Войти
Американский модернизм, как и движение модернизм в целом, является направление философской мысли, возникшее в результате повсеместных изменений в культуре и обществе в эпоху современности. Американский модернизм - это художественное и культурное движение в Соединенных Штатах, начавшееся на рубеже 20-го века, с основным периодом между Первой и Второй мировыми войнами. Как и его европейский аналог, американский модернизм возник из отказа от Просвещения мышления, стремящегося лучше представить реальность в новом, более индустриализированном мире.
Характерно, что модернистское искусство имеет тенденцию к абстракции, инновационный, эстетичный, футуристический и самодостаточный. Сюда входят изобразительное искусство, литература, музыка, кино, дизайн, архитектура, а также стиль жизни. Он выступает против историзма, художественных условностей и институционализации искусства. Искусство должно было не только рассматриваться в академиях, театрах или концертных залах, но и быть включенным в повседневную жизнь и доступным для всех. Более того, учреждения культуры сосредоточились на изобразительном искусстве, а ученые мало обращали внимания на революционные стили модернизма. Экономический и технический прогресс в США в течение бурных двадцатых породил широко распространенный утопизм, который повлиял на некоторых художников-модернистов, в то время как другие скептически относились к технологиям. Победа в Первой мировой войне подтвердила статус США как международного игрока и дала людям уверенность в себе и чувство безопасности. В этом контексте американский модернизм ознаменовал начало американского искусства как отдельного и автономного от европейского вкуса, нарушив художественные условности, которые до того времени формировались по европейским традициям.
Американский модернизм извлек выгоду из разнообразия иммигрантских культур. Художники были вдохновлены африканскими, карибскими, азиатскими и европейскими народными культурами и внедрили эти экзотические стили в свои работы.
Американское модернистское движение было отражением американской жизни 20-го века. В быстро индустриализирующемся мире и в ускоренном темпе жизни человеку было легко быть поглощенным необъятностью вещей, оставленным блуждающим, лишенным цели. Социальные границы по расе, классу, полу, богатству и религии были поставлены под сомнение. По мере того как социальная структура подвергалась угрозе со стороны новых поступающих взглядов, границы традиционных стандартов и социальной структуры растворились, и осталась потеря идентичности, которая в конечном итоге вылилась в изоляцию, отчуждение и общее чувство отделенности от любого вида «целого». Единство сплоченной войной страны умирало вместе с иллюзией любезностей, которые она продавала своим солдатам и народу. Мир остался жестоким, вульгарным и духовно пустым.
Рабочий из среднего класса попал в явно незаметное положение, винтик слишком мал, чтобы надеяться найти признание в гораздо большей машине. Горожане были одержимы собственной тщетностью. Юношеские мечты разбиты неудачей и разочарованием в признании ограничений и потерь. Жизнь разочаровавшихся и изгоев стала более сосредоточенной. Ценилась способность определять себя через упорный труд и находчивость, создавать собственное видение себя без помощи традиционных средств. Некоторые авторы поддержали это, в то время как другие, например Ф. Скотт Фицджеральд, оспаривали, насколько заманчивыми, но разрушительно ложными могут быть ценности привилегий.
Модернистская Америка должна была найти общий язык в мире, больше не объединенном в вере. Обнаруженное единство лежит в общей основе общего сознания во всем человеческом опыте. Была подчеркнута важность личности; действительно ограниченная природа человеческого опыта связала все мосты расы, класса, пола, богатства или религии. Таким образом, общество находило общий смысл даже в беспорядке.
Некоторые видят модернизм в традициях 19 века эстетизм и движение «искусство ради искусства ». Клемент Гринберг утверждает, что модернистское искусство исключает «все, что находится вне себя». Другие видят модернистское искусство, например, в блюзе и джазе музыке, как средство выражения эмоций и настроений, и многие работы посвящены современным проблемам, таким как феминизм и городская жизнь. Некоторые художники и теоретики даже добавили политическое измерение в американский модернизм.
Американский модернистский дизайн и архитектура позволили людям вести современную жизнь. Работа и семейная жизнь радикально и быстро изменились из-за экономического подъема 1920-х годов. В США автомобиль стал популярным и доступным для многих, досуг и развлечения приобрели значение, и рынок труда открылся для женщин. Чтобы сделать жизнь более эффективной, дизайнеры и архитекторы стремились упростить работу по дому.
Великая депрессия в конце 20-х и в 30-х годах разочаровала людей в экономической стабильности страны и подорвала утопическое мышление. Вспышка и ужасы Второй мировой войны вызвали дальнейшие изменения в менталитете. Последовавший послевоенный период получил название позднего модернизма. Постмодернистская эпоха обычно считалась характерной для искусства конца XX века, начиная с 1980-х годов.
Альфред Генри Маурер, Расположение, 1901
Морган Рассел, Космическая синхромия (1913–14), Синхромизм. Холст, масло, 41,28 см × 33,34 см., Институт искусств Мансона-Уильямса-Проктора.
Оскар Блюмнер, Форма и свет, Мотив в Западном Нью-Джерси (1914)
Эндрю Дасбург, Импровизация, ок. 1915–1916
Стентон Макдональд-Райт 1920, Синхромия самолета в желто-оранжевом, Синхромизм
Чарльз Демут, Весна, 1921
Стюарт Дэвис, Lucky Strike, 1921
Чарльз Демут, Рисунок 5 в золоте, 1928
Патрик Генри Брюс, Картина, холст, масло, 23 ⁄ 4 × 36 ⁄ 8 "(60,3 × 92,4 см) ок. 1929–1930 гг.
В Америке нет единой даты начала современной эпохи, поскольку в начале 20 века работали десятки художников. время, когда появились первые кубистические пейзажи, натюрморты и портреты; яркие краски вошли в палитры художников, а первые беспредметные картины выставлялись в галереях.
Модернистское движение в первые годы становления также стало популярным в Нью-Йорке к 1913 году в популярной манхэттенской галерее-студии Вильгельмины Вебер Ферлонг (1878–1962) и благодаря работам студии Whitney Studio Cub. в 1918 году. Согласно Дэвидсону, Создание американской модернистской живописи можно датировать 1910-ми годами. Начало этого периода длилось 25 лет и закончилось примерно в 1935 году, когда современное искусство называлось тем, что Гринберг называл авангардом.
1913 оружейной выставкой В Нью-Йорке выставлены современные работы европейских художников, а также американцев. Картины импрессионистов, фовистов и кубистов поразили многих американских зрителей, которые привыкли к более традиционному искусству. Однако вдохновленные увиденным, многие американские художники испытали влияние радикальных и новых идей.
Начало 20 века ознаменовалось исследованием различных техник и способов художественной выразительности. Многие американские художники, такие как Вильгельмина Вебер, Ман Рэй, Патрик Генри Брюс, Джеральд Мерфи и другие, отправились в Европу, особенно в Париж, чтобы делать искусство. Формирование различных художественных собраний привело к множественности смыслов в изобразительном искусстве. Школа Ашкана собиралась вокруг реализма (Роберт Генри или Джордж Люкс ); круг Штиглица прославлял абстрактные видения Нью-Йорка (Макс Вебер, Авраам Валковиц ); художники-колористы развивались в направлении красочных, абстрактных «синхромий » (Стэнтон Макдональд-Райт и Морган Рассел ), тогда как прецизионизм визуализировал индустриальный ландшафт Америки в форме резкой и динамичной геометризации (Джозеф Стелла, Чарльз Шилер, Мортон Ливингстон Шемберг и Чарльз Демут ). В конце концов такие художники, как Чарльз Берчфилд, Марсден Хартли, Стюарт Дэвис, Артур Дав, Джорджия О'Киф, которые считалась матерью американского модернизма, Джон Марин, Артур Бичер Карлес, Альфред Генри Маурер, Эндрю Дасбург, Джеймс Догерти, Джон Коверт, Генриетта Шор, Уильям Зорач, Маргарита Томпсон (Зорах), Маньер Доусон, Арнольд Фридман и Оскар Блюмнер открыли эру модернизма в нью-йоркскую школу.
. разнообразие предметов в изобразительном искусстве также является отличительной чертой американского модернистского искусства. Так, например, группа Восьмерка сосредоточила внимание на современном городе и сделала акцент на разнообразии разных классов граждан. Два самых значительных представителя «восьмерки», Роберт Генри и Джон Слоан, писали картины о социальном разнообразии, часто беря в качестве основного сюжета обитателей трущоб промышленно развитых городов. Конец 1920-х и 1930-е годы принадлежали (среди многих других) двум движениям в американской живописи: регионализму и соцреализму. Регионалисты сосредоточились на красочности американского пейзажа и сложности деревенской жизни, тогда как соцреалисты обратились к темам Великой депрессии, бедности и социальной несправедливости. Социалисты протестовали против правительства и истеблишмента, которые казались лицемерными, предвзятыми и безразличными к вопросам человеческого неравенства. Абстракция, пейзаж и музыка были популярными модернистскими темами в первой половине 20 века. Такие художники, как Чарльз Демут, создавший свой шедевр «Я видел пятерку в золоте» в 1928 году, Мортон Шамберг (1881–1918) и Чарльз Шилер были тесно связаны с движением прецизионистов. тоже. Шилер обычно рисовал городские пейзажи и промышленную архитектуру, примером чего является его картина Amoskeag Canal 1948. Джаз и музыка импровизированно представлены Стюартом Дэвисом, примером чего является Hot Still-Scape for Six Colours - 7th Avenue Style, 1940 год.
Модернизм ликвидировал разрыв между искусством и социально разнородной аудиторией в США. Растущее число музеев и галерей, нацеленных на то, чтобы привнести современность в широкую публику. Несмотря на первоначальное сопротивление прославлению прогресса, технологий и городской жизни, изобразительное искусство внесло огромный вклад в самосознание и осведомленность американского народа. Новая модернистская живопись пролила свет на эмоциональное и психическое состояние публики, которое было основополагающим для формирования американской идентичности.
Многочисленные направления американского «модернизма» не привели к единому согласованному стилю, но вызвали желание экспериментов и проблем. Это доказало, что современное искусство выходит за рамки установленных принципов.
Джорджия О'Киф, известная как «Мать американского модернизма», была важной фигурой в американском модернизме с 1920-х годов. Она получила широкое признание за то, что бросила вызов границам современного американского художественного стиля. В основном она известна картинами цветов, камней, ракушек, костей животных и пейзажами, в которых она синтезировала абстракцию и репрезентацию. Рама Голова Белый Холлихок и Маленькие холмы, 1935 года - хорошо известная картина О'Кифа.
Джорджия О'Киф, Рама Голова Белый Холлихок и Маленькие холмы, 1935 
Артур Дав, Я и Луна 1937 Артур Дав использовал широкий спектр средств массовой информации, иногда в нетрадиционных сочетаниях для создания своих абстракций и абстрактных пейзажей. «Я и Луна» из 1937 года - хороший пример абстрактного пейзажа Артура Дава, который называют одной из кульминационных работ его карьеры. В 20-е годы Дав сделал серию экспериментальных коллажей. Он также экспериментировал с техникой, сочетая краски, такие как смешанное вручную масло или темпера, поверх восковой эмульсии.
Афроамериканский художник Аарон Дуглас (1899–1979) - один из самых известных и влиятельных афроамериканских художников-модернистов. Его работы во многом способствовали развитию эстетического движения, которое тесно связано с определенными чертами афроамериканского наследия и культуры. Дуглас оказал влияние на изобразительное искусство афроамериканцев, особенно во время Гарлемского Возрождения.
. Одна из самых популярных картин Дугласа - «Распятие». Он был опубликован в книге Джеймса Велдона Джонсона «Тромбоны Бога» в 1927 году. Сцена распятия, изображенная на картине, показывает несколько элементов, составляющих искусство Дугласа: четкое очертание, изменение теней и света, стилизованные человеческие тела и геометрические фигуры в виде концентрических кругов. в отличие от линейных форм. Тема картины напоминает не только библейскую сцену, но также может рассматриваться как намек на афроамериканскую религиозную традицию: негабаритный темный Иисус несет свой крест, его глаза обращены к небу, откуда свет падает на его последователей. По бокам сцены стоят стилизованные римские солдаты с острыми копьями. В результате наблюдатель может вспомнить, например, афроамериканскую евангельскую традицию, но также и историю подавления. Бофорд Делани, Чарльз Алстон, Джейкоб Лоуренс и Ромар Бирден также были важны афро-американец Художники-модернисты, вдохновившие поколения последовавших за ними художников.
Рроуз Селави (Марсель Дюшан). 1921. Фотография Мана Рэя. Художественное оформление Марселя Дюшана. На заре американского модернизма фотография все еще боролась за то, чтобы быть признанной формой искусства. Фотограф Альфред Штиглиц описал это так: «Художники, которые видели мои более ранние фотографии, начали говорить мне, что они мне завидуют; что они считают мои фотографии лучше их картин, но, к сожалению, фотография не является искусство. Я не мог понять, почему художники должны завидовать мне моей работе, но в то же время осуждать ее, потому что она была сделана машиной ». (Штиглиц: 8). В 1902 году Штиглиц основал группу Photo-Secession, в которую вошли такие члены, как Эдвард Стейхен, Гертруда Кезебир и Кларенс Хадсон Уайт, у которой были цель повышения стандартов и повышения осведомленности об художественной фотографии. В то время их основным стилем был пикториалист, который был известен изменением фотографий с помощью мягкого фокуса, специальных фильтров или экзотических процессов печати, чтобы имитировать стиль картин и гравюр того времени. В качестве средств публикации Штиглиц, как движущая сила движения, основал журнал Camera Work, в котором он публиковал художников, которые, по его мнению, представляли это движение. Он также руководил одной за другой тремя галереями: «291» (1905–1917), «Интимная галерея» (1925–1929) и «Американское место» (1929–1947). В частности, 291 служил местом встречи художников и писателей и был первым, кто выставил работы европейских художников раннего модернизма, таких как Анри Матисс, Огюст Роден, Анри Руссо, Поль Сезанн и Пабло Пикассо в Соединенных Штатах. Еще одну связь с европейским авангардом установил Ман Рэй. Рэй родился в Америке и вдохновился работами, которые он видел в галереях Штиглица, Рэй эмигрировал в Париж в 1921 году и вместе с художниками европейских движений дада и сюрреалист создал новые фотографические техники, такие как рентгенограммы (размещение объектов непосредственно на светочувствительной бумаге).
В начале 1920-х годов фотографы перешли к так называемой прямой фотографии. В отличие от стиля пикториализма, они теперь отвергли любые манипуляции в фотографическом процессе (например, мягкие линзы, специальные методы проявления или печати) и попытались использовать преимущества камеры как уникального средства для захвата реальности. Их мотивы должны были выглядеть максимально объективно. Отводя акцент от классической портретной живописи и стиля пикториализма, фотографы начали использовать свои фотографии как средство для представления суровых реалий повседневной жизни, но в то же время пытались искать красоту в деталях или общей эстетической структуре. Машины и фабричные работы, небоскребы и технические новшества стали заметными мотивами. В 1932 году некоторые молодые фотографы (например, Ансель Адамс, Имоджен Каннингем, Уиллард Ван Дайк, Эдвард Уэстон ) основали Group f / 64 на основе идеалов прямой фотографии, ставшей самым прогрессивным объединением своего времени.
Американская модернистская литература была доминирующим направлением в американской литературе между Первой мировой войной и Второй мировой войной. Эпоха модернизма выдвинула на первый план инновации в форме и языке поэзии и прозы, а также обратилась к многочисленным современным темам, таким как расовые отношения, гендер и условия жизни человека. Многие американские модернисты эмигрировали в Европу в это время, часто становясь стойкими приверженцами европейского движения, как это было в случае с Т. С. Элиот, Эзра Паунд и Гертруда Стайн. Этих писателей часто называли «Потерянным поколением».
Как реакция на эту тенденцию, многие американские авторы и поэты начали тенденцию «нативизма», стремясь представить современный американский опыт в Америке. Известными участниками этой тенденции являются Уильям Карлос Уильямс, Уоллес Стивенс и Марианна Мур. Эти поэты часто критиковали работы писателей-эмигрантов, таких как Элиот и Паунд, о чем свидетельствуют такие стихотворения, как Весна и все.
Под влиянием Первой мировой войны многие американские писатели-модернисты исследовали психологические раны и душевные шрамы своей жизни. опыт войны. Экономический кризис в Америке в начале 1930-х годов также оставил след в литературе, такой как Джона Стейнбека Гроздья гнева. Связанная с этим проблема - это потеря себя и потребность в самоопределении, поскольку рабочие растворились на фоне городской жизни, незаметные винтики внутри машины, стремящейся к самоопределению. Американские модернисты повторили акцент середины XIX века на попытке «построить себя» - тему, проиллюстрированную Фицджеральдом Великим Гэтсби. Безумие и его проявления, кажется, еще одна излюбленная модернистская тема, как видно из Юджина О'Нила Император Джонс, Хемингуэя Баттлера и Фолкнера Вечернее солнце. Тем не менее, все эти негативные аспекты привели к новым надеждам и устремлениям, а также к поиску нового начала не только для современных людей, но и для вымышленных персонажей американской модернистской литературы.
Модернистская литература также способствовала развитию региональных тенденций в американской литературе, включая Гарлемский ренессанс и южный модернизм. Гарлемское Возрождение ознаменовало возрождение афроамериканского искусства, сосредоточенного в районе Гарлема в Нью-Йорке. Писатели и мыслители, такие как Ален Локк, Клод Маккей, Лэнгстон Хьюз и Зора Нил Херстон, были среди ключевых фигур движения. Движение было связано с модой на афроамериканскую культуру, что видно также по популярности джазовой музыки, когда многие писатели финансировались белыми покровителями. Многие писатели этого движения использовали модернистские методы для представления жизни афроамериканцев, например, включали ритмы джазовой музыки и диалекты афроамериканской культуры в поэзию и прозу. Южный модернизм аналогично представил жизнь и уникальный опыт Юга, используя модернистскую эстетику, с такими знаменитыми фигурами, как Уильям Фолкнер и Теннесси Уильямс.
С 1930-х по 1960-е годы Новая критика стала критической силой в Соединенных Штатах. Это была самая сильная точка зрения американской литературной критики. Представителями были Джон Кроу Рэнсом, Аллен Тейт, Клинт-Брукс, Роберт Пенн Уоррен. «Влиятельные критические методы, разработанные этими профессорами-поэтами, подчеркнули важность обострения навыков внимательного чтения. Новая критика отдавала предпочтение оценке поэзии как оправданию литературной науки». «Понимание поэзии» Брукса и Уоррена (1938) стал одним из самых влиятельных школьных учебников поэзии 1930-х годов и был переработан и переиздан в 1970-е годы. (Морриссон: 29).
Новая критика проявилась в таких произведениях, как стихи Элиота и Йейтса. «Поэзия, которая лучше всего соответствует эстетическим критериям Новых Критиков, была подчеркнута в важных антологиях преподавания в классе» (Морриссон: 29). Т. С. Элиот пересмотрел традицию в своем эссе «Традиция и индивидуальный талант». Он сформулировал такие критические концепции, как «объективный коррелятив», и переосмыслил литературный канон в своем возвышении якобинской драмы и метафизической поэзии. Его работа оказала фундаментальное влияние на новую критику в Америке.
Соединенные Штаты сыграли большую роль в движении модернизма, касающемся новых передовых технологий строительства и строительства. Среди строительных новинок - такие материалы, как железо, сталь и железобетон. Бруклинский мост Джона и Вашингтона Роблингов (1869–1883 гг.) (Подробнее см. Джон Роблинг / Вашингтон Роблинг)
Луи Генри Салливан возглавил так называемую Чикагскую школу архитектуры, которая была отличается развитием функционального дизайна в сочетании с современными материалами. Последователь Салливана Фрэнк Ллойд Райт перенял у своего «либер-мастера» (дорогого мастера) немецкую романтическую традицию органической архитектуры. Перед Первой мировой войной он разработал новый и оригинальный подход к жилому дизайну, который стал известен как «стиль прерий». Он сочетал в себе принципы открытой планировки с горизонтальным акцентом, асимметричными фасадами фасадов и широкими укрывающими крышами. Роби Хаус в Чикаго (1909) и Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке (1946–59) - две из его основополагающих работ.
В своих работах Райт все ближе и ближе приближался к земному ощущению естественной формы, используя грубо обтесанный камень и дерево и всегда стремясь к своим домам, чтобы добиться эффекта интимного и защитного убежища.
Иностранные архитекторы, такие как Ричард Нейтра, Рудольф Шиндлер и Уильям Лесказ в течение 1920-х годов сыграли большую роль в развитии американской архитектуры. позднее исполняя стиль, получивший название международный стиль и нашедший отражение в дизайне корпоративных офисных зданий после Второй мировой войны. Такие здания, как Рычажный дом Скидмора, Оуингса и Меррилла (1952) и Сиграм-билдинг Людвига Мис ван дер Роэ (1956–58) в Нью-Йорке, являются примерами этого нового стиля. Когда такие известные европейцы, как Вальтер Гропиус и Людвиг Мис ван дер Роэ иммигрировали в Соединенные Штаты, многие американские архитектурные школы попали под влияние традиций Баухауса в Германии.
