и музыки, хотя искусство лютеранского барокко развивалось в некоторых частях света. Европа тоже.
Стиль барокко использовал контраст, движение, яркие детали, глубокий цвет, величие и неожиданность, чтобы вызвать чувство благоговения. Стиль зародился в начале 17 века в Риме, затем быстро распространился во Франции, северной Италии, Испании и Португалии, в Австрии, южной Германии и России. К 1730-м годам он превратился в еще более яркий стиль, названный рокайль или рококо, который появлялся во Франции и Центральной Европе до середины и конца 18 века.
В декоративном искусстве есть избыток орнамента. Отход от классицизма Возрождения в каждой стране происходит по-своему. Общая особенность в том, что везде отправной точкой элементы орнамента, внесенные эпохой Возрождения. Классический репертуар переполнен, плотен, перекрывается, нагружен, чтобы вызвать шоковые эффекты. Новые мотивы, представленные в стиле барокко: картуш, трофеи и оружие, корзину с фруктами или цветами и др., Выполненные в маркетри, лепнина или резные.
Подвеска в виде сирены, сделанная из барочной жемчужины (туловище) с эмалированными золотыми опорами, украшенными рубинами, вероятно, около 1860 года, в Метрополитен-музей (Нью-Йорк) Английское слово baroque происходит непосредственно от французского (как можно предположить из современной стандартной английской орфографии). Некоторые утверждают, что французское слово произошло от португальского термина barroco («испорченная жемчужина»), представ на латинское verruca («бородавка») или на слово с суффиксом -ǒccu (распространенное в доримской Иберии). Другие источники служат в качестве наиболее вероятного источника средневековый латинский термин, используемый в логике, baroco.
В XVI веке средневековое латинское слово baroco вышел за рамки схоластической логики и стал Номером для характеристик всего, что казалось абсурдно сложным. Французский философ Мишель де Монтень (1533–1592) связывал термин бароко с «причудливым и бесполезно сложным». Другие ранние источники связывают бароко с магией, сложностью, путаницей и излишеством.
Слово «барокко» также ассоциировалось с неправильным жемчугом до 18 века. Термины французское барокко и португальское барокко часто ассоциировались с ювелирными изделиями. Пример из 1531 года использует этот термин для описания жемчуга в описи сокровищ Карла V французского. Позже это слово появляется в издании Le Dictionnaire de l'Académie Française 1694 года, в котором барокко описывается как «используется только для жемчуга, имеющего несовершенную форму». В португальском языке 1728 года слово barroco также описывается как «грубая и неровная жемчужина».
Альтернативное происхождение слова baroque указывает на имя итальянского художника Федерико Бароччи (1528–1528). 1612 г.).
В 18 этот век познакомился с любовью к описанию музыки, причем не в лестной форме. В анонимной сатирической рецензии на премьеру романа Жан-Филиппа Рамо Ипполит и Ариси в октябре 1733 года, напечатанного в Mercure de France в мае В 1734 г. критик писал, что новинка в этой опере - «дю барок», жалуясь на то, что в музыке отсутствует связная мелодия, она не обходится без диссонансов, постоянно меняет тональность и размер и быстро проходит через все композиционные приемы.
В 1762 году Le Dictionnaire de l'Académie Française записал, что этот термин может образно описывать что-то «необычное, причудливое или неравное».
Жан-Жак Руссо, который был музыкантом и композитором, а также философом, писал в 1768 г. в энциклопедии : «Музыка барокко - это музыка, в которой гармония запутана, наполнена модуляциями и диссонансами. Пение резкое и неестественное, интонация трудная, а движения ограничены. происходит от слова «бароко», используемого логиками ».
В 1788 г. Quatremère de Quincy определил термин в Encyclopédie Méthodique как «архитектурный стиль, который сильно украшен и мучителен».
Французские термины стиль барокко и музыка барокко появились в Le Dictionnaire de l'Académie Française в 1835 году. К середине 19 века искусствоведы и историки приняли термин «барокко» как способ высмеять искусство пост-ренессанса. В этом смысле в 1855 году использовал ведущий историк искусства Якоб Буркхардт, который писал, что художники эпохи барокко «презирали и году пользовались деталями», потому что им не хватало «уважения к традициям»
<988.>В 1888 году историк Генрих искусства Вёльфлин опубликовал первую серьезную академическую работу по этой стилю Renaissance und Barock, в которой описывались различия между живописью, скульптурой и архитектурой эпохи Возрождения и барокко.
Quadratura или trompe-l'œil потолок церкви Джезу из Рима, Джованни Баттиста Гаулли, с 1673 по 1678 Архитектурный стиль барокко результатом был доктрин, продемонстриров католической церковью на Тридентском соборе в 1545–63 годах в ответ на Протестантская Реформация. Первая фаза Контрреформации наложила академический стиль религиозной архитектуры, который понравился интеллектуалам, но не массе прихожан. Совет Трента вместо этого обратился к более популярной аудитории. Искусство лютеранского барокко развивалось как конфессиональная маркер идентичности в ответ на великое иконоборчество кальвинистов.
. Церкви в стиле барокко были спроектированы с большим центральным пространством, где прихожане могли находиться рядом с алтарем, с куполом или куполом высоко над головой, позволяя свету освещать церковь внизу. Купол был одним из центральных символических элементов барокко, представляющим союз между небом и землей. Внутренняя часть купола была щедро украшена картинами ангелов и святыми и лепными статуэтками ангелов, производившими впечатление на тех, кто внизу смотреть на небеса. Еще одна особенность церквей в стиле барокко - квадратура; trompe-l'œil росписи на потолке в лепных рамах, настоящие или раскрашенные, переполненные картины святых и ангелов и связанных архитектурными деталями с балюстрадами и консолями. Картины квадратуры атлантов под карнизами, кажется, потолок церкви. В отличие от расписных потолков Микеланджело в Сикстинской капелле, которые сочетают в себе разные сцены, каждая со своей собственной перспективой, которые можно рассматривать по очереди, потолочные росписи в стиле барокко были созданы, чтобы зритель на полу церкви мог видеть весь потолок в правильной конструкции. перспектива, как если бы фигуры были настоящими.
Интерьеры церквей в стиле барокко становились все более и более богатыми в стиле высокого барокко и сосредоточивались вокруг алтаря, обычно помещенного под куполом. Самыми известными декоративными произведениями в стиле барокко высокого барокко являются Стул Святого Петра (1647–53) и Балдачино Святого Петра (1623–34), автора обоих Джан Лоренцо Бернини, в Св. Базилика Петра в Риме. Балдекин святого Петра - это пример баланса противоположностей в искусстве барокко; гигантские пропорции изделия приущейся легкости балдахина; и контраст между массивными витыми колоннами, бронзой, золотом и мрамором части с плавными драпировками ангелов на балдахине. Дрезденская церковь Фрауэнкирхе служит ярким образцом лютеранского искусства барокко, строительство которого было завершено в 1743 году по заказу лютеранского городского совета Дрездена и «наблюдатели восемнадцатого века сравнивали с собором Святого Петра в Риме».
Витая колонна в интерьере церквей - одна из отличительных черт барокко. Это дает как ощущение движения, так и новый драматический способ отражения света. картуш - еще одна характерная черта декора в стиле барокко. Это были большие бляхи. Они использовали широкий спектр изобретений и были обнаружены во всех типах зданий, от соборов и дворцов до небольших часовен.
Архитекторы в стиле бар иногда использовали принудительную перспективу для создания иллюзий. Для Палаццо Спада в Риме Борромини использовал уменьшающиеся в размерах колонны, сужающийся пол и миниатюрную статую в саду, чтобы создать иллюзию того, что проход длиной тридцать метров, тогда как на самом деле он был всего семь метров на деле.. длинный. Статуя в конце прохода выглядит в натуральную, хотя ее высота всего шестьдесят сантиметров. Борромини создал иллюзию с помощью математика.
Святой Игнатий из Рима (1626–1650) Первым зданием в Риме с фасадом в стиле барокко была церковь Гесо в 1584 г.; он был стандарт по позднего барокко, но ознаменовал собой разрыв с традиционными фасадами эпохи Возрождения, которые ему предшествовали. Интерьер этой церкви оставался очень строгим до периода высокого барокко, когда он был богато украшен.
В Риме в 1605 году Павел V стал первым из пап, которые заказали базилики и церковные серии зданий, призванные эмоции и трепет за счет увеличения количества форм, богатство красок и драматических эффектов. Среди самых влиятельных памятников раннего барокко - фасад церкви Св. Базилика Петра (1606–1619), а также новый неф и лоджия, которые соединяли фасад с куполом Микеланджело в более ранней церкви. Новый дизайн создал резкий контраст между парящим куполом и непропорционально широким фасадом, а также контраст на фасаде между дорическими колоннами и огромной массой портика.
В середине - конце 17 века стиль достиг своего апогея, позже получившего название Высокого барокко. Многие монументальные работы были заказаны Папами Урбаном VIII и Александром VII. Скульптор и архитектор Джан Лоренцо Бернини спроектировал новую четырехместную колоннаду вокруг площади Святого Петра (1656–1667 гг.). Три галереи колонн в виде гигантского эллипса уравновешивают негабаритный купол и придают церкви и площади единство и ощущение гигантского театра.
Санта-Мария-делла-Салюте в Венеция (1631–1631–1631 гг.) 1687) Другим крупным новатором итальянского высокого барокко был Франческо Борромини, основным произведением которого была церковь Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане или Святого Карла четырех фонтанов (1634 г.) –46). Ощущение движения придают не украшения, а сами стены, волнообразные, а также вогнутые и выпуклые элементы, в том числе овальная башня и балкон, вставленные в вогнутую траверсу. Интерьер был столь же революционным; основное пространство церкви было овальным, под овальным куполом.
Расписные потолки, заполненные ангелами и святыми, и trompe-l'œil архитектурные эффекты были особенностью итальянского Высокого барокко. Основные работы включаются «Вход святого Игнация в рай» Андреа Поццо (1685–1695) в церкви Святого Игнатия в Риме и «Торжество имени» <521 г.>Джованни Баттиста Гаулли в церкви Джезу в Риме (1669–1683), на которой были изображены фигуры, вырывающиеся из рамы, а также драматическое наклонное освещение и контрасты света и тьмы. Стиль быстро распространился из Рима в других регионах Италии: он появился в Венеции в церкви Санта-Мария-Делла-Салюте (1631–1687) от Бальдассаре Лонгена, очень оригинальной восьмиугольной формы. увенчан огромным куполом. Он появился также в Турине, особенно в Часовне Святой Плащаницы (1668–1694) Гуарино Гуарини. Этот стиль также начал Во дворцах; Гуарини спроектировал Палаццо Кариньяно в Турине, в то время как Лонгена разработал Ка 'Реццонико на Гранд-канале (1657), завершенный Джорджо Массари с картинами Джованни Баттиста Тьеполо. Серия сильных землетрясений на Сицилии потребовала восстановления из них, а некоторые были построены в пышном стиле позднего барокко или рококо.
Фасад церкви Джезу из Рим (1584)
Потолок церкви Джезу (1674–1679)
Ка Реццонико из Венеция (1649–1656)
Картуши, украшающие внутренний двор Палаццо Спада из Рима, автор Франческо Борромини (1632)
Галерея с принудительной перспективой, автор Франческо Борромини, создающая иллюзию того, что коридор намного длиннее, чем он есть на самом деле, в Палаццо Спада (1632)
Стул Святого Петра работы Джан Лоренцо Бернини, в Св. Базилика Петра из Рима (1657–1666)
Башни собора Сантьяго-де-Компостела по Фернандо де Касас Новоа (1680 (центр башни) и 1738–1750) Католическая церковь в Испании, и особенно иезуиты, были движущейся силой испанской барокко. Первым крупным произведением в этом стиле была капелла Сан-Исидро в Мадриде, начатая в 1643 г. Педро де ла Торре. Он противопоставил чрезвычайное богатство орнамента снаружи и простоту интерьера, разделенного на несколько пространств и использующего световые эффекты, чтобы создать ощущение таинственности. Собор в Сантьяго-де-Компостела был модернизирован с помощью ряда дополнений в стиле барокко, начиная с конца 17-го века, начиная с богато украшенной колокольни (1680 г.), а между двумя еще более и высокими богато украшенными башнями., названный Обрадорио, добавлен между 1738 и 1750 годами Фернандо де Касас Новоа. Еще одна достопримечательность испанского барокко - часовня-башня дворца Сан-Тельмо в Севилье от Леонардо де Фигероа.
Дворец Сан-Тельмо из Севилья (1682) Гранада была освобождена от мавров только в 15 веке и имела свою собственную разновидность барокко. Художник, скульптор и архитектор Алонсо Кано спроектировал интерьер в стиле барокко Гранадского собора между 1652 г. и его смертью в 1657 г. Он отличается драматическими контрастами массивных белых колонн и золотого декора.
Самая декоративная и богато украшенная архитектура испанского барокко называется чурригереско стилем, названным в честь братьев Чурригера, которые работали преимущественно в Саламанке и Мадриде. Их работы включают на главной площади города, Пласа Майор Саламанки (1729 г.). Этот очень декоративный стиль барокко оказал большое влияние на многие церкви и соборы, построенные испанцами в Америке.
Среди других известных испанских архитекторов позднего барокко Педро де Рибера, ученик Чурригера, спроектировавший Королевский хоспис Сан-Фернандо в Мадриде, и Нарцисо Томе, который разработал знаменитый алтарь El Transparente в соборе Толедо (1729–1732 гг.), Который при определенном свете создает иллюзию парения вверх.
Архитекторы испанского барокко имело влияние далеко за пределами Испании; их работа оказала большое влияние на церкви, построенные в испанских колониях в Латинской Америке и на Филиппинах. Хорошим примером является церковь, построенная иезуитами для колледжа в Тепоцотлан, с богато украшенным фасадом и башней в стиле барокко.
Кафедральный собор Гранады (1652–1657)
Алтарь монастыря Сан-Эстебан, из Саламанка (1690)
Пласа-Майор из Саламанка (1729)
Хоспис Сан-Фернандо из Мадрид (1750 г.)
Квадратура; раскрашенный купол Андреа Поццо для иезуитской церкви в Вене, создающий иллюзию взгляда вверх на небесные фигуры вокруг несуществующего купола (1703) С 1680 по 1750 год многие богато украшенные соборы, аббатства и паломнические церкви были построены в Центральной Европе, в Баварии, Австрии, Богемии и на юго-западе Польши. Некоторые из них были выполнены в стиле рококо, отличном, более ярком и асимметричном стиле, который возник из барокко, а затем заменил его в Центральной Европе в первой половине 18 века, пока он, в свою очередь, не был заменен классицизмом.
Князья множества государств в этом регионе также выбрали барокко или рококо для своих дворцов и резиденций и часто использовали для их строительства архитекторов, получивших образование в Италии. Среди известных архитекторов были Иоганн Фишер фон Эрлах, Лукас фон Хильдебрандт и Доминик Циммерманн в Баварии, Бальтазар Нойман в Брюль и Маттеус Даниэль Пёппельманн в Дрездене. В Пруссии Фридрих II Прусский был вдохновлен Большим Трианоном из Версальского дворца и использовал его в качестве модели для своей летней резиденции Сан-Суси, в Потсдаме, разработанный для него Георгом Венцеслаусом фон Кнобельсдорфом (1745–1747). Еще одно произведение дворцовой архитектуры в стиле барокко - Цвингер в Дрездене, бывшая оранжерея дворца герцогов Саксонии в 18 веке.
Св. Николая (Мала Страна) из Праги (1704–1755) Одним из лучших образцов церкви в стиле рококо является Basilika Vierzehnheiligen, или Базилика Четырнадцати Святых Помощников, паломническая церковь, расположенная недалеко от города Бад-Штаффельштайн недалеко от Бамберга, в Баварии, на юге Германии. Базилика была спроектирована Бальтазаром Нойманом и была построена между 1743 и 1772 годами, ее план представляет собой серию взаимосвязанных кругов вокруг центрального овала с алтарем, расположенным точно в центре церкви. Интерьер этой церкви иллюстрирует вершину декора в стиле рококо. Другой известный пример стиля -Паломническая церковь Виса (немецкий : Wieskirche). Он был разработан братьями Дж. Б. и Доминикус Циммерманн. Он расположен в предгорьях Альп, в муниципалитете Штайнгаден в районе Вайльхайм-Шонгау, Бавария, Германия. Строительство велось между 1745 и 1754 годами, интерьер был украшен фресками и лепниной в традициях школы Вессобруннера. Сейчас это объект Всемирного ЮНЕСКО.
Еще один яркий пример - St. Свято-Николаевская церковь (Мала Страна) в Праге (1704–55), построенная Кристофом Динценгофером и его сыном Килианом Игнацем Динценгофером. Украшение покрывает все стены интерьера церкви. Алтарь расположен в нефе под центральным куполом и окружен часовнями. Свет спускается с купола наверху и из окружающих часовен. Алтарь полностью окружен арками, колоннами, изогнутыми балюстрадами и пилястрами из цветного камня, которые богато украшены скульптурами. Архитектура превращается в театр света, цвета и движения.
В Польше итальянское польское барокко продолжалось с начала 17 до середины 18 века и подчеркивало богатство деталь и цвет. Первое здание в стиле барокко в современной Польше и, вероятно, одно из самых узнаваемых, - это церковь Св. Петра и Павла в Кракове, спроектированная Джованни Баттиста Тревано. Колонна Сигизмунда в Варшаве, возведенная в 1644 году, была первым в мире памятником светского барокко, построенным в виде колонны. Примером дворцового стиля резиденции является Вилановский дворец, построенный между 1677 и 1696 годами. Самым известным архитектором в стиле барокко, действовавшим в Польше, был голландец Тильман ван Гамерен и его к известным работам войны варшавская Св. Казимежская церковь и Дворец Красинских, Св. Анны в Кракове и дворец Браницких в Белостоке. Однако самым известным произведением польского барокко является церковь Фара в Познани с деталями от Помпео Феррари.
Церковь Фара из Познань (Польша ) (1651–1701)
Остатки дворца Цвингер в Дрездене (1710–1728)
Потолок из аббатства Оттобойрен, в Баварии (1711–1725)
Библиотека Клементинума, иезуитского университета из Праги (1722 г.)
Карлскирхе (Вена ), автор Фишер фон Эрлах (освящен в 1737 году)
Базилика Фирценхейген из Бавария, Бальтазар Нойман (1743–1772)
Сан-Суси, в Потсдаме, Георг Венцеслаус фон Кнобельсдорф (1745–1747)
Восточный фасад Вюрцбургской резиденции из Вюрцбург (Германия)
Фасад Дворца Рохана из Страсбург (Франция) на берегу реки Франция лар gely сопротивлялся богато украшенному стилю барокко Италии, Испании, Вены и остальной Европы. Стиль французского барокко (который во Франции часто называют великим классицизмом или просто классицизмом) соединенными с произведениями, построенными для Людовика XIV и Людовика XV ; в нем больше геометрического порядка и меры, чем в стиле барокко и менее сложный декор фасадов и интерьеров. Людовик XIV пригласил мастера барокко Бернини представил проект нового крыла Лувра, но отклонил его в пользу более классического дизайна Клода Перро и Луи Ле Вау <1057.>Версальский дворец (начат Луи Ле Вау в 1661 году)
Среди главных архитекторов стиля Франсуа Мансар (Chateau de Balleroy, 1626–1636), Пьер Ле Муэ (Церковь Валь-де-Грас, 1645–1665), Луи Ле Вау (Во-ле-Виконт, 1657–1661) и особенно Жюль Хардуэн Мансар и Робер де Котт, чьи работы включали Galerie des Glaces и Большой Трианон в Версале (1687–1688). Мансарт также был ответственным за барочный классицизм Вандомской площади (1686–1699).
Главным королевским проектом того периода было расширение Версальского дворца, начатую в 1661 году Ле Вау с декором художника Шарля Лебрена. Сады были спроектированы Андре Ленотром, чтобы дополнить и усилить мощностьуру. Galerie des Glaces (Зеркальный зал), центральное место в замке с картиной Ле Бруна, была построена между 1678 и 1686 годами. Мансар завершил Большой Трианон в 1687 году. Часовня, спроектированная де Коттом, была завершена в 1710 году. После смерти Людовика XIV Людовик XV добавил более интимный Пти-Трианон и богато украшенный театр. Фонтаны в саду были спроектированы так, чтобы их было видно изнутри, и они добавляли драматического эффекта. Дворец восхищался и копировал другие монархи Европы, в частности Петр Великий в России, который посетил Версаль в начале правления Людовика XV построил свою собственную версию в Петергофском дворце недалеко от Санкт-Петербурга, между 1705 и 1725 годами.
Церковь Сен-Поль-Сен-Луи, первая парижская церковь с фасадом в стиле нового барокко (1616–2020 гг.)
Шато-де-Во-ле-Виконт из Maincy (1657–1661)
Восточный фасад Лувра, автор Клод Перро и Луи Ле Во (1668–1680)
Зеркальный зал в Версальском дворце (1678–1686)
Дом Инвалидов, часть Дом Инвалидов (Париж)
Place des Victoires ( 1684–1697), автор Жюль Ардуэн-Мансар
Слава Нептуна, Дворец Келуш, 1747 Архитектура барокко в Португалии просуществовала около двух столетий (конец семнадцатого века и восемнадцатый век). В период правления Иоанна V и Иосифа I увеличился импорт золота и алмазов в период, называемый королевским абсолютизмом, который позволил португальскому барокко процветать.
Архитектура барокко в Португалии имеет особую ситуацию и отличается от остальной Европы по времени.
Это вызвано политическими, художественными и понимающими факторами, порождающими несколько фазовыми факторами внешнего воздействия, в результате чего возникает уникальная смесь, часто неправильно используемая теми же, кто ищет итальянское искусство, вместо этого находит решающие формы и характер, который придает ему уникальное португальское разнообразие. Другим, который вызывает фактор существования иезуитской архитектуры, также называемую «простым стилем» (Estilo Chão или Estilo Plano), как и название, более проста и кажется несколько строгой.
Интерьер монастыря Сан-Мартинью-де-Тибайнш, Брага, 1757 г. Здания представляют собой однокомнатные базилики, глубокую главную часовню, боковые часыни (с небольшими дверями для сообщений), без внутренней и внешней отделки, очень простые портал и окна. Это очень практичное здание, позволяющее строить его по империи с небольшими изменениями и готовить для украшения или при создании экономических ресурсов.
На самом деле, первое португальское барокко не лишено строения, потому что «простой стиль» легко трансформировать с помощью декора (роспись, облицовка плиткой и т. Д.), Превращая пустые пространства в помпезное, сложное барокко. сценарии. То же самое можно сказать и об экстерьере. Впечатление легко адаптировать здание к вкусу времени и места и добавить новые функции и детали. Практичный и экономичный.
С большим населением и лучшими экономическими ресурсами, северной, особенно областью Порту и Брага, стал свидетелем архитектурного обновления, что видно в большом списке церквей, монастырей и дворцов, построенных аристократия.
Порту - город в стиле барокко в Португалии. Его исторический центр внесен в ЮНЕСКО Список всемирного наследия.
Многие из произведений в стиле барокко в исторической части города и за его пределами принадлежат Николау Насони итальянскому архитектору. живя в Португалии, рисовал оригинальные здания со сценографическим расположением, такие как церковь и башня Клеригуш, лоджия собор Порту, церковь Мизерикордия, дворец Сан Жуан Нову, Дворец Фрейшу, Епископальный дворец (Португальский : Paço Episcopal do Porto) и многие другие.
Западный фасад Екатерининского дворца (1752–1756). Автор Бартоломео Растрелли Дебют русского барокко, или петровское барокко, последовавший за длительным визитом Петра Великого в Западную Европу в 1697–98 гг., Где он посетил замки Фонтенбло и Версаль, а также другие архитектурные памятники. По возвращении в Россию он решил построить памятники в С. Петербург, который стал столицей России в 1712 году. Ранние крупные памятники петровского барокко включают Петропавловский собор и Меншиковский дворец.
. В период правления Императрицы Анна и Елизавета Петровна, в русской среде доминировал роскошный стиль барокко итальянского происхождения Бартоломео Растрелли, перерос в елизаветинское барокко. Среди характерных зданий Растрелли - Зимний дворец, Екатерининский дворец и Смольный собор. Другими отличительными памятниками елизаветинского барокко являются колокольня Троице-Сергиевой лавры и Красные ворота.
В Москва, Нарышкинское барокко получила широкое распространение, особенно в окружающей среде православных церквей конца 17 века. Это было сочетание западноевропейского барокко с традиционными русскими народными стилями.
Фасад из Арекипы (Перу ), 1698–1699. Возвышением фасада руководил испанский архитектор Диего де Адриан, но, как и почти все андские памятники гибридного барокко, орнамент был вырезан индейскими скульпторами и каменщиками, которые действовали с удивительной свободой в выборе изображений из-за колонизации Через Америку к европейским странам барокко естественным образом переместилось в Новый Свет, найдя особенно благоприятную почву в регионах, где доминировали Испания и Португалия, причем обе страны были централизованными и несводимыми католическими монархиями, в большей степени подчиняющимися Риму и приверженцам Барокко Контрреформистское наиболее типично. Европейские художники мигрировали в Америку и учились в школе, и наряду с широким распространением католических миссионеров, многие из которых были искусными художниками, создали многообразное барокко, часто находящееся под влиянием народных вкусов. Ремесленники Criollo и Indidenous сделали многое, чтобы придать этому барокко уникальные черты. Основными центрами культивирования американского барокко, которые сохранились до сих пор, являются (в этом порядке) Мексика, Бразилия, Перу, Эквадор, Куба, Колумбия, Боливия, Гватемала и Пуэрто-Рико.
Особо следует отметить так называемые " «Миссионерское барокко», созданное в рамках сокращения испанцами территорий, простирающихся от Мексики и юго-западных частей нынешних Соединенных Штатов до таких южных районов, как Аргентина и Чили, поселения коренных народов, организованные испанскими католическими миссионерами с целью обратить их в христианство. веры и приучают их к западной жизни, образуя гибрид барокко под влиянием местной культуры, где процветал Криоллос и многие индийские ремесленники и музыканты, даже грамотные, некоторые из которых обладали большими способностями и талантами. В рассказах миссионеров часто повторяется, что западное искусство, особенно музыка, оказало гипнотическое воздействие на лесников, а образы святых считались обладающими огромной силой. Многие индейцы обратились в христианство, и была создана новая форма страстного поклонения, наполненная мистикой, суевериями и театральностью, которая радовала праздничными мессами, священными концертами и мистериями.
Архитектура колониального барокко в Испанская Америка отличается обильным декором (портал церкви Ла Професа, Мехико ; фасады покрыты в стиле Пуэбла азулежу, как в церкви Сан-Франциско Акаатепек в Сан-Андрес Чолула и монастырской церкви Сан-Франциско из Пуэбла ), которые будут обостряется в так называемом стиле Churrigueresque (Фасад скинии Собора Мехико, автор;, Тепоцотлан ; Церковь Санта-Приска из Таско ). В Перу строительство в основном развивалось в городах Лима, Куско, Арекипа и Трухильо с 1650 г. демонстрируют оригинальные характеристики, которые достигли даже европейского барокко, например, использование мягких стен и соломоновых колонн (Церковь Ла Compañía de Jesús, Куско ; Базилика и монастырь Сан-Франциско, Лима ). Другие страны включают: кафедральный собор Сукре в Боливии ; Соборная базилика Эскипулас в Гватемале ; собор Тегусигальпы в Гондурасе ; Леонский собор в Никарагуа ; церковь Ла Компанья де Хесус в Кито, Эквадор ; в Боготе, Колумбия ; Кафедральный собор Каракаса в Венесуэле ; Кабильдо из Буэнос-Айреса в Аргентине ; церковь Санто-Доминго в Сантьяго, Чили ; и Гаванский собор на Кубе. Также стоит помнить о качестве церквей испанских иезуитских миссий в Боливии, испанских иезуитских миссий в Парагвае, испанских миссий в Мексике и Испанские францисканские миссии в Калифорнии.
В Бразилии, как и в мегаполисе Португалии, архитектура имеет определенное итальянское влияние, обычно Борроминский тип, как можно увидеть в Со-Католичестве Эдраль Ресифи (1784) и в Рио-де-Жанейро (1739). В районе Минас-Жерайс особо выделяются работы Алейжадиньо, автора группы церквей, которые выделяются своей изогнутой формой, фасадами с вогнуто-выпукл динамическими эффектами и пластической обработкой. всех архитектурных элементов (Церковь Сан-Франциско де Ассис в Ору-Прету, 1765–1788).
Церковь Сан-Франциско, Акаатепек из Мексики
Собор Чиуауа из Мексика (1725–1792)
Леон Собор из Никарагуа (1747–1814), Всемирного наследия
Малая базилика Сан-Франциско-де-Асис из Гавана (Куба ) (1548–1738)
От Оуро Прето (Бразилия ) (1762–1799)
Церковь Сан-Агустин из Кито (Эквадор ) (1606–1617)
Дворец Торре Тагле из Лимы (Перу ) (1715–1735), Балконы Лимы
Церковь Санто-Доминго из Санго (Чили ) (1747 г. –1808)
В португальских колониях Индии (Гоа, Даман и Диу ) процветал архитектурный стиль форм барокко, смешанный с индуистскими элементами, например, Гоа и базилика Бом Иисус из Гоа, где находится гробница св. Фрэнсис Ксавьер. Множество церквей и монастырей Гоа было объявлено всемирного наследия в 1986 году.
На Филиппинах это было частью Испанская империя в течение долгого времени сохранила большое количество построек в стиле барокко, в том числе церкви в стиле барокко на Филиппинах, которые из четырех, а также город в стиле барокко и неоклассицизма Виган. оба ЮНЕСКО Объекты всемирного наследия. Также очень примечательным был город-крепость Манила (Интрамурос). Другой город с хорошо сохранившимся барокко испанской эпохи - Тайабас.
Погребение Христа ; автор Караваджо ; около 1602–1604 гг.; масло на холсте; 3 × 2 м; Пинакотека Ватикана (Ватикан )Художники барокко сознательно, чтобы отделить себя от художников эпохи Возрождения периода маньери после него. В своем палитре они использовали интенсивные и теплые цвета, а также особенно использовали основные цвета красный, синий и желтый, часто используемые все три в непосредственном соприкосновении. Возрождения и используют сильные контрасты света и темноты на отдельных частях изображения. В отличие от безмятежных, композиции они избегают умиротворяющих сцен картини Возрождения и выбирают моменты величайшего движения и драмы. лиц картин эпохи Возрождения, лица на картинах в стиле эпоха ясно выражают свои эмоции Они использовали асимметрию, когда происходило далеко от центра изображения, создавали оси, которые не были ни вертикальными, ни горизонтальными, ни наклонены влево или вправо, даю чувство Они усиливали это впечатление, создавая костюмы персонажей, развеваемых в етром или перемещая их собственными жестами. Общие впечатления были движением, эмоциями и драматизмом. Еще одним важным изображением барокко была аллегория; каждая картина рассказывала историю и содержала сообщение, часто зашифрованное символами и аллегорическими знаками, который образованный зритель был знать и читать.
Las Meninas ; Диего Веласкес ; 1656–1657; масло на холсте; 318 см × 276 см; Museo del Prado (Мадрид, Испания) Ранние свидетельства идей итальянского барокко в живописи произошли в Болонье, где Аннибале Карраччи, Агостино Карраччи и Людовико Карраччи стремились вернуть изобразительное искусство в упорядоченный классицизм эпохи Возрождения. Однако их искусство также включало идеи, лежащие в основе Контрреформации; Сюда входили сильные эмоции и религиозные образы, которые касались больше сердца, чем интеллекта.
Другим влиятельным художником эпохи барокко был Микеланджело Меризи да Караваджо. Его реалистический подход к лицу, нарисованная прямо с натуры и эффектно освещенной на темном фоне, шокировал современников и новую главу в истории живописи. Другие крупные художники, связанные со стилем барокко, включают Артемизию Джентилески, Гвидо Рени, Доменикино, Андреа Поццо и Паоло де Маттеис в Италии; Франсиско де Сурбаран и Диего Веласкес в Испании; Адам Эльсхаймер в Германии; и Николя Пуссен и Жорж де Тур во Франции (хотя Пуссен провел большую часть своей трудовой жизни в Италии). Пуссен и приняли «классический» стиль барокко с меньшим вниманием к эмоциям и большим вниманием к линиим фигур на картине, чем к цвету.
Туалет Венеры; автор Франсуа Буше ; 1751; масло на холсте; 108 × 85 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк) Питер Пауль Рубенс был важнейшим художником стиля фламандского барокко. Напряженные композиции Рубенса отсылают к эрудированному классической и христианской истории. Его уникальный и популярный стиль барокко подчеркивал движение, цвет и чувственность, что следовало прямому драматическому художественному стилю, продвигаемому в Контрреформации. Рубенс специализировался на изготовлении запрестольных образов, портретов, пейзажей и исторических картин мифологических и аллегорических сюжетов.
Одной из важных областей живописи в стиле барокко была квадратура, или картины в trompe-l'oeil, которые буквально «обманывали глаз». Обычно они наносились на лепнину потолков или верхних и балюстрад и производили впечатление на тех, кто смотрел вверх на земле, как будто они видели небеса, населенные толпами ангелов, святых и других небесных фигур на фоне раскрашенного неба и воображаемая архитектура.
В Италии художники часто сотрудничают с архитекторами в оформлении интерьеров; Пьетро да Кортона был одним из художников 17 века, использовавших этот иллюзионистский способ живописи. Среди его самых важных заказов были фрески, которые он написал для дворца Барберини (1633–39), чтобы прославить правление Папы Урбана VIII. Композиции Пьетро да Кортона были лучшими декоративными фресками, выполненными в Риме со времен работы Микеланджело в Сикстинской капелле.
Франсуа Буше был важной фигурой в более тонком французском стиле рококо, появившемся в период позднего барокко. период. Он проектировал гобелены, ковры и театральные декорации, а также живопись. Его работы были популярны у мадам Помпадур, хозяйки короля Людовика XV. В его картинах представлены мифологические романтические и умеренно эротические темы.
Триумф Вакха и Адрианы (часть Любови богов ); от Аннибале Карраччи ; около 1597–1600 гг.; фреска; длина (галерея): 20,2 м; Палаццо Фарнезе (Рим)
Призвание святого Матфея ; автор Караваджо ; 1599–1600; масло на холсте; 3,2 х 3,4 м; Церковь Святого Людовика Французского (Рим)
Четыре континента ; автор Питер Пауль Рубенс ; около 1615 г.; масло на холсте; 209 х 284 см; Художественно-исторический музей (Вена, Австрия)
Изнасилование сабинянок ; автор Николя Пуссен ; 1634–1635; масло на холсте; 154,6 х 209,9 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Карл I на охоте ; автор Энтони ван Дайк ; около 1635 г.; масло на холсте; 2,66 х 2,07 м; Лувр
Ночной дозор ; автор Рембрандт ; 1642; масло на холсте; 363 × 437 см; Рейксмузеум (Амстердам, Нидерланды )
Искусство живописи ; автор Йоханнес Вермеер ; 1666–1668; холст, масло; 1,3 x 1,1 м; Художественно-исторический музей
Портрет Людовика XIV ; автор Гиацинт Риго ; 1701; холст, масло; 277 × 194 см; Лувр
Пример боливийской живописи (из школы Куско ): Ангел Аркебузье ; от Мастера Каламарки ; 17 век В Испанской Америке, первые влияния были от Севильана Тенебризм, в основном от Сурбарана - некоторые из работ до сих пор сохранились в Мексике и Перу - Как видно из работ мексиканцев и боливийцев. Школа живописи Куско возникла после прибытия итальянского живописца Бернардо Битти в 1583 году, кто ввел маньеризм в Америку. план работы ученика итальянца, автора фресок е из Андауайлильяс. кие (кечуа ) художники Диего Киспе Тито и Базилио Санта-Крус Пумакаллао, а также Маркос Сапата, автор книги пятьдесят больших полотен, покрывающих высокие своды Собора Куско. В Эквадоре образовалась школа Кито, в основном представленная метисами и криолло.
. В XVIII веке стали появляться скульптурные запрестольные изображения. заменены картины, в первую очередь развивающими живопись в стиле барокко в Америке. Точно так же вырос спрос на строительные работы, в основном портреты аристократических классов и церковной иерархии. Основное влияние оказал Мурильский, а в некоторых случаях - как в criollo Кристобаль де Вильяльпандо - Вальдес Леаль. Живопись этой эпохи имеет более сентиментальный тон, нежные и мягкие формы. В нем выделяются Грегорио Васкес де Арсе в Колумбии и Хуан Родригес Хуарес и Мигель Кабрера в Мексике.
Бюст Людовика XIV ; Джан Лоренцо Бернини ; 1665; мрамор; 105 × 99 × 46 см; Версальский дворец Доминирующей фигурой в барочной скульптуре был Джан Лоренцо Бернини. Под патронажем Папы Урбана VIII создал замечательную серию монументальных статуй святых и фигур, лица и жесты, которые ярко выражали их эмоции, а также портретные бюсты исключительного реализма и высокодекоративные работы для Ватикан, включая внушительный кафедральный собор св.. Петра под куполом в св. Базилика Петра. Кроме того, он спроектировал фонтаны с монументальными скульптурными группами для основных украшений площадей Рима.
Скульптура барокко вдохновлена древнеримскими скульптурами, в частности знаменитой статуей Лаокоона Первой мировой войны. Век нашей эры, который был выставлен в галерее Ватикана. Когда он посетил Париж в 1665 году, Бернини обратился к студентам Академии живописи и скульптуры. Он посоветовал студентам работать с классическими моделями, а не с натуры. Он сказал студентам: «Когда у меня были проблемы с моей первой статуей, я советовался с Антиноем, как с оракулом».
Среди известных скульпторов позднего французского барокко Этьен Морис Фальконе и Жан Батист Пигаль. Фридрих Великий поручил Пигалю изготовить статуи для версии Версаля Фридриха в Сан-Суси в Потсдаме, Германия. Фальконе также получил важный иностранный заказ, создаваемую знаменитую статую Петра Великого верхом, найденную в Св. Петербург.
В Испании скульптор Франсиско Сальзилло работал исключительно на религиозные темы, используя полихромное дерево. Некоторые из лучших скульптурных мастеров в стиле барокко были найдены золоченых лепных алтарях церквейских колоний Нового Света, выполненных местными мастерами; Примеры включают Часовню Розария церкви Санто-Доминго в Оахаке (Мексика), 1724–1731 гг.
Аполлон и Дафна ; Джан Лоренцо Бернини ; 1622–1625; мрамор; высота: 2,43 м; Galleria Borghese
Кариатиды на Pavillon de l'Horloge (Лувр ), автор Жак Саразин, 1639–1640
Saint Вероника; Франческо Мочи ; 1629–1639; каррарский мрамор ; высота: 5 м; Св. Базилика Петра (Ватикан )
Бюст Андриеса де Греффа; автор Артус Квеллин Старший ; 1661; мрамор; высота: 76 см, ширина: 76 см, толщина: 36 см; Рейксмузеум (Амстердам, Нидерланды )
Фонтан Сатурна; автор Франсуа Жирардон ; 1672–1677; позолоченный свинец; Версальский дворец ( Франция)
The King's Fame Riding Pegasus; автор Antoine Coysevox ; 1701–1702; каррарский мрамор; высота: 3,15 м, ширина: 2,91 м, глубина: 1,28 м; Лувр
Смерть Адониса ; автор Джузеппе Маццуоли ; 1710-е годы; мрамор; высота: 193 см; Эрмитаж (Святой Петербург, Россия )
Меркьюри в кроссовках; автор Жан-Батист Пигаль ; 1753; свинец; 187 × 108 × 106 см; Лувр
Красивый позолоченный стол в стиле барокко с каменной столешницей (скорее всего, мраморной) из Музея пятидесятилетия (Брюссель, Бельгия )Основные использованные м отивы:: рога изобилия, фестоны, ангелочки, львиные головы с металлическим кольцом во рту, женские лица в окружении гирлянд, овальные карты, листья аканта, классические колонны, кариатиды, фронтоны и другие элементы классической архитектуры, скульптурная на некоторых частях предметов мебели, корзинах с фруктами или цветами, ракушках, доспехах и трофеях, головах Аполлона или Вакха и С-образной формы завитки.
В первый период правления Людовика XIV мебель следовала предыдущему стилю Людовика XIII, была массивной и обильно украшенной скульптурой и позолотой. После 1680 года, во многом благодаря дизайнеру мебели Андре Шарлю Буля, появился более оригинальный и тонкий стиль, иногда известный как работа Буля. В его основе лежит инкрустация эбеном и другими редкими породами дерева. Эта технология, впервые использованная во Флоренции в 15 веке, была усовершенствована Буллем и другими работниками Людовика XIV. Мебель инкрустирована пластинами из черного дерева, меди и экзотических пород дерева разных цветов.
Появились новые и часто прочные виды мебели; комод с двумя четырьмя ящиками заменил старый сундук. Появился канапе, или диван, в виде комбинации двух или трех кресел. Появились новые виды кресел, в том числе fauteuil en confessionale или «Confessional armchair», у которых по обе стороны от спинки стула были мягкие подушки. Консольный стол также появился впервые; он был разработан для размещения у стены. Еще одним новым типом мебели стал стол à gibier, стол с мраморной столешницей для хранения посуды. Появились ранние разновидности письменного стола; письменный стол Мазарини имел центральную секцию, расположенную между двумя колоннами ящиков, с четырьмя ножками на каждой колонне.
Шкаф со сценами из жизни Христа; 1620–1640; шпон, древесина дуба и ореха, груша и черное дерево, сталь и латунь ; Национальный музей в Варшаве (Польша )
Шкаф со сценами охоты; 1620–1640; шпон, дуба и ореха, береза, розовое дерево и многие другие породы дерева и сталь; 174 × 148 × 63 см; Национальный музей в Варшаве
Голландский шкаф; 1625–1650; дуб со шпоном из черного и розового дерева; общий: 244,5 x 224,3 x 85,2 см; Кливлендский музей искусств (Кливленд, Огайо, США)
Маленький письменный стол со складывающейся столешницей (bureau brisé); около 1685 года; дуб, сосна, орех, шпонированный эбеном, розовым деревом и маркетри из черепаховый панцирь и гравированная латунь, позолоченная бронза и сталь; 77 x 106 x 59,4 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Стол для французского пирса; 1685 –1690; резной, левкас и позолоченное дерево с мраморной столешницей; 83,6 × 128,6 × 71,6 см; Художественный институт Чикаго (США)
Консольный столик с Изображение Хроноса, или времени отца ; 1695; окрашенное и позолоченное дерево с мрамором наверху; габаритные размеры: 95,3 х 107,3 х 62,9 см; Кливленд M усеум искусства
Комод; Андре Шарль Буль ; около 1710–1720 гг.; оправы из черного дерева, позолоченной бронзы и др. материалы; 87,6 × 128,3 × 62,9 см; Метрополитен-музей
Немецкая наклонная стойка; от или Фердинанд Плитцнер ; около 1715–1725 гг.; маркетри из клена, амаранта, красного дерева и ореха на ели и дубе; 90 × 84 × 44,5 см; из Майнца (Германия); Институт искусств Чикаго
Антонио Вивальди, (1678–1741) Термин «барокко» также используется для обозначения стиля музыки, написанной в период, который частично совпадает со стилем искусства барокко.. Первым употреблением термина «барокко» для обозначения музыки была критика. В анонимной сатирической рецензии на премьеру в октябре 1733 г. оперы Рамо Ипполит и Ариси, напечатанной в Mercure de France в мае 1734 г., критик намекал, что новизна этой оперы - это "дюбарок", жалуясь что музыке не хватало связной мелодии, она была наполнена непрекращающимися диссонансами, постоянно меняла тональность и размер и быстро перебирала все композиционные приемы. Жан-Жак Руссо, музыкант и известный композитор, а также философ, сделал очень похожее наблюдение в 1768 году в знаменитой Энциклопедии из Дени Дидро : «Музыка барокко - это то, в чем гармония смешана, наполнена модуляциями и диссонансами. Пение жесткое. и неестественно, интонация сложна, движение ограничено. Похоже, этот термин происходит от слова «бароко», используемого логиками ».
Использование этого термина в музыке того периода началось только в 1919 году, автор Курт Сакс, и только в 1940 г. впервые был использован на английском языке в статье опубликованной Манфредом Букофцером.
Людовиком XIV в костюме Аполлона для Королевского балета де ля Нюи (1653) Барокко был периодом музыкального эксперимента и инноваций. Были изобретены новые формы, в том числе концерт и симфония. Опера родилась в Италии в конце 16 века (с по большей части утраченной Якопо Пери Дафне, произведенной в Флоренции в 1598) и вскоре распространился по остальной Европе: Людовик XIV создал первую Королевскую музыкальную академию. В 1669 году поэт Пьер Перрен открыл академию оперы в Париже, первый оперный театр во Франции, открытый для публике и премьера Pomone, первая большая опера на французском языке на музыку Роберта Камбера, с пятью действиями, продуманной сценической техникой и балетом. Генрих Шютц в Германии, Жан-Батист Люлли во Франции и Генри Перселл в Англии - все они помогли установить свои национальные традиции в XVII веке.
Классический балет также зародился в эпоху барокко. Стиль придворного танца во Францию принесла Мария Медичи, и вначале танцовщицами были сами придворные. Людовик XIV сам публично выступал в нескольких балетах. В марте 1662 года королем была основана Королевская академия танцев. Это была первая профессиональная танцевальная школа и труппа, установившая стандарты и словарный запас для балета по всей Европе того периода.
В этот период было введено несколько новых инструментов, в том числе фортепиано. Изобретение пианино приписывают Бартоломео Кристофори (1655–1731) из Падуи, Италия, которого нанял Фердинандо Медичи, великий принц Тосканы, как хранитель инструментов. Кристофори назвал инструмент un cimbalo di cipresso di piano e forte («клавиатура из кипариса с мягким и громким звуком»), со временем сократившись как pianoforte, fortepiano, а позже, просто, фортепиано.
Эскиз декорации к Андромеде художника Пьера Корнеля, (1650) 
Эскиз декорации театра, созданный Джакомо Торелли для балета Les Noces de Th étis, из Décorations et machines aprestées aux nopces de Tétis, Ballet Royal Период барокко был золотым веком для театра во Франции и Испании; среди драматургов Корнель, Расин и Мольер во Франции; и Лопе де Вега и Педро Кальдерон де ла Барка Испания.
В период барокко искусство и стиль театра быстро развивались, наряду с развитием оперы и балета. Дизайн все новых и больших театров, изобретение использования более сложных механизмов, более широкое использование арки просцениума, которая обрамляла сцену и скрывала механизмы от зрителей, способствовали созданию более сценических эффектов и зрелищности.
Барокко в Испании имело католический и консервативный характер, следуя итальянской литературной модели эпохи Возрождения. Театр латиноамериканского барокко был нацелен на общественное содержание с идеальной реальностью, которая проявляла три основных чувства: католическую религию, монархическую и национальную гордость и честь, происходящие из рыцарского, рыцарского мира.
В испанском барокко известны два периода. театр, разделение которого произошло в 1630 году. Первый период представлен в основном Лопе де Вега, но также Тирсо де Молина, Гаспаром Агиларом, Гильен де Кастро, Антонио Мира де Амескуа, Луис Велес де Гевара, Хуан Руис де Аларкон, Диего Хименес де Энсисо, Луис Бельмонте Бермудес, Фелипе Годинес, Луис Киньонес де Бенавенте или Хуан Перес де Монтальбан. Второй период представлен Педро Кальдерон де ла Барка и другими драматургами Антонио Уртадо де Мендоса, Альваро Кубильо де Арагон, Херонимо де Кансер, Франсиско де Рохас Соррилья, Хуан де Матос Фрагосо, Антонио Коэльо-и-Очоа, Агустин Морето и Франсиско Бансес Кандамо. Эти классификации нечеткие, потому что у каждого автора был свой путь и иногда он мог придерживаться формулы, установленной Лопе. Возможно даже, что «манера» Лопе была более либеральной и структурированной, чем у Кальдерона.
Лопе де Вега представил новую комедию Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609). Он установил новую драматическую формулу, которая сломала три Аристотеля единства итальянской поэтической школы (действие, время и место) и четвертое единство Аристотеля, которое касается стиля, смешения трагических и комических элементов, показывающих разные типы стихов и строф о том, что изображено. Хотя Лопе обладает большими познаниями в области пластических искусств, большую часть своей карьеры он не использовал их ни в театре, ни в сценографии. Комедия Лопе предоставила вторую роль визуальным аспектам театрального представления.
Тирсо де Молина, Лопе де Вега и Кальдерон были самыми важными авторами пьес в Золотой Эре Испании. Их произведения, известные своим тонким интеллектом иглубоким пониманием человечности, можно считать мостом между примитивной комедией Лопе и более сложной комедией Кальдерона. Тирсо де Молина наиболее известны двумя работами: «Осужденные подозрения» и Севильский обманщик, одной из первых версий мифа о Дон Хуане.
На его основе. Прибыв в Мадрид, Козимо Лотти представил испанскому двору самые передовые театральные приемы Европы. Его методы и знания в области механики применялись на дворцовых выставках под названием «Фиесты» и на роскошных выставках рек или искусственных фонтанов под названием «Наумакиас». Он отвечал за оформление садов Буэн-Ретиро, Зарсуэла и Аранхуэс, а также строительство театрального здания Колизео дель Буэн Ретиро. Формулы Лопе начинаются со стиха о том, что это не соответствует основанию дворцового театра и рождению новых концепций, положивших начало карьере некоторых авторов пьес, таких как Кальдерон де ла Барка. Отмеченная основные нововведения Новой Лопезианской комедии, стиль Кальдерона отмечен множеством различий, с большой конструктивной заботой и вниманием к его внутренней структуре. Работы Кальдерона отличаются формальным совершенством и очень лиричным и символическим языком. Свобода, жизнеспособность и открытость Лопе дали толчок интеллектуальной рефлексии и формальной точности Кальдерона. В его комедии он отразил его идеологические и доктринные намерения над страстью и работу, работа Сакраментальные автомобили достигла высоких рангов. Жанр комедии политический, мультихудожественный и в некотором смысле гибридный. Поэтический текст, переплетенный медиа и ресурсы, происходящие из музыки и живописи, освобождая обман, который присутствует в комедии Лопезии, был составлен из отсутствия декораций и вовлекал диалог действия.
Самый известный немецкий драматург был Андреас Грифиус, который использовал иезуитскую модель голландского Йост ван ден Вондел и Пьера Корнеля. Был также Иоганн Фельтен, который объединил традиции английских комиков и комедии дель арте с классическим театром Корнеля и Мольера. Его гастрольная компания была, пожалуй, гастрольная компания в 17 веке.
Следуя эволюции, отмеченной в Испании, в конце 16-го компании комиков, в основном отгоняющих животных, начали профессионализировать. С профессионализацией пришло регулирование и цензура: как и в Европе, театр колебался между терпимостью и даже государственной защитой и неприятием (за исключениями) или преследованием со стороны церкви. Театр был полезен властям как инструмент распространения желаемого поведения и моделей, уважения к общественному порядку и монархии, религиозных догм.
Corrales использовались в пользу больниц, разделяли преимущества своих представительств. Странствующие компании (или «из лиги »), которые возили театр на импровизированных сценах под открытым небом по регионам, в которых не было постоянных местных жителей, требовали лицензию вице-королевства для работы, которая или pinción была предназначена для милостыни и благочестивых дел. Для компаний, которые стабильно работали в столицах и городах, одним из основных источников дохода было участие в торжествах Corpus Christi, что принесло им не только экономические выгоды, но также признание и социальный престиж.. Представления во дворце вице-королевства и особняках аристократии, где они представляют комедии своего репертуара и специальные постановки с великолепными световыми эффектами, декорациями и сценой, также были дополнительные оплачиваемой и престижной работы.
Родившийся в вице-королевстве Новой Испании, но позже поселившийся в Испании, Хуан Руис де Аларкон - самая известная фигура в театре барокко Новой Испании. Несмотря на то, что он приспособился к комедии Лопе де Вега, его «рассудительность и сдержанность», его рассудительность и сдержанность, а также острая способность к «психологическому проникновению» были отмечены как отличительные черты Аларкона по сравнению с его испанскими современниками.. Среди его произведений стоит выделить La verdad sospechosa, комедия персонажей, отражающая его постоянные нравоучительные цели. Драматическая постановка Сор Хуана Инес де ла Крус помещает ее как вторую фигуру испано-американского театра барокко. Среди ее работ следует отметить автосакраментал и комедию.
Партер Оранжереи из Версальского дворца (1684) Сад в стиле барокко, также известный как французский сад или Французский формальный сад, впервые появившийся в Риме в 16 веке, наиболее известный Франции в 17 веке в садух Во ле Виконт и Версальском дворце.. Сады в стиле барокко строили короли и князья в Германии, Нидерландах, Австрии, Испании, Польше, Италии и России до середины 18 века, когда их начали переделывать в более естественный английский ландшафтный сад.
Целью сада в стиле барокко было Чтобы проиллюстрировать власть человека над природой и славу ее строителя, сады в стиле барокко были разбиты геометрическими узорами, как комнаты в доме. Обычно их лучше всего было видно снаружи и смотреть вниз, то ли из замка, то ли с террасы. Элементы сада в стиле барокко включали партеров с цветочными клумбами или невысоких живых изгородей, украшенных богато украшенными орнаментами в стиле барокко, а также прямые аллеи и аллеи из гравия, которые разделяли и пересекали сад. Террасы, пандусы, лестницы и каскады были размещены там, где была разница высот, и предусмотрены точки обзора. Круглые или прямоугольные пруды или бассейны с водой служили декорациями для фонтанов и статуй. Боскеты, или тщательно подстриженные рощи или ряды одинаковых деревьев, создавали вид зеленых стен и служили фоном для статуй. По краям садов обычно были беседки, оранжереи и другие сооружения, где посетители могли укрыться от солнца или дождя.
Сады в стиле барокко требовали огромного количества садоводов, постоянной стрижки и обильного полива. В более поздней части периода барокко формальные элементы начали заменяться более естественными элементами, включая извилистые дорожки, рощи разнообразных деревьев, оставленные расти необрезанными; деревенская архитектура и живописные сооружения, такие как римские храмы или китайские пагоды, а также «секретные сады» по краям главного сада, наполненные зеленью, где посетители могли читать или вести тихие беседы. К середине 18 века большинство садов в стиле барокко были частично или полностью преобразованы в вариации английского ландшафтного сада.
Помимо Версаля и Во-ле-Виконта, знаменитые сады в стиле барокко, все еще сохраняющие большую часть своего первоначального вида, включают Королевский дворец в Казерте недалеко от Неаполя; дворец Нимфенбург и дворцы Августусбург и Фалькенлуст, Брюль в Германии; Дворец Хет Лоо в Нидерландах; дворец Бельведер в Вене ; Королевский дворец Ла-Гранха-де-Сан-Ильдефонсо в Испании; и Петергофский дворец в Санкт-Петербурге, Россия.
Сад Во-ле-Виконт (Франция), вид со стороны Шато (1656–1661)
Вид на садовый фасад Версальского дворца в 1680-е годы
План сада Тюильри (Франция), разработанный Андре Ленотром (ок. 1671)
Восстановленные партеры дворца Бельведер (Вена, Австрия ) сегодня
Ниже приведены характеристики рококо есть, а в барокко нет:
Госпожа де Помпадур, хозяйка Людовика XV, способствовала упадку стиля барокко и рококо. В 1750 году она отправила своего племянника, Абеля-Франсуа Пуассона де Вандиера, с двухлетней миссией для изучения художественных и археологических открытий в Италии. Его сопровождали несколько художников, в том числе гравер Николя Кочин и архитектор Суффло. Они вернулись в Париж со страстью к классическому искусству. Вандиер стал маркизом Мариньи и в 1754 году был назначен королевским директором по строительству. Он обратил официальную французскую архитектуру в сторону неоклассицизма. Кочин стал важным искусствоведом; он осуждал мелкий стиль Буше и призывал к великому стилю с новым акцентом на древность и благородство в академиях живописи архитектуры.
Первый немецкий историк искусства и археолог Иоганн Иоахим Винкельманн также осудил стиль барокко и высоко оценил его высшие ценности. классическое искусство и архитектура. К XIX веку барокко было насмешек и критики. Неоклассический критик Франческо Милиция писал: «Борроминини в архитектуре, Бернини в скульптуре, Пьетро да Кортона в живописи... - это чума на хороший вкус, от которого заразилось большое количество художников». В веке XIX критика пошла еще дальше; британский критик Джон Раскин заявил, что барочная скульптура не только плохая, но и морально испорченная.
Швейцарский историк искусства Генрих Вёльфлин (1864–1945) начал реабилитацию слова Барокко в его «Ренессансе и бароке» (1888); Вёльфлин определил барокко как «движение, импортированное в массу», искусство, противоположное искусству эпохи Возрождения. Он не делал различий между маньеризмом и барокко, как современные писатели, и игнорировал более позднюю фазу, академическое барокко, длилось до 18 века. Искусство и архитектура барокко вошли в моду в период между двумя мировыми войнами и в степени остались в критической позиции. Термин «барокко» все еще может, обычно уничижительно, для описания произведений искусства, ремесел или дизайна, которые, как считается, имеют чрезмерный орнамент или сложность линий.
Конец XIX века был золотым веком для возрождения стилей, включая возрождение барокко или необарокко.
Помимо своей практической (защитной) функции, лицо также имеет эстетическое и архитектурное назначение. Он отражает преобладающие стили стили эпохи. Орнаменты - самые распространенные «украшения» построек. Орнаменты, использованные в архитектуре 17-18 веков, повторно используются в зданиях эпохи Возрождения барокко, в том числе: рога изобилия, фестоны, ангелочки, женские или мужские маскароны, овальные картыши, листья аканта, классические колонны, кариатиды, фронтоны и др. элементы греко-римской архитектуры. Большинство зданий эпохи возрождения барокко мансардные крыши, обычно синие или иногда черные, с овальными или слуховыми окнами. Некоторые из домов этого стиля имеют в форме картуша окулус, обычно с маскароном наверху или внизу. Во Франции и Румынии у многих входов есть навесы (французский : Marquise; румынский : marchiză), сделанные из стекла и металла, обычно в ракушка -фигура. В этих двух графствах, особенно в Румынии, необарокко иногда сочеталось с ар-нуво. Beaux-Arts Здания конца 1890-х - начала 1900-х годов - прекрасные образцы архитектуры эпохи Возрождения барокко. Самые известные здания в стиле необарокко в Париже: Pavillon de Flore (часть Palais du Louvre ), Palais Garnier, Пти Пале и Гран Пале. Среди важных архитекторов этого стиля: Чарльз Гарнье (1825–1898), Фердинанд Фелльнер (1847–1917), Герман Хельмер (1849–1919) и (1871 –1928).
В декоративном искусстве возрождение барокко обычно известно как стиль Наполеона III или стиль Второй Империи. Предметы в этом стиле очень ценились в Румынии в конце 1890-х - начале 1900-х годов, многие из них привозили из Франции или Австрии. Одним из основных влияний был стиль Людовика XVI или французский неоклассицизм, который предпочитала императрица Евгения. Ее комнаты во дворце Тюильри и других местах были установлены в этом стиле. Другие влияние включают французский ренессанс и стиль Генриха II, который оказал большое влияние на сундуки и шкафы, буфеты и верительные грамоты, которые были массивными и построенными как небольшие соборы, украшенные колоннами, фронтоном, картыши, маскароны и резные ангелы и химеры. Они, как правило, изготовлены из ореха или дуба, или иногда Poirier тетивали походить черное дерево.
-а-тет, пример Вторая империя мебели; 1850–1860; палисандр, ясень, сосна и орех; 113 х 132,1 х 109,2 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)
Девушки у Сены; Гюстав Курбе ; 1856; масло на холсте; 174 х 206 см; Пти-Пале (Париж)
Рождение Венеры; автор Александр Кабанель ; 1863; масло на холсте; 130 х 225 см; Musée d'Orsay (Париж)
Palais Garnier из Парижа, автор Charles Garnier
Window с парой путти выше это, в Вуппертале (Германия)
Лестница в Дом ученых из Львова
В Дворец Кантакузино на проспекте Победы из Бухарест (Румыния ), автор (1898–1900)
Портал искусств 
Портал христианства 
Портал католицизма  | На Wikimedia Commons есть материалы, относящиеся к искусству барокко. |
